Wiener Festwochen: Die Orestie

Mai 31, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Keine Demokratie für die Laborratten

Klytaimestra (Marie Löcker) und Volk. Bild: Armin Smailovic

Sollte einem die Schädeldecke nach hinten rutschen, so der Tipp von Dramaturg Matthias Günther am Ende seiner gutgelaunten Werkeinführung: „Schieben Sie sie einfach wieder nach vorne!“ Äh, ja. Ersan Mondtag Shootingstar hat zweifellos viel und farbenprächtige Fantasie, seine Fassung von Aischylos‘ „Orestie“ oszilliert zwischen Pathos und Klamauk – ein spannender Mix, für den man alles, nur nicht spaßbefreit sein darf.

Die Ansage, den Anspruch, sich wieder auf die Archaik des antiken Theaters zu besinnen, erfüllt der Abend, der vom Thalia ans Theater an der Wien übersiedelt ist, allerdings in vielerlei Hinsicht nicht. Das beginnt mit der Sprache, die so typisch deutsches Stadttheater ist. Mit einem Hauch Schnoddrigkeit und Mut zur Schreierei bis zur Outrage. Wenn Sebastian Zimmler als Orest sich in der Plattenbausiedlung – Mondtag, der seine Inszenierungen gern auch biografisch verankert, denkt hier wohl an den Berliner Kiez seiner Kindheit – die rachsüchtige Seele aus dem Leib brüllt, wartet man unwillkürlich darauf, dass von einem der Balkone ein „Ruhe!“ in den Innenhof erschallt. Im Wiener Gemeindebau wär’s mit Garantie so. Bevor die Stiege vier endlich ins Spiel kommt, passiert aber eine Menge.

Mondtag hat sich das Haus des Atreus‘ als Laborrattenstaat erdacht (honi soit …, wem hier der Neuenfels‘sche Skandal-Lohengrin einfällt). Das macht insofern Un/sinn, als die alten Griechen schon zu satyrnartigen Bocksmasken und großen Schwänzen griffen. Vor der Kulisse einer Glyptothek stehen die Darsteller in Stasis auf einer kleinen, roten Drehbühne. Ihr Singsang als Bürgerchor, unterstützt von einem Altonaer Gesangschor, der die Musik von Jazzer Max Andrzejewski interpretiert, erzählt die Geschichte von Flaute für die Flotte, Opferung Iphigenies, bis Heimkehr Agamemnon und Totschlag. Das ist, dank des hohen Tons von Walter Jens‘ Übersetzung, tatsächlich gewaltig. Marie Löcker tritt mit brüchiger Erotik als Klytaimestra aus der Masse hervor, André Szymanski als totengleich wandelnder Agamemnon, Paul Schröder als Aigisth.

Kassandra irritiert als Wickelkind im Weidenkorb. Bild: Armin Smailovic

Warum Kassandra ein Wickelkind im Weidenkörbchen sein muss, erschließt sich wiederum nicht. Das Babygebrabbel wird als die Fremdsprache der Seherin gedeutet, von der keiner versteht, was sie sagen will. Die ästhetische Setzung ist jedenfalls stark, Form bestimmt den Inhalt. Und erst auf den zweiten Blick sind die kleinen Irritationen zu entdecken: ein Shirt auf dem „Geil“ steht, eine Tasche mit der Aufschrift „Club Azur“.

Das weist schon hin auf das Folgende, wenn sich die Kulisse dreht, und die Aufführung zwischen Blumenbalkon und Sat-Schüssel angelangt ist. Als ob hinter jeder marmornen Fassade die Kleinbürgerlichkeit hauste. Und Klytaimestra und Aigisth winken gar königlich aus dem Spießbürgeridyll ins Volk hinunter. Da wird nun vieles lächerlich bis zum Lachen. Eine Urne wird aufs Chaos von Thomas Niehaus geworfen, die Sätze sind jetzt von Mondtag und modern. Als hätte manch einer ein „Also, wissen Sie, nee …“ auf den Lippen.

