Volksoper: Gasparone

Juni 3, 2018 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Inszeniert mit ironischem Augenzwinkern

Sebastian Geyer als „Der Fremde“. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Sehr schwungvoll und sehr Wienerisch geriet der „Gasparone“ an der Volksoper. Da darf die Garde des Bürgermeisters angetan als heimische Polizisten Strafzettel ans Publikum verteilen, ebendieser Nasoni den Spritzwein ordern und ordentlich Dialekt gesprochen werden. Regisseur Olivier Tambosi hat sich für die 1931-Fassung des Millöcker-Werks entschieden, mit allen Hits von „Denk ich an dich, schwarze Ninetta“ über „Er soll dein Herr sein! Wie stolz das klingt!“  bis „Nur Gold will ich haben und Edelgestein“, inklusive des größten Schlagers „Dunkelrote Rosen, bring’ ich, schöne Frau“, der ja ursprünglich aus der „Diana“ stammt.

Tambosi setzt damit auf eine Zeit in der das Singspiel in der Bearbeitung von Ernst Steffan und Paul Knepler schon zur Revueoperette mutiert war. Dem Rechnung tragend zeigt sich das Ensemble tanzfreudig, weder Solisten noch Chor stehen kaum eine Minute still, und das Volksopernorchester unter der musikalischen Leitung von Andreas Schüller, der für ein Lied des Bürgermeisters sogar die Bühne erklimmt, um dort Klavier zu spielen, zeigt dazu, was es kann – von Walzer über Tarantella bis Tango.

Die Inszenierung mit ironischem Augenzwinkern ist ein über weite Strecken würdiger Abschluss einer gelungenen Saison. Der Inhalt: Im beschaulichen Städtchen Trapani hat sich’s jeder gerichtet. Der korrupte Nasoni versucht eine profitable Ehe zwischen der reichen Witwe Carlotta und seinem Nichtsnutzsohn Sindulfo zu stiften. Wirt Benozzo ist gleichzeitig Chef einer Schmugglerbande und nur in Bedrängnis, wenn seine Frau Sora Liebesdienste von ihm erwartet. Benozzo war es auch, der die Legende vom Räuberhauptmann Gasparone in Umlauf gebracht hat, so ein Superschurke kommt ihm gerade recht, um die eigenen Vergehen zu vertuschen. Da steht eines Tages ein Fremder auf dem Hauptplatz. Ist er der böse Geist, den man einmal zu oft beschworen hat? Unruhe macht sich breit. Vor allem, als sich herausstellt, dass der Unbekannte nicht nur die Umtriebe durchschaut, sondern sich auch in Carlotta verliebt hat …

Christian Graf als Luigi, Marco Di Sapia als Benozzo, Gerhard Ernst als Baboleno Nasoni. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Gerhard Ernst mit Mara Mastalir als Carlotta und Johanna Arrouas als Sora. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Bühnenbildner Andreas Wilkens hat dafür eine Hügellandschaft erdacht, die mal mit Teppichen, mal mit Zeitungsschlagzeilen ausgelegt ist. Das erste Bild ist eine Bettenburg, in der die Bewohner Trapanis unsanft aus dem Schlaf gerissen werden, später gibt’s Strand, Mond und ein Motorboot, das in den Himmel entschwebt. In dieser Kulisse begeistert vor allen anderen Gerhard Ernst als Nasoni. Ernst stellt einen Politikerschlingel erster Güte auf die Bühne, weiß im richtigen Moment zu rühren, dann wieder das Publikum zum Lachen zu bringen. Herrlich die Verhörszene mit Carlotta und Sora, in der er – ganz Klischee des hiesigen Beamten – erst einmal die Brotzeit auspackt, bevor’s ans Eingemachte geht.

Ihm in nichts nach stehen Marco Di Sapia als Benozzo und Johanna Arrouas als Sora. Die beiden geben ein temperamentvolles Buffopaar, das nicht nur darstellerisch, sondern auch stimmlich überzeugt. Christian Graf als Luigi ist auf dem besten Wege, ein neuer Publikumsliebling am Haus zu werden. Dass gegen dieses Quartett, das auch den meisten Applaus bekam, schwer anzukommen ist, musste das erste Paar, Mara Mastalir als Carlotta und Volksopern-Debütant Sebastian Geyer als Fremder, erfahren.

