Theater zum Fürchten: Tartuffe

April 8, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Der Betrüger hat am Schluss das Sagen

Tartuffe manipuliert Orgon: Alexander Rossi und Georg Kusztrich. Bild: Bettina Frenzel

Dass gerade jenen, denen die Augen geöffnet sind, darob der Mund verboten wird, ist wohl die Quintessenz von Marcus Gansers „Tartuffe“-Inszenierung, die das Theater zum Fürchten nun in seiner Wiener Spielstätte, der Scala, zeigt. Bei Ganser nämlich hat der Betrüger am Schluss das Sagen. Gemächlich schlendert er durch die Sitzreihen und verklebt einem nach dem anderen Mitglied der Familie Pernelle die Lippen mit schwarzem Band. Dass diese Reihen aus Theaterklappsesseln bestehen, scheint des Regisseurs – Ganser hat wie stets auch das Bühnenbild erdacht – irr witziger Kommentar zur (Kultur-)politik zur Zeit zu sein.

Sein „Tartuffe“ ist ein satirisches Spiegelbild der gesellschaftlichen Vorgänge dieser Tage. Da mag man sich selber beim Schopf nehmen und die eigenen Handlungen hinterfragen, oder auch die Worte statt Taten, auf die man schon hereingefallen ist, die Manöver und die Manipulationen, und „Honi soit …“, wer sich was dabei denkt, dass Orgon hier eine rote und Tartuffe eine türkisblaue Krawatte trägt. Dass Moliéres meisterliche Komödie für derlei Zuspitzungen mehr als geeignet ist, ist ja bewiesene Tatsache.

Ihr Schöpfer selbst wähnte sich zu Recht nach dem Verbot der ersten beiden Fassungen von gewieften Politikern verfolgt, ist sein Tartuffe doch eine messerscharfe Abrechnung mit der damals einflussreichen „Partei der Frommen“. Und les dévots – „die Heuchler haben keinen Spaß verstanden“. In Gansers Bearbeitung nun schillert der „Tartuffe“ in einer tadellosen Versfassung, die die Künstlichkeit, die Verlogenheit des Gesagten noch hervorhebt. Das TzF-Ensemble agiert mit der bekannten Brillanz, allen voran Georg Kusztrich als Orgon, der es schafft, in die Komödiantik die Charakterstudie eines Verblendeten zu packen, der dem bigotten Blender aufsitzt und verfallen ist. In seinen besten hat Kusztrich Louis-de-Funès-Momente. Alexander Rossi spielt als Tartuffe ganz das Unschuldslamm, so schön kann Scheinheiligkeit sein, wenn einer in der Unterhose als armer Sünder dasteht, bevor er sich mit Verve zwischen die Schenkel von Orgons Gemahlin wirft.

Mit Ehefrau Elmire kommt es beinah zum Äußersten: Alexander Rossi, Georg Kusztrich und Eszter Hollósi. Bild: Bettina Frenzel

Der Haus-Staat staunt ob so viel Unverfrorenheit: Eszter Hollósi, Margot Ganser-Skofic, Christina Saginth und Glenna Weber. Bild: Bettina Frenzel

Ganser setzt auf Tempo und Slapstick, lässt seine Darsteller über die Stühle und einen Laufsteg turnen; nur eindreiviertel Stunden dauert seine Version der Farce, und jede Minute davon geht es dabei zur Sache. Hier wird laut und schrill agiert, gesoffen und gekokst und Thomas Marchart darf als stürmischer Valère sogar mit dem Motorrad auf die Bühne fahren. Orgons Kinder gestalten Glenna Weber und Sebastian von Malfér ganz köstlich. Eszter Hollósi hat als Elmire in der Verführungsszene die Lacher auf ihrer Seite, Anselm Lipgens ist ein überlegter, überlegener Cleant.

Herausragen können da nur die wunderbare Margot Ganser-Skofic, die als Madame Pernelle zwei großartige Auftritte hat, in denen sie erst mit dem gesamten Haus-Staat abrechnet, bevor auch sie einsehen muss, dass der „Gottgesandte“ nichts als ein böser Demagoge ist, und Christina Saginth, die sich als vorlaute, freche Dorine als Spielmacherin entpuppt. Wie bei Moliére vorgesehen, gibt es am Ende einen Problemlöser ex machina, der freilich kein König mehr sein kann. Ganser hat diese Macht in die Hände des Journalismus gelegt: Christoph Prückner – dem auch als Flipote und Loyal zwei Kabinettstückchen gelingen – berichtet vor der Kamera von Tartuffes Verhaftung.

