Theater in der Josefstadt: Madame Bovary

April 14, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Zwangsjacke der Borderlinerin

Die Bovarys mal fünf sind von Rodolphe Boulanger hingerissen: Bea Brocks, Silvia Meisterle, Therese Lohner, Ulli Fessl, Maria Köstlinger und Christian Nickel. Bild: Astrid Knie

Dass Charles‘ Landarztkittel sich knapp vor der Pause in eine Zwangsjacke für Ehefrau Emma verwandelt, macht Sinn, fühlt sich die doch in ihrer Situation ausweglos gefangen und ergo unglücklich. Regisseurin Anna Bergmann (über-)dreht Gustave Flauberts Fantasien zu seiner Protagonistin. Bei ihr wird die überspannte Provinzgattin zur Borderlinerin – Bergmanns liebste Interpretation, inszeniert sie Weltliteratur-Frauenfiguren -, und die gibt es nicht nur ein Mal, sondern gleich mal fünf:

„Madame Bovary“ am Theater in der Josefstadt. Da gelingt Bergmann vor allem im ersten Teil Großes. So ideendurchtränkt ist ihre durchchoreografierte Arbeit, dass man’s teils mit fünf Sinnen gar nicht fassen kann. Was gut ist, lässt man den sechsten zu. Maria Köstlinger allen voran gestaltet die Bovary, umringt von Bea Brocks, Ulli Fessl, Therese Lohner und Silvia Meisterle. Das ist eine Frau in fünf Lebensaltern, das sind Stimmen im Kopf, eine Frau und ihre Erinnerungen und Vorausahnungen. Emma in ihrem Totenhaus immer selbst ihre Spinne Langweile, von Schatten umringt, von Anfang an ein Gespenst.

Denn erzählt wird gleichsam posthum. Bergmann setzt auf Prosa, und einen großartigen Christian Nickel als Rodolphe Boulanger als Berichterstatter ein. Er schildert das Drama bis zum Untergang, diese kurze Existenz, die er gekannt hat, der Selbstmord am Ende scheußlich und die Liebe nimmerwährend. Eindrückliche Bilder gelingen da. Ein Albtraumreigen, der sich immer schneller dreht. Emma aus Luken und über Wände kletternd, der Geliebte mit Fetischfuchsmaske, Horrorgestalten in Lack und Leder. So subtil, wie Flaubert es verdient hat, weißt Bergmann darauf hin, dass es im Roman höchst realitätsnah um sexuelle Obsession und erotomanische Fixierungen geht.

Ein unnahbares Elegiebürschchen: Meo Wulf und Maria Köstlinger. Bild: Astrid Knie

Doppelbild von Heiliger und Hure: Bea Brocks und Maria Köstlinger. Bild: Astrid Knie

Aggressive Bösartigkeit liegt in der Luft. Nickels Rodolphe decouvriert sich als ennuyierter Zyniker, Köstlinger, alles gebend, ist von kalter Leidenschaft, ihrer Emma Zauber, wie es geschrieben steht, ein eisiger. Selbst Meo Wulf als Léon Dupuis bleibt als Elegiebürschchen unnahbar, wenn er auf seinem Elektro-Pedalo um die Bovary kurvt. Auch das eine gelungene Übersetzung für den ersten Ritt, den die beiden original bei einer wilden Kutschfahrt haben. Noch mehr Gegenwärtiges darf sein, im zweiten Teil in zeitgenössischen Kostümen und ebensolcher Sprache. Auch das tut Bergmann gern, Figuren durch die Epochen zu deklinieren, als Zeichen fürs Nichts-ändert-Sich. Emmas Schulden werden in Euro aufaddiert.

Da haben die Darsteller die Lacher auf ihrer Seite, wenn Roman Schmelzer – ein wunderbar langweilig-gutmütiger Charles Bovary – und die Köstlinger nach der Pause in der Theaterloge sitzen, während Bea Brocks als Madonnen-Königin-der-Nacht-Mix vom Himmel schwebt, und Schmelzer seinen Charles sagen lässt, er sei bemüht, die Bühnenvorgänge verstehen zu wollen. Bergmanns Deutung der Titelrolle zwischen Heiliger und Hure, eingesperrt nicht im Mittelstandshäuschen, sondern im herrschaftlichen, krank-grünen Sanatorium (Bühnenbild: Katharina Faltner), angetan mal mit großem Gothic-Kostüm von Lane Schäfer, mal nur in der Wäsche umherkriechend. Mal am Klavier Portisheads „It’s A Fire“ singend, mal Rodolphe im Slingbett beglückend. Das Publikum dankte jedenfalls für den Assoziationsfreiraum, den ihm die Aufführung ließ, mit viel freundlichem Applaus.

Berthe als spooky Puppe ist auch keine Sympathieträgerin: Roman Schmelzer, Suse Wächter und Maria Köstlinger. Bild: Astrid Knie

Ins Wahnsinnsspiel passt auch Suse Wächter, die Berthe Bovary als Puppe führt, zu spooky für eine Sympathieträgerin, ein Hassliebeobjekt für die Mutter und Erdulderin von deren Launen, darin ganz der Vater. Siegfried Walther gibt Monsieur Homais als Laboratoriumsratte und den Lheureux als diabolischen Verführer mit Lagerfeldzopf, der Emmas Kaufrausch mit immer neuen Luxuslabeltragtaschen befeuert.

