Werk X: Das Programm der Saison 2019/20

Juni 26, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ganz nach dem Motto „Heimat und Arschloch“

Stellten den Spielplan für die Saison 2019/20 vor: Knut Klaßen und Monika Gintersdorfer aka Gintersdorfer/Klaßen, die leitende Werk-X-Dramaturgin Hannah Lioba Egenolf, die Werk-X-Leiter Harald Posch und Ali M. Adullah, Werk-X-Petersplatz-Kuratorin Cornelia Anhaus und Andreas Stockinger von den handikapped unicorns. Bild: Bernhard Bilek

„Wir haben uns gewundert, was alles geht“, kommentieren Harald Posch und Ali M. Abdullah, die beiden Leiter des Werk X, bei ihrer heutigen Spielplanpräsentation für 2019/20 doppeldeutig die eben auslaufende Saison. Die gar nicht so scherzhaft gemeinte Erklärung: „Während die Akteure auf der politischen Bühne nach einem scheinbaren Schrecken ohne Ende schließlich doch ein überstürztes Ende mit Schrecken hinlegten, hielt man sich in Meidlung und am Petersplatz ein weiteres Mal gut im Sattel.“

Was Abdullah in Zahlen, neben der Freude über die Nestroypreis-Nominierung für seine im Herbst wiederaufgenommen werdende Inszenierung „Homohalal“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=27973), so ausdrückte: „Im Spielstättenverbund Werk X hat sich der Publikumszuspruch von etwa 16.000 auf etwa 19.000 Zuschauerinnen und Zuschauern erhöht, das bedeutet bei 288 gespielten Vorstellungen eine Auslastung von knapp 80 Prozent.“ Die nicht zuletzt durch die Zusammenarbeit mit Cornelia Anhaus als kuratorischer Leiterin des Werk X-Petersplatz zustande kam, deren Programm vielfach gelobt und sehr gut besucht wurde.

Trotzdem warnen Posch und Abdullah davor, dass das Werk X durch die nicht valorisierte Förderung, derzeit von der Stadt Wien für die Spielstätte in Meidling eine Million Euro, für die am Petersplatz 550.000 Euro, der Bund subventioniert nur noch projektweise, pro Jahr 25.000 Euro, heißt bis 2021 200.000 Euro Verlust zu erwarten hat.

„Die kommende Saison soll sich unter dem Eindruck des politischen Geschehens nun vertieft mit der in die Krise geratenen Identität Österreichs auseinandersetzen“, so die Theatermacher, die als Leitmotiv für diese das Motto „Heimat und Arschloch“ ausgegeben haben, und darunter die Fieberträume von Vaterland und dessen nationaler Größe dem Glauben an Humanismus, Menschenrechten und Gleichberechtigung gegenüberstellen wollen. „Darum ist der Spielplan 2019/20 geprägt von modernen österreichischen Autoren, die vor Augen führen, dass der gegenwärtige Wahnsinn Dramatikern wie Ludwig Anzengruber vor 140 Jahren oder Ödön von Horváth vor 90 Jahren in verblüffend ähnlicher Form bekannt war und zum Gegenstand ihres Schreibens wurde.“

Horváths Geschichten aus dem Wiener Wald zeigt zum Saisonstart die internationale Gruppe Gintersdorfer/Klaßen rund um die Regisseurin Monika Gintersdorfer und den bildenden Künstler Knut Klaßen als Auseinandersetzung mit dem mehrfach postfaktisch gewendeten Selbstbild der österreichischen Gesellschaft. Wie’s die Art der Performer ist, werden sie „auf der Bühne reagieren, formulieren und Text in Bewegung umsetzen“, erklärt Monika Gintersdorfer. Den Wien-Bezug verstärkt die Musik von Natalie Ofenböck & Der Nino aus Wien. Premiere ist am 10. Oktober. Am 24. Oktober folgt Nurkan Erpulats und Claudia Tondls Try to be Lulu nach Frank Wedekind, eine Arbeit, bei der sich Constanze Passin und Karl Baratta nicht als Kindfrau und Liebhaber gegenüberstehen werden, sondern als Schauspielerin und Dramaturg ihre Sicht auf die „Monstretragödie“ austauschen.

aktionstheater ensemble: „Wie geht es weiter“ mit Michaela Bilgeri, Andreas Jähnert, Fabian Schiffkorn, Benjamin Vanyek, Thomas Kolle und Maria Fliri. Bild: Gerhard Breitwieser

Nestroypreis-Nominierung für „Homohalal“: Arthur Werner, Christoph Griesser, Stephanie K. Schreiter, Daniel Wagner, Constanze Passin und Yodit Tarikwa. Bild: © Yasmina Haddad