Doch während Mastalir ihre Partie noch ordentlich erledigte, blieb Geyer, obwohl in mephistophelisches Rot gewandet, in jeder Hinsicht blass. Und ziemlich schwer verständlich. Auch David Sitka als Sindulfo schaffte es nicht wirklich, aus seiner prinzipiell dankbaren Rolle etwas zu machen. Alles in allem aber ist dieser „Gasparone“ ein Gute-Laune-Abend, bei dem man sich zum letzten Mal in dieser Spielzeit gepflegt unterhalten kann. Jetzt heißt es abwarten, was die nächste bringt.

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  1. 6. 2018

Volksoper: Der Mann von La Mancha

Oktober 18, 2015 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Musical als Theater der Unterdrückten

Patricia Nessy (Aldonza), Christian Graf (Wirt), Robert Meyer (Don Quixote), Ensemble der Volksoper Wien Bild: (c) Barbara Pálffy / Volksoper

Patricia Nessy (Aldonza), Christian Graf (Wirt), Robert Meyer (Don Quixote), Ensemble der Volksoper Wien. Bild: (c) Barbara Pálffy / Volksoper

Von wegen Materialschlacht im Bombastsound. An der Volksoper hatte nach mehr als zwanzig Jahren wieder einmal „Der Mann von La Mancha“ Premiere. Ohne Tremolo und Tralala. Olivier Tambosi, hauptberuflich Opernregisseur, legte zum ersten Mal Hand an ein Musical und entkleidete es von allem, was man landläufig darunter verstehen mag. Übrig blieb eine sehr klare, fast spröde, politische Inszenierung mit einem Titelantihelden, der agiert wie der argentinische Alphabetisierer Augusto Boal. Musical als Theater der Unterdrückten.

Dieser „Mann von La Mancha“ ist mehr als jemals zuvor eine Parabel über, ein Plädoyer für Anstand und Menschlichkeit, gegen die Repression und ihre Instrumente.

Tambosi entführt in eine dunkle Unterwelt, in ein Gefängnis, aus dem es kein Entrinnen gibt; das Ensemble trägt als Gefangenenkluft graue Overalls (Bühnenbild und Kostüme: Friedrich Despalmes). Das Spiel im Spiel kann sich nur aus dem Theaterkoffer von Cervantes und den Kisten, in denen die Häftlinge ihr spärliches Hab und Gut aufbewahren, entfalten. Lumpen und Müllsäcke werden zu Versatzstücken, zum seidenen Schal oder zur Robe des Padre, die Kisten zur Schank, am Ende zum Totenbett. Nicht mehr als was und vor allem wer da ist, ist da. Keine Auf- oder Abgänge an diesem eindreiviertelstündigen, pausenlosen Abend. Das sorgt für Tempo und Atemlosigkeit. Ersteres auf der Bühne, zweiteres im Publikum. Die Darsteller schaffen die anstrengende Übung mit Bravour. Diesen Zuchthäuslern ist das Stück des Don Quixote zwar Abwechslung und Ablenkung, doch ist ihnen jede Illusion zerstört. In ihrem Dasein braucht es keinen Ritter mit den Spiegeln, wiewohl er natürlich erscheinen wird, um zu wissen, dass Realität Folter ist. Auf ihrem Erdball braucht es Mut nicht an nichts zu glauben. Und Cervantes hat ihn. Tambosi hat psychologisch fein ziselierte Charaktere aus den weltbekannten Figuren entwickelt, um diese zwischenmenschlichen Kampfzonen herauszuarbeiten.

