Circus Roncalli 2022: All For ART For All

August 23, 2022 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER-MEHMOOD

Bernhard Paul spricht über sein neues Programm

Der Circus Roncalli kommt wieder nach Wien. Bild: © Rene Huemer

The Show Must Go On! Zweimal musste Roncalli seine Tournee absagen, zweimal fieberten 120 Künstler und Künstlerinnen, Musiker und Musikerinnen, Mitarbeiter und Mitarbeiterinnen und das Publikum einem Start entgegen. Nun ist es soweit – nach zwei Jahren Pause kehrt Roncalli endlich zurück in den „Tournee-Circus“ und gastiert 2022 mit neuem Programm und wie immer tier- und

plastikfrei von 14. September bis 9. Oktober in Wien. „Wir vermissen unser Publikum schon so lange. Wir haben nach diesen unwirklichen Zeiten so viel nachzuholen: 45 Jahre Roncalli, das neue Programm „All for ART for All“ und die von mir erdachte und neu inszenierte 300-Grad-Holografie, mit der wir bereits auf unserer letzten Tournee weltweit für Aufmerksamkeit sorgten. Das neue Programm ist meine ganz persönliche Hommage an die Kunst und ihre großen Maler, Musiker und Filmschaffenden. Wir haben die vergangenen zwei Jahre genutzt, das neue Programm zu perfektionieren und gleichzeitig wurden viele Circuswagen liebevoll restauriert. Wir freuen uns auf Wien und sind wieder da!“, so Roncalli-Gründer und -Direktor Bernhard Paul.

Mit einem kreativen „Geniestreich“ verbindet „All for ART for All“ Malerei, Film, Musik und natürlich die Circuskunst zu einem einzigartigen Gesamtkunstwerk. Kostüme inspiriert von Piet Mondrian, Andy Warhol oder Frida Kahlo wechseln sich ab mit einem exakt nachempfundenen Triadischen Ballett Oskar Schlemmers. Musik von Charlie Chaplin über David Bowie bis zu den Beatles – perfekt arrangiert von Orchesterleiter Georg Pommer – begleitet die Weltklasse-Artistinnen und -Artisten in poetisch modernen Choreografien unter der Circuskuppel.

Unser aller Gensi. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Pferde-Holografie. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Krissie Illing, Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Golden Dreams. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

„Im Programmtitel steckt so viel drin. Im Wort Artistik versteckt sich auch das Wort ART, wie Kunst. Auch unser Umgang mit Tieren, auf die wir in unseren Shows verzichten – ist ARTgerecht, denn unsere Tiere sind als fantastische Hologramme schon seit Jahren ,roncallisiert‘. 2018 gab es bei Roncalli als erstem Circus der Welt Holographie in der Manege. Dies war eine Weltnachricht! Mehr als 150 Länder berichteten in den Abendnachrichten darüber“, so Bernhard Paul.

Artistische Höhepunkte, liebenswerte Clowns und Roncalli’s weltweit einzigartige 300-Grad-Holografie im Circusrund – ein circensisches Spektakel zwischen Nostalgie und Moderne. Wenn das Publikum zu Roncalli kommt, dann will es auch bekannte Gesichter sehen. Deswegen macht Roncalli mit den besten Künstlerinnen und Künstlern der vergangenen Jahre weiter und bringt sie mit neuen Talenten und Innovationen zusammen.

Paolo Carillon & Nox. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Maria Sarach. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Yesterday Boys. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

„All for ART for All“ ist auch mein Bekenntnis dazu, dass Kunst für alle Menschen zugänglich sein sollte. „Was heute selbstverständlich ist, hat bereits vor Jahrhunderten vor allem der Circus liberalisiert. Circuskunst war stets nah bei den Menschen – davon haben auch die ,elitären‘ Künste gelernt und machen es heute besser. Wir lieben unser Publikum und wissen, was es von uns erwartet“, so Bernhard Paul.

80 historische Wagen, historische Foodtrucks, 120 Mitwirkende und Mitarbeitende – was mit einem Traum begann, hat sich bis heute zu einem der größten Circus-Unternehmen entwickelt. Verzaubert werden die Gäste in einem der schönsten Circuszelte der Welt, das mit mehr als 10.000 raffiniert konstruierten energiesparenden LED- und Messinglampen beleuchtet wird und die ganze Roncalli-Stadt in nostalgisches Licht taucht. Schon am Eingang begrüßen Künstlerinnen und Künstler in fantasievollen Kostümen beim Duft von Zuckerwatte und gebrannten Mandeln zu Live-Musik die Zuschauer. Ein einzigartiges Gesamtkunstwerk, das vom ersten bis zum letzten Moment in eine poetische Zauberwelt entführt.

