Country Queen: Kenias erste Netflix-Serie

August 2, 2022 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

Afrikas Vergangenheit als modernes Familiendrama

Melissa Kiplagat als „Country Queen“ Akisa Mutunga. Bild: © Good Karma Fiction

Als „Country Queen“ vor wenigen Tagen in 190 Ländern exklusiv auf Netflix Premiere hatte, konnte niemand ahnen, dass Kenias erste lizensierte Serie des Streamingdienstes durch die Decke gehen würde. Binnen kürzester Zeit erhielt das Ostafrika-Drama, sechs Episoden zu je 60 Minuten, nicht nur ausgezeichnete Kritiken, sondern auch ausgesprochen viel Publikumszuspruch. Korruption, Stadt-Land-Gefälle, Landraub und Ausbeutung,

Kinderarbeit, die gesellschaftliche Rolle der Frau – all das sind die Themen von „Country Queen“, die sich im Kern als Familiengeschichte im heutigen Kenia präsentiert, von denen aber tatsächlich Millionen von Menschen in Afrika und weltweit betroffen sind. Im Mittelpunkt der Handlung steht Akisa Mutunga, eine ehrgeizige Eventplanerin, mit viel Herzblut verkörpert von Film- und Fernsehstar Melissa Kiplagat, eine junge Frau, die früh ihr Dorf und damit ihre Vergangenheit zurückgelassen hat, um ein neues Leben in der Metropole Nairobi zu beginnen. Doch während eines Besuch bei ihrem kranken Vater macht sie eine fatale Beobachtung: Eine Bergbaufirma hat in der Nähe des Dorfes Gold entdeckt.

Landraub und Ausbeutung sind Themen in „Country Queen“: Brian Kisau als Josiah. Bild: © Good Karma Fiction

In der Nähe des Dorfes hat eine Bergbaufirma Gold entdeckt: Brian Kisau als Josiah. Bild: © Good Karma Fiction

Nini Wacera als skrupellose Geschäftsfrau Vivienne und Blessing Lung’aho als Max. Bild: © Good Karma Fiction

Da schlagen nicht nur Kenias Frauenherzen höher: Blessing Lung’aho als Max. Bild: © Good Karma Fiction

Gefangen zwischen zwei Welten sieht sich Akisa mit ihrer Vergangenheit konfrontiert und muss entscheiden, worauf es für sie im Leben ankommt. Es entwickelt sich eine David-gegen-Goliath-Story, denn Akisa tritt gegen eine gefährliche Geschäftsfrau an, mit deren Ehemann sie diverse Bande verbinden. Sie findet sich inmitten zweier Liebesdreiecke wieder, während sie damit ringt, ihren Platz im Leben, ihre große Liebe und ihren verlorenen Sohn zu finden. Der Kampf um Land wird zu einem Kampf um Erlösung und Wahrheit.

„Unser Land befindet sich derzeit in einer kritischen Übergangsphase – politisch, sozial und wirtschaftlich. Die Geschichte von ,Country Queen‘ ist zeitgemäß und wichtig“, so Regisseur Vincent Mbaya in einem Gespräch bei der DW Akademie (www.dw.com), die das Projekt von Beginn an mitermöglichte. Das Ganze begann bereits im Jahr 2017. Bei einem Workshop, organisiert von Good Karma Fiction und unterstützt von der DW Akademie, kamen die kenianischen Filmschaffenden erstmals zusammen, und zehn aufstrebende kenianische Autorinnen entwickelten die Drehbuch-Idee für die spätere von Good Karma Fiction produzierte Serie.

Raymond Ofula gerät als Mwalimu sichtlich zwischen die Fronten. Bild: © Good Karma Fiction

Die wahre Liebe? Melissa Kiplagat und Melvin Alusa als Kyalo. Bild: © Good Karma Fiction

Melissa Kiplagat und Kenias Publikumsliebling Mumbi Kaigwa als Esther. Bild: © Good Karma Fiction

Zerrissen zwischen Nairobi-Glamour und Dorfrettung: Melissa Kiplagat als Akisa. Bild: © Good Karma Fiction

Während des gesamten Entwicklungs- und Produktionsprozesses achtete man auch darauf Cast & Crew, von Schauspiel und Regie bis hin zu Kamera und Make-Up, mit heimischen Fachkräften zu besetzen. Mehr als 160 Mitwirkende fanden sich so an den diversen Sets ein. „Dank ,Country Queen‘ gibt es nun noch mehr professionelle Akteurinnen und Akteure in der kenianischen TV- und Filmproduktion“, so Produzent Ravi Karmalker zur DW Akademie. „Dank des Interesses von Netflix gelang es, die Sichtbarkeit von Kenias Kreativsektor zu stärken.“

„Country Queen“ ist eine authentische afrikanische Geschichte, die dazu einlädt, Perspektiven zu ändern und außerhalb bekannter Muster zu denken. Eine Empfehlung.