Doch das Abgeführtwerden in Handschellen dauert nur einen Moment, schon ist der Scharlatan wieder da, von einer hilf- oder skrupellosen Instanz offenbar freigelassen, und bemächtigt sich erneut seiner Intrigenopfer. Wie gesagt. Honi soit …

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  1. 4. 2018

MAK: Gustav Peichl. 15 Bauten zum 90sten

März 19, 2018 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Ideen, Skizzen, Fotografien aus 50 Jahren Schaffen

Pola Sieverding, Rehabilitationszentrum Meidling, Wien-Meidling. Erbaut 1965–1967, fotografiert 2018 © Pola Sieverding, Berlin

Anlässlich seines 90. Geburtstags widmet das MAK dem österreichischen Architekten Gustav Peichl ab 21. März die Personale „Gustav Peichl. 15 Bauten zum 90sten“. In seinem 50-jährigen Schaffen konnte Peichl, der unter dem Pseudonym Ironimus höchst erfolgreich auch als politischer Karikaturist tätig war, 70 Bauten realisieren. Für die Schau im MAK wählte er 15 Bauten aus, die exemplarisch Einblick in sein umfangreiches Lebenswerk geben. Die Gebäude werden exklusiv für das MAK von der deutschen Künstlerin Pola Sieverding in ihrem heutigen, aktuellen Zustand fotografiert und mit Skizzen, Entwürfen und Plänen aus der MAK-Sammlung kontextualisiert.

Peichl schenkte dem MAK 2013 einen umfassenden Bestand von mehr als 8000 Entwurfszeichnungen, Skizzen, Plänen und Konzepten für seine österreichischen Bauten. Darunter befinden sich Ideenskizzen ebenso wie öffentliche Bauaufträge, städtebauliche Planungen, nicht realisierte Projekte, soziale Wohnbauten und repräsentative Einfamilienhäuser. Im digitalen Zeitalter, in dem meist am Computer geplant wird, postuliert Peichl das Skizzieren als Nachdenken auf dem Papier.

Für ihn sind „Bauen und Architektur die Summe aus Form, Funktion, Material, Farbe und Licht. Es gilt nach einer sinnlichen Architektur zu streben, nach einer Architektur unter Bezugnahme auf Eros“. Als Vertreter der klassischen Moderne verfolgt Peichl technische Ästhetik, klassische Proportionen, Witz und Sinnlichkeit – und damit eine unverkennbare, eigenständige Linie.

Die Ausstellung folgt einer chronologischen Ordnung: vom ersten realisierten Bau, dem gemeinsam mit Wilhelm Hubatsch und Franz Kiener entworfenen Verwaltungsgebäude der NEWAG-NIOGAS (1958–1960), über die legendären ORF-Landesstudios (1970er und 1980er Jahre) bis zur markanten Kindertagesstätte des Deutschen Bundestags an zentraler Stelle im Berliner Regierungsviertel (1998–2002). Die gezeigten Skizzen, Entwürfe und Einreichpläne werden großteils erstmals öffentlich zugänglich gemacht. Die Fotografien der Künstlerin Pola Sieverding schaffen ungewohnte Perspektiven und verdeutlichen die starke Materialität und die prägnante Formensprache von Peichls Architektur. Den ursprünglichen, bis zu 60 Jahre alten Ideenskizzen und Bauplänen stehen Bilder von deren Ergebnissen gegenüber, wie sie noch heute Orte, Städte und Umgebungen prägen.

Pola Sieverding, ORF-Landesstudio Vorarlberg, Dornbirn. Erbaut 1969–1972, fotografiert 2018 © Pola Sieverding, Berlin

Pola Sieverding, Bundeskunsthalle, Bonn. Erbaut 1986–1992, fotografiert 2018 © Pola Sieverding, Berlin

Auch in Deutschland feierte Peichl große Erfolge: Er gewann im Rahmen der Internationalen Bauausstellung (IBA) in Berlin den Wettbewerb um die Errichtung der Phosphateliminationsanlage PEA in Berlin-Tegel (1980–1987), plante die Bundeskunsthalle in Bonn (1986–1992) und entwarf den Zubau zum Städelschen Kunstinstitut in Frankfurt am Main (1987–1990) sowie das Werkraumtheater der Münchner Kammerspiele (1990–1993). Als Leihgaben der Akademie der Künste in Berlin, die seit 2013 etwa 3100 Pläne, Zeichnungen, Skizzen und Modelle zu Peichls Bauprojekten in Deutschland verwahrt, fließen diese Bauten in die MAK-Ausstellung ein. Peichl nahm zweimal an der Architekturbiennale in Venedig und an der documenta in Kassel teil. Er wurde mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet, unter anderem mit dem Reynolds Memorial Award. Von 1973 bis 1996 unterrichtete er als Professor an der Akademie der bildenden Künste Wien, von 2002 bis 2003 als Gastprofessor an der Harvard School of Design in Boston.
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19. 3. 2018