Die Arbeitersaga, einstmals vierteilige Spielfilmserie von Peter Turrini und Rudi Palla, kommt auf die Bühne, und zwar soll hier in zwei Mal zwei Folgen der Bogen vom postfaschistischen Nachkriegsösterreich bis in die 1990er-Jahre, von der sozialen Marktwirtschaft zur Massenkonsumkultur gespannt, und über das letzte Erzähljahr hinaus fortgeschrieben werden. Premiere von Teil eins ist am 12. Dezember, mit Helmut Köpping vom Grazer Theater im Bahnhof als Regisseur der Folge 1 und Kurt Palm als Regisseur der Folge 2. Teil zwei folgt im Frühjahr 2020 – und Harald Posch verspricht dafür zwei Regisseurinnen. Ebenfalls im Frühjahr inszeniert Ali M. Abdullah Bert Brechts Baal als kritische Hinterfragung des gern gelebten Klischees vom amoralischen, dafür umso genialeren Künstler, der jenseits jeder sozialen Ordnung steht. Abdullah: „Das Thema ist: Inwieweit kann Kunst in eine Gesellschaft hineinwirken? Oder betreiben wir Künstler nur Eskapismus?“

Als „Steilvorlage für das Phantasma einer völkischen Idylle, die in Österreich derzeit so wirkmächtig ist“, beschreibt Harald Posch Ludwig Anzengrubers Der Gwissenswurm, dem er sich mit dem Zusatz – the unintentionally end of Heimat mit Premiere im April widmen wird. Poschs Bearbeitung des 1874 uraufgeführten Volksstücks untersucht, welche Rolle das Unterbewusst-Imaginäre im Faschismus der Gegenwart spielt und „unter wessen Räder der Gwissenswurm zwischen Wien und Ibiza eigentlich gekommen ist“. An Koproduktionen gibt es am Wochenende 18. und 19. Oktober die Wortstattnächte 2019, die sich diesmal mit zeitgenössischer internationaler Dramatik befassen, „Böhmisches Paradies“ des tschechischen Autors Jaroslav Rudis, „Heiliger Krieg“ vom Italiener Fabrizio Sinisi, „Fälle“ von Ursula Knoll und „Lassen Sie mich durch, ich bin …“ von Valerie Melichar, beide Autorinnen Wienerinnen. Ab dem Herbst wird das Kollektiv Play:Vienna unter dem Titel Die Siedler von Süd-Wien ebendiese zur Selbstermächtigung aufrufen, indem mit den Bewohnerinnen und Bewohnern der Siedlungen Kabelwerk, Schöpfwerk und Alterlaa ein Spielkonzept erarbeitet wird. Die Aufführungen sind fürs Frühjahr geplant.

Nach der fulminanten Jubiläumsproduktion „Wie geht es weiter – Die gelähmte Zivilgesellschaft“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=33672), deren Wiederaufnahme für Herbst geplant ist, zeigen Martin Gruber und das aktionstheater ensemble ab 10. Juni ihre neue Produktion Wann beginnt das Leben. An Specials geht Schnitzel im Kontext selbstverständlich im Häuserl am Spitz weiter; dort findet am 9. November auch Gala und Preisverleihung zu Julius Deutschbauer: Suche die unpolitischste Theaterproduktion Wiens 2018/19 statt.

Cornelia Anhaus übernahm im Februar 2018 die kuratorische Leitung des Werk X-Petersplatz. Bild: Wolfgang Lienbacher

handikapped unicorns mit „Zum wilden Mann“: Bernhard Georg Rusch, Sören Kneidl, Martin Purth, Matthias Tuzar, J-D Schwarzmann und Sebastian von Malfér. Bild: © Alexander Gotter

Junges Theater Wien mit „Lies mein Herz“: Soffi Schweighofer und Régis Mainka. Bild: Apollonia Theresa Bitzan

Der iranische Schauspieler und Regisseur Alireza Daryanavard als „Ein Staatenloser“. Bild: © Alexander Gotter

Die Premieren 2019/20 im Werk X-Petersplatz

Die Saison am Petersplatz startet am 3. Oktober mit Wasted der britischen Spoken Word Artistin und Poetin Kate Tempest in einer Übersetzung der Singer/Songschreiberin Judith Holofernes. Das Kollektiv MOROSIS wird den Text inszenieren, in dem drei planlose und beziehungsgeschrottete Thirty-Somethings am zehnten Todestag eines Freundes einander zur Party treffen – die klarerweise entgleisen muss. How to protect your internal ecosystem heißt die Stückentwicklung, die Miriam Schmidtke und Mimu Merz am 23. Oktober zur Uraufführung bringen, eine Performance an der Schnittstelle von Video, Sound, Sprache und Choreografie, in der es um Fabrikarbeit und Fertigungsprotokolle aus der Computerchipherstellung gehen wird.