Trailer und Uploads: www.youtube.com/c/CountryQueenTV           www.countryqueen.tv           www.netflix.com/title/81465056

2. 8. 2022

Seefestspiele Mörbisch: Der König und ich

Juli 27, 2022 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Et cetera, et cetera, et cetera …

Mehr als 100 Mitwirkende: Das Ensemble mit Leah Delos Santos, Milica Jovanovic, Finn Kossdorff, Vincent Bueno und Marides Lazo. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Jerzy Bin

„In a show with everything but Yul Brynner“ landete Murray Head 1984 in seinem von Björn Ulvaeus und Benny Andersson (apropos: INFO) geschriebenen Song „One Night in Bangkok“. Nun, bei den diesjährigen Seefestspielen Mörbisch hat man mehr als würdigen Ersatz für den berühmtesten Glatzkopf der Welt gefunden: den aus Amsterdam stammenden Musicalstar Kok-Hwa Lie, der die Rolle des Mongkut bereits mehr als hundert Mal verkörperte – unter

anderem im London Palladium, wo er Generalmusikintendant Alfons Haider prophezeite, selbst einmal den König von Siam zu spielen, was tatsächlich ab 1998 der Fall war. Zusammengefasst heißt das: „Der König und ich“ 2022 bei den Seefestspielen Mörbisch, wo zusammenkommt, was zusammengehört. Die Aufführung, die geboten wird, ist wahrlich eine der Superlative: Mehr als hundert Mitwirkende aus zwanzig Nationen, der opulent glitzernde 28-Meter-Turm von Walter Vogelweider, der den königlichen Palast krönt, bis dato das höchste Bühnenbild in Mörbisch, 200 neu geschneiderte Kostüme von Charles Quiggin und Aleš Valaṧek, darunter Anna’s mehr als zwei Meter breites Ballkleid mit vergoldeten Orchideen. Ein Monumentalmusical in Cinemaskop! Eine Symphonie in Purpur, Rot und Gold.

Und immer wieder hinreißende Wasserspiele statt des obligatorischen Feuerwerks, dass die einzigartige Seewinkel-Fauna ohnedies nur verschreckt haben kann … Ja, Simon Eichenbergers Inszenierung bleibt vom ersten bis zum letzten Takt (musikalische Leitung: Michael Schnack) auf höchstem Niveau unterhaltsam. Dass man derlei auch anders interpretieren könnte, die toxische Männlichkeit Mongkuts, die kolonialistisch-überheblichen Briten, schließlich das Schicksal des Liebespaares Tuptim und Lun Tha hat man andernorts schon zeitkritischer gesehen (letzteres von Auspeitschung Tuptims bis Hinrichtung Lun Thas selbst bei weiland König Alfons) – doch passt das offenbar nicht zur lauen pannonischen Sommernacht.

Was also? Beruhend auf einer wahren Begebenheit schickt das Werk aus der goldenen Ära des Musicals von Richard Rodgers und Oscar Hammerstein II die Engländerin Anna Leonowens nach Siam, um den zahlreichen Kindern des Königs sowie seinen ebenso zahlreichen Frauen die westliche Lebensart beizubringen. Freundschaft, aber auch Hürden tun sich zwischen Anna und dem König auf: Von Kok-Hwa Lie keineswegs unsympathisch, sondern in seinem Eitler-Pfau-Sein durchaus satirisch dargestellt, changiert dieser König fast kindisch rechthaberisch zwischen alter Tradition und neuen Sichtweisen. Er ringt mit sich für ein modernes Siam – Hauptsache: „wissenschaftlich“.

Milica Jovanovic zeigt Anna als resolute, romantische Britin, die sich auf die schier aussichtslose Mission begibt, zumindest die Grundwerte von Demokratie und einen Hauch von Gleichberechtigung am Königshof zu etablieren. Sich vor dem König zu Boden zu werfen, danach steht ihr nicht der Sinn, sie hat keine Angst vor dem Despoten, ist ihr doch klar, dass sich hinter seiner herrischen Art auch die Hilflosigkeit angesichts eines sich verändernden Weltbilds verbirgt.

Der stolze König von Siam: Kok-Hwa Lie. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Marco Sommer

Marides Lazo und Robin Yujoong Kim, hi.: Leah Delos Santos. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Marco Sommer

Bereiten den Ball vor: Milica Jovanovic und Kok-Hwa Lie. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Marco Sommer

Schnell gewinnt die verwitwete Lehrerin ihre Schüler lieb, was sie in einer deutschen Version von „Getting to Know You“ mit musicalheller Stimme besingt. Ihr Repertoire sowie ihr komödiantisches Talent kann Jovanovic ebenso zeigen, wenn sie ihrer Wut über den chauvinistischen König in „Shall I Tell You What I Think of You?“ freien Lauf lässt. Ein Temperamentsausbruch der Extraklasse. Worauf eine der schönsten Melodien des Musicals ertönt, „Something Wonderful“, interpretiert von der stimmstarken Leah Delos Santos als Hauptfrau Lady Thiang, die Anna weibliche Schläue im männlichen Absolutismus lehrt, nämlich den König zu belehren, indem aus einem Rat ein „Ich rate, was Eure Majestät planen“ wird. Emanzipierter Beschützerinneninstinkt par excellence.

Das eigentliche Liebespaar, die dem König vom Nachbarn Burma geschenkte Tuptim sowie deren Überbringer Prinz Lun Tha, besticht zwischen den Massenszenen rund um die königlichen Kinder (Rosemarie Nagl, Hana Amelie Hrdlicka, Lilya Aurora Gasoy, Liam Kiano Therrien, Ciannyn Therrien, Lennyn Therrien, Tamaki Uchida, Yukio Mori, Dina Le, Nio Le, Yimo Ding, Daniel Avutov, Maximilian Chen, David Chen und Ivan Ramon Jacques) mit schmerzhaft intimen Momenten: Marides Lazo und Robin Yujoong Kim reüssieren bei „We Kiss in a Shadow“ und „I Have Dreamed“ vom Feinsten.