Theater zum Fürchten: Der jüngste Tag

Februar 11, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Macht der öffentlichen Meinung

Hudetz, verfolgt von den untoten Geistern seiner Opfer: Matthias Messner, RRemi Brandner, Christian Kainradl und Susanne Preissl. Bild: Bettina Frenzel

Eine eindrückliche und beklemmende Inszenierung von Ödön von Horváths „Der jüngste Tag“ zeigt das Theater zum Fürchten in seiner Wiener Spielstätte, der Scala. Regisseur Peter M. Preissler hat Horváths Text als Volksstück verstanden. Er zeigt ohne viel Verfremdungseffekt dessen Figuren als Kleinbürger par excellence, dies nicht ohne liebevolles Verständnis für ihre geschundenen Krämerseelen.

Tut das Horváth’sche Personal doch nichts anderes als die Zwänge und Nöte, in die der jeweils einzelne eingebunden ist, an den nächsten weiterzugeben. Dass aus dieser Kette von Verdrängung nur Feigheit, Dummheit, Intoleranz resultieren können, dass an ihrem Ende „menschliches Versagen“ steht, ist systemimmanent.

Der „Versager“ ist Stationsvorstand Thomas Hudetz, gefangen in einer lieblos gewordenen Ehe zu einer älteren Frau, dem die Wirtstochter Anna, sie wiederum in eine vorteilhafte Verlobung gedrängt, auf dem Bahnsteig einen Kuss abringt. Hudetz vergisst darob ein Signal zu stellen, Züge kollidieren, Menschen sterben. Hudetz wird verdächtigt, doch Anna schwört einen Meineid auf seine Unschuld. Frau Hudetz allerdings hat die Szene vom Fenster aus beobachtet, und rasend vor Eifersucht wird sie dem Staatsanwalt die Wahrheit offenbaren. Von der Kleinstadt allerdings als böses Weib abgestempelt, glaubt ihr keiner auch nur ein Wort. Hudetz wird freigesprochen. Doch Anna bekommt Skrupel, und es kommt zum Äußersten …

Den für einen kurzen Moment pflichtvergessenen Hudetz spielt Christian Kainradl auf höchstem Niveau. Er ist der typische österreichische Beamte, ein bissl Schmerzensmann, ein bissl Judas, ein Charakter, in dem sich Phlegma und Verzweiflung nicht ausschließen. Interessant an der Interpretation Preisslers ist, dass hier ein Hudetz weniger erotisiert als von Annas Avancen überrumpelt ist. Stark spielt Kainradl die Szenen, in denen es Hudetz darum geht, seine Haut zu retten; er macht deutlich, dass Horváth sein 1935/36 entstandenes Stück als Parabel angelegt hat, wohin Lüge und Verleumdung eine Gesellschaft führen werden.

Alles wartet auf den Zug: Leopold Selinger, Angelika Auer, Matthias Messner, Susanne Preissl und Valentin Frantsits. Bild: Bettina Frenzel

Der Staatsanwalt vernimmt die Zeugen: Jörg Stelling, Matthias Messner, Susanne Preissl, Georg Kusztrich und Christina Saginth. Bild: Bettina Frenzel

Ein Überlebender wird entdeckt: Georg Kusztrich, Anna Sagaischek und Tom Jost. Bild: Bettina Frenzel

Die Anna spielt Susanne Preissl als eine Art Lolita, die ihre reizenden Atouts mit großer Naivität ausspielt. Erst als sie sich ihrer Schuld, eine Falschaussage gemacht zu haben, bewusst wird, wird sie erwachsen. Christina Saginth changiert als Frau Hudetz zwischen enervierend und strapaziös, doch dank ihrer gelungenen Darstellung kann man fast nicht umhin, auf ihrer Seite zu sein, da sie doch im Recht ist. Eine Falle, in die Preissler das Publikum geschickt tappen lässt. Jörg Stelling gibt ihren Bruder Alfons als distinguierten Drogeriebesitzer.

Dreh- und Angelpunkt des Abends aber ist die Darstellung der zahlreichen Kleinstädter. Das TzF-Ensemble beweist ja nicht zum ersten Mal, dass es Horváth kann. Und so überzeugt Georg Kusztrich als oberg’scheit-jovialer Wirt zum „Wilden Mann“, der das Menschenfreundlich-Sein ebenso beherrscht, wie das Ausrufen einer Menschenjagd. Angelika Auer ist eine herrlich taktlose Dorftratschn Frau Leimgruber, Valentin Frantsits Fleischhauer Ferdinand als gleichsam Gemüts- wie Gewaltmensch wirkt wie ein Verwandter Oskars.

