Neue Oper Wien: Staatsoperette

September 14, 2016 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Servus, „Grüß Gott“ und Auf Wiedersehen

Gernot Heinrich als Starhemberg, Dieter Kschwendt-Michel als Schuschnigg, Hagen Matzeit als Dollfuß mit der Dollfuß-Puppe von Nikolaus Habjan. Bild: © Armin Bardel

Die Dollfuß-Puppe fistelt ihre Befehle: Gernot Heinrich als Starhemberg, Dieter Kschwendt-Michel als Schuschnigg und Hagen Matzeit als Dollfuß. Bild: © Armin Bardel

Die Neue Oper Wien zeigt ihre „Staatsoperette“ nach der vielbejubelten Uraufführung bei den Bregenzer Festspielen nun im Wiener Theater Akzent. Und über diese so eindringliche wie unterhaltsame Geschichtslektion in Sachen Zwischenkriegszeit ist nicht weniger zu sagen, als dass ihr Besuch quasi Pflichtfach werden sollte. Von wegen dieser Tage, wiewohl sich das neue künstlerische Team sehr klug jedem zwanghaften Bezüge-Herstellen entzogen hat. Man hat’s da aber auch leicht, man braucht nur hinzuzeigen, um aufzuzeigen.

Die Austrotragödie von Otto M. Zykan und Franz Novotny war einmal ein Film und war einmal ein Skandal. 1977 war das, da fühlten sich manche ob ihrer eigenen Rolle in den Jahren zwischen 1918 und 1938 noch auf den Schlips getreten, Nackerpatzln gab’s auch zu sehen, und einen Club 2, in dem Heribert Steinbauer der Empörung stellvertretend für seine Wählerschaft Luft machte. Der Film verschwand im Archiv. Zykans Weggefährtin Irene Suchy und Komponist Michael Mautner haben das Werk nun inhaltlich und musikalisch ergänzt, für Zweiteres aus dem reichen Schaffen Zykans geschöpft, und eine die Handlung erklärende Ebene eingezogen.

Neu sind nun ein Nestroy-hafter Kommentator, Stephan Rehm, der aus dem Stück erst recht ein Lehrstück macht, und zwei Frauenfiguren, die Linke und die Rechte, Laura Schneiderhan und Barbara Pöltl in Kittelschürze vs Trachtenkostüm, die entlang von Bassena-Räsonierereien die vox populi zum besten geben. Eingefügt sind Szenen, die damalige Fernsehverantwortliche schon im Vorfeld der zu erwartenden Erregung entfernen ließen, etwa das Schattendorfer Urteil oder Schuschniggs Besuch bei Hitler auf dem Obersalzberg.

Zykan zitiert Zeitgeschehen, zitiert Kirchen- oder Heurigenliedern, montiert Atonales mit Operettenhaftem, er reißt mit seiner Musik Witze. Sehr schön ist da eine Sequenz zum Nicht-miteinander-Können der politischen Lager, für deren Darstellung es heute einen ganzen desaströsen Runden Tisch brauchen würde; Zykan genügen zwei Worte, „Grüß Gott“ – und schon hat Ignaz Seipel den Otto Bauer abgefertigt. NOW-Intendant Walter Kobéra versteht es meisterlich diesen vertonten Sarkasmus umzusetzen, mit ihm am Pult flirrt und flimmert das amadeus ensemble-wien einmal mehr, dass es eine Freude ist.

Camillo dell’Antonio spielt Ignaz Seipl mal zwei. Bild: © Armin Bardel

Prälat-Bundeskanzler: Camillo dell’Antonio spielt Ignaz Seipel mal zwei. Bild: © Armin Bardel

Dieter Kschwendt-Michel im Zwiegespräch mit der Schuschnigg-Puppe. Bild: © Armin Bardel

Dieter Kschwendt-Michel im Zwiegespräch mit der Schuschnigg-Puppe. Bild: © Armin Bardel

In den Händen von Regisseur Simon Meusburger kommt die Groteske auch inszenatorisch zur Geltung. Er hat mit Bühnenbildner Nikolaus Webern als Ort des Geschehens einen devastierten Sitzungssaal erdacht, ein nachroyales Palais, verstaubt und überlebt, der Kronleuchter auf dem Boden, das Telefon an der Decke, denn das Unterste ist nach oben gekehrt, die Welt steht auf dem Kopf. Mit Graphic Novels à la Sin City werden die Protagonisten eingeführt, der „Blutprälat“ und der „Fürst der Finsternis“, und wenn diese dann auftreten, haben sie als Alter Ego eine Puppe von Nikolaus Habjan im Arm. Die Klappmäuler als politische Großmäuler, Ignaz Seipel, Engelbert Dollfuß, Kurt Schuschnigg, Benito Mussolini und als Anfang vom Ende Adolf Hitler, erfahren so eine karikaturhafte Überhöhung und bringen als solche ihre verqueren Botschaften über die Rampe. Das Fürchterliche ist ja auch immer lächerlich, sagt Thomas Bernhard. Das ist hier eindrücklich demonstriert.

Die Darsteller treten ins Zwiegespräch mit ihren zweiten Gesichtern, und wenn man bedenkt, wie vieles des Gesagten Original-Text ist, wird die „Staatsoperette“ zum Schwank zwischen Schaudern und Entsetzen. Es ist ein erschrecktes Auflachen, mit dem das Publikum auf die Komik der Situationen reagiert. Wenn’s über den Déjà-vu-Streit der großen Koalition heißt, er gehe eigentlich um belanglose Gründe. Wenn darüber debattiert wird, das sich „der kleine Mann von Stammtischgestammel verführen ließ“. Wenn im Wiener Kammerchor die einen die Haydn-Hymne noch auf Gott, Kaiser und Vaterland, die anderen schon als Deutschlandlied singen. Auf „Führer“, Völkisch, Vaterland.

Na, Servus. Starke Bilder sind das. Die ewige Furcht der europäischen Bourgeoisie vor links, doch nie vor rechts. Rot und Schwarz, die statt des Konsens‘ mit- den Kampf gegeneinander suchen, und so freilich dem Auftreten eines diabolischen Dritten Tür und Tor öffnen. Auch die Sozialdemokratie wird gescholten, Kolomann Wallisch und Otto Bauer, die als Arbeitervertreter auf ihren eingeschlagenen Wegen der Bewaffnung und der Beschwichtigung nicht zueinander finden können, Bauer, der es mit seinen theorieschwülstigen Formulierungen nicht schafft, sich „der Masse“ verständlich zu machen. Folge: Verlust des Gemeindebaus, Teil eins.

Die Solisten bestreiten größtenteils mehrere Rollen. Marco Di Sapia gefällt wie stets mit seinem wohlgeführten Bariton, er ist als sich selbst geiselnder Otto Bauer gleichsam die tragische Figur, der Anti?-Held des Werks, kann aber als Walter Pfrimer und Anton Rintelen wunderbar seine Qualitäten als Komödiant ausspielen und in den Rollen der verhinderten Putschisten zum allgemeinen Amüsement auch mit Steirischkenntnissen protzen. Wie es dem patscherten Sekundenkanzler nicht gelingt, sich nach der Ermordung Dollfuß‘ in seinem Hotelzimmer zu entleiben, da gelingt Di Sapia sogar ein gruseliges Kabinettstückchen.

Camillo dell‘ Antonio gibt den Seipel mal zwei, einen pitzeligen Prälat-Bundeskanzler, der politisch immer Lust auf mehr hat. Daheim knüppelt er, vor dem Duce kriecht er – ums Geld. Da ist es nur logisch, dass ihn Gernot Heinrich als Mussolini einen cretino schimpft. Heinrich gestaltet ihn als gutgelaunten „italienischen Tenor“, umringt von barbusigen Schönen und stets um die höchste Stellung bemüht. Weshalb es ihm im Sitzstreit mit Seipel auf der Schaukel auch nicht ums internationale Gleichgewicht oder politisches Die-Waage-Halten geht … Als Heimwehrführer „Fürst“ Starhemberg kann Heinrich diese süßlich-grausliche Seite dann noch deutlicher zeigen.

Der Anfang vom Ende: Hagen Matzeit als Hitler mit Hitler-Puppe, links: Laura Schneiderhan, rechts: Barbara Pöltl und der Wiener Kammerchor. Bild: © Armin Bardel

Der Anfang vom Ende: Hagen Matzeit als Hitler, links: Laura Schneiderhan, rechts: Barbara Pöltl und der Wiener Kammerchor. Bild: © Armin Bardel

Hagen Matzeit, ein famoser Opernsänger, der sowohl Bariton als auch Countertenor „kann“ (www.matzeit.de), macht aus dem Dollfuß dank seiner Puppe einen bösen Kobold mit Falsettstimme. Mit Karl-Kraus’schen Bumsti!-Rufen führt er seine Hälfte des Volkes gegen die andere, ein Ritt auf dem Kanonenrohr, während dem Thomas Weinhappel als Wallisch seinen republikanischen Schutzbund in Stellung bringt.