Ulik Robotic & Paul Herzfeld. Bild: © Mathijs te Kiefte/C. Roncalli

Vioris Zoppis. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Fratelli Caveagna. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Circus-Atmosphäre. Bild: © Mathijs te Kiefte/Circus Roncalli

Nachhaltigkeit

Seit Jahren verabschiedet sich Roncalli schrittweise von Plastikverpackungen und -besteck. Neben der klassischen Bio-Bratwurst und der Bio-Zuckerwatte gibt es auch Smoothies und vegane Gerichte. Von Beginn an transportiert Roncalli fast die gesamte Circusstadt und seine historischen und aufwendig restaurierten Holzwagen nachhaltig und klimaneutral per Bahn – mittlerweile einzigartig in der gesamten Entertainment-Branche. „Schon lange bevor es ins kollektive Bewusstsein Einzug hielt, waren wir bestrebt, stets nachhaltiger zu werden und verstehen dies auch als einen Auftrag gegenüber der Gesellschaft“, so Bernhard Paul.

Tickets in Vorverkaufsstellen, unter der Roncalli-Hotline: 01 / 3 555 666 und unter www.roncalli.at. Die Circus- kasse auf dem Rathausplatz ist ab Spielbeginn täglich von 10-20 Uhr geöffnet. Preise zwischen 18 und 84 Euro.

www.roncalli.at

Rezension früherer Programme – „Storyteller. Gestern – Heute – Morgen“: www.mottingers-meinung.at/?p=29759, „Reise zum Regenbogen“: www.mottingers-meinung.at/?p=23073

23. 8. 2022

Johannes Krisch in Felix Mitterers „Märzengrund“

August 20, 2022 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

In die Berg bin i gern

Johannes Krisch. Bild: © Metafilm

Johannes Krisch. Bild: © Metafilm

Doch, doch, es gibt ihn, den modernen Heimatfilm, den quasi Anti-Heimatfilm über Außenseiter in ländlicher Gegend. Evi Romens „Hochwald“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=47728) ist eines der bestechendsten Beispiele dafür. Nun zog’s, als Nachfolgeprojekt seines Sensationserfolgs „Die beste aller Welten“ im Jahr 2017, Regisseur und Drehbuchautor Adrian Goiginger Richtung Dreitausender.

„Märzengrund“, ab 19. August im Kino, erzählt die wahre Geschichte des Zillertalers Simon Koch, vom großen Tiroler Volksdichter Felix Mitterer 2016 zum Bühnenstück veredelt, Mitterer, der am „Märzengrund“-Skript mitschrieb und momentan mit Andrä-Hofer-Land im Clinch liegt. In schonungsloser Manier schildert er den schmerzhaften Weg einer Selbstfindung, die ein Leben lang nicht aufhört.

Harte Wirklichkeit statt Gebirgsidyll soll’s also sein, und siehe: Es scheint in der Tat eine ordnende Hand zu brauchen, wie am Theater z.B. die der Stephanie Mohr, um des Autors durchaus zum Pathos neigende Natur- schauspiele umzusetzen. Goiginger hingegen hat alle Hände voll zu tun, den Kitsch-Hang nicht zur Lawine werden zu lassen. Dieses ständige „Aufi muas i!“ ist zu dünn, zu höhenluftig, um zwei Stunden Film zu tragen.

Offen gesagt, zur Halbzeit wird es einem fad, die imposante Landschaftskulisse von Klemens Hufnagl und Paul Sprinz, durch die je ein anderes miniaturkleines Männlein oder Weiblein schweren Schrittes stapft, die Emotions-Stereotypen, psychologische Entwicklung nur als Behauptung, die eh-scho-wissen-Dorfjugend, die sich in der Disco prügeln muss, die allzu holzschnittartigen Elternfiguren und deren hartleibige Familientraditionen. „Märzengrund“ ist ein Paradebeispiel für genretypisch – nix gegen Heimatfilm!

Doch statt sich als Betrachter, Betrachterin in die Szenen zu involvieren, was bei „Die beste aller Welten“ so mühelos-warmherzig gelang, steht man auf seltsame Weise draußen vor der Sennhüttentür. Das ändert sich allerdings, sobald Johannes Krisch die Gebirgler anzieht, das sind endlich die Momente, in denen der Film erdigen Boden unter den Füßen bekommt – Krisch ist wie stets im Spielen eine Naturgewalt.

Jakob Mader. Bild: © Metafilm

Gerti Drassl. Bild: © Metafilm

Harald Windisch. Bild: © Metafilm

Womit es wohl Zeit wird, kurz zum Inhalt zu kommen: Der junge Elias (Jakob Mader), wiewohl mit einem silbernen Löffel auf die Welt gekommenen, hat keine Freude damit, der Hoferbe, der Jungbauer zu sein. Lieber liest er, als seinem Vater, dem reichsten Landwirt in der Gegend (Harald Windisch ganz Patriarch), dabei zuzusehen, wie der einem spielsüchtigen Nachbarn Hab und Gut abknöpft. In der Disco lernt er die Moid kennen – die aktuelle Buhlschaft Verena Altenberger, die schon Goigingers Helga Wachter war, hier aber nichts darzustellen hat.