Beginnt der Abend mit Pantomime, so endet er mit leerem Raum, in dem die Worte aus dem Off hallen. Emma allein auf der Bühne, der Rest ihre Kopfgeburten. Ulli Fessl ist noch da, die nie mehr gelebt haben werdende Emma, und deklamiert in Trauerrobe den Ophelia-Monolog aus Heiner Müllers „Hamletmaschine“, wird zur Frau, „die der Fluss nicht behalten hat. Die Frau am Strick. Die Frau mit den aufgeschnittenen Pulsadern. Die Frau mit der Überdosis. Die Frau mit dem Kopf im Gasherd …“ Dass Bergmann damit der Bovary pathologisches Betragen in den Schmerz der Welttragödie steigert, schafft deren Hysterie eine Bedeutsamkeit, die angesichts des 20. Jahrhunderts überzogen scheint. Dies als Fußnote nach einem Dreistundenabend, der ansonsten überzeugte.

Video: www.youtube.com/watch?time_continue=1&v=ftf7DJJ04cU

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  1. 4. 2018

Theater in der Josefstadt: Fremdenzimmer

Januar 26, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Lösung liegt in der Luft

Ein Fremder in der Wohnung! Ulli Maier als Herta Zamanik, Tamim Fattal als Samir und Erwin Steinhauer als Gustl Knapp. Bild: Herbert Neubauer

Am Ende wird abgehoben, rein ins Flugzeug, raus in eine bessere Welt. So schön surreal endet Peter Turrinis Tragikomödie „Fremdenzimmer“, von Herbert Föttinger am Donnertag am Theater in der Josefstadt zur Uraufführung gebracht. Turrinis Text sei unter den Eindrücken des Jahres 2015 erarbeitet worden, erfährt man eingangs im Gespräch, doch definitiv ging es dem Dramatiker weniger darum eine Flüchtlingsgeschichte zu schreiben.

Als eine hiesige, eine „einheimische“ zu bespiegeln. Der vorkommende syrische Junge nämlich kommt erst gar nicht zu Wort – bis auf einen in Englisch gehaltenen Monolog über das Grauen seiner Flucht. Stumm, mit großen, fragenden Augen bleibt er Katalysator, Ventil, Projektionsfläche für diffuseste Ängste und Ablehnung von allem, was mit „Ausländer“ irgend zu tun hat. Wie die Realität so spielt. Was Turrini da an Vorurteilen und Vorverurteilungen, Widerstreben und Widerwillen für sein Volksstück zusammengetragen hat, spricht für seinen hinterlistigen Humor. Und Ulli Maier und Erwin Steinhauer bringen das Ganze so über die Rampe, dass einem beim Lachen die Tränen in die Augen steigen. „Fremdenzimmer“ ist ein entlarvendes Stück, weil es wie vor sich hingesagt formuliert, was von vielen, von immer mehr auch schon so vor sich hin … Ohne daran zu denken, dass Sprache die schärfste Waffe ist.

Davon erzählt Turrini, und dies wie immer mit einer großen Liebe für seine Figuren. Er erzählt von Herzen, die so hart geworden sind, dass sie umso leichter brechen, von zwei Leben, in die nie die Hoffnung fuhr. Bis er den beiden ein Licht aufsteckt. So gesehen ist „Fremdenzimmer“ ein Zimmer mit Aussicht. Peter Turrini kommt schließlich nämlich zu dem Schluss: Die Lösung liegt in der Luft. Man brauche sie nur zu greifen. Für all das verzichtet Regisseur Föttinger auch auf Verortung, was sich hier abspielt, das kann sich überall ereignen, heißt das, und Walter Vogelweider schuf dafür einen imaginären Bühnenraum.

Man hat einander nicht mehr viel zu sagen: Ulli Maier und Erwin Steinhauer. Bild: Herbert Neubauer

Nur manchmal darf man noch träumen von einem besseren Gestern: Ulli Maier und Tamim Fattal. Bild: Herbert Neubauer

In diesem spielen Herta Zamanik und Gustl Knapp, Maier und Steinhauer, tagtäglich ihr Beziehungstheater. Man hat sich auseinandergelebt, einander schon lange nichts mehr zu sagen, da steigt zwischen Karaoke Singen und Modellflugzeug Basteln die brennende Welt, die man nur aus dem Fernsehen kennt, in die Wohnung ein. Samir aus Aleppo, dargestellt von Tamim Fattal. Er will sein Handy aufladen, und weil Gustl sagt, in seiner Wohnung nicht, und Herta meint, das wäre aber bitteschön auch die ihre, wird er von ihr gezwungen zu bleiben. Als Sohnersatz, der tatsächliche ist vor mehr als 30 Jahren verschwunden. „Wir verstehen uns auch nicht, wir tun nur so“, wischt Herta Gustls Argumente wegen fehlender Deutschkenntnisse vom Tisch.

In durch Scheinwerferblendung und Christian Brandauers Musik getrennten Szenen lässt Föttinger das Spiel nun ablaufen. Immer schneller drehen sich Gustls Ressentiments und Hertas positiv gemeinter, dennoch Rassismus im Kreis. Motto: Alles nicht so bös gemeint, aber man wird doch im eigenen Land noch sagen dürfen … Ulli Maier und Erwin Steinhauer gestalten das fabelhaft, schwankend zwischen der inzwischen eingekehrten Lakonie, mit der sie über ihr verpfuschtes, verpasstes Dasein reden, und einem dennoch Aufbrausen über die Ungerechtigkeit des Schicksals.