Beklemmend ist das, wie Meusburger zeigt, dass unter den Menschen kein Politwirrkopf, sondern die nackte Angst regiert. Sie werden aufgestellt und abgeschossen, aufgestellt und abgeschossen … Volk verliert, Volk fällt zu beiden Seiten. Die letzten Tage der Menschlichkeit. Matzeit wird zu deren Ende auch noch Adolf Hitler sein, Dieter Kschwendt-Michel sich ihm als Schuschnigg ergeben. Dem „Führer“ schenkt Matzeit kein menschliches Organ, er hat weder Sing- noch Sprechstimme, die Puppe grunzt und faucht und schnarrt, aber wenn sich im Schlussbild alles zu ihr hinwendet, ist deutlich, wie gut sie auf dem Heldenplatz einst verstanden wurde.

Beim begeisterten Applaus kann sich Matzeit der Hakenkreuzarmbinde gar nicht schnell genug entledigen, er wirft sie zu Boden und tritt danach. Ein abschließendes Statement, das beim Publikum bestens ankommt: Niemals vergessen. Dass die, die vorgeben, die Fäden in der Hand zu haben, auch nur jemandes Marionetten sind. Dass selbsternannte Heimatschützer unter dem Vorwand demokratische Mechanismen zu behüten eben diese aushebeln. Bei Zykan besingen sie als „wahre Sieger“ ihr Auf-Wiedersehen, da fehlt eindeutig ein „Nimmer“.

www.neueoperwien.at

Wien, 14. 9. 2016

Franz Novotny und Johannes Zeiler im Gespräch

Juni 23, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

„Deckname Holec“ zeigt Helmut Zilk als ČSSR-Spion

Franz Novotny, Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm / Dieter Nagl

Der Regisseur und sein Hauptdarsteller auf dem Filmset in Wien: Franz Novotny und Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm / Dieter Nagl

Am 29. Juli kommt mit „Deckname Holec“ der jüngste Film von Franz Novotny in die Kinos. Johannes Zeiler spielt darin Helmut Zilk in seiner Zeit als ORF-Direktor. Rund ums Jahr 1968, als Zilk mit „Stadtgesprächen“ in Prag Furore machte, soll er Informant für den tschechischen Geheimdienst gewesen sein. Von diesen Begebenheiten berichtet jedenfalls der tschechische Filmemacher Jan Němec in seiner Kurzgeschichte „Italská Spojka“, an der sich Novotnys Drehbuch orientiert. Im Film sieht Honza, ein junger tschechischer Regisseur, im Original eben Němec, der gerade die ersten Bilder des Einmarsches der Warschauer-Pakt-Truppen in Prag gefilmt hat, in Zilk die Chance, der Welt von dem Unrecht, das der ČSSR widerfährt, zu berichten.

Der systemkritische Filmemacher, dessen letzter Film von der Zensur verboten wurde, versucht die brisanten Aufnahmen nach Wien zu bringen. Was er nicht weiß: Zilk steht schon längst im Fokus des tschechischen Geheimdienstes. Denn dessen Faible für die aufstrebende Schauspielerin Eva, pikanterweise Honzas Geliebte, ist auch dem Agenten Nahodil nicht entgangen und ein schöner Grund, Zilk zu erpressen. Der soll anstelle realer Tatsachen gefälschtes Propagandamaterial senden und die sowjetische Okkupation im ORF als Befreiung verkaufen … Franz Novotny und Johannes Zeiler im Gespräch:

MM: Der Film ist spannend wie von John le Carré erfunden. Aber warum zeigen Sie ihn ausgerechnet jetzt?

Franz Novotny: Warum nicht? Man kann zwei pudernde Heuschrecken mit guter Musik als Kinofilm darstellen, sie sind zeitlos. Die Charakterbewegungen und Entwicklungen von Menschen sind auch zeitlos. Wir zeigen keine Geschichte, die 1968 spielt, sondern eine prototypische Charakterhaltung, das ist die Essenz des Films. Ob es tatsächlich so war, wie es bei uns ist, ist letztlich wurscht. Wie sagt Don Quichotte? Tatsachen sind der Feind der Wahrheit. Und die Klitterung der Geschichte ist stärker als eine dokumentarisch akribische Nacherzählung von einstigen Begebenheiten.

Johannes Zeiler: Mit einem Wort: Fiktion von Franz Novotny ist stärker als Realität.

MM: Trotzdem, Sie werden dem Publikum damit doch etwas sagen, ihm etwas mit auf den Weg geben wollen.

Novotny: Es ist nicht meine Aufgabe zu sagen, was der Film sagen soll, aber ich kann es versuchen. Der Film könnte sagen, zur richtigen Zeit muss man das Richtige machen, vor allem, wenn man zuerst das Falsche gemacht hat. Na? Auf uns umgelegt heißt das, Helmut Zilk macht dann doch das Richtige, er verrät nicht den Urheber des Schatzes, Jan Němec, und verbreitet, wiewohl er persönliches Risiko auf sich nimmt, die Wahrheit über den Einmarsch der Russen in der Tschechoslowakei.

MM: Ihre Quelle oder Vorlage ist die Kurzgeschichte von Jan NěmecItalská Spojka  / The Italian Connection“?

Novotny: Richtig, das ist die Basis. Nur haben wir eine österreichische Fassung erstellt. Bei Jan Němec war 20 Prozent Zilk, bei uns, da wir Hauptproduzenten und Österreicher sind, sind jetzt 80 Prozent Zilk. Die andere Quelle ist die wunderbare Geschichte von Herbert Lackner im profil (www.profil.at/home/helmut-zilk-spion-zilk-informant-cssr-geheimdienstes-237065), aus der als Wahrheitsbeweis über die Geschichte hervorgeht, dass sich kaum jemand die Arbeit macht, hunderte Meter von Akten zu fälschen, nur um jemanden zu schaden. Es wäre lebensfremd das anzunehmen. Lebensnah ist eher, dass es war, wie in den Akten dargestellt: dass Zilk sich für nutzlose Informationen bezahlen ließ. Und, dass er sich bei den Tschechen einen Luster bestellt hat.

MM: Das ist nachgewiesener Weise meine Lieblingsszene, wie er dann den Luster von der Decke reißt, weil er überreißt, dass er verwanzt ist. Dagmar Koller sagte nach der Filmvorführung, in der sie war, zu Ihnen, jetzt hätte sie endlich eine Vorstellung, wie dieser Luster, von dem sie so viel gehört hat, ausgeschaut habe.

Novotny: Ja, ich glaube, sie hat den Film adoriert, weil doch ihr Helmut nicht so schlecht wegkommt. Dabei wollte ich über die Person Helmut Zilk hinausgehend die Figur eines werdenden Politikers zeigen, den Werdegang eines aufsteigenden Menschen, der in die Politik kommt, und wie er dorthin kommt. Wie er seine Seilschaften benutzen kann und wie er unter Gewissenskonflikten dann doch das Richtige tut.

Zeiler: Ich fand dieses „Ihr wisst ja gar nicht, was alles möglich ist“ als Motiv dafür, was ihn antreibt, spannend: „Wenn ihr mir das und das gebt, könnt ihr euch gar nicht vorstellen, was ich damit alles machen kann“. Helmut Zilk gehört sicher zu den Menschen, die das maximale aus den Möglichkeiten rausholen, die sich ihnen geboten haben.

Novotny: Und er hat es auch mit Freude gemacht, davon bin ich überzeugt. Was ein wichtiges Element der Politik ist, dass man sie nicht mit Krampf, sondern spielerisch macht. Insofern ist er einer der letzten Männer, die Politik „gemacht“ haben. Er war selbstbestimmt, selbstgesteuert, bis auf die Spionagegeschichte, da war er ferngesteuert; er hat gute Politik gemacht, nachdem er Bürgermeister von Wien wurde, und wichtige Taten gesetzt, sieht man von der Spittelau-Hundertwasser-Behübschung ab. Ich muss den Zeiler loben, er hat den Zilk neu inszeniert. Er hat ihn nicht wie ein Papagei interpretiert, das wäre ja lächerlich, da hätten wir ihm auch noch die Haare färben müssen. Er spielt den Zilk wahrhaftiger, als der Zilk vielleicht war.

MM: Herr Zeiler, Sie sind offenbar der Mann für die Charakterköpfe der Sozialdemokratie. Am Theater waren Sie schon Bruno Kreisky, im Film nun Helmut Zilk. Was prädestiniert Sie für diese Rollen?

Zeiler: Dass diese Männer Machtmenschen sind. Ich habe auch schon den Faust gespielt, wieder ein Machtmensch, in CopStories bin ich der Chef … und das waren Kreisky und Zilk genauso. Dass die beiden Sozialdemokraten sind, ist Zufall. Ich müsste auch lange suchen, um einen weiteren zu finden, der so interessant ist, dass ich ihn spielen könnte.