Anna Sagaischek als Kellnerin Leni gibt mit Chips in der Hand einen der Unfallvoyeure. Matthias Messner, Leopold Selinger, RRemi Brandner (er auch ein grantiger Staatsanwalt) übernehmen gleich mehrere Rollen, auch die der wiederkehrenden Untoten, Tom Jost spielt den überlebenden Heizer Kohut. Und am Höhepunkt der Handlung tritt die örtliche Blaskapelle auf …

Für all das hat Julia Krawczynski ein Bühnenbild erdacht, das nicht nur Antipuppenhäuschen und Antipuppenstuben zeigt, sondern mit Licht und Schall und Rauch auch wunderbar vorbei- und ineinander rauschende Züge. Durch diese Optik entsteht zusätzliche atmosphärische Enge, und so rasch die Bahn daran vorbeifährt, so schnell wechselt die Gesinnungslage im Dorf.

Was einen beim Verlassen des Theaters nicht loslässt: Gedanken über die Macht der öffentlichen Meinung, und die ist, sagt Horváth, sagt Preissler, je nach Einflüsterern wetterwendisch. So schnell im „Jüngsten Tag“ jemand verteufelt wird, so schnell ist er rehabilitiert – und umgekehrt. Ein Umstand, an dem sich nichts geändert hat. Die öffentliche Meinung, auch wenn fehlgeleitet, hat das Sagen.

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  1. 2. 2018

Theater zum Fürchten: Intendant Bruno Max im Gespräch

November 2, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

 Brecht kredenzt Moral, Gandalf lieber Zwiebelringe

Der Herr der Zwiebelringe: Thomas Marchart, Hans-Jürgen Bertram, Peter Fuchs, Robert Elsinger, Samantha Steppan, Eva-Maria Scholz, Jackie Rehak, Hendrik Winkler und Benjamin Ulbrich. Bild: Bettina Frenzel

Drei Spielstätten betreibt der Verein Theater zum Fürchten: das Stadttheater Mödling, die Wiener Scala und das Theater im Bunker. Das bedeutet mehr Verantwortung bei nicht mehr Geld, und ein Bewegen zwischen roter und schwarzer Kulturpolitik. Eine Herausforderung, die Bruno Max mit herausragenden Produktionen meistert. Am 4. November folgt im Mödling Bert Brechts „Der gute Mensch von Sezuan“, am 11. November in Wien die Parodie „Der Herr der Zwiebelringe“, eine der berühmten Dinnerproduktionen.

Der Intendant im Gespräch über Kampffelder der ÖVP, warum die FPÖ laut eigener Aussage Kulturförderung prinzipiell ablehnt und bittere Pillen für sein Publikum:

MM: Ihre nächste Premiere ist die Dinner-Produktion „Der Herr der Zwiebelringe“ am 11. 11. Sie dachten sich, zum Faschingsbeginn was Lustiges?

Bruno Max: Wir haben schon so viele Dinnertheater gemacht, wir waren in Kaffeehäusern, in Burgerrestaurants, bei Kannibalen, beim Heurigen, wir haben Picknicks an der Front gemacht, römische Orgien … Nun sollte es einmal was Exotisches sein – ein Mittelerdedinner. Wenn sich Menschen einen Waldspaziergang über 15 Stunden im Kino anschauen können, dann können sie sich auch die gesamte Fantasyliteratur in zwei Stunden geben.

MM: Das führt zur wichtigsten Frage: Was gibt es zu essen?

Bruno Max: Flugsaurier mit Kartuffeln aus dem Auenlande, das ist in Wahrheit Ente, Blaukraut mit Preiselbeeren, und natürlich Zwiebelringe. Zu trinken gibt es Met. Davon haben wir 100 Liter.

MM: Die ersten Fotos zeigen, alles wirkt original – bis hin zu Gollum.

Bruno Max: Ja, der arbeitet für uns schon lange. Wir haben auch einen Drachen und eben Flugsaurier, wir haben alles, auch einen Balrog, aber wir nehmen das Ganze nicht so ernst. Ich bin kein Tolkien-Spezialist, ich habe das Buch vor dreißig Jahren gelesen, und die erste Trilogie im Kino gesehen. Aber die „Hobbit“-Verfilmung war mir dann zu viel: Und sie gehen durch den Wald, und sie gehen durch den Wald, und dann verliert Gandalf seinen Hut, jemand würfelt eine Sechs – und alle müssen zurück an den Start, das war nicht mehr mein’s, ein Kinderbuch auf epische Breite auszuwalzen. Wir haben schamlos Parodien zusammengefügt, ich glaube es ist sehr lustig.

MM: Wie kam’s überhaupt zu der Idee Dinner-Produktion?