Die handikapped unicorns, die diese Saison mit ihrer Burschenschaften-Persiflage „Zum Wilden Mann“ erfreuten (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=30877), legen mit Hauptsache Gemeindebau. Das Leben, der Tod, die Familie nach, eine Verbeugung, wie Regisseur Andreas Stockinger erklärt, vor 100 Jahre Gemeindebau. Inhalt: „Nach dem Selbstmord ihres Oberhaupts sieht sich eine Familie gezwungen, in der elterlichen Gemeindebauwohnung zusammenzukommen, um das Begräbnis des Vaters zu planen. Unter Alkoholeinfluss entsteht eine explosive Atmosphäre, werden Geheimnisse gelüftet etc. – ein non-galantes Wiener Sittenbild, live untermalt von Wienerliedern“, so Stockinger. Mit dem Gudrun-Ensslin-Lebensgefährten und Vater ihres Sohnes, Bernward Vesper, befasst sich die Bühnenfassung seines fragmentarischen Großtextes Die Reise. tangent.COLLABORATIONS will dieses „Spiel zufälliger elektrischer Ströme auf meiner Großhirnrinde“ – © Vesper – in einer multimedialen Performance erfahrbar machen. Ein mutmaßlich so luzider wie bewusstseinsverstörender Horrortrip mit Premiere am 6. Februar.

Schauspieler und Regisseur Alireza Daryanavard beeindruckte vergangenen Oktober mit seinem Monolog „Ein Staatenloser“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=30184) über sein Leben in Österreich, das sich nicht als das ersehnte Friedens- und Freiheitsparadies entpuppte. Mit Premiere am 27. Februar beschäftigt sich der im Iran geborene Schauspieler und Regisseur in Blutiger Sommer mit den Massenhinrichtungen politischer Gefangener im Iran Ende der 1980er-Jahre, im Land natürlich ein Tabu. Das Stück basiert auf Interviews mit Zeitzeugen, die jahrelange Gefangenschaft und Folter überlebt haben, Tagebüchern und Abschiedsbriefen von Ermordeten – und Fotos von deren Habseligkeiten, die den Angehörigen zurückgegeben wurden. Eine neue Form von Musical wollen Johannes Schrettle und Imre Lichtenberger Bozoki mit HORSES erfinden. Die irrwitzige Story: Ein rechter Redenschreiber überfährt einen Ausländer und muss zur Vertuschung dessen Platz in einem soziokulturellen Flüchtlingsprojekt einnehmen. Bei der Produktion von Splitscreen Entertainment werden Georg Breinschmid, Martin Hemmer und Imre Lichtenberger Bozoki für die Musik sorgen.

Am 16. April folgt vom Theater KuKuKK die Wien-Premiere von Gruber geht nach dem Roman von Doris Knecht. Und zum guten Schluss, Premiere ist am 3. Juni, befasst sich das Junge Theater Wien, dessen Produktion „Lies mein Herz“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=31838) vor Weihnachten wiederaufgenommen wird, unter dem Titel Back To Black mit dem Leben von Amy Winehouse.

werk-x.at

26. 6. 2019

Schauspielhaus Wien: Der Sprecher und die Souffleuse

Juni 20, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein Meta-Stück übers Theaterdasein

Der hohe Ton fürs Mikrophon: Gerhard Balluch als „König Lear“ und Patrick Berg als Sprecher. Bild: © Nikola Milatovic

Seit der Uraufführung des Theaters am Lend Graz weiß man freilich, dass es ein Gag ist, wenn da einer aus dem Publikum „Lauter!“ und in diesem Fall „Wir sind in Wien!“ ruft, als Hanna Binder so verschüchtert leise zu sprechen beginnt, dass sie unter Garantie keiner hört. Was für den Beruf der Souffleuse, und eine solche stellt Binder hier dar, prinzipiell eher unpraktisch ist. Also hebt sie schließlich die Stimme, erzählt von ihrem Immer-Anwesend-Sein.