Gustl, der wegen eines mutmaßlich Nervenzusammenbruchs frühpensionierte Postler, der grantelnde Schmerzensman, der sich selber einen „alten Sozi“ nennt, und an Gott und der Welt (ver-)zweifelt, Herta, die „wer weiß was alles“ machen musste, um sich und ihr Kind durchzubringen. Turrini, wie in etlichen seiner Stücke, zeigt mit dem Finger auf eine Sozialdemokratie, die ihre Stammwähler aus Ignoranz gegenüber deren Sorgen und Problemen in die Richtung derer getrieben hat und treibt, die den vielzitierten „kleinen Mann“ mit offenen Armen an ihre blaue Brust ziehen. Samir, nun mit Steirerjanker ausstaffiert, sieht sich Gustls Sermonen und Hertas Mehlspeismassakern ausgeliefert.

„Ihr könnt‘s eher Hammel, gell“, sagt sie, und wunderbar ist, wie Steinhauers Gustl, der Diabetiker, eine Cremeschnitte umschleicht. Großartig, wie der Kampf der Kulturen am Blutdruckmessgerät ausgetragen wird. Beklemmend, wie es nach dem Biertrinken heißt: Volle Integration! Steinhauer und Maier spielen das so, wie ihre Figuren sind: ohne Genierer. Ihre trockene, pointierte Darstellung sorgt dafür, dass sich eine mögliche Sentimentalität im Zaum hält. Aber so unnachgiebig die Herta und ihr Gustl scheinen mögen, machen sie doch durch kleine Gesten deutlich, dass eine Liebesannäherung noch möglich ist.

Am Ende wird in Peter Turrinis Volksstück endlich abgehoben: Ulli Maier, Tamim Fattal und Erwin Steinhauer. Bild: Herbert Neubauer

Und sie wird passieren. Durch den Fremden. Durch die gemeinsam erlebte Fürsorge für jemanden Dritten. Und weil der Mensch den Menschen schlussendlich als solchen erkennt. Turrini, der alte Humanist, glaubt an Lernfähigkeit. Bei ihm siegt Poesie über Politik. Von wegen „konzentrierte Unterbringung“.

„Die beste Lösung ist, man kommt in Kontakt und hört sich ihre Geschichte an“, sagt Ulli Maier im Gespräch mit mottingers-meinung.at übers Kennenlernen als Hilfsmittel gegen die hysterisch geführte sogenannte „Flüchtlingsdebatte“. Eine Lösung, die wie gesagt, in der Luft liegt. Zu „Fremdenzimmer“, zu Herta und Gustl, zu Abschiebung und Ausweisung, fällt einem noch Saint-Exupéry ein: Man bleibt ein Leben lang für das verantwortlich, was man sich vertraut gemacht hat.

Ulli Maier im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=28021

Video: www.youtube.com/watch?time_continue=3&v=NOtjfvm9AhQ

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  1. 1. 2018

Theater in der Josefstadt: Ulli Maier im Gespräch

Januar 22, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Sie spielt in Peter Turrinis „Fremdenzimmer“

Ulli Maier als Herta Zamanik. Bild: Herbert Neubauer

Das hintere Kabinett muss immer frei bleiben. Wie eine Art Fremdenzimmer. Stets aufgeräumt und jederzeit beziehbar: Nur unter dieser Bedingung ist Herta damals bei Gustl eingezogen. Denn das verschwundene Kind kommt zurück. Irgendwann.
Und plötzlich steht er da, ein verlorener Sohn. Doch es ist nicht der, auf den man gewartet hat, es ist Samir, 17 Jahre und syrischer Flüchtling.

Vielleicht aus Menschlichkeit oder Sentimentalität, vielleicht aber auch aus Trotz gegenüber Gustl, der Samir sofort aus der Wohnung schmeißen will, setzt Herta durch, dass der junge Mann bleiben darf. Oder muss … So beginnt Peter Turrinis neues Stück „Fremdenzimmer“, das am Donnerstag am Theater in der Josefstadt zur Uraufführung gebracht wird. Regie führt Herbert Föttinger; es spielen Ulli Maier, Erwin Steinhauer und Tamim Fattal. Ulli Maier im Gespräch:

MM: Sie spielen in „Fremdenzimmer“ die Figur Herta Zamanik. Ist sie die Gute?

Ulli Maier: Bestimmt nicht. Man könnte den Text so lesen, aber wahrscheinlicher ist, dass, wie bei Paaren üblich, sie und der Gustl Knapp ganz ähnlich über Flüchtlinge denken. Nämlich: die sollen zu Hause bleiben … Es gibt aber einen Punkt, ganz am Anfang des Stücks, wo der Gustl sagt, so einen Ausländer könne er in seiner Wohnung nicht brauchen, und sie meint, das wäre genauso gut ihre Wohnung – über diesen Punkt fangen die beiden, die sich schon lange auseinander gelebt haben, an zu streiten, und da fällt die Entscheidung: Samir, der syrische Flüchtling, bleibt.

 MM: Wie kommen die beiden zu Samir?