Vor allem Kim, dem mit seinem fülligen Tenor wie bereits 2019 am Neusiedler See als Sou Chong deutlich anzuhören ist, dass er ansonsten in Opernhäusern von Zürich, Dresden, der Dänischen Nationaloper bis zur Carnegie Hall mit Partien von Don Ottavio, Tamino, Ruggero bis Maler in „Lulu“ zu Hause ist. Der König nimmt Annas Unterstützung im Umgang mit der britischen Diplomatie (Dominic Hees als Sir Edward Ramsey) schließlich an, will er sich doch der in den Zeitungen des United Kingdom verbreiteten Behauptung widersetzen, er sei ein Barbar.

Die könglichen Frauen und Kinder mit Vincent Bueno und Leah Delos Santos. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Jerzy Bin

Erste Unterrichtsstunde: Milica Jovanovic und die königlichen Kinder. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Jerzy Bin

Yuko Mitani, Gemma Nha, Ayane Ishakawa und die hinreißende Leah Delos Santos. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Jerzy Bin

Kein Kopf höher als der des Königs: Milica Jovanovic und Kok-Hwa Lie. Bild: © Seefestspiele Mörbisch/Jerzy Bin

Auch an dieser Stelle bleibt der Mörbischer „Der König und ich“ weit entfernt von einer Aufarbeitung komplexer weltpolitischer Beziehungen. Ein Spiel, das mit einer auf dem Boden liegenden Anna endet, weil deren Kopf sich nicht über den des Königs erheben darf, fußt auf der Annahme einer dem Kulturen-Clash immanenten Komik. Eben alles im Geiste von original 1951. Regisseur Eichenberger setzt auf Frohsinn und leichten Humor. „Et cetera, et cetera, et cetera …“ wiederholt der König das erste neugelernte Wort bei jeder Gelegenheit. Annas europäisch „geschwollener“ Rock bringt seine Frauen zu dem Schluss, dieser entspreche ihrer Figur.

„Western People Funny“ intonieren Leah Delos Santos sowie die Nebenfrauen Hanae Mori, Aloysia Astari, Ayane Ishikawa, Jadelene Arvie Panésa, Kun Jing, Angelika Studensky, Xiting Shan, Yuko Mitani, Gemma Nha und Minori Therrien beim Anprobieren der Knopfstiefelchen – und wer die Namen der Mütter mit denen der Kindern vergleicht: Alfons Haider ist besonders stolz darauf, solche in echt gecastet zu haben. (Was einen ebenso für den Generalmusikintendanten einnimmt, wie die Tatsache, dass er statt zu Beginn lange Reden zu schwingen, in der Pause lieber alle RollstuhlfahrerInnen in der ersten Reihe nacheinander persönlich begrüßt.)

„Shall We Dance?“, die große Nummer im ausladenden Ballkleid, führt zu einem durchwachsenen Happy End, denn es wird Vincent Bueno als Kronprinz Chulalongkorn überlassen sein, das Reich an neue Herausforderungen anzupassen. Es freut einen, den so überaus begabten Songcontest-Teilnehmer 2021 nach www.mottingers-meinung.at/?p=21953 www.mottingers-meinung.at/?p=29226 www.mottingers-meinung.at/?p=22489 (und als Thuy in „Miss Saigon“ im Raimund Theater) erneut auf der Bühne zu sehen. Ein Bravo auch für Bariton Jubin Amiri, der sein Sologesangsstudium an der MUK just dieses Jahr abschloss, als Minister Kralahome und Musical-Quereinsteiger Lukas Plöchl als Priester Lun Phra Alack.

Fazit: Wie auch der Protagonist im Jahr eins mit Alfons Haider zeigen sich die Seefestspiele Mörbisch reformwillig. Die Regie hat für die erwartete beschwingte Hochstimmung gesorgt (wer sich erinnert: 1998 war man angesichts von Tod und Todschlag eher betroppezt vom Stockerauer Rathausplatz geschlichen), die Ausstattung und auch Choreograf Alonso Barras konnten sich nach Herzenslust austoben. Der Wow-Effekt war gelungen. Dass man heutzutage die Diversität von Kulturen anders, heißt: auch ohne gehobenen Zeigefinger, postulieren könnte … naja. Anno 2023 ist man diesbezüglich immerhin auf der sicheren Seite. Mekka des Musicals: Wir kommen! Und das darf man durchaus wunderbar finden …

Besucht wurde die Vorpremiere am 12. 7. 2022.

Alfons Haider als der König von Siam 1998. Bild: Screenshot ORF „Der König und ich – 2022 Mörbisch – The making of“

Trailer: www.youtube.com/watch?v=qNuLZYXvp94          The Making Of: www.youtube.com/watch?v=vwKHHlvwlQc&t=4s          www.seefestspiele-moerbisch.at

INFO: Für den Sommer 2023 plant Generalmusikintendant Alfons Haider die Aufführung des ABBA-Musicals „Mamma Mia!“ – von 13.Juli bis 19. August. Kartenvorverkauf ab 1. September 2022, Vorreservierungen sind per E-Mail unter tickets@seefestspiele.at möglich.