Sozusagen „unter“ den Brettern, die angeblich die Welt bedeuten, wie sie in die Textbücher, auf die Rückseite der beschriebenen Seiten, ihre Alltagsbeobachtung notiert – und, dass die wichtigste derartige ist, dass sowohl reales als auch Bühnenleben einem Kaugummi gleichen. Weil, das eine zieht sich, wie ein, während man fürs andere Figuren und deren Sätze hineinkleben könnte, und so lange durchkauen, bis alles ein großes Ganzes ist. Derlei Metaphern hat die Wiener Dramatikerin Miroslava Svolikova en masse auf Vorrat, ihr aktuelles Stück „Der Sprecher und die Souffleuse“ ist als Meta-Stück übers Theaterdasein zu lesen, ist in diesem Sinne Nonsens mit Hintersinn – und 2018 Gewinner des Autor- und Autorinnenpreises der sich bis dato über sechs Bundesländer erstreckenden Theaterallianz (www.schauspielhaus.at/schauspielhaus/theaterallianz).

Svolikovas Stern strahlt seit Beginn ihrer Schreibtätigkeit hell, etwa mit Diese Mauer fasst sich selbst zusammen und der Stern hat gesprochen, der Stern hat auch was gesagt“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=23816) oder „europa flieht nach europa“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=29742), ihre neue Arbeit hat Pedro Martins Beja inszeniert, und er meistert bravourös die Aufgabe, den Zinnober der Vorlage umzusetzen. Was man zwischen sich bauschenden, schwarzen Vorhängen zu sehen bekommt, sind Zerrbilder von Bühnenbeschäftigten. Die Ausgangssituation sind aufgrund widriger Verkehrsumstände fehlende Schauspieler.

So bleibt da nicht nur Hanna Binder, angetan wie ein 1950er-Jahre-Sekretariatsfräulein (Kostüm, Bühne & Maske: Elisabeth Weiß), sondern auch Patrick Berg als erschreckter Sprecher, der um die Zeit zu überbrücken um sein Leben redet. Beide sind großartige Komödianten. Peinlich und berührend. Florian Tröbinger führt als Bote ein Endlostelefonat mit einem Gottöberst, in dem er auch Liebesgekicher unterbringt, Lukas David Schmidt mit halbem Cyborg-Gesicht hat als Elektriker nach einem Stromausfall nach dem Rechten zu sehen.

Lear kürt den Elektriker zu seiner Lieblingstochter: Lukas David Schmidt und Gerhard Balluch, hinten: Patrick Berg. Bild; © Nikola Milatovic

Im Publikum die Schauspieler erkannt: Patrick Berg, Florian Tröbinger als Bote und Hanna Binder als Souffleuse. Bild: © Nikola Milatovic

Sie alle treiben grandioses, gnadenloses Over-Acting, doch finden punkto Outrage ihren König, Grandseigneur Gerhard Balluch, der als Lear in der Szene „Still Storm“ hängengeblieben zu sein scheint. Mit nacktem Oberkörper pflegt Balluch fortan den hohen Ton, seine Aufmachung samt Blütenkranz wie eine Brandauer-Stein-Parodie, den der Sprecher versucht ins Mikrophon zu bannen, doch tatsächlich ist hier jeder auf der Suche nach seiner Rolle, nach einer Bestimmung, die seine Existenz zu legitimieren vermag. Und da nun alle mit der Sinnfreiheit von Leerstellen und Wiederholungen kokettieren, hält Balluch die Mitspieler für Narr und Cordelia.

Kürt irgendwann den schnoddrigen Elektriker zur Lieblingstochter, erkennt im Boten den Feind, verlangt vom Richter-Sprecher Gerechtigkeit – ein Chaos, das die Souffleuse mittels Von-der-Bühne-Zerren lösen will. So wabert die Darbietung zwischen Dada und Gaga, entpuppen sich Sprecher und Souffleuse als Sandkastenliebespaar, werden allerlei gewitzte Bemerkungen bezüglich Stromkreis-Lebenskreis, lockere Schrauben und die Macht des Zuschauens vom Stapel gelassen. „Wir sind da, so wie wir sind“, stellt Hanna Binder fest, verärgert darüber, dass die anderen immer andere sind.

Völlig verausgabt sie sich in einer Publikumsbeschimpfung, philosophiert übers Sterben auf der Bühne „für einen schönen Abend“, lädt aber denn doch die ersten Reihen gönnerhaft und gruselig zum Händeschütteln ein, während Bergs Sprecher, um ein Entkommen eben derselben zu verhindern, fragt: „Soll ich den Saal zusperren?“ Und immer wieder Gerhard Balluch, im umstrittenen Grazer Konwitschny-Lear dereinst der Graf von Kent, polternd hinter der Bühne, das Schwert zückend auf dieser, er gleicht dem Geist eines gestrigen Theaters, das nicht weichen wird, so lange das neue – mit dem Shuttlebus – im Stau steckt und Verspätung hat, der komplette Theaterapparat in Warteposition und dabei die Zuschauer beschwichtigend und irgendwie beschäftigend. Am Ende, man ahnte es bereits, hat der Bote die fehlenden Mimen doch noch gefunden, sie sind – wir. Damit ist die Lizenz freigegeben, das Tollhaus, das Theater ist, zu übernehmen.