Folgerichtig setzt die Produktion beinah mehr auf schauspielerische denn auf sängerische Qualitäten. Der Schöngesang jedenfalls ist abgeschafft, vor allem Patricia Nessy als Aldonza/Dulcinea versucht dieser Vorgabe – ganz Gossenkind – zu entsprechen. Das Orchester sitzt an der Rückseite der Bühne, der eigentliche Orchestergraben ist ein Zellenloch, aus dem der Dichter seine Mitspieler holt. Die Musik kommt einem mit Kastagnetten und der Gitarre von Jonathan Bolivar durchaus spanisch vor, doch agieren die Musiker ohne Dominanzverhalten, sondern sanft begleitend, fast untermalend. Das sensible Dirigat von Lorenz C. Aichner trägt wesentlich zum großen Erfolg des Abends bei.

Hausherr Robert Meyer, 1994 an der Seite von Karlheinz Hackl als Sancho zu sehen, macht als Ritter von der traurigen Gestalt gute Figur. Sein bebrillter Cervantes ist ein milder Intellektueller mit dem Herz eines Revolutionärs, sein Quixote aber kein edler Ergrauter, der mit zittriger Stimme elegisch Sentimentalitäten kundtut. Hier will einer das Volk bilden, nicht nur was das Hirn, sondern auch was die Herzen betrifft. Herzensbildung, weil: weiche Herzen kann keiner brechen. Dazu gehören Eloquenz, Überzeugungskraft und eine gewisse Aggression gegenüber dem Aggressor, diesem autoritären Staat. Meyer, der auch stimmlich genau den gewünschten Ton trifft, spielt Cervantes‘ Angst ebenso wie dessen Abscheu vor einem System, dem er sich als Steuereintreiber und Zurschausteller von dessen Grausamkeit und Ungerechtigkeiten widersetzt hat. In seiner „Rolle“ stürmt er zwar mit Schwert und Lanze durch den Zuschauerraum, doch sind weder sein Quixote noch dessen treue Seele Sancho jemals Typ komischer Kauz, dafür nimmt Tambosi das Thema zu ernst. Meyer beginnt ergo auch das „Ich, Don Quixote“ als Cervantes zu singen, während er sich in den sinnreichen Juncker verwandelt. Den Diener beider Herren gibt Boris Pfeifer, und als Intimus des Impresarios auch noch den Garderober, Requisiteur und Regieassistenten. Pfeifer quirrelt über die Bühne; er überzeugt und berührt, wenn er zugibt: „Ich mag ihn …“

Das Herzstück dieser Inszenierung ist aber das Ensemble. Tambosi hat jedem auf der Bühne eine Aufgabe zugedacht, die mit großer Spielfreude erfüllt wird. Die drei Protagonisten fügen sich ein ins große Ganze, auch Robert Meyer ein Primus inter Pares, das in seiner Gesamtheit überzeugt. Ausgezeichnet sind sie alle, diese Verbrecher, wie sie mit ihrem Treiben die Verkrustungen der Gesellschaft bloßstellen, dabei immer wieder aus ihren Rollen in die Verzweiflung der – weil im auch aus dem Leben – Gefallenen zurückfallen. Sex und Gewalt und sexuelle Gewalt bestimmen diese Existenzen „drinnen“ und „draußen“. Die schweren Jungs und leichten Mädchen „spielen“ schlecht, so gut es Kerkerinsassen eben können. Christian Graf ist ein lakonisch gewitzter Wirt; Christian Dolezal ein gefährlich lauernder Duke und ein bürokratisch gerissener Dr. Carrasco, meist steht er als Beobachter am Rande, doch wenn er sich einmischt, ducken sich die Köpfe. Martina Doraks Antonia ist natürlich gesanglich eine Wucht, die sich mit Ballettpositionen entliehenen Gesten als Mimin in die erste Reihe spielen will. Dort darf Thomas Sigwald lange nicht stehen, immer wieder zeigt er auf, immer wieder wird er nicht gecastet, diese kleinen Nebenepisoden machen den Abend wunderbar menschlich, bis er endlich als Barbier besetzt wird. Wolfgang Gratschmaier ist eine mit altjungferlich-sittlichem Sexappeal überzeugende Haushälterin, Susanne Litschauer eine resche Maria, Mehrzad Montazeri als Padre so fromm wie notgeil. Vier aus der Truppe gestalten auch zwei Reittiere, das kann man ja vom Theater, dass einem der Direktor im Kreuz sitzt.