Ausgerechnet die Gschiedene, noch dazu Ältere. Als die Mutter (Gerti Drassl) die beiden beim nackert Schmusen im Teich ertappt, setzt es was – von dieser Mater dolorosa der Drassl, die einem derart auf die Nerven geht, dass man das nur ganz große Schauspielkunst nennen kann. Nun heißt’s auf die Alm mitm Buam, doch der hatte ohnedies schon beschlossen zum Eremiten zu mutieren: Als wär’s seine Initiation in die Berg steigt er dort in einen eiskalten See – und als um 40 Jahre älterer Mann wieder heraus.

Der Krisch ist geboren – und mit ihm jene mürrisch-wortkarge, sturschädelige Intensität, die man von ihm kennt und liebt, ein weißbärtiger Wurzelsepp wie aus dem Bilderbuch. Wenn er im wild-sprudelnden Bach watet und sich offenbar kindlich wohl dabei fühlt, gibt es ein Stückchen Ahnung von der Befreiung, der bedingungslosen Freiheit, die ein nur von der Natur bestimmtes Leben bietet kann. Es muss da schließlich etwas sein, dass uns Angepasste an Aussteigerstorys so fasziniert. Jung-Elias liest – Symbol as Symbol can – „Robinson Crusoe“.

Die Dorfjugend unterwegs zur Disco. Bild: © Metafilm

Verena Altenberger und Jakob Mader. Bild: © Metafilm

Harald Windisch und Gerti Drassl. Bild: © Metafilm

Iris Unterberger. Bild: © Metafilm

In „Märzengrund“ gibt es eine Klammer: Zu Beginn des Films findet sich orientierungs-, weil eben noch bewusstlos der alte Elias im Krankenhaus wieder. Diagnose: Prostatakrebs, Operation, Reha und die Empfehlung sein Einsiedlerdasein aufzugeben. Am Ende ist dieser Elias immer noch im Tal, in der sich selbst so nennenden Zivilisation (als die Krankenschwester, die nach einem Schlaganfall ebenfalls im Heim lebende Mutter reinschiebt, entfährt einem ein: Was die Alte lebt immer noch?), sieht sich dort mit den desaströsen Ergebnissen seiner Entscheidung konfrontiert – und wieder: Gefühlaufwallungen so glitzernd wie Kunstschnee.

Da ist der andere Schluss besser, der den alten Elias zur Frage des jungen zurückbringt: Wie will ich leben? Und wenn Johannes Krisch zuletzt in lichten Höhen in die gleißende Sonne geht, statt die Therapie im Krankenhaus fortzusetzen, scheint diese Frage auch die Möglichkeit eines selbstbestimmten Todes zu beinhalten …

metafilm.at/film/maerzengrund

18. 8. 2022

Willem Dafoe und Oscar Isaac in „The Card Counter“

März 3, 2022 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein Profigambler mit Abu-Ghraib-Trauma

Hat eine alte Rechnung aus Abu Ghraib offen: Oscar Isaac als William Tell (re.) und Willem Dafoe als Verhörspezialist Major John Gordo. Bild: © Polyfilm

„Die Einsamkeit verfolgt mich mein ganzes Leben“, notiert Martin Scorseses „Taxi Driver“ Travis Bickle 1976 in sein Tagebuch. „Es gibt kein Entkommen davor. Ich bin Gottes einsamster Mann.“ Derart bezeichnet der damalige Drehbuchautor Paul Schrader bis heute viele der Außenseiter und Antihelden, die er in

seinen Scripts zu einem Dasein als Underdogs verdammt. Bis sich die Schattengeschöpfe auflehnen, aufbäumen – mit in der Regel tödlichem Ausgang. Erlösung, dies ein durchaus christlicher Gedanke, gibt es erst, wenn Blut fließt. Nun haben sich die „New Hollywood“-Veteranen wieder zusammengetan, Paul Schrader Drehbuch und Regie, Martin Scorsese Produktion, um erneut von einem Einzelgänger zu berichten. „The Card Counter“, ab 4. März in den Kinos, ist nicht nur die atemberaubend spannende Geschichte eines Profigamblers, sondern in bester Tradition der beiden Filmemacher auch eine über die politische Verfasstheit der USA. „Jeder kann durchdrehen“, schreibt diesmal ein William Tell♦ in sein Diarium und stellt die Frage: „Ist es möglich zu wissen, wann man sein Limit erreicht hat?“

♦ Der vieldeutige Name mag sich freilich auf den Schweizer Freiheitskämpfer beziehen, jedenfalls aber meint „tell“ im Englischen die verräterische Mimik oder Gestik eines Spielers, die ihn als Bluffer entlarvt.