Bruno Max: Das weiß ich gar nicht mehr. Weil’s niemand anderer macht. Es ist auch ein enormer Aufwand. Aber mit der nächsten, die am Stadttheater Mödling schon im Juni und in Wien im Herbst zu sehen ist, gehen wir zurück zu den Wurzeln: Sie heißt „Tea and Sympathie“ und es geht um einen britischen High Tea in Zeiten des Brexit, mit sämtlichen britischen Exzentrikern der vergangenen 300 Jahre, seit Königin Henrietta den Tee in England eingeführt hat.

MM: Da beginnen die Vorstellungen um 17 Uhr.

Bruno Max: Das wäre eine Überlegung wert. Jedenfalls gibt es nur Tee und Gurkensandwiches und Plätzchen.

TzF-Intendant Bruno Max. Bild: Bettina Frenzel

Zuletzt zu sehen: „Die Fleischbank“ mit Georg Kusztrich und Michael Reiter. Bild: Bettina Frenzel

MM: Der Spielplan dieser Saison ist dominiert von Alfred Paul Schmidt, Brecht, Horvath, Hochwälder, Boris Vian … Sie glauben an das Theater als politische Institution?

Bruno Max: Nicht in dem Sinne, dass jemand unsere Vorstellung sieht, und hinausgeht und die Weltrevolution erklärt. Das glaube ich nicht, ich glaube, dass man am Theater zu den Bekehrten predigt, weil wer ins Theater geht schon eine grundsätzliche Einstellung zur Kultur und zum Humanismus hat. Zu uns kommen Leute, die man nur darin bestärken kann, dass es Sinn macht, sich mit Empathie für andere Menschen einzusetzen, dass man zuhört, dass man auch mal seine Meinung ändern kann, also eigentlich die Grundlagen einer gewissen Solidarität, die dem Theater innewohnt. Es gibt ein reaktionäres Theater, dass Menschen ausschließlich in ihren Vorurteilen bekräftigt, etwas, das Peter Brook einmal das tödliche Theater genannt hat, aber das ist nie in einem Volkstheater-Begriff anzutreffen, in dem wir arbeiten. So gesehen ist Theater immer neophil und nie neophob.

MM: Das glauben Sie wirklich, dass es in Österreich reaktionäres Theater gibt?

Bruno Max: Na, wir alle kennen doch die Bühnen, in denen die dicke Dame auftritt, und der Komiker zeigt mit dem Finger auf sie und sagt: Hahaha hohoho. Das brauche ich Ihnen doch nicht zu erklären. Es gibt schon Theater, wo Menschen denunziert werden. Aber Theater eignet sich nicht wirklich, um Vorurteile zu bestätigen. Was es machen kann, ist Menschen davon zu überzeugen, ihr Hirn zu benutzen. Und das ist eh  schon was. Wenn man das heute als politisch links betrachtet, dann frage ich mich, wo die Mitte abgeblieben ist.

MM: Mit ihren zwei Ganzjahres- und der Sommerspielstätte in Wien und Niederösterreich sind Sie mit roter und schwarzer Kulturpolitik befasst. Welche ist besser?

Bruno Max: Ich bin gar nicht mit Kulturpolitik befasst, ich weigere mich. Ich kriege gerade so viel Geld, dass sich die, die es uns geben nicht dafür schämen müssen. Es ist trotzdem nicht viel: Für Wien 320.000 €, von Mödling 350.000 €, vom Land Niederösterreich für unsere beiden Spielstätten in Niederösterreich etwa dieselbe Summe und vom Bund 130.000 €. Das heißt, wir erwirtschaften ungefähr ein knappes Drittel von dem, was wir brauchen selbst. Was für ein Nahversorger Theater, das Anspruch und Programm hat, das nicht nur Unterhaltung, sondern auch Haltung liefern möchte, ganz gut ist. Ich bin nicht einer, der in Wien rot und in Niederösterreich schwarz ist. Wenn ich das könnte, wie es ja einige Leute gibt, die das können, die am SPÖ-Landesparteitag sprechen und im Personenkomitee vom Erwin Pröll waren, wäre mein Leben leichter. Ich habe das nie gewollt, ich habe zwar schon Angebote in der Richtung bekommen, aber die waren finanziell immer viel zu niedrig, als dass es sich lohnte ohne Parteipräferenz erworbene Ansprüche gegen so etwas zu tauschen.

MM: Die mäßige Subvention ist umso bedauerlicher, als sie ein großer Arbeitgeber sind. Die Liste der Schauspieler, die bei Ihnen schon gewirkt haben, kann man gar nicht zählen.