MM: Ich habe den Eindruck, es ging Ihnen in Ihrem Spiel nicht darum, die Person Helmut Zilk zu imitieren, wiewohl er da sicher viele Anknüpfungspunkte bieten würde, sondern darum einen Typus Mensch zu gestalten. Wie haben Sie sich der Rolle genähert?

Zeiler: Stimmt, ich wollte nicht in ein Nachmachen fallen. Das haben viele vor mir gemacht, Zilk war ja oft Material für Parodien und Imitationen. Letztlich hätte mich das aber eingeengt, denn wenn ich die ganze Zeit nur mit verstopfter Nase gesprochen und gepoltert hätte, das wäre nicht fruchtbar gewesen. Ich wollte nicht von außen nach innen gehen, sondern es lieber umdrehen und mir Interpretationen suchen, die mir wichtig erscheinen. Zum Beispiel, dass er ein Genussmensch war, ein Mann der Tat, aber auch ein Mensch, der unglaublich gern berührt. Im wahrsten Sinn des Wortes: Er hat Leute gerne angegriffen. Ich habe mir viele Dinge nicht abgeschaut, sondern angeschaut. Die ganzen „Stadtgespräche“, das Ombudsmann-Format, obwohl das natürlich immer nur der Show-Zilk, der Theater-Zilk ist. Aber auch da kann man vom Rhythmus eines Menschen, von Vorlieben, Sprechweise bis hin zu persönlichen Charaktereigenschaften vieles erarbeiten.

MM: Gab’s jemals eine persönliche Begegnung mit Helmut Zilk?

Zeiler: Leider nein. Ich habe aber von vielen Menschen, die ihn kannten, gehört, dass er eine beeindruckende Erscheinung war. Aber davon musste ich mich befreien, daran zu denken, hätte mir nur Stress gemacht. Ich habe mich anders mit Zilk angereichert.

Novotny: Ich habe, wie viele in diesem Lande, eine Helmut-Zilk-Geschichte, aber die ist im Zusammenhang mit dem Film vernachlässigbar. Ich erzähle sie nur der Vollständigkeit halber: Einerseits hat mich der Zilk einmal berechtigter Weise aus dem ORF hinausgeworfen, wie ich Anfang 20 war. Da hatte ich einen Bericht gemacht über die Akademie am Schillerplatz ohne die Gegenseite zu befragen. Davor hatte ich ein Drehbuch „Johann Strauß – Der Mörder von Mayerling“ geschrieben, das dem Jörg Mauthe sehr gut gefiel, aber Helmut Zilk hat mir stattdessen einen Film über die Wiener Sängerknaben angetragen. Das habe ich in einem bösen Brief mit Empörung zurückgewiesen. Später habe ich ein paar Werbefilme für ihn gemacht, und einmal war ich für ihn tätig, um die bilateralen Beziehungen Kuba-Wien zu vertiefen, in der Form, dass ich für den ORF in Budapest eine Show mit einer wunderschönen Sängerin drehen durfte, wo ich vermute, dass die bilateralen Beziehungen von Herrn Direktor Zilk weiter vertieft wurden.

MM: Nun zeigen Sie ihn tatsächlich in privatesten Momenten und in privatesten Vorlieben. Geht man an Sexszenen schüchterner heran, wenn man weiß, man zeigt eine real existiert habende Person? Und Dagmar Koller schaut im Kino zu …

Zeiler: Schüchtern nicht, aber man hat natürlich Respekt davor. Aber, wenn ich jetzt dran denken würde, was Dagmar Koller oder ehemalige Mitarbeiter oder Zeitgenossen wie Teddy Podgorski über diese Szenen denken, da wäre ich verraten und verkauft.

Vica Kerekes, Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm

Zilk interessiert sich für die Schauspielerin Eva: Vica Kerekes und Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm

Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm

Zeit im Bild: Zilk-Zeiler persönlich berichtet über den Einmarsch der Russen in Prag. Bild: © Thimfilm

MM: Franz Novotny zeigt eine Figur Zilk, die kurz strauchelt, aber im Moment, in dem es darauf ankommt, das Richtige tut. Ist es das, was Sie recherchiert haben?

Zeiler: Das ist die Drehbuchstory, ich halte es aber für möglich, dass es wirklich so war. Beachtenswert ist die Geschichte, wie er 1943 von der Waffen-SS angeheuert werden sollte, die ganze Schulklasse hat mitgemacht, weil sie’s imposant fand oder sich vor Konsequenzen geängstigt hat, aber er hat sich dagegen entschieden. Ich glaub‘, dass das immer wieder in seinem Leben passiert ist, dass er sich konsequent und in aller Klarheit in seinen Entscheidungen auf die richtige Seite gestellt hat. Letztendlich hat er seine Haltung beinah einmal mit dem Leben bezahlt. Ein kleiner Aspekt ist das Hrdlicka-Denkmal, für das er vehement eingetreten ist: Des machma jetzt, aus, fertig. In dem Sinne war er ein Populist mit den richtigen Grundsätzen.

MM: Ist das ein Mut zu Entscheidungen, der Entscheidungsträgern heute fehlt?

Zeiler: Es war eine mutige Entscheidung von Journalisten damals dieses geschmuggelte Band zu zeigen, als einzige Sendeanstalt in Europa, und damit die Welt über die wahren Geschehnisse in der Tschechoslowakei zu informieren. Solche Durchsetzungskraft und solcher Mut, natürlich fehlen die heute.

MM: Der Film liefert keine Erklärung dafür, warum Helmut Zilk dem tschechischen Geheimdienst zugearbeitet haben soll. Haben Sie sich dazu etwas überlegt?

Zeiler: Für mich ist diese Spionagegeschichte überhaupt nichts außergewöhnliches, sondern logisch mit der Geschichte verbunden. Da hat er eine Situation falsch eingeschätzt, oder sich überschätzt, wenn es so war. Ich habe mir zusammengereimt, dass einer, der es liebt in Machtpositionen zu sitzen und daher gar nicht ohne Seilschaften auskommt, sich da eine weitere gesucht hat. Im Prinzip ist es ein Geben und Nehmen in Spionagekreisen. Nur hat er sich da ein bisserl verhoben. Wenn man sieht, mit welcher Freude und Inbrunst er dieses Format in Tschechien gemacht hat, als erster hinter dem Eisernen Vorhang eine der ersten Talkshowformen realisiert hat, und vielleicht schon überlegt hat, dort und da könnte es auch gehen, also rede ich mit denen und gebe ihnen ein bisschen, was sie wollen – na, dann macht er das natürlich.

MM: Für mich ist die Quintessenz der Figur der Satz, den der wunderbare Heribert Sasse als Polizeichef Fuchs spricht: Bist du so naiv oder ganz deppert? Ist es das?

Novotny: Das ist einer der Sätze, der das kennzeichnet, was wir mit dem Film sagen wollen. Viele dieser Sätze gehen in eine bestimmte Richtung, die wir gefühlsmäßig vom Bauch analysiert haben, ohne groß eine Botschaft zu verpacken. Man zeigt einfach den Lebensweg eines interessanten Menschen, der wie gesagt, einer der letzten Männer war.

MM: Wie und wo waren die Dreharbeiten? Das Set ist bestechend 1960er-Jahre-miefig …

Novotny: Wir haben in Prag und Wien gedreht, teilweise sind die Hintergründe digitalisiert. Das Setting ist wunderbar und orientiert sich an der Zeit selbst noch in kleinsten Details. Mein liebstes ist Zilks goldene Zigarettenweltkugel, die das Kolorit der Zeit perfekt darstellt. Auch, dass die Leute dauernd tschicken, ist ein Motiv der Zeit, heute undenkbar. So haben wir versucht, die 1960er-Jahre einzufangen.

Zeiler: Ich hatte herrliche Erlebnisse. Mit einem Fünfziger-Jahre-Mercedes durch Prag zu fahren, das ist schon eine G’schichte. Dann das Hotel International in Prag …

Novotny: .. das zu finden war ein wunderbarer Griff. Es ist ein ehemaliges Militärhotel, das in den 1950er-Jahren gebaut wurde …

Zeiler: … und dort mit unzähligen Statisten zu drehen, mit einer Karel-Gott-ähnlichen Musik beschallt, und du bist als Zilk hinter einer tollen Frau her, da braucht man sich als Schauspieler nur noch treiben lassen. Ja, es waren sehr viele schöne Sachen dabei. Wenn man einen Genussmenschen spielt, kommt man auch zu Genüssen.

MM: Im Film kommt Zilks Ehefrau Helga in die Fänge des tschechischen Geheimdienstes. Diese Entführungsgeschichte ist aber ausgedacht?

Novotny: Der ganze Film ist ausgedacht. Gehen wir davon aus: Alles Denkbare ist möglich. Im Sinne der Quantenphysik.