13. 7. 2022

Hamakom: Roland Schimmelpfennigs „100 Songs“

September 28, 2021 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Das Happy End ist eine aufgefangene Kaffeetasse

Gottfried Neuner, Sofia Falzberger, Sören Kneidl, Ana Grigalashvili, Katharina von Harsdorf und Tobias Voigt mit der Toten-Statisterie. Bild: © Marcel Köhler

„Songs Of Love and Death“ hieß vor Jahren das Debütalbum der bombastischen Symphonic-Metal-Band Beyond the Black, und auch wenn deren Dämonentanz im Theater Nestroyhof Hamakom nicht vorkommt, so ist dieser Danse macabre doch exakt Form und Inhalt von Roland Schimmelpfennigs „100 Songs“. Nach dem gesundheitsbedingten Rückzug von Frederic Lion hat die nunmehrige künstlerische Gesamtleiterin des Hauses,

Regisseurin Ingrid Lang, den Text als österreichische Erstaufführung inszeniert. Also sprach Schimmelpfennig über Nietzsches Apokatastasis. Denn des Philosophen zyklisches Geschichtsbild vom verlorenen hin zu einem Zustand der „Allaussöhnung“ und Einheit aller Wesen, wird die kommenden zwei Stunden bestimmend sein – die Gottesfrage sowieso. Auftreten in Schimmelpfennigs szenischer Versuchsanordnung Sofia Falzberger, Ana Grigalashvili, Katharina von Harsdorf, Sören Kneidl, Gottfried Neuner und Tobias Voigt als vom Autor sogenannte „Gruppe von Frauen und Männern“. Beobachter, Boten, Betroffene, Passanten, Passagiere, gar Erzähler aus dem Totenreich? Ratlos sind sie, da alles „zu kompliziert“, „erschreckend einfach“, „erschreckend kompliziert“ scheint. „Zu weit weg von allem, was man denken kann.“

Schimmelpfennig hat sein Stück im Gedenken an die Madrider Zuganschläge verfasst, Ingrid Lang holt es nach dem Attentat vom 2. November 2020 nach Wien. Das Thema dieser Jukebox der kollektiven Erinnerung ist: der Terror. Die Sprachlosigkeit im Angesicht des Unsagbaren, das betretene Schweigen, die Fantasie des Theaters, über den Tod mit der prallen Wucht des Lebens zu berichten. Zug fährt ein, Trillerpfeife schrillt, im Radio läuft „Bette Davis Eyes“ von Kim Carnes, Sally, der Serviererin im Bahnhofscafé, fällt eine Kaffeetasse zu Boden – und dann: noch mehr Songs, von Iggy Pops „The Passenger“ über „Upside down“ von Diana Ross zur „Road to Nowhere“ der Talking Heads.

„Es war, als ob hunderte Songs gleichzeitig liefen, Tausende von Songs, Millionen, Milliarden“, sagt Tobias Voigt, er und das Ensemble der vielstimmige Chor eines Requiems, eine Pop-Kakophonie aus Liedern, in denen ein paar Minuten ein ganzes Leben besingen. Im zerrissenen Bühnenbild von Vincent Mesnaritsch entwerfen Schimmelpfennigs Figuren Biografien, Beziehungsprobleme, beiläufige tragikomische Tragödien in Endlosschleife, und dies so banal, dass es besonders ist. Immer wieder von Neuem rekapitulieren sie ihre Sehnsüchte und Schwächen während der Vor-Katastrophen-Frist von 8.51 und 8.55 Uhr. Vier Minuten, und die sogenannte Zivilisation in Flammen, und die Zeit ihre Protagonistin.

Eben noch war Gottfried Neuner der Mann am Fenster gegenüber den Gleisen, schon ist er ein Verletzter auf dem Bahnsteig. Sofia Falzberger singt im Wortsinn den Sirenen-Gesang. Zwischen der zutiefst gläubigen Stripperin/ Ana Grigalashvili, dem Mann aus Kabul/ Sören Kneidl, der Fremdgeherin/ Katharina von Harsdorf, dem Verwaltungsbeamten in den besten Jahren/ Sofia Falzberger und Tobias Voigt als 16-jähriger Friseur-Azubi mit Katie Melua in den Kopfhörern sind die Gendergrenzen gesprengt wie die Waggons. Die Atmosphäre ist: Gefangen im Bardo.

Bild: © Marcel Köhler

Bild: © Marcel Köhler

Bild: © Marcel Köhler

Bild: © Marcel Köhler

Schön die getanzt-gefightete Szene, in der das studentische Liebespaar mit dem in Trennung befindlichen Ehepaar korrespondiert. Eine Frau verpasst die Abfahrt um Sekunden. Was rettet einem das Leben? Der Zufall, die Suche nach den Allergietabletten, Zuspätkommen, die Schicksalsmelodie? Und wieder ist es 8.55 Uhr. Zerfetzte Kopfdialoge, Gedanken-Gänge, Spiegelungen und Selbstgespräche, Trillerpfeifen-Alarm, das Leben, weiß der empathische Soziologe Schimmelpfennig, ist stets nur ein Vielleicht. Gottfried Neuner als Pfarrer, der zum Begräbnis eines 6-Jährigen unterwegs ist, wird in den Raum stellen, ob Gottes An- oder Abwesenheit für den Menschen günstiger ist.