Maier: Er ist auf der Flucht vor der Polizei, und dringt in die offen stehende Wohnung ein, um sein Handy aufzuladen. Ein Zufall. Aber durch den Konflikt der beiden,  kommt er nicht mehr weg, weil Herta in ihm einen Sohnersatz erkennt. Das ist ein bissl unheimlich, was die beiden mit ihm machen. Er wird nicht gefragt, er wird benutzt, und zwar von beiden. Von ihr als Gesprächspartner, also sie redet nicht mit ihm, sondern er muss sich ihre Logorrhoe anhören und von ihm als Adresse für seinen Lebensfrust und seinen Rassismus. Der syrische Flüchtling wird zum Katalysator zwischen Herta und Gustl, obwohl er gar nichts sagt. Das ist keine Geschichte über Flüchtlinge, sondern über drei einsame Menschen und traurige Leben. Und trotzdem ist es hoch politisch.

MM: Heißt das, ich kann fragen, ob sie tagespolitische Überlegungen einarbeiten?

Maier: Das brauchen wir nicht, denn die stehen schon im Stück drin. Die Situation, dass Flüchtlinge „konzentriert“ werden sollen, und dass da eine Vision ist, dass es andere Möglichkeiten auch noch gibt, steht schon da. Ich finde es einen wahnsinnigen, unfassbaren Vorgang, was sich da derzeit überlegt wird, aber das hat Turrini schon geschrieben, bevor es überhaupt dazu kam. Wir müssen also nicht tagespolitisch reagieren und noch einen draufsetzen.

MM: Ist „Fremdenzimmer“ eine Komödie?

Maier: Es hat durchaus seine komischen Stellen, Dialoge und Situationen, es ist kein Schenkelklopferstück, aber es hat eine unfreiwillige Komik. Für mehr ist zu viel Aggression auf der Bühne, zu viel ungelebtes Leben und zu viel Traurigkeit auch. „Fremdenzimmer“ ist kein kabarettistisches Stück.

Peter Turrini und Herbert Föttinger. Bild: Herbert Neubauer

MM: Es fällt der Satz „Die Welt stimmt nicht mehr“. Verstehen Sie diese Empfindung?

Maier: Ja, es ist im Moment irrsinnig viel in Bewegung, unsere Welt, die für uns so lange so friedlich ausgesehen hat, ist aus dem Lot. Die Dinge, die im Stück gesagt werden, haben auch ihre Berechtigung. Gustl beispielsweise ist ein gewordener Rassist, der war ein Sozi, der aus dem Beruf geflogen ist, sehr spät, jetzt hat er das Gefühl, er findet nirgend mehr Anschluss. Das ist ein Bild, das ich sehr gut kenne. Mein Bruder war Buchdrucker, und mit 55 arbeitslos, weil es den Beruf nicht mehr gab. Das war ein stolzer Beruf, mit einer starken Gewerkschaft und einem guten Einkommen – und plötzlich: aus. Dann sollte er Parksheriff werden, ein Denunziantenjob, wie er sagte. Mein Bruder ist im Wortsinn daran zugrunde gegangen … Die gesellschaftspolitischen Probleme sind nicht gelöst, und das hat vorerst nichts mit Ausländern zu tun, das macht aber Angst.

MM: Eine Angst, mit der man auch als Künstlerin konfrontiert ist?

Maier: Natürlich, ich bin jetzt 60, und hatte zwischen 52 und 55 den typischen Knick für Frauen. Da nehmen die Rollen für Frauen schlagartig ab, sowohl in der Klassik als auch in der Moderne. Die werden einfach nicht geschrieben. Jetzt langsam darf ich „die Alten“ spielen, jetzt geht’s allmählich wieder. Aber es gab wirklich ein Loch, obwohl ich 35 Jahre an wirklich guten Häusern war. Ich dachte tatsächlich, ich kann meinen Beruf nicht mehr ausüben.

MM: Umso schöner, dass Sie in der Josefstadt eine alte Heimat wiederentdeckt haben?

Maier: Ja. Ich freue mich sehr darüber. Ich habe schöne Aufgaben, es ist ein Ensemble, mit dem ich gerne arbeite, und das diskussionsfreudig ist, und Herbert Föttinger ist ein sehr engagierter Intendant, der fürs Theater brennt. Außerdem war’s Zeit wieder nach Wien zu kommen. Ich war lange und gern unterwegs, ich bin eine Nomadin, aber in letzter Zeit fiel mir das Kofferpacken immer schwerer.

MM: Herbert Föttinger führt Regie. Sie arbeiten zum ersten Mal mit ihm?

Maier: Wir kennen einander ewig, auch Erwin Steinhauer und Peter Turrini, seit 35 Jahren – und habe mit allen dreien noch nie gearbeitet. Wir sprechen eine ähnliche Sprache, wir verstehen was wir meinen und was wir wollen, jetzt müssen wir’s nur noch auf die Bühne hieven. Ich hoffe, wir kriegen es ganz gut auf die Reihe. Turrini war gestern zum ersten Mal drin, und glaube ich, ganz glücklich.

MM: Wir haben über den Gustl gesprochen, der Alltagsrassismus der Herta und ihre Ängste sind diffuser. Was haben Sie sich zurechtgelegt, woher das kommt? Würde sie Türkisblau gewählt haben?