MM: Ganz gerne hätte man gewusst, wie es mit dem realen Jan Němec weiterging, nachdem er die Bänder übergeben hatte.

Novotny: Er ist zurückgegangen nach Prag, wurde aber unterdrückt, in der Husák-Diktatur hatte er nichts zum Husten. „Oratorio for Prague“ wurde zum Dokumentarfilm der Niederschlagung des Prager Frühlings, sogar Philip Kaufman baute 1988 Originalmaterial in seine Milan-Kundera-Verfilmung „Die unerträgliche Leichtigkeit des Seins“ ein. 1974 hat Němec die Tschechoslowakei Richtung USA verlassen. Später, nach der Befreiung, hat er wieder Filme in Prag gemacht. Er ist heuer im März erst gestorben. Aber er ist bis zum Schluss ein Freigeist geblieben. 2014 hat er die tschechische Verdienstmedaille aus Protest gegen Präsident Miloš Zeman zurückgegeben.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=F0rHupmFA0Y

www.decknameholec.at

Wien, 1. 7. 2016

Deckname Holec

Juni 23, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Franz Novotny zeigt Helmut Zilk als ČSSR-Spion

Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm

Johannes Zeiler als Helmut Zilk: Im ORF wird beraten, wie man über den Einmarsch der Warschauer-Pakt-Truppen in Prag berichten soll. Bild: © Thimfilm

Dass ein Filmemacher wie Franz Novotny einen Stoff wie diesen nicht links liegen lassen konnte, versteht sich. Vielmehr fragt sich, was ihn so lange aufgehalten hat, bis er ihn endlich für die Leinwand adaptierte. „Deckname Holec“ heißt sein nun ab 29. Juli in den heimischen Kinos zu sehender Film, und er erzählt eine Geschichte, die so fantastisch ist, dermaßen zu gut, um frei erfunden zu sein, dass sie nur … Ja, dies Hintertürchen lässt sich Novotny offen. Im Gespräch mit mottingers-meinung.at sagt er schelmisch: „Tatsachen sind der Feind der Wahrheit. Und die Klitterung der Geschichte ist stärker als eine dokumentarisch akribische Nacherzählung von einstigen Begebenheiten.“

Von diesen Begebenheiten berichtet jedenfalls der tschechische Filmemacher Jan Němec in seiner Kurzgeschichte „Italská Spojka“, an der sich Novotnys Drehbuch orientiert: Helmut Zilk, damals allerdings weder Unterrichtsminister noch Wiener Bürgermeister, sondern ORF-Direktor, soll jahrelang Informant des ČSSR-Geheimdiensts gewesen sein. Herbert Lackner schrieb 2009 im profil darüber: www.profil.at/home/helmut-zilk-spion-zilk-informant-cssr-geheimdienstes-237065. Wie es dazu kam, erklärt Novotny nicht; er ergeht sich erfrischend nicht in Spekulationen über Beweggründe oder Motivationen, er stellt das wenige dar, das bekannt scheint. Eine „Akte Zilk“ gibt es nämlich nicht. Im Film weht sie am Ende der Wind mit dem Wienfluss auf und davon.

Keine Angst, Novotny tut Zilk nicht weh. Der sonst nie um einen Skandal verlegen gewesene Regisseur hält sich an eine „Halb zogen sie ihn, halb sank er hin“-Version. Er malt das Bild eines kurz strauchelnden Helden, der aber im Moment der weltgeschichtlichen Wahrheit sofort wieder das Richtige tut. Auf mehr kommt’s im Leben bekanntlich nicht an; etwas anderes darzustellen wäre für einen Wiener Film wohl auch nicht möglich gewesen.

So begibt man sich auf eine Zeitreise nach Wien und Prag im Jahr 1968. Ein junger tschechischer Regisseur, in der Realität eben Jan Němec, der gerade die ersten Bilder des Einmarsches der Warschauer-Pakt-Truppen in Prag gefilmt hat, sieht in ORF-Direktor Zilk die Chance, der Welt von dem Unrecht, das der ČSSR widerfährt, zu berichten. Mit seiner Geliebten, der Schauspielerin Eva, versucht der systemkritische und ergo von der Zensur beäugte Honza, die brisanten Aufnahmen nach Wien zu bringen. Den smarten Zilk, Initiator der „Prager Stadtgespräche“, haben sie bei einer gemeinsamen Livesendung des tschechischen und österreichischen Fernsehens kennengelernt. Eva danach sogar sehr intim, doch das weiß Honza natürlich nicht.

Was die beiden sonst noch nicht wissen, ist, dass Zilk längst im Fokus des kommunistischen Geheimdienstes steht. Er wurde unter dem Decknamen Holec angeworben, um Geheimnisse aus SPÖ-Kreisen weiterzuleiten, etwa die Haltung Bruno Kreiskys zu Alexander Dubček, doch sind das Angelegenheiten, in die er gar keinen Einblick hat. Und so speist er die Tschechen mit uninteressantem Material ab. Doch nun steht’s Spitz auf Knopf. Zilk wird mit dem Wohl und Wehe seiner damaligen Ehefrau Helga erpresst, die entführt und festgehalten wird. Um ihr Leben zu retten, soll er im ORF statt Honzas Film gefälschtes Propagandamaterial senden und die Okkupation als sowjetische Befreiung verkaufen …

Krystof Hádek, Jenovéfa Boková. Bild: © Thimfilm

Honza riskiert sein Leben, als er die Russen filmt: Krystof Hádek mit Jenovéfa Boková. Bild: © Thimfilm

Ondřej Brzobohatý, Vica Kerekes. Bild: © Thimfilm

Währenddessen wirft Zilk ein Auge auf Honazs Geliebte Eva: Vica Kerekes mit Ondřej Brzobohatý. Bild: © Thimfilm

Der Rest ist Fernseh/Geschichte. Und was hier wie ein Agententhriller à la John le Carré klingt, sieht auch so aus. Novotny hat eine miefige 1960er-Jahre Atmosphäre neu erfunden und mit liebevollen Details wie Zilks güldenem Weltkugelzigarettenspender ausgestattet. In Prag war das ehemalige Parteibonzen-Hotel International ein perfekter Drehort, fürs Fehlende sorgt fabelhaftes CGI. Ein bedrohlich rotierender Deckenventilator durchschneidet die einzelnen Szenen.

Durch diese Welt, optisch von gestern, was Politik betrifft sehr von heute, bewegt sich Johannes Zeiler als Helmut Zilk. Das heißt, er bringt keine, was leicht gewesen wäre, polternde, näselnde Imitation des stadtbekannten Selbstdarstellers auf die Leinwand, er hebt seine Figur über den Rahmen Zilk hinaus und gestaltet das Porträt eines prototypischen Genuss- und Machtmenschen. Sein Zilk will Karriere um fast jeden Preis machen, Österreich-geschult glaubt er ans Prinzip des gegenseitigen Händewaschens, auch erliegt er seiner Eitelkeit wegen der ihm zugedachten Wichtigkeit, aber als er erkennt, in welche Falle er da getappt ist, rappelt’s in der Kiste. Wunderbar die Szene, in der Zeiler-Zilk in seiner Wiener Wohnung einen böhmischen Kristallluster – damals funktionierten Naturalien als Bestechungsgeschenke noch – von der Decke schleudert, weil er erkennt, dass er verwanzt ist.

Bei Damen ist er Connaisseur und Charmeur, inklusive Sexszenen, die privateste Vorlieben offenbaren, und so ist es kein Wunder, dass er seinen persönlichen Sozialismus mit dem menschlichen Antlitz von Schauspielerin Eva, gespielt von Vica Kerekes, auslebt. Das folgende Duell Lebemann vs Idealist, das er mit Honza Němec austrägt, der tschechische Schauspieler Kryštof Hádek schlüpft in diese Rolle und ist darin Zeiler ein ebenbürtiger Gegner, gehört zu den spannendsten ideologisch aufgeladenen Momenten in Novotnys Arbeit. Tatsächlich nimmt der Film erst durch die Konfrontation dieser beiden Männer so richtig Fahrt auf.

David Novotný, Heribert Sasse. Bild: © Thimfilm

Ein alter Fuchs: Heribert Sasse macht als Wiener Polizeichef Spion David Novotný das Leben schwer. Bild: © Thimfilm

Johannes Zeiler. Bild: © Thimfilm

Und am Ende verweht der Wien die verfängliche Akte Zilk mit dem Wienfluss auf und davon. Bild: © Thimfilm

Doch nicht nur Zeiler und Hádek agieren fantastisch. Eva Spreitzhofer ist eine wunderbar zickige Helga, David Novotný ein sinistrer Geheimagent Nahodil, Michael Fuith ein ob des zweimaligen Sinneswandels seines Chefs ratloser ORF-Mitarbeiter Popp. Er wird schließlich den Film-Fake der Russen erkennen und Zilks Entscheidung maßgeblich in die korrekte Richtung lenken. Zu Zilks Leuten gehört auch Polizeichef Fuchs, ein Freund, wie man ihn sich nur wünschen kann. Heribert Sasse gestaltet ihn ganz großartig als Kabinettstückchen eines Wiener Kiberers mit Herz und Hirn. Sein „Bist du so naiv oder ganz deppert?“-Satz zu Zilk ist gleichsam das Leitmotiv des Films. Er wird dem Helmerl nicht nur den A**llerwertesten retten, sondern ihm bleibt mit dem Austricksen Nahodils auch der Schlussgag vorbehalten.