Neuner ist es auch, der die Pferdemetapher aufbringt, mit Sleipnir, Odins achtbeinigem Kampfross; Kneidl, „dunkelhäutig“ und mit Vollbart, liest über Buraq, ein Reittier mit Frauenantlitz, das der Erzengel Gabriel dem Propheten Mohammed für seine Himmelfahrt überbrachte; der Pfarrer sieht in den Wolken die apokalyptischen Reiter. Ist das rote Pferd der Krieg oder die Liebe, das schwarze mit der Waage die Teuerung oder die Gerechtigkeit? Das weiße jedenfalls Jesus Christus und das fahle der Tod … Schimmelpfennigs zwischen Traum und Traumata schwebende Auslassungen sind so surreal wie die Sinnfrage, wie das Sterben an sich.

Und immer noch ist in all den ans Publikum gerichteten Paradoxien nicht klar, wer aus dem Figurenreigen der/die SelbstmordattentäterIn sein mag. In Schimmelpfennigs brutaler, vom Ensemble mit Verve auf die Spielfläche gebrachter, galgenhumorig-poetischer Playlist, ist eine oder einer die Vorstellung des und der anderen. Macht. Erregung. Angst? Erregung. Macht. Angst! Diese Topografie des Allzu-Unmenschlichen, dazu die von den Österreich-Touristen Voigt und von Harsdorf brennend ausgebreitete Landkarte, könnte auch nur der Polt einer Profiler-Fernsehserie sein. Eine Totenreich-Statisterie stellt jene St.-Jakobs-Lichter auf, die vor zwei Jahren den Desider-Friedmann-Platz zum Mahnmal machten.

Im vollbesetzten Hamakom singen Sofia Falzberger, Ana Grigalashvili, Katharina von Harsdorf, Sören Kneidl, Gottfried Neuner und Tobias Voigt „Don’t Dream It’s Over“ von Crowded House, hey now, hey now, eine Polonaise wär‘ ein Superschluss, beschließt man: Und Erwin fasst der Heidi von hinten an die  … Schulter … Im letzten Moment fängt Gottfried Neuner als „Mann mit der Sporttasche“ die Katharina von Harsdorfs Sally entglittene Kaffeetasse – „gerade nochmal gutgegangen“ und Happy End! Oder? Sie werden einander nur durch zwei Glasscheiben begegnen. Splitter, Scherben, der tolldreiste Gesellschafts- ein grausiger Totentanz, die „100 Songs“, Schimmelpfennigs Wunschkonzert zum Weltuntergang, jedenfalls ein Sog auf diesem Verschiebebahnhof von Gestern, Heute und Morgen. Bis 29. Oktober. Eine Empfehlung.

www.hamakom.at

  1. 9. 2021

Streaming: Omar Sy ist „Lupin“

Januar 10, 2021 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Ziemlich bester Gentleman-Gauner

Assane Diop und das „Collier der Königin“: Omar Sy. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Wer sagt, nur die Briten könnten Krimiklassiker mit Karacho für die Gegenwart aufmotzen? Nach Sherlock Holmes tun’s nun die Französen mit Arsène Lupin, dem Gentleman-Gauner, dessen Abenteuern Autor Maurice Leblanc zwischen 1905 und 1935 zwanzig Romane, zwei Theaterstücke und etliche Kurzgeschichten widmete. Seit 8. Jänner streamt Netflix die ersten fünf Folgen der zehnteiligen Original-Serie „Lupin“ von

Regisseur Louis Leterrier, er bekannt für die „Transporter“-Reihe und „Die Unfassbaren“. In die Rolle des eleganten und gebildeten Meisterdiebs schlüpft, unter Weglassung von Zylinder und Monokel, Filmstar Omar Sy, hierzulande vor zehn Jahren berühmt geworden als geschmeidig-spitzbübischer Driss im Kinohit „Ziemlich beste Freunde“, die Tragikomödie, die danach die Kammerspiele der Josefstadt zeigten (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=7921) – nun spielt der erste nicht-weiße César-Preisträger einen gewitzten Lupin 2.0 namens Assane Diop, der wie er seine familiären Wurzeln im Senegal hat.

Dies das satirisch-komödiantische Atout bei allen von Assanes Coups, gezückt aus dem Rassismus und den Ressentiments gegen Afroeuropäer, dass nämlich „die“ für „uns“ alle gleich aussehen, oder wie Assane über die besseren Herrschaften sagt: „Sie sehen mich, aber sie schauen mich nicht an“ – und so gelingen dem charmanten Schlitzohr und Coureur ungeahnte Täuschungsmanöver in Verkleidungen vom reichen Geschäftsmann bis zum – freiwilligen, da Informationen einholenden – Gefängnisinsassen. Das Schattendasein, in das die Gesellschaft „seinesgleichen“ zwingt, ist für Assane das beste Versteck zum Entwerfen seiner Geniestreiche.