Bruno Max: Es sind bald 500 Schauspieler, die in den vergangenen zwanzig Jahren hier gearbeitet haben. Wir haben im Jahr etwa 80 Rollen zu vergeben, ohne den Bunker, der zusätzlich 70 bis 80 Mitwirkende hat. In schlechten Monaten haben wir 30 Angestellte, in guten Monaten haben wir 50. Angestellte! Wir versuchen nicht mit Kooperationsverträgen oder ähnlichem durchzukommen. Als das geändert wurde, weil wir eine gewisse Größe überschritten hatten, hat uns in Wien niemand extra Geld dafür gegeben, dass wir anstellen. Trotz 50 Prozent höherer Lohnkosten. Ich bin seit 1995 in der Scala, die früher ein Boxklub war. Mir wurde nie ein Theater gegeben, ich habe immer Theater gebaut, selbst in Mödling. Das Haus war, bevor wir kamen, ein leerer Mehrzwecksaal. Alles, was darin jetzt Theater ist, haben wir uns erarbeitet. Und die Schauspieler sind froh, dass es nun eine durchgehende Versicherung gibt, die einmal einen Krankenstand möglich macht.

MM: Hinter den Kulissen?

Bruno Max: Arbeiten wir minimalst. Wir haben zwei Vollzeitkräfte in der Verwaltung für drei Theater, die auch den Kartenverkauf stemmen, ich habe einen Putzmann, der beide Häuser reinigt, ich habe zwei angestellte Techniker für beide Häuser, die helfen einander gegenseitig. Und mich gibt es noch. Ich habe vor Jahren aufgegeben, mir Gagen für Regie und Bühnenbild auszuzahlen, weil die SVA mir das ohnedies wegnimmt. Die Sache ist ja so, dass man gar nicht in der Lage ist, um höhere Subventionen einzureichen. Bei der Stadt Wien ist es so, dass die sagen, was man kriegt, und dann muss man schauen, dass man mit seiner Kalkulation dahin kommt. Das ist sehr pervers, weil es ein bisschen was davon hat, dass ein Verhungernder schriftlich bestätigen muss, dass er auf Diät ist hat.

MM: Und die Auslastung?

Bruno Max: Geht konstant nach oben. Wir haben die vergangene Produktion in Mödling ausverkauft zugesperrt. Ich glaube, das liegt auch daran, dass wir den kontinuierlichen Austausch mit dem Publikum suchen, anders als ein einzelnes Stück abzuschießen und nächste Woche mit einem anderen Gemischtwarenladen zu kommen.

Mit waschechtem Gollum …: Thomas Marchart und Peter Fuchs. Bild: Bettina Frenzel

… und einem wirklichen Drachen: Hans-Jürgen Bertram. Bild: Bettina Frenzel

MM: Sie selbst stemmen zweieinhalb Intendanzen, vier Inszenierungen im Jahr und einmal, zweimal treten Sie auch als Schauspieler auf. Wie geht sich das aus?

Bruno Max: Und ich mache meistens noch zwei Bühnenbilder. Es geht sich aus. Ich lebe halt sieben Tage die Woche im Theater. Gottseidank ist meine Frau selber Schauspielerin und versteht das und arbeitet mit und spielt mit. Aber jetzt beispielsweise, wo ich in Mödling eine große Premiere und in Wien die „Zwiebelringe“ habe, wird’s definitiv der gewöhnliche 13-Stunden-Tag.

MM: Haben Sie bei den „Zwiebelringen“ auch einen Gastauftritt?

Bruno Max: Nein, aber es gibt sehr viele Soundeffekte, und ich sitze bei den meisten Vorstellungen daneben und sorge dafür, dass sämtliche Zaubertricks funktionieren. Wir machen jedes Jahr ein Minimum an drei Ur- und Erstaufführungen, die anderen sind Texte, an die sich andere Truppen höchstens in Form von Überschreibungen heranwagen. Mir ist es wichtig, dass zum Theater auch ein Autor gehört, und man dessen Absichten nicht sklavisch folgen, aber hören muss. Beispielsweise ist es jetzt sehr schwierig, wir planen als nächste Mödling-Premiere Brechts „Der gute Mensch von Sezuan“ …

MM: Und die Brecht-Erben …?

Bruno Max: Gar nicht. Die Dessau-Erben. Außerdem ist es schwierig, den guten Menschen nicht als Gutmenschen, der die Schnorrer durchfüttert erscheinen zu lassen, und Applaus von der falschen Seite zu bekommen. „Wackerer Kapitalist bringt arbeitsscheues Gesindel am Ende zum Hackeln“, das kann’s nicht sein. Das ist schwer, wie Brecht selbst weiß. Wenn’s heißt: „Wir sind zerschmettert  und nicht nur zum Scheine! Wir stehen betroffen: Der Vorhang zu und alle Fragen offen. Sucht euch selbst den Schluss, es muss ein guter da sein. Muss, muss, muss!“ Das ist einmal ein Brecht, wo der Brecht nicht so selbstbewusst erscheint. Brecht ist ein Aufklärer. Die Aufklärung will die Herausführung des Menschen aus der selbstverschuldeten Unmündigkeit – und Brecht würde das selbstverschuldet nicht unterschreiben, weil die Gesellschaft das verschuldet. Die Menschen sind schlecht aus der Not …

MM: Von Brecht gibt es auch das Zitat der „allerdümmsten Kälber“. Was erwarten Sie als Kulturschaffender von der kommenden Politik?