Welch ein Film über Zeiten, als der Krieg zwar kalt, aber kommende Politiker heiß waren. In diesem Sinne ist „Deckname Holec“ ein Plädoyer für Zivilcourage auch in ausweglos erscheinenden Situationen. Oder wie Franz Novotny sagt: „Zur richtigen Zeit muss man das Richtige machen, vor allem, wenn man zuerst das Falsche gemacht hat.“ Dann wird auch aus dem Agent in eigener Sache ein bedeutender Ombudsmann. Dafür einen Smiley.

Franz Novotny und Johannes Zeiler im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=21047

Trailer: www.youtube.com/watch?v=F0rHupmFA0Y

www.decknameholec.at

Wien, 8. 7. 2016

Tobias Moretti als „Der Vampir auf der Couch“

Dezember 17, 2014 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Der Blutsauger lässt sich von Sigmund Freund psychoanalysieren

Karl Fischer als Sigmund Freud, Tobias Moretti als "Der Vampir auf der Couch" Bild: © Thimfilm

Karl Fischer als Sigmund Freud, Tobias Moretti als „Der Vampir auf der Couch“
Bild: © Thimfilm

Am 19. Dezember startet in den heimischen Kinos die Komödie „Der Vampir auf der Couch“. Inhalt: Wien, Anfang der 30er-Jahre: Eines Nachts findet sich ein neuer Patient auf Sigmund Freuds Couch ein – ein geheimnisvoller Graf, der die „endlos“ andauernde Beziehung mit seiner Frau nicht mehr erträgt. Sie sei eitel, sie nerve, er hasse sie einfach. Ständig wolle sie von ihm Komplimente hören, wolle ihre Schönheit bestätigt wissen – denn sie könne sich nicht im Spiegel betrachten.  Freud, der nicht ahnt, dass es sich bei Graf und Gräfin um Vampire handelt, weiß gleich eine – vermeintliche – Lösung: Was der Spiegel nicht vermag, kann vielleicht auf einem Bild festgehalten werden. Und so gibt Freud seinem Patienten die Adresse des jungen Malers Viktor. Und tatsächlich, kaum ist der Graf vor dessen Wohnung, sind seine Lebensdürste auch wiedererweckt: Denn in Viktors Freundin, der hübschen Lucy, vermeint der Graf, seine vor Hunderten von Jahren verblichene Geliebte Nadila wiederzukennen. Mit ihr – oder der, für die er sie hält – könnte der Graf nun endlich wieder ein glückliches Dasein fristen. Wäre da nicht die Gräfin. Und Viktor. Und hätte Lucy nicht ihre eigene Vorstellung davon, wie sie ihr Leben gestalten will. Schnell spitzt sich die Situation zu – und endet in einem Ehestreit, bei dem selbst Freud nicht mehr weiß, wie ihm geschieht.

Eine bissige Vampirkomödie von David Ruehm („El Chicko – Der Verdacht“) mit pechschwarzem Witz, geschliffenen Dialogen und gar nicht blutleeren Charakteren, einem unsterblich komischen Tobias Moretti, einer furiosen Jeanette Hain, den Newcomern Cornelia Ivancan („CopStories“) und Dominic Oley. Die „Nebenrollen“ gewichtig besetzt mit David Bennent, Karl Fischer, Erni Mangold, Lars Rudolph und Anatole Taubman. Als schaurig-schöne nächtliche Kulissen dienten Schauplätze in Wien, Niederösterreich und Salzburg. Hinter der Kamera Bildgenie Martin Gschlacht. Eine Produktion von Novotny & Novotny und Hugo Film.

Interview mit David Ruehm:

„Der Vampir auf der Couch“ ist eine Vampirkomödie. Das Gruseln und das Lachen sind zwei elementare Charakteristika des Unterhaltungskinos. War Ihnen von Beginn an daran gelegen, beiden Komponenten gerecht zu werden?

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David Ruehm: Der Film hat ein bisschen was von beidem. Es ist weder ein aggressiver Vampirfilm noch eine schenkelklopfende Komödie, sondern eine sehr feine, zarte Komödie. Die Grundidee reicht in die Neunzigerjahre zurück. Ich sagte mir, Vampire müssen wohl ein Identitätsproblem haben, weil sie sich nicht sehen können. Jacques Lacan hat in den Dreißigerjahren die Spiegeltheorie aufgestellt, wonach der Mensch sich erst als Persönlichkeit wahrnimmt, wenn er sich im Spiegel erkennt. Mit dieser Theorie spiele ich auf humorvolle Art. Das Grundthema darunter ist das der Projektionen. Wer projiziert was in wen hinein? Was projiziert man in den Partner? Wie wünscht man sich den Partner? Wie sieht sich jemand, der sich nicht sehen kann?

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Protagonisten, die durch die Luft flattern, Horroreffekte und ähnliches ziehen auch die Frage der Machbarkeit nach sich. Wie sehr begleitet einen diese Frage durch den Schreibprozess?

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Ruehm: Natürlich schwingt immer die finanzielle Frage mit. Wir waren mit drei Millionen Euro ganz gut ausgestattet. Ein etwas höheres Budget hätte uns klarerweise einen größeren Rahmen geboten. Die Drehzeit war für so einen aufwendigen Film relativ knapp bemessen. Das Budget ist bei Effekten immer im Hinterkopf, aber natürlich will man auf sie nicht verzichten. In meinem Film spritzt das Blut ja nicht in großen Mengen, sondern wird eher für feine Effekte eingesetzt.

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War die Produktionsfirma dadurch bereits in der Drehbuchphase involviert?

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Ruehm: Die Novotny & Novotny Filmproduktion war sehr früh im Spiel, und Alex Glehr und Johanna Scherz haben eine wesentliche Rolle gespielt. Sie haben mir Robert Buchschwenter als dramaturgischen Berater zur Seite gestellt, mit dem ich sehr gut zusammengearbeitet habe. Wir alle haben das Buch immer wieder besprochen, umgekehrt war auch ich in die produktionstechnischen Fragen eingebunden.

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Auch wenn es kein brutaler Vampirfilm werden sollte, so spielte das Kreieren von Effekten gewiss eine Rolle: Wie sucht man nach ihnen? Wie baut man sie ein? Welche Grenze zieht man?

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Ruehm: Ich haben einen sehr eigenen Stil, was es mir in Österreich auch immer wieder schwierig gemacht hat, Filme zu realisieren. Sie sind genremäßig nicht einzuordnen. Ich denke, da kommt meine polnische Ader durch – ich bin ja als Kind in Polen aufgewachsen. Das ist in „Der Vampir auf der Couch“  so und auch in meinen anderen Spielfilmen, wie etwa in „Die Flucht“. Meine Gags sollen nicht nur Lacher erzeugen, sondern haben immer auch inhaltlich einen Sinn. Dem Helden passiert dadurch etwas Dramatisches, und es verändert ihn. Dass der Humor sehr subtil bleibt, ist mir ein großes Anliegen, ebenso wie ein eigenes Universum zu kreieren, in das der Zuschauer schön langsam hineingezogen wird. Ich habe eine künstliche Welt geschaffen und ganz bewusst die Statisten ausgespart. Auch wenn in den Straßen Wiens der Dreißigerjahre nachts nicht sehr viel los war, habe ich an einer bewussten Reduktion gearbeitet, die eine eigene Welt entstehen lässt, in der hauptsächlich die Protagonisten agieren.

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Mit welchen Quellen galt es, sich auseinanderzusetzen, um in die Epoche der Dreißigerjahre einzutauchen?

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Ruehm: Ich mag den Look der Dreißigerjahre sehr. Wenn man das Politische ausklammert, war es eine sehr schicke und schöne Zeit. Durch die Figur des Sigmund Freud konnte man das Geschehen auch nicht später ansiedeln. Wir haben bei der Ausstattung und den Kostümen sehr realistisch gearbeitet. Nur bei den Kostümen der Vampire habe ich mit der Kostümbildnerin Monika Buttinger beschlossen, dass wir uns eher eine Interpretation der Dreißigerjahre einfallen lassen und etwas Verrückteres machen. Der Film ist im Studio gedreht, und es war mir wichtig, dass die Studioatmosphäre erkennbar ist und der künstliche Aspekt dieser Welt sichtbar bleibt. Filme aus den Dreißigerjahren haben uns dabei sehr stark beeinflusst.