Womit natürlich nicht das am Poker- oder Black-Jack-Tisch gemeint ist. Tell, so lernt man den mittels seiner Aufzeichnungen zum Off-Erzähler gemachten Charakter kennen, ist ein cool kalkulierender Kartenspieler, der das – von den Spielbanken verbotene – Zählen der Karten in seinen Jahren im Militärgefängnis erlernt hat. Möglichst anonym bleiben, kleine Gewinne, kleines Risiko, und vor allem kein Casino-Verbot, das ist seine Devise, da kann ihm Poker-Agentin und Geldgeberin La Linda noch so sehr mit Ruhm und Reichtum locken wollen.

Allein in seinem Auto, in der Selbstisolation mittelschäbiger Motelzimmer, wo er in einem seltsamen Ritual alle Möbel – als wär‘ ein Verhüllungsprojekt von Christo in einem Horrorfilm gelandet – mit weißen Tüchern umwickelt: Der Mann könnte ebenso gut Serienmörder sein – und war’s in gewisser Hinsicht auch. Atlantic City, Kansas City, Las Vegas, Kameramann Alexander Dynans atmosphärisch dichte Kunstlichtbilder lassen die Schauplätze dieses Neo-Noir-Thrillers bis zur Austauschbarkeit verschmelzen, die immer gleichen Fake-Glitzer-Foyers voller Spielautomaten, die ausdruckslosen Gesichter der Croupiers und Croupières, die Lüge vom schnellen Geld, der hämisch abfotografierte American Way of Life. Am grausigsten in der allgemein skurrilen Statisterie verkörpert durch den wie verrückt herumhüpfenden Zocker „Mister USA“, der mit pe­netrantem Hurra-Patriotismus den Umstand überbrüllt, dass sein einziges Zuhause die Parallelwelt am Spieltisch ist.

Und mitten drin, düster und wortkarg, der Tell, ein Kontrollsüchtler, der mit Mathematik sein Trauma niederdrückt, Darsteller Oscar Isaac so gut wie nie zuvor, dem das Paradoxon gelingt in steinernem Pokerface tausend Emotionen widerzuspiegeln und hinterm todeskalten Blick ein mit seiner Vergangenheit ringendes Individuum durchscheinen zu lassen. In einem der trostlosen Prunkpaläste, die Tell rastlos bereist, spült es ihn mehr oder minder zufällig in eine im Casino stattfindende Waffenmesse und in den Vortrag eines gewissen (Ex-)Majors John Gordo. Sofort ist klar, dass Tell mit dem Verhörspezialisten eine alte Rechnung offen hat.

In einer albtraumhaften, wie durch einen Türspion aufgenommenen Rückblende enträtselt sich: Gordo war während der Besetzung des Irak durch die Vereinigten Staaten Herr über das Foltergefängnis Abu Ghraib, Szenen, die einem wie Nadeln unter die Haut fahren, die Entmenschlichung des Menschen wie in den nationalsozialistischen Konzentrationslagern vorexerziert, und Tell alias damals Tillich sein willfähriger Lehrling. „Nichts kann rechtfertigen, was wir getan haben“, hält Tell in seinem Tagebuch über die Sogwirkung von Gewalt fest, erschüttert von seinem „Talent“ zum Sadisten, das er an den Gefangenen alsbald genüsslich auslebte.

William Tell zieht als Kartenspieler durch die Casinos von Amerika: Oscar Isaac. Bild: © Polyfilm

Cirk Baufort will Tell als Partner für seine Rache an Gordo: Tye Sheridan (li.) mit Oscar Isaac. Bild: © Polyfilm

Man kommt sich näher: Tiffany Haddish als Spielerbrokerin La Linda mit Oscar Isaac. Bild: © Polyfilm

Herr über das Foltergefägnis Abu Ghraib: Willem Dafoe als Major John Gordo. Bild: © Polyfilm

Doch da nur jene Marines zur Rechenschaft gezogen wurden, die auf den Lynndie-England-Fotos zu sehen sind, ging Gordo frei und in die Privatwirtschaft, während Tell als einer der Sündenböcke hinter Gittern landete. Bei Gordos Vortrag nun wird Tell von einem jungen Mann angesprochen, der genau zu wissen scheint, mit wem er es zu tun hat: Cirk Baufort, dessen Vater ebenfalls von Gordo ausgebildet, unehrenhaft aus der Armee entlassen, darob zum Trinker und Familienprügler wurde, bevor er sich schließlich erschoss. Cirk will Rache und Tell als Partner für seine Pläne.