Die Kriminalisierung von Migranten, das ist das Schicksal von Assanes Vater Babakar, dargestellt vom ivorischen Theaterschauspieler und -regisseur Fargass Assandé, er seit Kurzem Chauffeur im noblen Haushalt der Pellegrinis. Schon diese erste Szene ist bezeichnend: Madame, der im Regen der Wagen absäuft, kennt „den Neuen“ noch nicht und verriegelt, als dieser zu Hilfe eilt, voll Panik vorm schwarzen Mann die Autotür. Später wird Monsieur den wie Dreck behandelten „Diener“ des Diebstahls eines Colliers der Marie Antoinette bezichtigen – eine Straftat, an der keiner zweifelt, weil eh schon wissen …

Nächste Generation Lupin-Fan: Etan Simon als Assanes Sohn Raoul. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Meister der Verkleidung …: Omar Sy als reicher Geschäftsmann. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

… und als Entfesselungskünstler im Gefängnis: Omar Sy. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Pellegrini linkt Assanes Vater Babakar: Fargass Assandé und Hervé Pierre. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Doch ein Versicherungsbetrug, wie man in den Rückblenden sieht, das darf man verraten, weil daran Assanes Motive geknüpft sind. Der Vater erhängt sich in der Zelle, dies Assanes Jugendtrauma, ein anonymer Mentor (!) übernimmt die Kosten für seine Ausbildung in erlesenen Privatschulen. Die Karriere als Langfinger in die Taschen jener, die’s auch verdienen, beginnt, und als das Schmuckstück wie von Zauberhand wiederauftaucht und im Louvre versteigert werden soll, beschließt er das „Collier der Königin“ zu entwenden, um es den hochtrabenden Pellegrinis heimzuzahlen und seinen Vater zu rächen.

Ein Job als Reinigungskraft, die Kollegen alle „des Enfants immigrés“, ist fürs Abstauben der grandiosen Art ideal. Es war Babakar, erfährt man, der seinem wohlerzogenen Teenagersohn Assane einst den ersten Arsène-Lupin-Roman aus der Bibliothèque Pellegrini schenkte und ihn damit auf den richtigen „falschen Weg“ brachte – jedenfalls: dem alten Hubert Pellegrini, Comedie-francaise-Mitglied Hervé Pierre herrlich als Unsympath über dem der Pleitegeier kreist, stehen bald die Haare zu Berge.

Erstaunlich ist, dass sowohl Pellegrini-Tochter Juliette, Clotilde Hesme, der er sich zu erkennen gibt, als auch der den Vater hinter Gitter gebracht habende korrupte Inspecteur Dumont, Vincent Garanger, mit ersterer hatte er mal eine Affäre, zweiteren entführt er zwecks Wahrheitsfindung, Assane decken. Jener polizeiliche Ermittler und Leblanc-Fan, Soufiane Guerrab als tollpatschiger Youssef Guedira, der beim Zusammensetzen der straffälligen Puzzleteile als einziger erkennt, dass alle Decknamen des Täters Arsène-Lupin-Anagramme und seine Verbrechen ähnlich dessen sind, wird von den Kollegen verlacht und verspottet – et voilà! 

Louis Leterriers intelligente Neuinterpretation des bekannten Stoffes kann auch Aktion. Aberwitzig ist eine Verfolgungsjagd per Fahrrad durch den Jardin du Luxembourg oder ein Illusionisten-Trick mit Handschellen und ein „die sehen alle gleich aus“-Platztauschen des Entfesselungskünstlers mit dem echten Knacki. Ins Spiel kommt neben dem Original eine Fälschung des diamantenen Halsbands, eine investigative Journalistin, Anne Benoît als Fabienne Beriot, die Pellegrini wegen ihrer Recherchen vor Jahren beruflich ruiniert hat, und die nun nach anfänglichem Zögern beschließt, ihr Wissen mit Assane zu teilen.

Familienausflug mit der Ex: Ludivine Sagnier als Claire. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Assane verhört den entführten Inspecteur Dumont: Vincent Garanger. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Sie weiß um Pellegrinis Verbrechen: Anne Benoît als Journalistin Fabienne. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Dreharbeiten am Originalschauplatz Louvre: Omar Sy. Bild: © Emmanuel Guimier / Netflix 2021

Sowie Assanes Familie, seine Ex-Frau Claire und sein Sohn und Lupin-Lehrling Raoul, genannt nach Arsènes zweitem Vornamen, Ludivine Sagnier und Etan Simon, zwei auf die Assane bei seinem Rachefeldzug allzu oft vergisst, weshalb Claire den Meister- für einen unzuverlässigen Tagedieb hält. Es wird Raoul sein, der für jenen Cliffhanger sorgt, der das gespannte Warten auf die nächsten fünf Folgen zermürbend macht …

Bis zu deren Ausstrahlung, abgedreht sind sie bereits, gilt es sich am spektakulären – und übrigens tatsächlich vor Ort im Museum gedrehten – Juwelenraub im Louvre zu erfreuen. Wie auch bei „Sherlock“ sind für Connaisseurs die Bezüge zu den Fällen der literarischen Vorlage klar erkennbar – von Leblanc gibt es beispielsweise wirklich eine Geschichte mit dem Titel „Das Collier der Königin“, aber eben mit viel Feuer, schnellen Schnitten und technischem Schnickschnack – Assane agiert von einer Art Bathöhle aus – modernisiert. Angenehm altmodisch dagegen wirken des Filmteams Verzicht auf Blutorgien und Gewaltexzesse – Köpfchen bedeutet hier alles.

Aus der Prämisse von Assanes Inspiration durch Arsène gewinnt die Serie jede Menge kurzweiliges erzählerisches Kapital, Omar Sys Tonfall ist beschwingt und humorvoll, der heutige Lupin so charismatisch und stylisch wie der von anno dazumal, und selten zuvor hat man einen Schwerenöter so leichtfüßig sündteure Sneaker zu ebensolchen Anzügen kombinieren sehen. Mit einem Wort: „Lupin“ ist großartige Hochglanz- unterhaltung für Lockdown-Tage. Mit kleinen Seitenhieben auf die Reichen, Mächtigen und Alltagsrassisten.