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Abgesehen vom optischen Stil der Dreißigerjahre spielten aber auch Dinge, wie der Emanzipationsprozess bei den Frauen, eine Rolle.

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Ruehm: Ja, absolut. In meinen Filmen sind die Frauenfiguren immer die stärkeren Charaktere. Die Männer haben entweder Angst oder Fantasien, die nichts mit der Realität zu tun haben. Die Gräfin ist eine sehr starke Person, ihre Stärke macht sie aber auch sehr einsam. Lucy ist am Beginn des Films die Gesündeste von allen. Sie ist mit sich und ihrem Aussehen zufrieden, endet allerdings am Schluss – „dank“ der Männer – mit einer Macke. Viktor ist in Ansätzen noch ein wenig pubertär und porträtiert seine Freundin nach seinen Vorstellungen, so, wie er sie gerne hätte. Der Graf und Vampir ist ein älterer Herr, der krampfhaft versucht, seine Jugendliebe wiederzubeleben – was natürlich schiefgeht und ihm am Ende den Verlust seiner Zähne und somit seiner Potenz beschert.

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„Wenn man einer Person alles verziehen hat, dann ist man mit ihr fertig“, so lautet das Motto, das zu Beginn des Films zu lesen ist. „Der Vampir auf der Couch“  tarnt sich als Genrefilm und erzählt letztlich von der Liebe oder besser gesagt von der Schwierigkeit, zueinanderzufinden oder über die Jahre hinweg den Zauber zu erhalten.

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Ruehm: Ganz genau. Dieses Zitat, das eingangs am Grabstein steht, ist ein Originalzitat von Sigmund Freud. Es sind sehr viele Dinge im Film sehr versteckt, die bewusst im Hintergrund gehalten werden. Niemand muss Freud oder Lacan gelesen haben, um sich unterhalten zu können. Wenn jemand will, kann er jedoch viele Zitate und versteckte Hinweise entdecken. Zum Beispiel die Schlaftabletten, die Freud nimmt, heißen „Träumwohl“ und sind 1900 abgelaufen. In diesem Jahr hat Freud seine Traumdeutung geschrieben. Mir hat vor allem das Spiel mit den Projektionen Spaß gemacht. Wer sieht wen wie, und wie verändert sich jemand, wenn etwas in ihn hineinprojiziert wird? Es gefällt mir, dass die Gräfin ernsthaft glaubt, Lucys Bildnis sei eigentlich ihr Porträt.

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Ein zweites Thema ist das Sehen. Was ist sichtbar – für einen selbst, für den anderen? Wie wird das Wesen des anderen sichtbar? Die Fähigkeit der Kunst, Dinge sichtbar zu machen, die sich der normalen Wahrnehmung entziehen …

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Ruehm: Was für mich im Vordergrund stand, war die Freude, mit den Figuren zu spielen, sie durcheinander zu mischen und zu schauen, was dabei herauskommt. In all meinen Filmen ist diese Kreisbewegung festzustellen – die Geschichte endet ähnlich, wie sie angefangen hat. Die Figuren haben zum Teil etwas dazugelernt, zum Teil aber auch gar nichts. Hier  ist es so, dass am Schluss alle eine Macke haben, aber so weitertun wie bisher.

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Der Maler im Film macht Dinge sichtbar, die andere nicht sehen können, er kann Fantasien eine konkrete Gestalt verleihen.

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Ruehm: Es handelt sich aber auch immer um seine Interpretation der Dinge. Ich mag den Moment sehr gerne, wenn er trotz seiner Begabung unfähig ist, die Gräfin zu malen – und stattdessen Lucy malt. Da werden so viele Ebenen sichtbar. Es zeigt, dass er doch für sie Gefühle hat, auch wenn er erneut sein Idealbild von ihr auf die Leinwand bringt. Die Gräfin, die sich nicht erkennen kann, hat etwas Unheimliches. Der Maler lernt auch etwas dazu, in dem Moment, wo sich am Ende die anfänglichen Dialoge zwischen ihm und Lucy umkehren und er Sätze zu ihr sagt, die sie am Anfang zu ihm gesagt hat. Es ist ein Zeichen, dass er sie nun so akzeptieren kann, wie sie ist und erscheinen will. Aber zu diesem Zeitpunkt hat sie ja leider schon ihre Macke, er ist also etwas spät dran.

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Sigmund Freud ist ein „Mythos“, seine Interpretation muss auch dem Blick der Fachwelt standhalten. Mit Ihrer Figur des Sigmund Freud versuchen Sie Klischeevorstellungen zu brechen und werfen einen sehr ironisierten Blick auf die Eminenz der Psychoanalyse. Wie haben Sie Ihre Sigmund-Freud-Figur geschaffen?

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Ruehm: Ich habe sehr viel zu Sigmund Freud recherchiert und gelesen und mich auch mit einem Trick gerettet. Von dem Zeitpunkt an, wo er die abgelaufenen Tabletten nimmt und selbst glaubt, nun Visionen zu haben, hatte ich die Freiheit, mit der Figur zu machen, was ich wollte. Es hat mir großen Spaß gemacht, dass er von der „nicht ganz ausgereiften Vampirin“ gebissen wird und so zum Schluss teilweise sein Spiegelbild und damit seine Identität verliert, sich als Analytiker sein Spiegelbild nun immer wieder aufs Neue holen muss.

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Fürs Casting brauchten sie zwei Paare, die zueinander passen. Wie fanden Sie ihre vier Hauptdarsteller?

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Ruehm: Wir haben sehr lange gecastet. Die Einzige, die sofort feststand, war Cornelia Ivancan für die Rolle der Lucy, auch wenn es ihre erste Hauptrolle in einem Spielfilm war. Nicht so leicht war es dagegen, die Gräfin zu besetzen. Jeanette Hain war bald meine Favoritin, und ich finde, ihr gelingt es wunderbar, die Gefährlichkeit, die Einsamkeit und die Tragik ihrer Figur zu verkörpern. Hinter ihren Blicken tut sich ein ganzes Universum auf. Wir haben vor Drehbeginn viel geprobt und auch gemeinsam Filme angeschaut. Wir hatten ein Storyboard für jede Einstellung. Unsere „millimetergenaue Arbeit“, wie es Tobias Moretti nannte, hat uns viel Vergnügen bereitet. Er ist mit einem Humor und einer Tragik in der Rolle des Grafen zu sehen, die man an ihm so noch nie auf der Leinwand gesehen hat. Es geht ja auch darum, dass er am Ende seine Würde komplett verliert. Der Graf mit seiner jahrhundertealten Geschichte ist am Ende nur noch ein armes Würstchen, das sich an diese alte Liebe klammert und schließlich zusammenbricht.

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Besondere Aufmerksamkeit und Sorgfalt scheinen auch den Nebenfiguren zu gelten: der Nachbarin, dem Koch, dem Diener.

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Ruehm: Eine Kette ist bekanntlich nur so stark, wie ihr schwächstes Glied. Mir fällt auf, dass Filme oft nur im oberen Bereich stark besetzt sind, und dann fällt die Qualität in den kleinen Rollen schnell sehr stark ab – und man wird aus der Intensität des Films geworfen. Da wir einen relativ kleinen Cast hatten, wollte ich auch die kleineren Rollen hochkarätig besetzen – mit Lars Rudolph, Erni Mangold …

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Die Dreharbeiten sind insofern historisch, als es die letzten waren, die in den Studios am Wiener Rosenhügel stattgefunden haben. Welche Filmsequenzen wurden in den Studios gedreht?

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Ruehm: Traurig, dass es in Wien nun keine Filmstudios mehr gibt. Es hat großen Spaß gemacht, dort eine Welt zu kreieren. Wir haben mit sehr viel Akribie das Atelier des Malers – sowohl von innen als auch von außen – aufgebaut. Darüber hinaus drehten wir dort noch die Szenen in den Räumen bei Freud, den Brunnen, die Innenaufnahmen im Auto, und wir machten dort alle Bluescreen-Shots für die Flugaufnahmen.

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Wo wurde das alte Haus gefunden?

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Ruehm: Im Zuge der Vorbereitungen bin ich wohl zum Schlossexperten geworden … Wir haben lange gesucht und schließlich dieses besondere Schloss in Wolfsthal bei Hainburg gefunden. Den Speisesaal haben wir in einen komplett leeren Raum im Schloss hineingebaut. Die aufwendige Vorbereitung hat sich als extrem wichtig erwiesen, weil wir es sonst nicht geschafft hätten, innerhalb von 32 Tagen den gesamten Dreh abzuwickeln. Wir haben dort nur in der Nacht gedreht. Wenn wir nach dem Dreh ins Hotel kamen und die Gäste sich dort zum Frühstück setzten, haben wir unser Drehschluss-Bier getrunken. Im Anschluss haben wir mit einem Tag Pause auf Tag-Dreh gewechselt. In den letzten Drehtagen hatten wir entsprechend so etwas wie einen Jetlag.