Maier: Nicht Türkisblau, sondern Blau, bestimmt. Die Herta war eine junge ledige Mutter, hat ein Leben gelebt, das nie in die Glücksphase gekommen ist. Sie ist seit vielen Jahren in ihrer Welt gefangen, hat ihr Kind verloren, hängt in ihrer Traurigkeit fest. Klammert sich an die Illusion, dass etwas passieren wird, das sie aus der Ödnis rausholt. Der Zorn der Menschen geht meist auf die, die unter ihnen stehen, nie gegen die, die sich’s kübelweise holen. Ich fürchte mich vor den im Leben schlecht Weggekommenen, vor den zu kurz Gekommenen, die sind gefährlich. Und die Sozis haben sich viel zu lange einfach nicht darum gekümmert und sich mit der Wirtschaft ins Bett gelegt, die sind selber schuld, dass es so gekommen ist, wie es ist. Man kann nur hoffen, dass sie eine Position finden, und die anderen so viele Fehler machen, dass wieder etwas in Gang kommt. Jetzt müssen wir schon ein bissl leben damit.

Ulli Maier als Herta Zamanik, Tamim Fattal als Samir Nablisi und Erwin Steinhauer als Gustl Knapp. Bild: Herbert Neubauer

MM: Das Publikum, das dieses Stück sehen wird, kommt nicht aus diesem Milieu. Was erwarten Sie sich an Reaktionen der Zuschauer?

Maier: Sie kommen nicht aus dem Milieu, ich vermute aber trotzdem, dass wir eine relativ hohe Zahl an Türkis-Wählern drinnen sitzen haben. Denen ist es gut, den gesellschaftsfähigen Rassismus vorzuführen, sie sind ja g’scheite Leute, gebildete Menschen,  – und dort wollen wir sie packen: Dass Dinge nicht gelöst sind, was wir auch gar nicht behaupten, aber angegangen werden müssen. Die Politik hat zu lange in Legislaturperioden gedacht, und Entwicklungen verschlafen, jetzt wird arm noch ärmer und die Wirtschaft nimmt sich mehr und mehr Raum.

MM: Auch die aktuelle Regierung arbeitet aber nicht für „arm und krank“.

Maier: Natürlich nicht, aber das werden die Leute erst verstehen, wenn sie’s wirklich trifft. Es werden sich vielleicht schon ein paar den Kopf kratzen und nachdenklich werden, aber zu mehr ist das alles viel zu wenig konkret. Erst wenn es passiert, wenn es keine Notstandshilfe mehr gibt, werden sie erkennen, dass man einem Strache nicht glauben kann, wenn er sagt, bei ihm gehe keiner, der ein Leben lang gearbeitet hat, unter. Die Menschen sind ja so simpel.

MM: Hat sich bei den letzten Malen Schwarzblau der Protest zügiger formiert?

Maier: Es ist schwieriger geworden, weil es einen Gewöhnungsprozess gegeben hat. Wir sind schon mit den politischen Enkeln der Blauen konfrontiert, wir kennen ihre Ups und Downs, es gibt schon Ermüdungserscheinungen. Die AfD sind Babys dagegen. Und: Türkisblau wurde mit über 60 Prozent gewählt. Da ist es in einem demokratischen System schwierig dagegenzureden. Man kann Protest erheben gegen Maßnahmen, die gesetzt werden, gegen Gesetze und Verordnungen, aber man kann nicht gegen eine Regierung protestieren, die so viele Stimmen erhalten hat, das ist demokratiepolitisch sehr kompliziert. Die einzige Möglichkeit, die man hat, ist aufmerksam sein.

MM: Der dritte Schauspieler auf der Bühne ist Tamim Fattal als Samir.

Maier: Unser Tamim ist seit zwei Jahren in Österreich und ein wunderbarer Junge. Wach und aufmerksam. Er ist tatsächlich geflohen aus Aleppo. Er ist zwanzig und würde gerne Schauspieler werden, er hat auch schon am Theater an der Wien gespielt. Er ist für mich das Beispiel, wie man mit Flüchtlingen zusammenkommen sollte. Im Dialog. Wir wissen über diese Menschen viel zu wenig, daher kommt auch die Angst.

MM: Kann man mit diesen Dialogen die von beiden Seiten so hysterisch geführte sogenannte Flüchtlingsdebatte entspannter angehen?

Maier: Die beste Lösung ist, man kommt in Kontakt mit den Menschen und hört sich ihre Geschichte an. Die rennen um ihr Leben, die jungen Männer, die vor dem Krieg und vor dem Niedergeschossen-Werden davonlaufen. Daher ist es besser, wenn die Leute, die zu uns kommen, in Kleinverbänden integriert werden, nicht draußen in der grauen Zone zusammengepfercht werden. So soll man friedlich miteinander umgehen? Da kannst du auf die Uhr schauen, wann es die nächste Ausschreitung gibt, damit man wieder welche nach Hause schicken kann. Diese Idee dient doch nur dazu, zu provozieren. 

Video: www.youtube.com/watch?time_continue=2&v=NOtjfvm9AhQ

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22. 1. 2018

Kammerspiele: Shakespeare in Love

September 8, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Das Theater ist auf den Hund gekommen

Will Shakespeare wundert sich über seine Gefühle für den jungen Schauspieler Thomas Kent: Dominic Oley und Swintha Gersthofer. Bild: Astrid Knie

Nun ist es also empirisch nachgewiesen: 22 Menschen passen auf die Bühne der Kammerspiele, können sogar noch fechten, tanzen, musizieren, außer ihnen aber hat kein Löschpapier mehr Platz … Das zweite Haus der Josefstadt eröffnete am Donnerstag mit der Komödie „Shakespeare in Love“. Die war 1998 ein Kino-Blockbuster, das Drehbuch von Tom Stoppard und Marc Norman, wurde mit sieben Oscars und drei Golden Globes bedacht.