Denn in dieser Interpretation gibt es, weil es das im Gefängnis eben nicht gibt, weder eine Rosinante noch Windmühlenriesen noch andere Showeffekte. Fantasie ist Kopfsache, sagt Tambosi. Seine kluge, so moderne wie zeitlose Arbeit gibt einen Denkanstoß in die einzig mögliche Richtung dieser und aller Tage. Und weil Tambosis Arbeit erfrischend kitschbefreit ist, hier nun mit Schmalz: Wir alle sollten Kinder von La Mancha sein. Der Traum ist möglich, der Stern zum Greifen nah.

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Wien, 18. 10. 2015

Wiener Festwochen: La Barque le soir

Juni 13, 2014 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Der alte Mann und das Meer

Bild: Pascal Victor ArtComArt

Bild: Pascal Victor ArtComArt

Ein Mann kämpft gegen das Ertrinken an. Nur schemenhaft zeichnet sich die Figur im dunklen Raum ab. Der Text wird Silbe für Silbe artikuliert, glasklar und schneidend scharf. Neun Seiten aus dem autobiografischen, 1968 erschienenen Roman „Boot am Abend“ des norwegischen Autors Tarjei Vesaas genügen Regisseur Claude Régyy für eine tiefgreifende Reflexion über einen menschlichen Urtrieb, den Überlebenstrieb. „La Barque le soir“ ist ein Theaterabend, der sich auf unsicheres Terrain wagt. Der 91-jährige Régy folgt nicht dem Weg einer vordergründigen Erkenntnis. Er schafft wie immer Andachtsräume für die Poesie der Sprache. Wie wunderbar, eine Produktion dieses Genies in Wien sehen zu dürfen. Wie sonderbar, wie viele Farben von Schwarz es gibt.

Der Mann am Ertrinken glaubt sich nämlich plötzlich unter Wasser. Und „alles, was ihn oben hält, gibt offensichtlich nach“. Vesaas Sprache, oft als nobelpreiswürdig gepriesen, ist voller Poesie, voll nordischer Melancholie. Er erzählt vom Wegdriften der Realität. Der Mann sinkt, Strömungen zerren an ihm, er wird von Luftblasen umperlt, er treibt nach oben, greift nach einem Stamm. Nur wenige auserwählte Sätze haben es in die Aufführung geschafft. Sie tropfen Schauspieler Yann Boudaud langsam-melodisch von den Lippen. Er ist Ertrinkender und Erzählstimme zugleich. Boudaud ist ein fabelhaft. Er steht an der Rampe, dass es scheint, er schwebe. In zeitlos schwerelosen  Bewegungen, windet er seinen Körper „im Wasser“. Oft ist es in dessen Tiefen so dunkel, dass man ihn kaum sehen kann. Wie er kämpft, sich anstrengt und befreien möchte. Der Text zu dieser Szene lautet: „Der Mangel an Luft machte ihm zu schaffen“.

Der Eindruck, den diese extrem reduzierte Aufführung hinterlässt, ist überwältigend. Ein physisches und psychisches Abenteuer, das bis zuletzt spannend bleibt. Besonders eindrücklich eine Szene, in der der Darsteller vor Angst winselt wie ein Tier. Man möchte ihn retten. Aber wie? Man ist längst selbst im Rausch der Tiefe.

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Kammerspiele: Ziemlich beste Freunde

März 21, 2014 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein Rollstuhl kann so cool sein wie ein Maserati

Nikolaus Okonkwo (Driss), Michael Dangl (Philippe), Silvia Meisterle (Magalie) Bild: © Sepp Gallauer

Nikolaus Okonkwo (Driss), Michael Dangl (Philippe), Silvia Meisterle (Magalie)
Bild: © Sepp Gallauer

Es ist eine dieser Situationen. Wenn einem ein Freund sagt, dass er schwer-, gar sterbenskrank ist, wenn er erzählt, dass einer seiner Lieben gegangen ist. Was sagt man? Das tut mir leid? Herzliches Beileid? Kann ich etwas für dich tun, du weißt, du kannst jederzeit … Nie sind Worte eindeutiger als Hülsen entlarvt.