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Mit dem Dreh war’s noch lange nicht getan; wie hat sich die Postproduktion gestaltet? Was musste alles durch computergenerierte Bilder dargestellt werden?

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Ruehm: Das war in der Tat noch einmal eine sehr intensive Arbeitsphase, weil wir bei den Effekten genauso präzise arbeiten wollten. Da waren nicht nur die Bluescreen-Aufnahmen, wo man Hintergründe im Stil der Dreißigerjahre einfügen musste, sondern viele andere – wie die Augen der Gräfin, die schwarz werden, eine Stechmücke, die jemanden beißt, Holzpflöcke, die durch Körper getrieben werden, Vampire, die zu Staub zerfallen und so weiter. Teilweise hatten wir auch SFX-Effekte, die vor Ort am Set gedreht wurden, zum Beispiel wenn Blut aus einem herausgerissenen pumpenden Herzen spritzt oder wenn Blutspritzer auf einen pinkelnden Burschenschafter treffen. Da hatten wir drei Kostüme, also auch nur drei Gelegenheiten, es in den Kasten zu kriegen. Wenn es bis zum dritten Mal nicht geklappt hätte, wäre es vorbei gewesen. Wenn Lucy mit Viktor auf der Straße geht und plötzlich neben ihm in die Luft aufsteigt – das haben wir mit diffizilen Seilverspannungen am Originalschauplatz im ersten Bezirk gedreht. Es war für mich ein spannender Lernprozess. Mein großer Vorteil war, dass ich viel Erfahrung mit aufwendigen Einstellungen in der Werbung gesammelt habe. Die war eine gute Schule für diesen Film.

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Worin liegt für Sie als Filmemacher der Reiz beim Erschaffen dieser fantastischen Welten?

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Ruehm: Das bin ganz einfach ich. Wenn ich zu schreiben beginne, komme ich automatisch in eine ganz eigene Welt hinein, egal, mit welchem Stoff ich mich auseinandersetze. Ich bin ein großer Fan von Filmen von Buñuel oder Polanski, die auch in diese Richtung gehen. Wenn ich versuche, einen ernsten Film zu schreiben, kommt beim Schreiben unweigerlich Humor dazu. Das passiert ganz von selbst. Das kann ein Vorteil, aber auch ein Nachteil sein, weil es dann eben nicht mehr so einordenbar ist. Ein eigener Stil macht einen angreifbarer.

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http://kino.novotnyfilm.at/filme/0320-der-vampir-auf-der-couch

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=QDYXIIDbAQM

Wien, 17. 12. 2014

Neu im Kino: „Die Werkstürmer“

August 9, 2013 in Film

Das Leben ist ein Arbeitskampf

Bild: © David Ruehm / Thimfilm

Bild: © David Ruehm / Thimfilm

Ein charmantes Schlitzohr, eine aufmüpfige Gewerkschaftsanwältin und der steirische Erzberg: Hilde Dalik („Die Lottosieger“) und Michael Ostrowski („Die unabsichtliche Entführung der Frau Elfriede Ott“) geben sich einen romantischen Schlagabtausch in der temporeichsten Komödie des Sommers. – Seit 25. Juli im Kino.

Inhalt: Patrick Angerer (Ostrowski) hat keine Sorgen. Er arbeitet im örtlichen Stahlwerk und hat alles, was ihn glücklich macht: Stammtisch, Haberer und seinen Fußballverein. Nur die Freundin Babs (Dalik) ist abhanden gekommen, sie ist jetzt Gewerkschaftsanwältin im fernen Wien. Kompliziert wird Patricks Leben erst, als Babs ins Dorf zurückkommt und die Lohnverhandlungen im Werk führen soll. Da ist nämlich gar nichts mehr in Ordnung, seit ein Investmentkonzern übernommen hat. Jetzt muss Patrick zeigen, dass auch er für das kämpfen kann, was ihm wirklich wichtig ist – also vor allem für die Babs. Ein scharfzüngiges Pärchen, das Regisseur Andreas Schmied für seine Screwball-Comedy, mit großem Witz, viel politischem Gespür und noch mehr Action arrangiert hat.

„A working class hero is something to be

If you want to be a hero well just follow me“.

(John Lennon)

Interview mit den Hauptdarstellern Hilde Dalik und Michael Ostrowski:

Wie sehen Sie die Figuren, denen Sie beide Ihre Gesichter leihen? Wie funktionieren Patrick Angerer und Babs Brossmann? Welche Entwicklungen machen sie durch? Was mussten sie noch lernen?

Hilde Dalik: „I hob an Schritt gmocht in a Richtung, die dir net taugt hat, und des war’s mit uns. Du hast mi sitzen lassen, Patrick.“ sagt Babs zu Patrick. – Babs kommt zu Beginn des Films in ihr Heimatdorf zurück und findet im Laufe des Films ihre Wurzeln wieder. Sie hat sich von sich selbst entfernt und macht eine Reise, die sie, ob sie will oder nicht, wieder zu sich selbst zurückbringt. Babs lernt, dass sie sich weiterentwickeln kann, ohne, dass sie ihre Wurzeln abreißen muss.

Michael Ostrowski: Ich kann nicht genau sagen, wie der Patrick Angerer funktioniert. Ich hab das Drehbuch gelesen und gewusst, ich kann den gut spielen, weil ich ihn im Großen und Ganzen verstehe. Er redet so, dass ich weiß, was er meint (was sehr hilfreich ist, wenn man was spielen soll). Ich erkenne die meisten seiner Handlungsmotive und finde nachvollziehbar, was er tut oder in seiner Vergangenheit getan hat. Aber es gibt auch Dinge, die ich nicht weiß. Ich glaube, ich nähere mich einer Figur aus zwei Richtungen gleichzeitig: aus einer oberflächlichen (wie schaut er aus, was hat er an, wie schaut sein Bart aus, hat er vielleicht ein Flinserl etc). Das ist genauso wichtig wie die andere Richtung, die von innen heraus kommt. D.h., ich muss ihn zum größten Teil verstehen und nachvollziehen können, warum er was macht. Ich muss also seine Charakterlichkeit annehmen und versuchen so zu handeln, wie es für die Figur richtig und logisch ist. Und jetzt kommen wir wieder zu den Dingen, die ich nicht genau weiß. Das sind jene Sachen, auf die man draufkommt, während man spielt. Diese Dinge kann man sich nicht überlegen, die kann man nur finden oder man stolpert drüber. Das sind vielleicht die interessantesten Momente beim Schauspielen, und oft ist es einem selber gar nicht bewusst. Ich glaube, die lässigen Rollen haben immer mit einem selbst zu tun und bringen Dinge zutage, derer man sich nur bedingt bewusst war. Diese Rolle ist zu  mir geflogen gekommen wie das Vogerl, das sich auf den Fuß setzt, aber der Gruß war nicht von der Mutter, sondern vom Andreas Schmied. Danke schön.

Das Drehbuch der „Werkstürmer“ kam nicht nur bei Novotny und Glehr gut an, sondern eroberte auch bei den Förderanstalten die Herzen. Was macht den unverwechselbaren Charme von „Die Werkstürmer“ aus?

Hilde Dalik: Der Film lebt unter anderem von den vielen Figuren, die ihre Stärken und Schwächen haben. Man mag sie sofort, meint, sie schon lange zu kennen.

Michael Ostrowski: Und: Der Film beschreibt ein für Österreich neues Genre. Arbeiter-Drama trifft auf Komödie, ein bisserl romantisch ist es auch noch. Es ist im besten Sinne kommerziell, das heißt es holt sein Publikum gut ab, man kann sich identifizieren und mit den Figuren mitleben und mitempfinden. Das gefällt den Kommissionen sicher gut. Außerdem funktionieren die Dialoge, sie wirken nicht papierern, auch das ist selten. Aber abseits vom Drehbuch war der Formwille des Regisseurs sehr stark, Licht und Kamera sind absolut wichtig und wurden in der Vorbereitung sehr stark miteinbezogen, es gab ein Farbkonzept, vor allem bei Kostümen und der Ausstattung. Das hebt diesen Film meiner Ansicht nach stark von anderen Kinoproduktionen ab, die einfach abfilmen, was passiert – was bei Charlie Chaplin super ist, aber sonst filmisch eher langweilig. Hier wurden Kinobilder gebaut und nicht nur talking heads abgefilmt (und damit meine ich nicht die Band!).

„Die Werkstürmer“ thematisiert Existenzängste, Wirtschaftsrückgang, Ersatzarbeiter, Venture-Unternehmen, … Ihr Metier ist auch nicht das Sicherste, obwohl Sie beide sehr gut im Geschäft sind. Sind die Themen des Filmes trotzdem auch Themen, die Sie beschäftigen und betreffen?

Hilde Dalik: Ich persönlich versuche meinen Ängsten nicht allzu viel Raum zu geben. Das Thema des Films ist natürlich sehr aktuell.