www.schauspielhaus.at

  1. 6. 2019

Kosmos Theater: Geister sind auch nur Menschen

Mai 9, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Fäkalienfarce zur menschlichen Vergänglichkeit

Noch nicht weg, aber auch nicht mehr richtig da: Tobias M. Draeger, Isabella Jeschke, Karola Niederhuber und Barbara Gassner im Pflegeheim. Bild: Bettina Frenzel

Dieser Allgemeinplatz vom Lachen, das den Zuschauern im Hals stecken geblieben ist, darf zur gestrigen Premiere im Kosmos Theater ohne Scham bemüht werden. Regisseurin Barbara Falter brachte dort „Geister sind auch nur Menschen“ der Schweizer Autorin Katja Brunner zur Österreichischen Erstaufführung, die beiden bereits ein eingespieltes Team, wenn es darum geht, Brunners heiß aufkochende Textkaskaden in szenischer Form zu bändigen.

Und so geben sie nun auch einem Wiener Publikum kalt-warm. Brunners Geister-Menschen heißen die, die nicht mehr ganz da, aber auch noch nicht wirklich weg sind, die Alten, die von den Kindern der Leistungsgesellschaft Ausgestoßenen, die unrentabel Gewordenen, die Ausrangierten. Also werden diese in Scheibchen Sterbenden „im Heim“ verstaut, von wo aus Brunner sie die Scherben und verpassten Chancen eines gewesenen Lebens bejammern lässt. Ein Klagelied, eine „Pflegeoper“ hat die Dramatikerin da verfasst, einen grotesken, boshaften, morbiden Text, eine Fäkalienfarce zur menschlichen Vergänglichkeit, denn die Notdurft wird im Wortsinn als immer wiederkehrendes Druckmittel verwandt, die unvermittelt in poetische Sprachbilder kippen kann.

Die gestrenge Heimleitung: Karola Niederhuber mit Barbara Gassner, Isabella Jeschke und den Beinen von Tobias M. Draeger. Bild: Bettina Frenzel

Das langsame Ende in langen Unterhosen: Barbara Gassner, Isabella Jeschke, Karola Niederhuber und Tobias M. Draeger. Bild: Bettina Frenzel

Die Schauspielerinnen Barbara Gassner, Isabella Jeschke und Karola Niederhuber gestalten, in der Körperarbeit unterstützt von Choreograf Tobias M. Draeger, sowohl Pflegepersonal als auch Patienten. Im Ping-Pong wechseln sie die Seiten, brechen als Betreuer in nichtssagenden, weil desinteressierten Bla-Gesang aus. Dann wiederum, gekleidet in Steppstoff, die Gesichter clownesk auf moribund geschminkt, winden sie sich durch ihren Danse macabre, die Bühne von Carl und Carla dazu eine Art dusterer Aufbahrungsort, in der Mitte ein in den Boden eingelassener Sarg, so lässt zumindest die gerüschte Bestattungswäsche vermuten, in den Darstellerinnen und Darsteller regelmäßig abgleiten.

Damit das Alter nicht zur spöttischen Parodie unserer früheren Existenz werde, brauche es Sinn im Sprechen und Handeln, formulierte Simone de Beauvoir einmal, doch, so Brunner, was nützt das, wenn man nicht gehört wird. „Wir denken oft, wir verstehen meistens“, lässt sie ihre Protagonistinnen sagen, nur: wen interessiert’s noch? Derart eignet sich Barbara Gassner die Figur der von einem Schlaganfall niedergestreckten Frau Heisinger an, führt in deren Innenleben, führt in einer wunderbaren Wutrede deren Verbitterung darüber vor, sich für „Töchtersöhne“ aufgeopfert zu haben, die jetzt bereits zu ihren Nochlebzeiten ihr Hab und Gut verscherbeln, oder wünscht Karola Niederhuber als Pflegekraft, mit der Betonung des Begriffs Kraft als Macht und Autorität, der jaulenden Frau Simplon, „dass der Herrgott sie bald mitnehmen soll“.