Da besinnt sich der, stimmt Spielerbrokerin La Lindas finanziellem Angebot zu – Schrader findet hier sogar Zeit für eine zart knospende Love Story, wunderschön ein nächtlicher Spaziergang der beiden Illusionslosen durch die Illusion eines wie von Glühwürmchen beleuchteten botanischen Gartens – und nimmt nun an hochdotierten „No Limit Texas Hold’em“- Turnieren teil. Mit dem Gewinn aus diesen World Poker Series soll Cirk seine Schulden bezahlen und sein Studium wiederaufnehmen – et voilà mutiert das Road- zum Buddy-Movie …

Als Widerling Gordo gibt Willem Dafoe eine gespenstische Performance, mit der er einen Auftragsarbeiter für Folter bei der Ausübung seines Geschäfts vorführt, einen, der sich entschieden hat, das Grauen seiner Taten zu ignorieren. Dafoes Gordo ist die personifizierte Banalität des Bösen, denn böse ist Gordo in dem Sinne, dass er nichts Verwerfliches an seinen Misshandlungen finden kann – ist doch sein „hehres“ Ziel die Bevölkerung der USA vor deren Feinden allüberall zu beschützen, ein schwerwiegendes moralisches Dilemma seines Heimatlands, das Paul Schrader da thematisiert – unter anderem mit Aufnahmen aus Guantanamo.

Die Entdeckungen in „The Card Counter“ sind Tiffany Haddish als resche, redegewandte und doch so romantisch veranlagte La Linda, die Haddish mit einer sibyllenhaft gütigen Abgebrühtheit anlegt. Und X-Men-Cyclops Tye Sheridan, der Cirk mit einem hilflos beharrlichen, La Lindas mütterliches Herz im Sturm erobernden Charme ausstattet. Bemerkenswert sind die Szenen mit Isaacs Tell, dem Mentor wider Willen, der Cirk einerseits nicht seinen gefährlichen Fantasien überlassen kann, andererseits den Jungen in einer geschmeidigen Äquidistanz- Ausweichbewegung hält. Was nicht verhindern wird, dass sich beider Schicksale ineinander verheddern.

Seinen Mix aus Figuren- und Milieustudie schildert Schrader in einer labyrinthisch verschlungenen Schleife, einem Möbiusband, auf dem Schuld und Sühne, seit jeher Schraders große Themen, ihre Kreise drehen, bis das Publikum den Gordo’schen Knoten zerschlagen hat. Dazu verleiht Schraders via William Tell transportierte Wut auf die himmelschreienden Vorkommnisse in der Kriegsnation USA seinem Film eine unter der glatten Casino-Oberfläche schwelende Energie.

Vor allem amerikanische Filmkritikerinnen und -kritiker waren kurzerhand bereit, die „Card Counter“-Geschöpfe als besonders abschreckende Exemplare toxischer Männlichkeit abzustempeln. Das ist ein wenig kurz gedacht, will Schrader einen doch durchaus mitnehmen ins Innenleben seines verstörten Protagonisten, wo er für diesen, wenn schon nicht um Vergebung, so immerhin um ein Verstehen heischt. Trotz aller davor demonstrierten Härte trifft einen das Ende wie ein Keulenschlag. „The Card Counter“ schließt mit einem Folter-Showdown, den man nicht sieht, nur hört, was zum Magenumdrehen reicht – und bald wird in diesem Spiel mit lebensbedrohlichen Einsätzen einer zu hoch gepokert haben …

Trailer Englisch mit Untertiteln: www.youtube.com/watch?v=TCCJ-dtVrWg&t=4s

  1. 3. 2022

Karikaturmuseum Krems: 100 Jahre Paul Flora. Von bitterbös bis augenzwinkernd

Februar 19, 2022 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Poetisch-ironische Erzählungen vom „Rabenvater“

Ein beliebtes Motiv, die schwarzen Vögel: Paul Flora, Das Gespräch der Raben, 2009 © Galerie Seywald, Nachlassvertretung für Paul Flora