Trailer dt./fr.: www.youtube.com/watch?v=2s9OAWt9vCM            www.youtube.com/watch?v=gCmuYqeeNpc           www.netflix.com

  1. 1. 2021

Art Carnuntum / Shakespeare’s Globe: Romeo & Juliet

April 28, 2020 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Beim Blankvers ungeniert anbaggern

Have not saints lips, and holy palmers too? Romeo & Juliet: Adetomiwa Edun und GoT-Star Ellie Kendrick. Bild: John Haynes

Das Art Carnuntum Festival bringt auch in Zeiten von #Corona Welttheater nach Österreich, und bietet auf seiner Webseite www.artcarnuntum.at Inszenierungen des Shakespeare’s Globe Theatre zum kostenlosen Stream an. Seit mehr als zehn Jahren ist die gefeierte Londoner Kompagnie Stammgast im Amphitheater, für dieses Jahr waren Aufführungen von „A Midsummer Night’s Dream“ und „The Tempest“ geplant, aber ach …

Nach dem „Hamlet“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=39290) zeigt man nun bis 3. Mai online eine Aufzeichnung von „Romeo & Juliet“ aus dem Jahr 2009, mit dem in Nigeria geborenen Schauspieler Adetomiwa Edun und der mittlerweile als Grünseher-Schwester und -Beschützerin Meera Reed aus „Game of Thrones“ bekannt

gewordenen Ellie Kendrick. Die Produktion überzeugt mit Musik und Tanz und Degengerangel, wie man’s aus Carnuntum kennt und liebt, mit dreisten Anspielungen auf alles unter Gürtellinie – und man erinnert sich freudig an die famose im Niederösterreichischen gezeigte Inszenierung, als die Montagues und Capulets im VW-Bus anreisten, um dort ihre Fehde auszutragen.

Regisseur Dominic Dromgoole, künstlerischer Leiter des wooden O von 2005 bis 2011, hat sich bei dieser Arbeit für ein extrem junges Ensemble entschieden, nicht nur die Juliet, auch die Darsteller des Benvolio und des Tybalt geben hier ihr Theaterdebüt, und punkto Tempo, Temperament und Lust an der Outrage macht sich das allemal bezahlt. Der geschmeidig-athletische Adetomiwa Edun besticht wie seine Mit- und Gegenspieler mit überbordender Spielfreude und außerordentlicher Bühnenpräsenz. Sein Romeo ist ein lebhafter, übermütiger junger Mann, frisch, frech, leichtfüßig und voll des Überschwangs erster Liebe.

Ein Halbstarker, wie der ganze Haufen der ihn umgibt, der gekünstelt tragikomisch die Augen verdreht, wenn er mit den Worten Liiiebe, Tod und Rosaline seine Scherze treibt, nichts ahnend, dass die Triebtäter Eros und Thanatos ihn bereits in ihren Klauen haben. Ellie Kendrick ist eine derart entzückend mädchenhafte Juliet, dass man ihr die süßen 14 Jahre fast noch abnimmt. Wie sie sich in die Arme ihrer Amme schmiegt, als sie erfährt, dass Romeo sie heiraten will, ist von unwiderstehlich unschuldiger Freude.

Als Ian Redfords wütender Capulet sie wegen ihres Ungehorsams ausschimpft, zitterte sie in ihrer kindlichen Verletzlichkeit und fleht Mutter und Amme an dazwischen zu gehen. Man glaubt Ellie Kendricks Juliet, diesem zerbrechlichen Seelchen, dass sie nach Romeos Dahinscheiden keinen Sinn im Weiterleben sieht. Ein weiteres Highlight ist Penny Layden als North Country Nurse mit entsprechendem Zungenschlag, eine Amme mit großem Herzen und noch größerem Mundwerk, dessen Zahnlosigkeit sie nicht daran hindert, den Jungs ungeniert Avancen zu machen. Wofür sie von Mercutio launig geküsst wird – obwohl sie von Romeos „body“ schwärmte.

„Nurse“ Penny Layden und Ellie Kendrick. Bild: John Haynes

Hinreißend verliebt: Adetomiwa Edun und Ellie Kendrick. Bild: John Haynes

Die Capulets: Miranda Foster und Ian Redford. Bild: John Haynes

Love Is In The Air, sozusagen, und überhaupt versteht es Dromgoole die schelmische Seite des britischen Barden bestens zu bedienen. Beinah jeder Satz hat einen sexuellen Subtone, ob nun die heißblütigen Edelherren beim Blankvers blankziehen und schamlos das Publikum anbaggern oder Juliet neckisch nachdenkt: „What’s Montague? It is nor hand nor foot nor arm nor face nor … [Pause] … any other part belonging to a man.“

Bemerkenswerte Leistungen liefert auch der übrige Cast: Fergal McElherron zeigt sich in den diversen Dienerrollen Balthazar, Peter, Gregory als geborener Spaßmacher, wunderbar, wie er die zum Capulet-Ball geladenen Gäste Grimassen schneidend nachahmt, während Romeo die Liste laut vorliest, und auch Maori-Star Rawiri Paratene hat als seine Textzeilen wie auf Häkelkissen gestickte Lebensweisheiten aufsagender Friar Lawrence die Lacher auf seiner Seite. Den Vogel ab schießt aber Tom Stuart als Paris, mit einer Interpretation der Figur, wie man sie hierzulande wohl noch nie gesehen hat.