Nach der Pause eine eindrückliche, schwarze Albtraumszene, die sich von Atreus und Thyestes zu Aigisth, der längst als Witzfigur zur Abschlachtung freigegeben ist, und Orest entwickelt. Das ist von großer Intensität, wenn Agamemnon, als Toter auf seinem Grab sitzend, dem Sohn den Doppelmord befiehlt. Kein Wunder hier, dass Zimmler Hamlet und Jesus zitiert, er wird schließlich vor dem roten Vorhang zum durch die Erinyen Verpesteten, will eine Beichte ablegen, wird aber durch höhere Macht – Apollon – zum Demagogen, der aufhetzt, statt zu gestehen. Das ist schon sehr geschickt gelöst, samt Björn Meyer als Elektra.

Am Ende finden sich alle im Tiefgaragen-Tempel von Athene – Cathérine Seifert, die für die Übersiedlung die vom deutschen Feuilleton bemängelte Merkel-Raute und SMS-Sucht offenbar abgelegt hat – wieder und die Plädoyers beginnen. Der Hohe Rat wird eingesetzt, und sofort setzt Zank und Hader wieder ein. Unter Ratten ist eben keine Demokratie möglich, diese zarte Pflanze, die derzeit gerade vielerorts zertreten wird. Sagt Ersan Mondtag und verdreht Aischylos‘ Happy End in ein hämisches Moment. Zum Schluss gab’s Riesenjubel und Applaus für einen Abend, der die Balance zwischen Erhabenen und Groteskem sucht, und doch zu sehr in Zweiteres entgleitet. Die alte Kreativenregel „Kill your darlings!“ lass‘ die Einfälle weg, auf die du am stolzesten bist und die du am schönsten findest – hätte dieser Inszenierung gutgetan.

www.festwochen.at

  1. 5. 2018

Luk Perceval in St. Pölten

Mai 12, 2013 in Bühne

Sein berüchtigter „Hamlet“ am Landestheater NÖ

Abdruck zur Produktion bei Nennung honorarfrei

Gabriela Maria Schmeide, André Szymanski
Bild: ©Armin Smailovic

Das Landestheater Niederösterreich ist nicht nur eine erste Adresse bei Eigenproduktionen, sondern auch dafür bekannt, erstklassige Gastspiele einzuladen. Regisseur Luk Perceval, sozusagen ein alter Freund des St. Pöltener Hauses, kam diesmal mit seiner „Hamlet“-Inszenierung vom Hamburger Thalia Theater. Das Shakespeare-Drama wurde von Feridun Zaimoglu und Günter Senkel neu bearbeitet und von Jens Thomas mit Musik unterlegt. Ein starkes Stück. Wie rund um 1600 so gedacht. Heftig-deftig, nackt, gewaltig (ohne je Gewalt zu zeigen), schmerzhaft bis Herz und Ohren (dank Gitarrengeschrammel und Wutgesang) bluten.