Anlässlich des 100. Geburtstags von Paul Flora widmen das Karikaturmuseum Krems und die Paul Flora Nachlassvertretung dem Zeichner, Karikaturisten und Illustrator ab 20. Februar eine umfassende Retrospektive. Mit Tusche und Feder erschuf Paul Flora in seinen Zeichnungen ein eigenes Universum, bevölkert von Geistern und Harlekins, Poeten und Sphinxen, Geheimagenten, Marionetten, verwurzelten Tirolern und venezianischen Pestdoktoren. Der gebürtige Südtiroler konstruierte

wundersame Landschaften mit eigenwilligen Architekturen, Kugeln, Penthäusern, Lokomotiven und Fluggeräten. Floras Zeichnungen sind Erzählungen voller Poesie und Ironie, wobei Vergangenheit und Gegenwart in ein spezifisches Verhältnis zueinander treten. Immer wieder brachte er die Lagunenstadt Venedig aufs Papier. Bekannt sind auch seine Raben-Darstellungen. Am Papier versinnbildlichen die Vögel mit ihren spitzen Schnäbeln menschliches Verhalten. Ein Rundgang durch die Ausstellung führt von Schülerzeichnungen und satirischen Geschichten aus den frühen Schaffensjahren bis zu seinen bekannten und beliebten Motiven. Eine Auswahl von gesellschaftspolitischen Zeichnungen für DIE ZEIT und Fotos seiner „Karikaturen-Verbrennungen“ loten die besondere Beziehung von Flora zur Karikatur aus. Erich Kästner sah in Flora einen „Bilderschriftsteller“. Zweifelsohne zählt Paul Flora zu den herausragenden Zeichnerinnen und Zeichnern des 20. Jahrhunderts.

Schon in jungen Jahren war die zeichnerische Begabung von Paul Flora sichtbar. Als 13Jähriger brachte er das täglich in der Mittelschule, heute: Akademisches Gymnasium Innsbruck, Beobachtete auf Papier. Zeichnerisch schilderte er den Schulalltag mit maßregelndem Direktor, dem leidenschaftlich Klavier spielenden Gesangslehrer und dem wütend auf den Tisch schlagenden Deutschprofessor. Kontrastreich zu seinen Schülerzeichnungen wirkt die ebenso im Alter von 13 Jahren angefertigte düstere Darstellung des Andreas Hofer. Auf ockerfarbenem Hintergrund thematisiert Flora mit kräftigem, schwarzem Strich die Hinrichtung des Tiroler Freiheitskämpfers. Einzig das Haar und die vom toten Körper herabtaumelnden Schuhe sind markant in Rot gesetzt.

Paul Flora, Der Galgen (verso: Andreas Hofer), um 1935 © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg

Paul Flora, Foto: Othmar Kopp © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg

Paul Flora, Der Stab wird gebrochen, 1938 © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg

Als 15Jähriger sah der Tiroler erstmals Zeichnungen des Malers Alfred Kubin. Für eine gewisse Zeit beschäftigte sich Flora intensiv mit Kubin, um schließlich zu sich selbst zu finden. Ihr Hang zum Skurrilen, Literarischen und Grafischen einte die Männer. Die später entstandene Künstlerfreundschaft sollte bis zu Kubins Tod 1959 bestehen. Intellektuelle Reflexion, technische Meisterschaft und die Vorliebe für das originelle, etwas abseitige Sujet zeichnen Floras Gesamtwerk aus. Skurrile Menschendarstellungen und detaillierte Architekturen bis hin zu riesigen Kugeln durchziehen seine Arbeiten. Ein Dinosaurier mit erschreckend menschlichen Zügen vor Gebirgskulisse und ein alpiner Skipionier deuten auf die Tiroler Wurzeln hin. Populär sind Floras Raben mit ihren spitzen Schnäbeln. Er zeichnete sie oft und in unverwechselbarer Manier. Den Impuls, die Vögel abzubilden, gab ein ausgestopfter Rabe, den der Künstler geschenkt bekam und der fortan auf seinem Schreibtisch stand.

Auf ähnlich großes Interesse stießen die VenedigMotive. Anstatt die Lagunenstadt als Sehnsuchtsort zu zeigen, hüllt der Künstler sie in einen düsteren Schleier. Allgemein sind Floras Werke von einem melancholischen Grundtenor durchzogen. Begriffe wie Verzweiflung und Traurigkeit würden die subtile Stimmung seiner gezeichneten Züge allerdings fälschlicherweise vereinfachen. Schon im nächsten Moment lugen die Gespenster der Nacht um die Ecke. Es sind Vampire, Wiedergänger und Marionetten, die von ihren Fesseln befreit heraneilen, um nächtlichen Karneval zu feiern. Denn auch der feine Humor hat in Floras Werken seinen Platz. Zeitlebens stand er „augenzwinkernd und ein wenig amüsiert außerhalb“, beschrieb etwa Marion Gräfin Dönhoff den Künstler.