Und gab der schönen Gwyneth Paltrow die Gelegenheit zu beweisen, dass sie auch Komödiantin sein kann. Josefstadt-Direktor Herbert Föttinger ist es nun gelungen, sich von Disney Theatrical Productions die Rechte für die deutschsprachige Erstaufführung der Bühnenfassung von Lee Hall zu sichern. Fabian Alder hat inszeniert, ganz „großer Bahnhof“, ein rasantes Lustspiel mit scherenschnittigen Figuren. Bei der Geschwindigkeit, die hier eindreiviertel Stunden lang vorgelegt wird, ist eine tiefergehende Charakterauslotung wahrhaft kaum mehr möglich. Aber das macht nichts. Das Stück lebt von den scharfsinnigen, scharfzüngigen Dialogen des genialischen Tom Stoppard, glänzend übersetzt von Corinna Brocher, von Timing und Tempo, und diesbezüglich ist Alder ein Meister: Jede Pointe sitzt, jedes Bonmot ist auf den Punkt gebracht. Die Schauspieler agieren allesamt in Höchstform, die eine oder andere Darbietung ist beinah circensisch, und das Publikum dankte mit großem Jubel und viel Applaus.

Die Story, samt Stück im Stück, handelt sozusagen von der Entstehung von Shakespeares „Romeo und Julia“. Der britische Barde hat Schreibhemmung, dafür aber einen Haufen Schulden. Er quält sich mit der Komödie „Romeo und Ethel, die Piratentochter“. Die Premiere naht, die Proben sind eine Katastrophe, die Besetzung ist ein Graus. Da tritt der junge Schauspieler Thomas Kent auf den Plan, in Wirklichkeit Viola De Lesseps, Töchterchen aus besserem Hause, die es, zu Zeiten da nur Männern das Schauspielen gestattet war, zur Bühne und in die Nähe des von ihr verehrten Dichters drängt. „Tom“ kriegt die Rolle des Romeo, und Will seine Gefühle nicht mehr auf die Reihe. Was im weiteren Verlauf geschieht, Lieben und Leiden, inspiriert Shakespeare dann zum schönsten Liebesdrama aller Zeiten …

Die Amme ist natürlich in alles eingeweiht: Therese Lohner mit Swintha Gersthofer. Bild: Astrid Knie

Begeistertes Publikum: Swintha Gersthofer, Therese Lohner und Oliver Huether. Bild: Astrid Knie

Dass Stoppard in die romantic comedy eine mit Shakespeare-Zitaten gespickte Satire einschreiben musste, ist logisch. Und so ist „Shakespeare in Love“ auch eine hinreißende Parodie auf den Theaterbetrieb. Intendant gegen Autor, die Schauspieler gegen alle, ein Sponsor, der seine Rechte geltend machen will und mit einer Minirolle befriedigt wird, Bühnen im Wettstreit um das Publikum – aber wenn’s hart auf hart kommt, hält die Herde der Theatertiere zusammen.

Apropos, Tiere: Dies der running gag im Stück – seit Curtain-Theatre-Prinzipal Burbage eigenmächtig bei einer Aufführung von „Zwei Herren aus Verona“ vor Königin Elizabeth den Hund Spot eingeführt hat, weil die Queen Vierbeiner liebt, wollen alle nur noch Stücke mit Hund haben. Bei Stoppard ist das Theater im Wortsinn auf den Hund gekommen, und Superautor Shakespeare selten Herr seiner selbst, seine gewiefteren Ideen – siehe Spot/Crab – haben in der Regel andere …

Auf die Bühne der Kammerspiele hat Ines Nadler die Andeutung eines elisabethanischen public playhouse gestellt, eine Konstruktion, die ein Spiel auf zwei Ebenen zulässt, sodass Szenen schnell ineinandergreifen können.

Herrlich anzuschauen sind die historisch anmutenden Kostüme von Frank Lichtenberg. In diesem Setting treten einander Dominic Oley als Will Shakespeare und Swintha Gersthofer als vom Theatervirus infizierte Viola De Lesseps/Thomas Kent gegenüber, und die beiden sind ein hinreißendes Liebespaar. Oleys Shakespeare, sowohl Intellektueller wie Romantiker, tänzelt beständig am Rande der (komischen) Verzweiflung und erweist sich als Dramatiker als erstaunlich durchsetzungsarm. Er wird von allen Seiten angetrieben und – da ist es wieder – von allen Hunden gehetzt. Gersthofer macht auf emanzipiert in einer Machowelt, ist aber in erster Linie schwer verliebt. In den Szenen, in denen die beiden „Romeo und Julia“ spielen, sind sie anrührend und sprachlich großartig, besser als manch andere in einer tatsächlichen „Romeo und Julia“-Inszenierung.

Der Theaterdirektor und sein Dramatiker: Siegfried Walther als Henslowe mit Dominic Oley. Bild: Astrid Knie

Königin Elizabeth und ihr Haushofmeister Tilney: Ulli Maier und Markus Kofler. Bild: Astrid Knie

Als Shakespeare beginnt Viola den Hof zu machen, tritt Christopher „Kit“ Marlowe auf den Plan. Von ihm nämlich, dem besseren Poeten, stammt in Wahrheit Sonett XVIII, „Soll ich dich einem Sommertag vergleichen?“, er sagt es Will unter Violas Balkon vor, wie Cyrano dem Christian einflüstert. Oliver Rosskopf gestaltet Marlowe als Draufgänger und Streithansl, mit ihm schwappt das Testosteron über die Bühne. Gesteigert nur von Claudius von Stolzmann als Schauspielstar Ned Alleyn, der sich seines Auftritts und seiner Wirkung bis in die blonden Haarspitzen bewusst ist. Er soll der Mercutio werden, und liefert eine filmreife Fechtsszene.