Was nützt die Stimme, wenn einen niemand mehr hören mag? Barbara Gassner, Karola Niederhuber und Isabella Jeschke. Bild: Bettina Frenzel

Dass dieser Bettlägrigenreigen nicht zur Tristesse pur wird, ist Katja Brunners speziellem Witz und ihrer Beobachtung, den von ihr beschriebenen Nichtort zwischen Vergessen und Verwirrung auch als Hort von Sticheleien, Sekkierereien und postsexuellen Anwandlungen zu begreifen, zu danken. Aufbegehrt wird gegen’s Rauch- und Alkoholverbot, „als ob es jetzt noch darauf ankäme“, ein lieb gemeinter Popograpscher ruft allerdings die gestrenge Heimleitung auf den Plan.

All das ist so verzweifelt komisch, so fröhlich überzogen, verschwimmend zwischen real und surreal, dass nicht auszumachen ist, was Wach- und was -koma ist. Über Magensonde und Dauerkatheter kalauert Isabella Jeschke „Der Schlauch tut’s auch“, dann wieder meint sie zu ihrem „Ich möchte bitte gegangen sein dürfen“ – „Genug geschuftet, jetzt wird verduftet“. Der Schrecken wird sprachverspielt, die entmündigende Tatsache, dass der persönliche Name gegen eine Patientennummer ausgewechselt wurde, oder, dass zu den blauen Flecken auf der Seele jene am Körper kommen, weil die Behandlung eben nicht immer sanft ist.

Was Barbara Falter und ihr sich bis an die Grenzen verausgabendes Ensemble mit ihrer Pflegestufen-Party erschaffen haben, ist Überwältigungstheater. Da nie voyeuristisch, nie mitleidskitischig, zieht es einen umso mehr in Bann. Dass einen dieses Endspiel auf Fragen nach der eigenen Existenz zurückwirft, muss man, wie auf der Bühne zu sehen, mit Galgenhumor nehmen. „Nicht das Alter ist das Problem, sondern unsere Einstellung dazu“, Cicero, 106 – 43 v. Chr.

Video: www.youtube.com/watch?v=fTNgWKeBLSY

kosmostheater.at

  1. 5. 2019

Jüdisches Museum Wien: Die drei mit dem Stift. Lily Renée, Bil Spira und Paul Peter Porges

Mai 6, 2019 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Zeichnen als Werkzeug zum Überleben

Bil Spira, Zeichnung aus dem Lager Blechhammer, Gouache und Buntstifte auf Papier, 1944 © Imperial War Museum London

Ab 8. Mai zeigt das Jüdische Museum Wien Zeichnungen von Lily Renée, Bil Spira und Paul Peter Porges. „Die drei mit dem Stift“ eint ein gemeinsames Schicksal. Drei Künstler, die als jüdische Kinder in Wien aufwuchsen, ihre Heimat nach dem so genannten „Anschluss“ verlassen mussten und anderswo erfolgreich wurden – zwei in den USA, einer in Paris. Ihre Zeichenstifte setzten sie als Werkzeuge zum Überleben ein, als nicht nur friedliche Waffen.

Die drei, das ist zum einen Lily Renée, geboren 1921; sie entkam nach England und konnte sich in New York als Zeichnerin und Illustratorin von Kinderbüchern verwirklichen. Unter anderem machte sie aus der Comics-Superheldin Señorita Rio eine Kämpferin gegen Nazis und andere böse Mächte und schuf damit zur Kultfigur für Generationen von Fans.

Fotografie, Lily Renée, 1940er © Privatbesitz

Lily Renée, Titelblatt Fight Comics, Dezember 1946 © Privatbesitz Lily Renée

Das ist ferner Wilhelm „Bil“ Spira (1913-1999), Porträtist und Karikaturist, Maler und nicht zuletzt ein begnadeter Fälscher: Unzähligen in Vichy-Frankreich Gestrandeten fertigte er Visa und Pässe für eine Passage in die Freiheit an. Spira überlebte Verrat und Vernichtungslager, nach dem Krieg konnte er seine Karriere in Paris erfolgreich fortsetzen.

Bil Spira beim Porträtieren von Fans im Böhmischen Prater, 1938. © Wien Museum / Bild: Robert Haas

Bil Spira, Karikatur für die Arbeiter-Zeitung, 2. Juli 1933 © Jüdisches Museum Wien

Das ist schließlich Paul Peter Porges (1927-2016); als Kind bereits an der Wiener Kunstgewerbeschule, als Halbwüchsiger in der „Kinderrepublik“ und in Internierungslagern in Frankreich, als junger Mann in der Genfer Kunstschule. Mit Mutterwitz und dem Stift in der Hand schaffte er es in die Vereinigten Staaten und dort auf die großen Bühnen für Cartoonisten, allen voran den New Yorker und das Mad Magazine.