Michael Ostrowski: Als Künstler lebt man meistens unsicher. Nur wenige haben irgendeine fixe Anstellung bzw. wissen wirklich, wie’s im Leben und in der Arbeit weitergeht, insofern beschäftigt mich das Thema natürlich. Aber gleichzeitig hat man den Luxus, gesellschaftspolitisch relevante Themen künstlerisch zu behandeln. In unserem Fall sind wir sogar auch noch dafür bezahlt worden, das ist schon einmal nicht schlecht. Eine offene Gesellschaft sollte sich diesen Luxus auch leisten, weil wir in einer künstlerischen Arbeit ein anderes Licht auf die Dinge werfen können. Ich kann wirtschaftspolitische Themen anhand konkreter Schicksale greifbar machen. Das kann auch der Journalismus, aber in einem Buch oder einem Film findet oft eine Identifikation des Zusehers mit den Figuren statt, deshalb bleibt uns auch der vom Hauptmann geschundene Woyzeck von Klaus Kinski/Werner Herzog stärker in Erinnerung als ein Artikel, den wir einmal über Erniedrigungen in der Armee gelesen haben.

Schon mal eine menschliche Blockade vor einer Einfahrt gegeben? Gestreikt? Im Sitzen, Stehen, lauthals, leise? – Wie stufen Sie Ihr revolutionäres, kämpferisches Potential ein?

Hilde Dalik: Ich habe einmal in der Schule gestreikt, als unser Herr Direktor ein öffentliches Kussverbot ausgesprochen hat.

Michael Ostrowski: Ich habe in der Schulzeit einmal in Liezen eine Demonstration organisiert gegen den illegalen Verkauf der Noricum-Kanonen ins Ausland. Ich war damals Schulsprecher, und es war für uns das Richtige. Unsere Chemielehrerin hat gemeint, natürlich gehören diese Waffen verkauft, wenn sie schon einmal produziert wurden. Wir haben damals nicht verstanden, wie man so denken kann. Heute seh’ ich die Dinge wieder differenzierter. Aber das Lustige ist, dass das jene Fabrik war, in der wir die Innenaufnahmen des Stahlwerks gedreht haben (Maschinenfabrik Liezen, vormals Noricum). Und tatsächlich ist es schöner, wenn dort keine Kanonen zum Umbringen gefertigt werden, sondern irgendwelche Schrauben oder Turbinenteile oder Drähte. Ich hab auch einmal die Ennsauen besetzt, als geplant war eine Autobahn durch diese Naturschutzgebiete zu bauen. Das freut mich heute noch, dass diese Straße damals verhindert wurde.

Über dem Kopf des gemütlichen Patrick kreist die Frage: „Wie willst du sie zurückgewinnen, wenn du nicht um sie kämpfst? Du ziehst immer den Schwanz ein, wenn’s ernst wird.“ – Was ist es, wofür Sie kämpfen (würdet)? Was lässt Sie Ihre Stimmen erheben?

Hilde Dalik: Dafür, dass Flüchtlinge besser behandelt werden. Dass alle Asylwerber, unabhängig vom Rechtsstatus, solange sie in Österreich sind, eine Grundversorgung erhalten. Dass sie frei über ihren Aufenthaltsort entscheiden können und dass es keine Transfers gegen den Willen der davon Betroffenen gibt. Dass Asylwerber einen Zugang zum Arbeitsmarkt, zu Bildungsinstitutionen und Sozialversicherung haben. Und dass alle Abschiebungen nach Ungarn – und andere Abschiebungen nach Dublin-II-Verordnung – gestoppt werden! Dass sozioökonomische Fluchtmotive anerkannt werden! Es wäre auch wichtig, eine unabhängige Instanz einzurichten, die negativ beschiedene Asylverfahren inhaltlich überprüft …

Michael Ostrowski: Ich finde Ungerechtigkeiten schwer zu ertragen. Warum sollen manche Menschen vom Recht auf Nahrung ausgenommen sein? Vom Recht auf freie Meinungsäußerung? Warum gibt’s so unglaubliche Armut – und daneben so unermesslichen Reichtum? Ich glaube an eine gesellschaftliche Verantwortung jenen Menschen gegenüber, die Hilfe brauchen. So einfach ist das. Und ich wehre mich gegen eine grassierende Biederkeit, die gerne alles erklärbar machen will in der Kunst und alle Ausrisse aus der scheinbaren Normalität zurechtbiegen will. Eine gut gemeinte Unverbindlichkeit, die nichts mehr riskiert.

Michael Ostrowski ist recht viel im Fußballtrikot zu sehen – Fußball in der steirischen Provinz spielte in Ihrer Filmographie schon mal eine große Rolle: in „Making of Futbol“. Ja, welche Rolle spielt Fußball denn? Kann Fußball die Welt retten?

Michael Ostrowski: Fußball ist auf jeden Fall besser als kein Fußball. Es ist super zu spielen, es ist meistens spannend anzuschauen, und es ist ein Teamsport, was wiederum nicht schlecht ist, weil man dabei nicht nur sich selbst, sondern auch viele unterschiedliche Leute (aus den unterschiedlichsten Gesellschaftsschichten) kennenlernt.

Welche „ersten Male“ brachte der Dreh für Sie? Was haben Sie in den Vorbereitungen gelernt?

Hilde Dalik: Ich hab zum ersten Mal in einem Film Steirisch gesprochen. Das ist nicht meine Muttersprache, also hab ich einen Sprachcoach engagiert, der mir den Dialekt beigebracht hat. Der Auftrag vom Regisseur war: „nicht böllen, sondern Stoasteirisch.“ Ich musste viel Kernöl trinken, dann ging’s wie geschmiert.

Michael Ostrowski ist mit der steirischen Provinz vertraut – wie sieht das für Sie aus, Frau Dalik? Gab es Berührungspunkte zum Ort? Unterscheidet sich das Miteinander am Land vom städtischen?

Hilde Dalik: Ich war vor dem Dreh noch nie in Eisenerz und hab gehört, wie rau das Klima in vielen Bereichen sein soll. Vorgefunden hab ich dann Herzlichkeit, Wärme und Sonnenschein, die ihresgleichen suchen. – Und eine märchenhafte Landschaft wie aus „Herr der Ringe“ (und ich meine nicht Mordor!)

Michael Ostrowski: Ja, Land und Stadt sind unterschiedlich. Es gibt am Land andere Gesetze, weil man einander kennt, weiß, woher der andere kommt, wo er wohnt und wer seine Oma ist. Das Thema des Miteinander am Land war schon in Helmut Köppings Film „Kotsch“ (2005) zentral. Der Drehbuchautor Gregor Stadlober kommt aus Fohnsdorf, wo Kotsch spielt, ebenso wie Andreas Schmied. Beide Stoffe verbindet, dass die Industrie langsam verschwindet und die Menschen oft ohne Arbeit zurückbleiben; die Kleinstädte verändern sich, aus dicht besiedelten Industriegebieten werden oft etwas triste Ex-Industriestädte mit großem Einwohnerschwund. In „Kotsch“ schaffen die jungen Protagonisten den Absprung nicht recht. Meine Figur Chris, ein durch sich selbst verhinderter Anti-Künstler, sagt den schönen Satz: „Glaubst i geh nach Wien und lass mi entdecken?!“ Bei den „Werkstürmern“ ist es Patrick, der zwischen den Stühlen sitzt: Er will nicht nach Wien (und gibt dadurch seine Beziehung zu Babs auf), er ist vielleicht stärker in seiner Gemeinschaft verwurzelt als er das sich selber eingesteht. Babs entdeckt dafür ihre Wurzeln wieder neu, als sie zurückkommt und mit der ihr vertrauten Gemeinschaft zu kämpfen beginnt.

Zum Titel „Die Werkstürmer“: Wer sind die eigentlichen „Werkstürmer“? – Die, die aus dem Familienbetrieb etwas Internationaleres basteln wollten? Die, die es aus der Ferne lenken und über seine Zukunft erscheinen wollen? Die, die dort schon immer gearbeitet haben und sich „ihr“ Werk nicht nehmen lassen wollen und es nun verteidigen?

Hilde Dalik: Die Werkstürmer sind die, die sich ihr Werk nicht nehmen lassen wollen. Die Arbeiter, die im Stahlwerk Schweiß und Herzblut lassen. Und die vom FC Falkendorf, da gibt’s allerdings neben den Werkstürmern auch Werkverteidiger und einen Werktormann.

Der bleibende Moment während des Drehs?

Hilde Dalik: Eine sehr lange Kette von glücklichen Momenten hat sich in mein Eisenherz geschweißt!

Michael Ostrowski: Legendäre Tischtennis-Turniere im Keller des Präbichlerhofs! („Die Fritzl-Keller-Open“, wie wir sie liebevoll genannt haben …)

www.diewerkstuermer.at

Trailer: www.youtube.com/watch?v=OHPuWPqFLdQ

Von Michaela Mottinger

Wien, 25. 7. 2013