Paul Flora, Das Gespräch des Raben mit dem Hahn II, 1987 © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg & Diogenes Verlag AG, Zürich

Paul Flora, Venezianische Maskerade II, 2000 © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg & Diogenes Verlag AG, Zürich

Paul Flora, Die vom Nasenclub, 2002 © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg & Diogenes Verlag AG, Zürich

Paul Flora, Mord, 1965 © Nachlassvertretung für Paul Flora, Salzburg & Diogenes Verlag AG, Zürich

1957 gewann Marion Gräfin Dönhoff, Chefredakteurin und Mitherausgeberin der ZEIT, Paul Flora als Karikaturisten für das Hamburger Blatt. Innerhalb von 14 Jahren gestaltete Flora mehr als 3.000 eigenständige Blätter für die deutsche Wochenzeitung. Etliche von ihnen übernahmen internationale Blätter wie The Times oder The Observer. Inspiration für seine Inhalte erhielt Flora bei der Morgenlektüre von Zeitungen. So thematisierte er in einer Karikatur von 1964 die XI. Olympischen Winterspiele in Innsbruck. Zu seinen politischen Lieblingszielen zählten Josef Strauß, Gamat Abdel Nasser, Ludwig Erhard und Charles de Gaulle.

Flora selbst verstand sich als Zeichner, nicht als Karikaturist. Um diese eigene Wahrnehmung breitenwirksam zu stärken, soll Flora bei einer spektakulären Aktion 1980 sogar die Verbrennung seiner Karikaturen inszeniert haben. Es ist ungeklärt, ob sich in der Kiste politische Karikaturen befanden. Tatsache ist, dass man heute lediglich den Aufbewahrungsort von 800 der ursprünglich 3.000 Karikaturen kennt. Paul Flora war eine außergewöhnliche Persönlichkeit von großer Popularität. Er war ein Querdenker und ein Unbequemer, der Stellung bezog, mitredete und mitgestaltete. Er verstarb in der Nacht auf den 15. Mai 2009.

Die Retrospektive ist bis 29. Jänner 2023 zu sehen.

www.karikaturmuseum.at

19. 2. 2022

Kosmos Theater: Mit freundlichen Grüßen, Eure Pandora

Januar 14, 2022 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ganz ohne Männer geht die Chose nicht

Rokoko-Hausfrauen-Streik auf großer Leinwand: Maria Hofstätter, Lara Sienczak, Sonja Romei und Christina Scherrer, vorne: Elena Wolff. Bild: © Bettina Frenzel

… und davon saßen diesmal sehr viele auf der Publikumstribüne des Wiener Kosmos Theater. Regisseur Paul Spittler hat Autorin Laura Naumanns Text „Mit freundlichen Grüßen, Eure Pandora“ (Naumann ist Mitglied des Performance-Kollektivs Henrike Iglesias) zur österreichischen Erstaufführung gebracht, und er sowie fünf großartige Schauspielerinnen unterfüttern den sprachspielerischen, satirischen, radikal- theoretischen Text mit Gesang

und Tanz und multimedialen Popfeminismus-Zitaten. Entstanden ist so eine in diversen Farben schillernde Show mit fraglos ernst gemeintem Fokus, die mit weiblichen Zuschreibungen und binärer Geschlechterordnung Schluss macht, und nach „Zwischenräumen“ im Miteinander sucht. Zu Beginn gleich erklären die mit Rokoko-Perücken bewehrten Ladys via Videowand, wie Ehe, Familie, Gesellschaft, Weltwirtschaft dumm aus der ungewaschenen Wäsche schauen würden, kämen sie ihren Pflichten nicht mehr nach: „Wir sind einfach nur da. Herrlich!“ Und ob das Folgende als Utopie oder Dystopie zu lesen ist, gilt es am Ende zu entscheiden.

Die hier die Büchse der Pandora öffnet ist Sonja Romei als Wissenschaftlerin Eva Robinson. Sie hat in ihrem Institut mit pluripotenten Stammzellen (gibt‘ wirklich, keine Erfindung!) ein Verfahren entwickelt, mit dem sich Frauen ohne männliches Sperma fortpflanzen können. Das „starke Geschlecht“ wird damit obsolet. Die Frau, an der sie die Technik erprobt, ist Christina Scherrer als Geliebte und Popstar Joanne. Eine geheime Innigkeit, weniger wegen des Lesbianismus‘ als um Eva vor Joannes zwei Millionen Social-Media-Followern zu schützen.

Umso mehr aus dem Häuschen sind Evas auf traditionellem Weg gezeugte Teenager-Tochter Valeria, Lara Scienczak, und deren BBF – Best Friend Forever Salome. Die/der genderqueere SchauspielerIn, Comedian und AutorIn Elena Wolff, bekannt unter anderem von den ORF-Pratersternen, spielt die Supermarktkassiererin und Club-Dance-Queen. Last, but not least erfand Laura Naumann einen surrealen Charakter, hier: Maria Hofstätter als skurril-grantelndes, derb-zotiges Urweib, eigentlich die anatolische Göttin Baubo*.