Paul Peter Porges, Zeichnung, Anschluss Heldenplatz, ca. 2000 © Jüdisches Museum Wien

Paul Peter Porges, mit Selbstporträt, während seiner Zeit bei der US-Army, 1951-52 © Jüdisches Museum Wien

Diese drei Zeichner haben Erstaunliches zu Papier gebracht – enthüllende Karikaturen und liebevolle Porträts, Satiren auf die Gesellschaft und Dokumente des Schreckens. Aus Wien stammend, mussten und konnten sie sich anderswo behaupten. Während der Flucht beziehungsweise Gefangenschaft und danach setzten sie ihre Fähigkeiten auch als künstlerische Waffen ein. Mit Feder, Bleistift und Pinsel, vor allem mit Witz und Courage, zeigten sie auf, was ist und was anders sein soll, was der Lächerlichkeit preiszugeben ist und was nicht vergessen werden darf. Das Jüdische Museum Wien zeigt eine repräsentative Auswahl an Arbeiten. Lily Renée, Bil Spira und Paul Peter Porges – für das österreichische Publikum neu entdeckt.

www.jmw.at

6. 5. 2019

Theater in der Josefstadt: Jacobowsky und der Oberst

April 21, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Mit einem Lachen den Leidensweg entlang

Je länger die Flucht, je größer die Verzweiflung: Johannes Silberschneider, Matthias Franz Stein, Herbert Föttinger und Pauline Knof. Bild: Sepp Gallauer

Die Bühne ist so dunkel, wie die Aussichten duster. Im Pariser Hotel „Mon Repos et de la Rose“, dieses wegen nächtlicher Flugangriffe der Nazis in Finsternis getaucht, lernen einander der jüdische Kaufmann Jacobowsky und der polnische Oberst Tadeusz Boleslav Stjerbinsky kennen. Man wird zur Schicksals- gemeinschaft, weil ersterer ein Fluchtauto kaufen, das zweiterer fahren kann – zumindest sährrr gut geradeaus. Beide wollen zu den Schiffen, die an der Atlantikküste ablegen.

Der eine, um dem Konzentrationslager zu entgehen, der andere, weil er seiner Exilregierung in London wichtige Papiere zu überbringen hat. Doch da die Charaktere unterschiedlicher kaum sein könnten, wird die Stimmung während der Reise zunehmend angespannter. Aus diesem Umstand bezieht Franz Werfels von ihm so genannte Komödie einer Tragödie „Jacobowsky und der Oberst“, 1941/42 im amerikanischen Exil verfasst und eine Verarbeitung eigener Fluchterlebnisse, sowie derer des polnischen Bankiers Jakobowicz, ihren Witz. Am Theater in der Josefstadt hat nun Janusz Kica das Stück inszeniert, schnörkellos, ganz auf die Kraft des Textes und der grandiosen Darsteller setzend, wobei er die Figur Jacobowsky zusätzlich von ihrem allegorischen Charakter befreit. Der in allen Aspekten geglückte Abend ist ein weiterer starker Beitrag zum Spielzeitmotto des Hauses: „Flucht und Heimatlosigkeit“.

Johannes Silberschneider und Herbert Föttinger gestalten das Gegensatzpaar. Silberschneider füllt seine Rolle mit jener verschmitzten Ironie, die einem das Lachen entlang ihres Leidenswegs erst ermöglicht. Jacobowsky hat gelernt, dem Schrecken mit Galgenhumor zu begegnen, also macht Silberschneider Werfels überidealisiertes Geschöpf zum menschlichen Wesen, durch die Art, wie er deren Aperçus in höchster Abgeklärtheit zum besten gibt. Man glaubt diesem lebenslang Vertriebenen, der sich zwischen weltlichem Zweckoptimismus und biblischem Todesrealismus eingerichtet hat, dass er, wie er sagt, will, dass sich alle wohlfühlen, damit er sich selber wohlfühlen kann. Jacobowskys Leitsatz von den stets vorhandenen zwei Möglichkeiten, ist gleichsam das Motto des Stücks, und Silberschneider spielt ihn als feinsinnigen, überlegten Logiker, der es mit Finesse versteht, sogar der Wehrmacht einen Kanister Benzin abzuluchsen.