Bruno Max: Das ist schwer zu sagen. Kultur war nie ein Kampffeld für die ÖVP. Im Gegenteil, es ist uns in Wien unter einem schwarzen Kulturstadtrat nicht schlechter gegangen. Es war sogar leichter den Diskurs zu finden, aber das liegt an der jeweiligen individuellen Schwerpunktsetzung. Die FPÖ hat eine Ansage gemacht, dass sie prinzipiell Kulturförderung ablehnt, Kultur soll sich selbst finanzieren, mit der Begründung, Theater kommt in erster Linie den Wohlhabenden und Gebildeten zugute, weil wer anderer geht nicht hin. Unsere Kartenpreise beginnen für die Nichtwohlhabenden bei null Euro. Wir haben das Abkommen mit „Hunger für Kunst und Kultur“, bei uns kann man mit entsprechender Berechtigung auch beim Dinnertheater umsonst reingehen. Da rufen schon Leute an und sagen zwei Mal Abendessen umsonst plus Theater, das ermöglichen wir auch. Unsere teuerste Karte in Mödling kostet 30 Euro – also so viel von wegen die Wohlhabenden. Und was die Unbildung betrifft, das ist nichts Respektables. Vielleicht nichts Selbstverschuldetes, aber nichts auf das man stolz sein sollte.

MM: Wie also sehen Sie Ihr Theaterpublikum?

Bruno Max: Unser Publikum sind Menschen, die bereit sind, sich eine Geschichte erzählen zu lassen, und nicht von vorneherein ihr Vorurteil mitbringen und darüber nicht diskutieren wollen. Im Theater trifft man die Menschen aufmerksam, niemand geht ins Theater, um nicht zuzuhören. Das ist spannend, und vielleicht nicht immer im Sinne der Politik, aber teilweise kann man den Leuten Ideen nahebringen, die ihnen vor dem Kommen noch nicht nahe waren. Damit Sie sagen, da schau her, das habe ich noch gar nicht bedacht. Und das machen wir mit guter Unterhaltung: Ihnen mit einem Stück Zucker auch bittere Pillen zu verabreichen.

Die Rezension „Der Herr der Zwiebelringe“: www.mottingers-meinung.at/?p=27270

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2. 11. 2017

theaterfink: Abschiedslied der zum Tode verurteilten Theresia K.

Juni 6, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Wie die Resi es Hackl zur Hülf holte

Theresia entsorgt ihren erschlagenen Ehemann (Walter Kukla) in der Buttn. Das Publikum marschiert mit. Bild: Hans-Georg Sedlak

Gestern Abend ist am Platzl vor der Wiedner Hauptstraße 91 ein Mord passiert. Theresia Kandl hat ihren Mann Matthias erschlagen. Er schlief, sie holte mit der Hacke zehn Mal aus – und aus. Das anwesende Volk war darob höchst amüsiert, a Geign und ein Akkordeon begleiteten die Bluttat. Und achtzig Menschen dann die Resi durch die Hungelbrunn, um zu sehen, wie sie ihren Mann in der Buttn entsorgte.

Erste Solidaritätsbezeugungen der weiblichen Zeugen kamen auf, er so ein Gfrast und die Resi so ein fesches Pupperl. Ja, das ist sie tatsächlich, eine Puppe. Die Truppe theaterfink lädt wieder zu einer ihrer längst legendären Theaterwanderungen durch die Wiener Kriminalgeschichte. Vier Mal (im Rahmen des Wir-sind-Wien-Festivals) und in verkürzter Form kann sie das diesen Sommer nur tun, weil eine ausreichende Subventionierung fehlt. Nichts desto trotz ist ihr Stationentheater an Originalschauplätzen mit Schauspiel, Puppenspiel und Moritatengesang so großartig wie immer. So beklemmend wie komisch. Eben Volkstheater vom Feinsten.