Im Jahr 1993 verunglückte ich mit dem Gleitschirm und zerbrach gleichsam in tausend Teile. Mit 42 Jahren war ich auf einmal querschnittgelähmt, vom Hals abwärts. Ich kann mich weder bewegen noch die Menschen, die ich liebe, berühren. Alles, was vorher selbstverständlich war, wurde mir genommen. Durch die jahrelange Erfahrung der Verletzlichkeit und durch die Begegnung mit Abdel habe ich die Zuversicht entdeckt. Damit meine ich nicht die Hoffnung auf ein besseres Leben in der Zukunft, sondern einen zweiten Atem. Es ist ein längerer Atem, vergleichbar mit dem, den die Marathonläufer kennen. Er baut einen wieder auf, verhilft zu mehr Sicherheit und erlaubt es einem, das Leben als Behinderter voll und ganz zu leben. – Philippe Pozzo di Borgo

Philippe, Sproß eines alten korsischen Adelsgeschlecht und Chef des Champagnerhauses Pommery, schrieb einen bewegenden autobiografischen Bericht, „Der zweite Abend“, den die französischen Filmemacher Olivier Nakache und Éric Toledano zum Kinoüberraschungserfolg des Jahres 2011/2012 machten. Nun besorgte Michael Gampe an den Kammerspielen nach der Bühnenfassung von Gunnar Dreßler die Österreichische Erstaufführung. Und Gampe beweist sich wieder einmal als Experte für Komödien mit Tiefgang. Mit Verve umgeht er sowohl die Klamauk- als auch die Betretenheitsfalle. Weil: Lustig haben’s die ziemlich besten Freunde allemal. Philippe stellt Driss (Original: Abdel) als Pfleger ein. Warum? Weil der kein Mitleid mit ihm hat. Er sagt sogar: Heb‘ das Handy ab, weil er einfach vergisst, dass Philippe es nicht kann. Zwei Welten prallen aufeinander: Berlioz und Earth, Wind & Fire. Ein Geistesmensch gegen einen frechen Sozialhilfeempfänger. Ein Ex-Häfnbruder mit einem, dem sein Körper das Gefängnis ist. Die Verwandtschaft  ist schockiert! Weil Driss mit dem Maserati rumdüst, weil Philippe seinen Rollstuhl auf  12 km/h aufrüstet lässt. Um beim Jogging zu gewinnen. Ein Rollstuhl kann so cool sein, wie ein Masarati. Die „sprechende Leiche“ (Driss über Philippe) lernt nämlich wieder leben. Wird jovial auf Joints. Zwei Prostituierte zum Ohrenkraulen – eine herrliche Szene – bringt ihm Driss, der das Luxusleben (Bühnenbild: Erich Uiberlacker) gar nicht packt, auch ins Haus. Philippe lernt über Driss‘ Familie kennen, wie Menschen in schwierigen Verhältnissen überleben. Er ist nicht der einzige, den das Schicksal gepackt hat.

Michael Dangl, der schon in The King’s Speech fantastisch war, schlägt mit der Rolle des Philippe alle seine bisherigen. Im Programmheft bedankt er sich bei dem Herrn, der ihm Einblick in sein Leben als Tetraplegikers gewährt hat. Dangl spielt straight, Verletzungen, körperliche, hatte er genug, er will keine mehr, seelische, und entzieht sich jedem Mitgefühl durch strengen Blick und harsche Worte. Abgesehen von dieser schauspielerischen Leistung ist der Umgang mit dem Rollstuhl eine Erwähnung wert. Wie lange muss Dangl geübt haben, um dieses komplizierte, mit dem Mund gesteuerte Gerät zu beherrschen? Nikolaus Okonkwo bringt das ein, was er selbst „schwarzen“ Humor nennt. Er findet diesen Danse Macabre einfach nur makaber. Und sagt das auch, wenn’s Philippe wieder mal auf die Spitze treibt. An Zynismus bleiben einander Dangl und Okonkwo nichts schuldig. Doch Driss unkonventionell unverkrampfer Umgang mit den Situationen macht vieles erträglicher. Es gibt eben demütigende Rituale, über denen sie beide stehen müssen. Gampe inszeniert das leicht, nie seicht. Nie alles bis zum Ende deklamierend; erfassen muss nicht enthüllen heißen. Gampes Contenance ist mindestens so groß wie Philippes.