Siegfried Walther hat als schmuddeliger Rose-Theatre-Direktor Henslowe die Lacher auf seiner Seite. Köstlich, wie er, zunehmend erahnend, dass er für das falsche Stück bezahlt hat, in den Texten, die Shakespeare erst nach und nach aushändigt, 1. einen Schiffbruch, 2. Piraten, 3. einen Hund sucht. Als abgebrühten ebensolchem kann ihn immerhin nichts erschüttern. Egal was schiefgeht, Henslowe hat sein Theatermacher-Mantra: Alles wird gut werden durch ein Wunder.

Alexander Strömer ist in der Rolle von Henslowes stets wie aus dem Ei gepellten Konkurrenten Burbage zu sehen. Oliver Huether bekommt als Geldgeber Fennyman den Ein-Satz-Part des Apothekers: Sein Sinn wird leicht, die Börse auch. Nikolaus Barton ist ein brutaler, unsympathischer Adelspleitier Wessex, dem Viola zur Frau versprochen ist. Gelungen der John Webster von Marius Zernatto, quasi der erste Splatter-Fan, dem immer dann wohl ist, wenn auf der Bühne Köpfe rollen und Herzen durchbohrt werden. Dies ist umso witziger, wenn man weiß, was aus Webster geworden ist – ein Autor von düster-grausamen Theaterstücken. Markus Kofler hasst als rechthaberischer Haushofmeister Tilney das Theater und will alle schließen, wird aber von seiner Herrin zurechtgewiesen.

Haushofmeister Tilney schließt das Rose Theatre: Markus Kofler, Philip Kelz, Oliver Huether, Swintha Gersthofer, Siegfried Walther, Alexander Strömer und Dominic Oley; oben: Marius Zernatto. Bild: Astrid Knie

Diese, Königin Elizabeth, stattet Ulli Maier als Lookalike mit trockenem Humor aus. Mit einem halben Dutzend junger Männer im Schlepptau segelt sie übers Parkett, alle Kabalen durchschauend, aber doch nicht in das Leben der niederen Ränge eingreifend. Nichts fehlt an diesem „Shakespeare in Love“. Weder Nachtigall noch Lerche, weder Gift noch Dolch – und natürlich auch nicht die Amme, die Therese Lohner zur hantigen Beschützerin macht.

Am Ende ist ein Stück Weltliteratur fertig, und ist bewiesen, dass der Herzschmerz-geplagte Künstler der bessere ist. Es folgt: „Was ihr wollt“. „Shakespeare in Love“, dieses so subtile, saloppe Stück, macht auf seine komödiantische Art eines wieder einmal klar: Nämlich, warum da einer aus Stratford nach mehr als 400 Jahren immer noch Globe-ale Gültigkeit hat.

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  1. 9. 2017

Theater in der Josefstadt: Der Schwierige

Oktober 7, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Im Konversationston den Kern getroffen

Michael Dangl als Kari Bühl und Matthias Franz Stein als Stani. Bild: Erich Reismann

Vom Leben leicht, aber doch ennuyiert: Michael Dangl als Kari Bühl und Matthias Franz Stein als Stani. Bild: Erich Reismann

Als die Mauer des Schweigens endlich fällt, sind nur Geschwätz, Geplapper, Plattitüden zu hören. Als die Fassade zusammenbricht, wird der Blick frei auf eine Schattenwelt der Reichen und Mächtigen. Denn ohne es selbst zu wissen, sind sie schon die Randfiguren, die über das Schicksal des Jahrhunderts nicht mehr bestimmen werden. Dafür lassen sie bereits einen anderen an der Außenlinie ihrer Gesellschaft balancieren. In kornblumenblauem Anzug und mit Blondschopf.

„Es gibt Leut‘, in deren Mund sich alle Nuancen verändern“, heißt es an einer Stelle über ihn. Janusz Kica hat am Theater in der Josefstadt Hugo von Hofmannsthals „Der Schwierige“ inszeniert, jenes hintergründige Lustspiel, an dem der Autor elf Jahre feilte, Hofmannsthal, der Sprachzweifler und -verzweifler, der genau diese Eigenschaften seinem Protagonisten auf den Leib schreib. An einem einzigen Tag hat dieser Hans Karl Bühl, genannt Kari, mehrere Liebesangelegenheiten zu lösen. Er will seinen besten Freund Hechingen wieder mit dessen Ehefrau Antoinette versöhnen, sie nebenbei Karis letzte Affäre, und soll auf Geheiß seiner Schwester Crescence seinen Neffen Stani mit der jungen Helene Altenwyl verloben. Für die aber hegt Kari Gefühle, die er sich nicht einzugestehen vermag.