Prinzipalin Susita Fink und ihre Dramaturgin Karin Sedlak haben sich für einen Fall entschieden, der sich am 20. Dezember 1808 zutrug. Wie immer haben die beiden akribisch recherchiert, Archive und Dokumentensammlungen durchforstet, in Bezirksmuseen gestöbert, nach Memorabilien gesucht, und den „Wiener Pitaval“ studiert. Diese wissenschaftliche Arbeit wurde dann in ein Volksstück umgeformt, in das „Abschiedslied der zum Tode verurteilten Theresia K.“ Die Historie kurz: Theresia Teppich wurde 1785 in Atzgersdorf geboren, Vater Stephen war der Ortsrichter der Gemeinde, die Mutter in erster Linie unterwürfig. Auf die gutgebaute Resi wurden bald die Burschen aufmerksam, sie fehlte in den Armen des armen Fleischersohns Michael Pellmann, ergo uneheliches Kind, ergo keine gute Partie mehr.

Der Vater verschachert sie mehr oder weniger an den Greißler Matthias Kandl aus der Wiener Vorstadt Hungelbrunn, heute Teil des fünften Bezirks. Der kann nur saufen und herumhuren, aber die tüchtige und kluge Resi bringt die Greißlerei in die Höhe. Je mehr Erfolg sie hat, umso mehr prügelt er sie – bis zur Schicksalsnacht vor Weihnachten. Theresia wird des Mordes überführt und als einzige Frau in Wien bei der Spinnerin am Kreuz gehängt. Aus diesem knallharten Thriller machen die Schauspieler Eva Billisich und Walter Kukla – in jeweils mehreren Rollen, am schönsten als Vater und Mutter Teppich – eine Riesenhetz‘. Wie immer geht’s dabei über Plätze und durch Parks, diesmal vorne weg, noch vor dem Musikduo Rittmannsberger Soyka, ein sehr aufgeregter Rauhaardackel.

Die Mutter (Eva Billisich) will die Tochter vor allem eines lehren: die weibliche Tugend der Unterwürfigkeit. Bild: Susita Fink

Die Eltern Teppich (Eva Billisich und Walter Kukla) sind verzweifelt über ihr missratenes Kind. Bild: Susita Fink

Spektakel müssen sein, meinte schon Maria Theresia. Und wo der theaterfink ist, da ist auch eins. An allen Fenstern lehnen die Leute und schauen zu, Zaungäste schließen sich dem Tross an, in Margareten sind das viele Menschen originär nicht österreichischer Herkunft, die neugierig geworden mitmarschieren. Wer sich nicht auskennt, fragt, die Billisich und der Kukla sind jederzeit in der Lage zu improvisieren, zwei glänzende Komödianten, zwei Volksschauspieler, und gewohnt, auf Tuchfühlung mit dem Publikum auf dessen Zwischenrufe einzugehen. In dieser Art ist der theaterfink tatsächlich ein integratives Projekt.

Wer kein Geld hat, wird erfinderisch. Den beiden genügen zwei Häferln und eine Schüssel, um Bauch oder Busen darzustellen, und ein Flachmann in der Hose für, naja, eh schon wissen. An den skurrilen Perücken sind Koteletten und Löckchen abnehmbar – und schwupps: Geschlechtertausch. Wobei Kukla als blonder, äußerst gut ausgestatteter Pellmann schon eine arrogante Augenweide ist. Sein berückendstes Lazzo: eine Sexszene mit der Resi. Sie aber ist die Hauptrolle, die Puppe von Nico Oest, eine wahre Schönheit mit ordentlich Holz vor der Hüttn …

Susita Fink allerdings will mehr, als nur eine Spaßpartie zu veranstalten. Sie und Karin Sedlak machen die Erzählerinnen, und berichten dabei auch über die Situation der Frau im 19. Jahrhundert.

Wo Vater und Ehemann das Sagen über „das Weib“ hatten, die g’sunde Watschn zwar als unsittlich galt, aber nicht strafbar war. Und Scheidung in Katholikistan nicht verboten, aber unmöglich. Herauskristallisiert sich: Theresia Kandl hätte keine Chance gehabt, ihrer arrangierten, miserablen Ehe zu entkommen. Überführt wird sie nicht zuletzt, weil sie dem Untersuchungsbeamten als frisch gebackene Witwe zu professionell die Geschäfte weiterführt. Nach einem Abstecher in die Piaristen-Volksschule, wird der Resi vor der Kirche St. Thekla das Todesurteil verkündet. Genau zum neunten Glockenschlag. Doch sie kehrt noch einmal wieder. Als Knochenfrau. Man sagt, dass die Resi heute noch Männer verfolgt, die ihre Frauen schlecht behandeln. Das echte Kandl’sche Skelett steht übrigens im Wiener Kriminalmuseum (wien.kriminalmuseum.at/de/aktuelles/). So makaber wie die Realität, kann Theater gar nicht sein.

Susita Fink und Karin Sedlak im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=25205

www.theaterfink.at

Wien, 6. 6. 2017