Silvia Meisterle gibt die Sekretärin Magalie, weiße Bluse, schwarzer Bleistiftrock, eine gute Seele, besorgt, durch Driss plötzlich auch beschwingt, trotzdem mit einem amourösen Geheimnis ausgestattet. Eine schöne Leistung. Und dann gibt’s da noch Philippes Brieffreundin. Mehr soll nicht verraten werden. Nur so viel: Philippe Pozzo di Borgo, dessen erste Frau an Krebs starb, ist wieder verheiratet, er lebt mit seiner Frau Khadija und den beiden gemeinsamen Töchtern abwechselnd im Familienschloss in der Normandie und in Marokko. Und: Die Kammerspiele haben wieder ein Stück auf dem Spielplan, das man gesehen haben MUSS.

www.josefstadt.org

Trailer: www.youtube.com/watch?v=Q_5FXu6b_pc

Wien, 21. 3. 2014

Der Medicus: Der Film zum Bestseller

Dezember 23, 2013 in Film

VON SONJA CHRISTINE VOCKE

Lieben und Leiden in Leinwandgröße

Ben Kingsley, Olivier Martinez, Tom Payne Bild: Universal Pictures Germany

Ben Kingsley, Olivier Martinez, Tom Payne
Bild: Universal Pictures Germany

Wer das Buch von Noah Gordon gelesen hat, hat sich sicher lange Zeit gefragt, ob diese Geschichte nicht Stoff für einen guten Film bieten würde. Endlich ist es soweit. Der deutsche Regisseur Philipp Stölzl („Nordwand“, „Goethe“) hat sich dieses Weltbestsellers angenommen, für den bereits seit Erscheinen zahlreiche Drehbücher existieren. In seiner Heimat, den USA, fehlte es Noah Gordon an der Anerkennung, die er aus Europa für dieses Buch bekam, so hielt sich Hollywood bei der Verfilmung zurück. Woran erinnern sich die Menschen, die das Buch gelesen haben? Können Sie die Geschichte bis ins kleinste Detail wiedergeben? Oder sind es nicht eher die Emotionen, die Eindrücke einer so fernen Vergangenheit in zwei so unterschiedlichen Welten? Das hat sich Philipp Stölzl zu nutze gemacht. Der Film ist eine Verdichtung der Ereignisse, die im Buch geschildert werden, sonst hätte man ein Epos, das auf 900 Seiten erzählt wird, kaum verfilmen können.