Stuarts Paris ist zwar in dem die Clans unterscheidenden Rot-Blau-Schema, einzig Romeo und Juliet tragen nach der Balkonszene trotzig beide Farben, von Kopf bis Fuß weiß gewandet, weiß aber nichts über das passende Benehmen gegenüber Mitmenschen, heißt: er ist eine Nervensäge durch und durch, und urkomisch, wie er nie versteht, wann’s Zeit ist zu gehen oder dass er jemandem zu nahe getreten ist. Sein „These times of woe afford no time to woo“ ist in diesem Sinne zum Brüllen. Was Ian Redford als Capulet denn auch gleich tut, Capulet, dessen oberflächliche Bonhomie sich so schnell in rotgesichtige Böswilligkeit verwandelt, dass er was Wunder die Tochter dem Grab zutreibt.

Der vielschichtigste Charakter ist freilich einmal mehr Mercutio, Philip Cumbus, dessen zynischer Weltverdruss, sein Sarkasmus-Ausgießen über allem und jedem auf ein tieferes Seelenleid verweist. So beginnt etwa sein betrunkenes Rufen nach Romeo ausgelassen und amüsant, endete aber als bedrücktes Bitten und Betteln nach dem abwesenden Freund. Dessen – nach der Nachtigall-Nacht mit Juliet – endgültiger „Verrat“ im Duell mit Tybalt ist deshalb umso ergreifender. Gefochten wird auf hohem Niveau, blitzschnell sind die Schauspieler beim Zustechen, und im Sterben haben sie ein letztes Scherzchen auf den Lippen.

Besonders stark ist hier der Tybalt des guyanesich-britischen „Blindspot“-FBI-Psychiaters Ukweli Roach, ein angry young man, der sich aus der Capulet’schen Höflichkeitszwangsjacke befreit und auf die freie Wildbahn kämpft. Sein letztes Ringen mit Romeo wirkt wirklich brutal, nach dem Verlust der Waffen ein Kratzen, Hauen und Treten, bis Benvolio die beiden trennt, Jack Farthing in der Figur vom Charme eines Schulbuben, der seine Phallus-Zoten mit verlegen glühenden Wangen witzelt.

Aus Bonhomie wird bald Bedrohung: Ian Redford, Penny Layden und Ellie Kendrick. Bild: John Haynes

Fergal McElherron, Adetomiwa Edun, Philip Cumbus als Mercutio und Jack Farthing als Benvolio. Bild: John Haynes

Farthing, Cumbus, Tom Stuart als Paris, Andrew Vincent als Prinz und Ukweli Roach als Tybalt. Bild: John Haynes

Here’s to my love! Thus with a kiss I die: Ellie Kendrick und Adetomiwa Edun. Bild: John Haynes

Dominic Dromgoole versteht, den um einen ersten Stock und eine Rampe ins Parkett erweiterten Raum perfekt zu nutzen. Effektvoll, wie Graham Vick als Apotheker wie ein Springteufel aus einer Versenkung raus-„explodiert“ und mit erdiger, bedrohlicher Würde Romeo das Gift verkauft, bevor er als dessen personifiziertes Schicksal wieder in den Eingeweiden des Theaters verschwindet. In der Gruftszene verwandelt Dromgoole die komplette Bühne in dieselbe, während Romeo und Paris einander auf einer oberen Ebene begegnen, einem schmalen, davor als Balkon benutzten Steg, von dem der verwundete Paris eine Wendeltreppe hinab ins Grab fällt. Das hat Schauwert!

Mit allem Jubel-Trubel und Drama, Baby! ist es jetzt endgültig vorbei, Dromgoole besinnt sich auf die tragedy, lässt Juliet auf einer Bahre quer durchs stehende Publikum wegtragen, so schweigsam die vier Mönche, so erschüttert die Zuschauer. Begleitet vom Sängerquartett Jack Farthing, Graham Vick, Fergal McElherron und James Lailey, die vorher als Volk das Geschehen erläuterten und kommentierten, und via historischem Volkslied auch aufs Handyverbot im Theater hinwiesen.

Und wenn sie nicht gestorben sind … folgt auf die die Luft reinigende Rede des Prinzen rasch ein Lied. Was gefallen war, erhebt sich zu guter Letzt zum Tanz, dieser Schluss im Shakespeare’s Globe Theatre bei allen Stücken stets die schönste Tradition. Cheers fellows, it’s always a pleasure to see you – even on screen!

Coming Soon: „Romeo & Juliet“ wird noch bis 3. Mai kostenlos gezeigt, danach folgt am 4. Mai „The Two Noble Kinsmen“ und ab 11. Mai die aktuelle 2020er-Produktion von „Macbeth“ aus Shakespeare’s Globe. Mitunter erheiternde deutschsprachige Untertitel (siehe Übersetzungsfehler Nurse/Amme als Krankenschwester, wiewohl rund um Romeo mancher eine brauchte) können zugeschaltet werden.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=8TuR24xhtYg           www.youtube.com/watch?v=6baK-km5gFA           www.youtube.com/watch?v=v_ji4opPBbY           www.artcarnuntum.at           www.shakespearesglobe.com

  1. 4. 2020