Zu keinem Ding gibt es mehr Sekundärliteratur, mehr Theorien als zu „Hamlet“, lernte man als Theaterwissenschaftsstudent. Ist er tatsächlich irre? Oder täuscht er den Wahnsinn vor, um seine Pläne zu verschleiern? Sein oder nicht sein? Darauf gibt Perceval seine Antwort: Beides richtig! Er spaltet seinen Titelhelden auf zwei Schauspieler: Josef Ostendorf, dem (wie der Rebellenführer in „Total Recall“) Jörg Pohl aus dem Bauch wächst. Eine manisch-depressive Schizophrenie. Die Conditio humana, für Freud das Unbewusste, für Erich Fromm das Interesse an Erkenntnis, bei Hannah Arendt das politische Handeln als Grundbedingung menschlichen Lebens, dargestellt als Doppelrolle. Hamlet, gefangen im Dualismus zwischen Vernunft und Emotion. Ergo gibt Ostendorf den zwar verzweifelten, aber rational-ruhig Handelnden, ist Pohl im Geiste schon Vernichter der Vatermörder, einer, den die Ratio längst verlassen hat. Immer wieder muss Hamlet eins dem wie ein Springteufel aus seinem trauerschwarzen Hemd auftauchenden Hamlet zwei den Mund zuhalten, damit dieser sich nicht zu unbedachten Ausbrüchen hinreißen lässt. Was ihm nicht gelingt (siehe Tod des Polonius: Barbara Nüsse im Rollstuhl – großartig, wie sie in weitschweifigen Beschreibungen Hamlets vertrackte Seelenlage darlegt, obwohl dem Sermon des alten Mannes sowieso keiner zuhört). Großartig auch die Szene, in der der/die Dänenprinz(en) im Geist ihres Vaters, der als verendeter Sechzehnender auf der Bühne liegt, nur sich selbst begegnen. Ein Taschenlampenspuk als Schreckgespenst.

Da ist was faul im Staate. Und Aggression liegt in der Luft. Auch bei „Claudius“ Andre Szymanski und „Laertes“ und Stelzengeher Sebastian Zimmler. Er vermag nicht eine Schwester Ophelia zu retten, sondern deren vier sind verloren. Wasser- und Wiedergängerinnen. Wo Perceval einerseits mit Personal klotzt, spart er an anderer Stelle ein. Einen „Klugscheißer“ Horatio braucht er gleich gar nicht. Rosencrantz & Guildenstern und die ganze Schauspielertruppe mimt Mirco Kreibich in wunderbaren Verrenkungen (da wurden Teile des Publikums übrigens erstmals stutzig und unruhig). Totengräber 1 & 2 gibt Peter Maertens (Vater von Burgstar Michael Maertens) zweistimmig – als Bass und Tenor -, die Schaufel in der Hand, des armen Yoricks Skelettschädel auf den Kopf gebunden. Über so viel Albtraumhaftes versucht Gabriela Maria Schmeide, in Gestik und Gewandung eine derangierte, gut genährte Ballerina, hinwegzutänzeln. Versucht Claudius mit Notgeilheit aus der Gefahrenzone zu bringen, ihren Prinzen-Burli mit Übers-Haar-Streichen zu besänftigen. Klar, dass beides misslingt.

Perceval, nicht erst seit seinem „Schlachten!“-Gemälde als Shakespeare-Experte ausgewiesen, und Sprachberserker Zaimoglu haben einen dichten, suggestiv bezwingenden, intensiven, auf die Essenz eingedampften „Hamlet“ auf die Bühne gestellt. Angst-Atmosphärisches auf düsterschwarzer Bühne. Eine Installation zum Thema Dämmerzustand des Unter-, des Unbewussten. Und das Ensemble: brillant. Und ein Ende ohne giftige Degen und Perlen, ohne ausgefochtene Duelle und das Zur-Schau-Stellen von Toten. Nur Ostendorf sagt ostentativ: „Der Rest ist …“ Da brach der Buh- und Bravoorkan (wie weiland bei der Hamburger Premiere) über die Bühne herein. Empörtes Türenschlagen da, Begeisterungsgejohle dort. Gott sei Dank. So soll Theater sein. Allzu oft sitzt heutzutage ein mäuschenstilles Publikum in Duldungsstarre im Saal, schleicht sich dann leise aus diesem – und auf zum Prosecco. Bei Perceval geht das nicht.

Was das Landestheater Niederösterreich kommende Saison bietet, lesen Sie kommende Woche auf www.mottingers-meinung.at.

www.landestheater.net

Videos: www.thalia-theater.de/h/repertoire_33_de.php?play=243

www.mottingers-meinung.at/interview-mit-luk-perceval

Von Michaela Mottinger

St. Pölten, 12. 5. 2013