Der Rest sind Irrungen und Wirrungen und ein groß angelegtes Panorama einer Welt von Gestern, die bei Kica ihre Ansprüche allerdings erst aktuell abgegeben zu haben scheint. Als wär’s ein Wahlgang. An dessen Ende bekanntlich immer eine Urne steht. Kica trifft mit dem Hofmannsthal’schen Konversationston den Kern der Sache, er hat an der Patina dieses Gesellschaftstableaus gekratzt, bis einem die Gegenwart grell entgegenleuchtet, er holt dieses doch ein wenig aus der Zeit gefallene Stück vortrefflich ins Hier und Jetzt. Und die Josefstädter verstehen all diese subtilen Zwischentöne auch zu spielen. Der Tonfall, er ist eben der ihre, die Sachverständigen für Salonkomödie bewegen sich gepflegt und sicher auf ihrem Terrain. Über das sie herrschen, wie wohl derzeit kaum ein anderes Theater im deutschsprachigen Raum.

Alma Hasun als Helene Altenwyl mit Michael Dangl. Bild: Erich Reismann

Noch keine Liebeserklärung: Alma Hasun als Helene Altenwyl mit Michael Dangl. Bild: Erich Reismann

Roman Schmelzer als Hechingen mit Pauline Knof als Ehefrau Antoinette. Bild: Erich Reismann

Roman Schmelzer als Hechingen mit Pauline Knof als Ehefrau Antoinette. Bild: Erich Reismann

Im spartanischen Bühnenbild von Karin Fritz brilliert Michael Dangl als Kari Bühl. Er ist weniger Molière’scher Misanthrop, auch dieser Art wird der Charakter ja mitunter gedeutet, als ein charmanter Äquidistanz-Halter zum (anderen) Ende der Menschheit, und er ist ein durchaus spitzbübisches Schlitzohr. Als Baseline spielt Dangl dazu das Trauma eines Kriegsheimkehrers, eines im Feld verschütteten, und vielleicht rührt daher ja diese Furcht vor allem, was im Leben gut und schön sein kann. Kari schwärmt vom Clown Furlani, einem dummen August im Zirkus, und dies die treffendste Beschreibung für Dangls Rollengestaltung: einer, der allen helfen möchte, alles klären möchte, und alles in Konfusion bringt; einer, der nichts mit Absicht tut, aber beständig auf die Absichten der anderen reagieren muss. Dann wieder berührt er in intimen Momenten mit Alma Hasuns Helene. Er gibt seinem Spiel tausend Facetten und alle sind sie faszinierend anzuschauen.

Mit ihm auf der Bühne ganz großartig Ulli Maier als seine exaltierte Schwester Crescence, Pauline Knof als manisch-hysterische Antoinette Hechingen, Alexandra Krismer als ihre geschwätzige Freundin Edine oder Therese Lohner als ihre Kammerjungfer, die sich mit ihrer Herrin längst als ein „Wir“ versteht. Die Damen schrauben sich darstellerisch in lichte Höhen, daneben gibt Roman Schmelzer als abservierter Ehemann Hechingen den guten Tropf, die dritte Partei, der definitiv das Je ne sais quoi und die Sleekness fürs großbürgerliche Parkett fehlt.

Zweitere bringt per Geburt der Stani von Matthias Franz Stein mit. Stein gestaltet einen Schnösel par excellence, einen, der von den eigenen großen Plänen leicht, aber doch ennuyiert ist, gestaltet die Sorte Reiterhammerl-Rich-Kid, die, mit dem goldenen Löffel großgefüttert, nun glaubt, über das Wohl und Wehe anderer urteilen zu dürfen. Mutmaßlich nie zuvor war Stein in seiner Darstellung so prägnant, wie in dieser Rolle, als einer, der nie um eine Antwort verlegen ist, an dem nie auch nur der geringste Selbstzweifel nagt, das personifizierte Coming out des neuen Selbstbewusstseins – man sieht seinem Stani zu, wie er sich mit Teflon überzieht und weiß, da wird einer, auch wenn er jetzt noch in der zweiten Reihe steht, Karriere machen. Der Tag X wird kommen.

Die Schattenwelt und der Eindringling: Alma Hasun, Michael König, Michael Dangl, Ulli Maier und Christian Nickel als Neuhoff. Bild: Erich Reismann

Die Schattenwelt und der Eindringling: Alma Hasun, Michael König, Michael Dangl, Ulli Maier und Christian Nickel als Neuhoff. Bild: Erich Reismann

Wohl auch für Christian Nickels Neuhoff. Der sympathische Schauspieler überzeugt in einer für ihn ungewöhnlichen Position als unsympathischer Emporkömmling. Sein Neuhoff ist ein Anbiederer an die alten Machtverhältnisse und speit vor Zorn Gift und Galle über sie. Er verachtet vor allem Kari und will ihn durch Schmeicheleien doch für sich gewinnen. Er ist der Raubfisch im gutsituiert-trägen Karpfenteich.

Wie er stammtisch-eloquent herumscharwenzelt, aber wenn er seine Ziele nicht erreicht, dann plötzlich in pure Gewalt ausbricht, da zeigt Nickel neue Seiten seiner Kunst. Noch wird sein Neuhoff geschlagen vom Platz gehen, noch haben Stani und er sich in gegenseitiger Geringschätzung nichts zu sagen, noch … Janusz Kica ist es mit seiner Arbeit nicht nur gelungen, den Hofmannsthal’schen Text mit hohem Anspruch umzusetzen, er hat daraus auch eine Art Gesellschaftsfarce gemacht, eine, wenn man’s denn so sehen möchte, Politsatire, die auf Fragen verweist, auf die man sich möglichst schnell eine Antwort suchen sollte. Die Bilder gleichen sich, die Personen sind bekannt.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=Ty5qAJv13nQ

www.josefstadt.org

Wien, 7. 10. 2016