England zu Beginn des 11. Jahrhunderts. Robert Cole, kurz Rob, ein kleiner Junge schuftet in einem Kohlebergwerk für einen halben Laib Brot als Lohn, den er mit seinen zwei Geschwistern und seiner Mutter teilt. In der Nacht wird Robs Mutter von Bauchschmerzen geplagt. Als Rob seine Muter berührt bleibt für einen Wimpernschlag die Zeit stehen. Zu jung noch, versteht der Junge nicht was in diesem Moment geschieht, aber er wird noch einige dieser Momente erleben. Rob holt den Bader (dargestellt vom schwedischen Schauspieler Stellan Skarsgard), aber auch dieser kann der Mutter auch nicht mehr helfen, sie stirbt. Das Schicksal trennt die Geschwister und Rob schleicht sich heimlich in des Baders Pferdewagen. Von nun an reisen die beiden gemeinsam und „heilen“ Zahnschmerzen, ausgerenkte Schultern, sowie die gerochenen Nasen von betrunkenen Wirtshaus Rüpeln. Als Rob dem Bader hilft einem Patienten einen schmerzenden Zahn zu ziehen, ist er wieder da, der Moment in dem für Rob die Zeit zum Stillstand kommt und nun weiß er was das bedeutet: Er hat die Gabe, den nahenden Tod zu spüren. Tatsächlich stirbt der Zahnpatient in der Nacht … Die beiden ziehen immer weiter durch England, von Ort zu Ort und immer mehr beginnt sich Rob dafür zu interessieren, wie der Mensch im inneren aussehen mag. Warum manche Krankheiten nicht heilbar sind. Tote aufzuschneiden ist jedoch gegen das Gesetz und die Kirche so warnt ihn der Bader, dessen Augenlicht immer schwächer wird. Fast erblindet erfährt Rob, dass die jüdischen Ärzte in London dies heilen könnten. Er bringt den Bader hin und hört von den jüdischen Ärzten, dass im fernen Isfahan ein Mann lebt der die Heilkunst lehrt, sein Name ist Ibn Sina (Ben Kingsley). Getrieben von der Neugier und dem Wunsch die Kunst des Heilens zu lernen reist er nach Isfahan. Die Reise ist lang und schwierig. Mit einer Händlerkarawane zieht Rob, der sich fortan als Jude Jesse ausgibt, da Christen keinen Zugang zur Stadt Isfahan hätten durch die Wüste. Er verliebt sich in die mitreisende Rebekka, deren Ziel ebenfalls die Stadt in der Wüste ist. Ein aufkommender Sandsturm trennt die Reisegefährten und Rob schafft es mit letzter Kraft nach Isfahan. In den folgenden Jahren lernt er alles was Ibn Sina ihm und seinen Kommilitonen beibringen kann. Eine Pestepidemie stellt das Können und Wissen aller auf die Probe. Rebekka, die unter den Patienten ist, überlebt. In den Wirren der seldschukischen Übernahme Isfahans flüchtet Rob mit Rebekka, Ibn Sina bleibt … Was soll nun werden, nachdem Isfahan gestürmt und geplündert, Ibn Sina tot, hinter ihnen liegt: „Be a great physician.“

Es ist ein mittelalterliches Epos, in dem nichts ausgelassen wird, Liebe, Schlachten, Intrigen und Freundschaft. Die drei großen Weltreligionen stehen sich gegenüber, was den Film sehr aktuell macht. Wie können, diese drei Glaubensrichtungen nebeneinander existieren, in Frieden und sich vielleicht gegenseitig befruchten. Sowohl vom Christentum, vom Judentum als auch vom, zum Zeitpunkt der Erzählung noch sehr jungen muslimischen Glauben werden die besten als auch dunkelsten Seiten präsentiert. Es ist auch eine Kritik zu spüren, dass der Glaube die Wissenschaft hindert und damit Menschenleben opfert. Es ist aber auch eine Geschichte voller Hoffnung. Der junge Waisenknabe, der keine Mittel aber einen starken Willen hat, schafft es, sich seinen Traum zu erfüllen. Wer an sich glaubt, schafft alles. Eine besondere Figur ist Schah Ala ad-Daula, dargestellt vom charismatischen Olivier Martinez. Nicht wirklich böse und auch nicht nur gut. Er gibt dem von Liebeskummer geplagten Rob einen Einblick in seine Seele und wird so zum Sympatieträger plötzlich fühlt man sich ihm nahe. Wie schon andere Regisseure vor ihm („Der Name der Rose“, „Die Päpstin“, „Das Geisterhaus“ oder „Das Parfum“), bedient sich Philipp Stölzl einem sicheren Rezept bei dieser Literaturverfilmung, er setzt auf hochkarätige Schauspieler, sowie außerordentliche junge Talente. Damit kann sich diese deutsche Produktion lückenlos in die erfolgreiche Reihe literarischer Verfilmungen einordnen, die zu sehen sehr lohnend sind. Wo nicht das Buch „typischerweise“ besser als der Film ist, sondern wo sich Buch und Film in harmonischer Weise ergänzen.

Filmstart ist der 25. Dezember 2013.

Besetzungsliste:

Tom Payne – Rob Cole

Sir Ben Kingsley – Ibn Sina (Avicenna)

Stellan Skarsgard – Bader

Olivier Martinez – Schah Ala ad-Daula

Emma Rigby – Rebecca

Elyas M’Barek – Karim

Fahri Ogün Yardim – Davout Houssein

Makram Khoury – Imam

http://movies.uip.de/medicus/at/index.htm

Wien, 23. 12. 2013