Lara Sienczak und Sonja Romei. Bild: © Bettina Frenzel

Maria Hofstätter und Christina Scherrer. Bild: © Bettina Frenzel

Elena Wolff und Lara Sienczak. Bild: © Bettina Frenzel

*Baubo gehört zum griechischen Mythos der Fruchtbarkeitsgöttin Demeter, die sich nach Verschleppung ihrer Tochter Persephone in den Hades aufgab, weshalb die Menschen ohne Ernten Hunger litten. Baubo, die personifizierte Sexualität, munterte die verzweifelte Mutter mit allerlei obszönen Scherzen auf, unter anderem entblößte sie ihre Vulva. Ein Akt, der bei den rituellen Festen, den dreitägigen Thesmophorien, bald fixer Bestandteil wurde.

Die Fünf jedenfalls haben die Nase voll von toxischer Männlichkeit und „penisbasierter Ungerechtigkeit“, Stichwort: Einkommensschere: „Alles nur wegen Titten!“ Mit dem Megaphon üben sie „Nein!“-Sagen. Laut und deutlich und eindeutig. Gegen sexuelle Übergriffe, Schwanz-Pics, Ess-Störungen, Body-Shaming, Vergewaltigung, Femizid, zum Vorgesetzten, der im Meeting auf den Busen starrt, zu Herrenwitzen wie MIF – Mother I like to fuck. Die Aufzählung ist minutenlang. „Na, nervst schon?“, fragen die Listenführerinnen listenreich ins Publikum.

Baubo, Maria Hofstätter kauzig, wie man sie kennt und liebt, stachelt ihre Mitstreiterinnen dazu an, ein feministisches Manifest zu verfassen. X-e Bände ihrer „Notizen zum Ende des Patriarchats“ gibt es schon, geschrieben als Amazonenkönigin, Domina oder Suffragette, nun soll das Projekt zu einem matriarchalischen Schlusspunkt gebracht werden. Schwankend zwischen Frauensolidarität und Zickenkrieg, ja, hier zwickt und zwackt man sich auch selber, wird an Formulierungen gefeilt.

Maria Hofstätter und Lara Sienczak. Bild: © Bettina Frenzel

Sagenhafte Sängerin: Christina Scherrer. Bild:© Bettina Frenzel

Tanzt sich die Männer vom Leib: Elena Wolff. Bild: © B. Frenzel

Scherrer, Romei und Sienczak. Bild: © Bettina Frenzel

Paul Spittler hat Naumanns dialogischen Schlagabtausch wie die chorischen Aufzählungen frech, flott und frisch auf die Spielfläche übertragen. Wie der Wind rauschen die Wortspiele an einem vorbei. Mitunter schnappt man launige Referenzen auf, etwa die Abwandlung eines legendären Marthaler-Titels: „murx den Patriarchen / murx ihn murx ihn / murx ihn ab“. Dazwischen singt Christina Scherrer als Popstar Joanne ganz traumhaft „Bad Romance“ von Lady Gaga und mit allen „I’m every Woman“ von Whitney Houston. Elena Wolffs Salome legt einen Tanz hin, mit dem sie sich die gierigen Disco-Gaffer vom Leib hält.

Evas „heißer Scheiß“ (© Baubo) funktioniert, die Revolution kann beginnen: die Abschaffung, das Aussterben-Lassen der Männer, weil’s via Reagenzglas nur noch weibliche Embryonen geben soll. Eva: „Die Männer haben’s über Jahrtausende versucht, sie sind nicht qualifiziert.“ – Baubo: „Das ist Genozid mit Ansage.“ – Salome: „Eine Vulva ist keine Friedenstaube und eine Gebärmutter kein Heiligenschein.“ Die Meinungen spalten sich. Um Emmerich Kálmán umzudrehen: Ganz ohne Männer geht die Chose nicht.

Salome stellt zur Diskussion, wie man mit bigender Personen umzugehen gedenke. Ist Geschlecht Biologie oder Identität? Werden die Zwischentöne ausradiert? Vom Jammertal des Frauseins ziehen die Fab Five nun den elysischen Feldern der „Zwischenräume“ (s. o.) entgegen, diese abschließende Szene „Wie ich Autorin meiner eigenen Geschichte wurde“ erweitert um einen Text von Elena Wolff. Eine letzte Wunschliste wird deklamiert über eine Welt, in der Geschlecht kein Maßstab mehr sein darf: „Wir sehen den Unterschied, aber wir machen ihn nicht.“ Fantastischer Zukunfts-Satz: „Niemand verfolgt mich, nur ich meine Ziele.“

Zu sehen bis 29. Jänner. 19. Jänner, 19 Uhr: Einführungsgespräch; 20.Jänner im Anschluss an die Vorstellung: Publikumsgespräch. kosmostheater.at           Trailer: www.youtube.com/watch?v=Sgop926I17A

  1. 1. 2022