Dass so einer vom entfesselten Temperament Stjerbinskys gefordert ist, versteht sich. Herbert Föttinger ist als Silberschneiders Antagonist ein kongenialer Widerpart, zunächst eitler Haudegen und charmanter Womanizer, der für jede Dame „in der Kathedrale seines Herzens“ eine Kerze brennen hat, latent antisemitisch und ein arroganter Anschaffer. Föttinger zieht als grantiger, auf Jacobowsky immer eifersüchtigerer Offizier alle Komödienregister, sein polnischer Kunstakzent trägt zum Gaudium bei, doch während Stjerbinsky erst noch wehleidig jammert sährrr schwärmüttig zu sein, gibt Föttinger der Figur mehr und mehr Kontur, als Stjerbinsky tatsächlich am Verlust seines Status und seiner Uniform, muss er sich doch als Zivilist tarnen, zu kranken beginnt. Dieser Stjerbinsky berührt in seinem seelischen Abstieg so, dass Föttinger am Ende dessen Katharsis plausibel vermitteln kann.

Matthias Franz Stein und Herbert Föttinger. Bild: Sepp Gallauer

Pauline Knof und Herbert Föttinger. Bild: Sepp Gallauer

Herbert Föttinger und Johannes Silberschneider. Bild: Sepp Gallauer

So wie zwischen Silberschneider und Föttinger die Pointen sitzen, so verstehen auch Matthias Franz Stein als Szabuniewicz und Pauline Knof als des Obersts Geliebte Marianne diese zu setzen. Stein gelingt als ergebenem Pfeifendeckel perfekte Sidekick-Komik. Dass er sich auf der Flucht „nur keine Weiber“ wünscht, ist allerdings zwecklos, holt sein Befehlshaber doch auf der Fahrt zum Meer seine Liebste Marianne ab, und Pauline Knof ist ganz wunderbar als lieblich-naive Tagträumerin, bevor sie ihre Marianne zur einzig noch handlungsfähigen Person entwickelt. Je verzagter Jacobowsky wird, je schwächer der Oberst, umso stärker sie.

Nicht umsonst hat Werfel für sie den Namen der Nationalfigur der Franzosen gewählt, und so ist es nur folgerichtig, dass Knofs Marianne das Schlussbild gehört, in dem sie sich, schwarz gekleidet und mit Pistole im Anschlag, als Mitglied der Résistance ausgibt. Kica gelingen großartige Szenen, komisch, wenn sich Marianne und Stjerbinsky beim Wiedersehen ein hochtheatralisches Drama liefern, das Jacobowsky ob des lebensgefährlichen Zeitverlusts fassungslos kommentiert, tragisch, wenn der Oberst wegen einer Gestapo-Kontrolle zum Geisteskranken mutieren muss, den die „Gattin“ mithilfe des Aushilfsirrenwärters Szabuniewicz in die nächste Klinik zu bringen gedenkt. Auch diese Farce natürlich ein Trick, der Jacobowsky eingefallen ist.

Wie Janusz Kica mit Silberschneider, Föttinger, Knof und Stein detailreiche Charakterstudien erarbeitet hat, so tat er das ebenso in den zwei Dutzend Miniaturen. Wie es ein Markenzeichen des Ensembletheaters Josefstadt ist, ist die Produktion durchwegs luxuriös besetzt: mit Ulli Maier als resoluter Hotel-Chefin Madame Bouffier, Alma Hasun als leidenschaftlicher „leichter Person“ oder Gerhard Kasal als gutgläubigem deutschen Oberleutnant. Alexander Absenger ist als zynischer „tragischer Herr“ zu sehen, Johannes Seilern als sich unantastbar glaubender Membre de l’Académie Française, Siegfried Walther als um Ruhe bemühter Wirt Clairon, Therese Lohner als unnachgiebiges Mädchen Mariannes, Ginette, Patrick Seletzky als grausamer Gestapo-Mann.

Ulli Fessls „alte Dame aus Arras“ wird nicht umsonst ein „Kraftwerk an Panik“ genannt, Ulrich Reinthaller überzeugt als zwiespältiger britischer Agent, Michael Schönborn als Flic, der erst nach Dienstschluss mitfühlend werden darf. Ihnen allen bietet die Aufführung dank Kicas kluger Regie einiges an Entfaltungsmöglichkeit. Kica zeigt all das ohne krampfhaften Dreh ins Heute, sind Werfels Themen von Zukunft, die aus Zusammenhalt entsteht, und Vertrauen, das alle Feindseligkeiten überwindet, doch ohnedies zeitlos. Dass sich ohne viel geistigen Aufwand dennoch Assoziationen zur Gegenwart herstellen lassen, liest sich auch in einem Text Georg Stefan Trollers im Programmheft. Wenn der Autor dort über den Emigranten als, von den Staaten, in die er flieht, „Illegalen“, „Störfaktor“, „Parasiten“ gesehenen schreibt, kann man nicht anders, als an ein Österreich zu denken, dass es seit Kurzem wieder gibt.

Video: www.youtube.com/watch?v=nnlEZf2lC7g          www.josefstadt.org

  1. 4. 2019