Green Book – Eine besondere Freundschaft

Januar 31, 2019 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Aufs Klo gehen darf der Klavierstar nicht

Don Shirley (Mahershala Ali) und Tony Lip (Viggo Mortensen) begeben sich auf einen Roadtrip durch die Südstaaten der USA. Bild: © 2019 eOne Germany

Die Atmosphäre ist freudige Erwartung. Die Geschmeide der Damen funkeln mit dem Whiskey in den Gläsern um die Wette. Immerhin ist ein Klavierstar aus New York angereist, um hier in den Südstaaten aufzutreten, man hat ihn auch schon höflichst bewillkommnet, hat sogar seine – schwarze – Hand geschüttelt. Lästig nur, dass der Virtuose vor seinem Auftritt noch die Toilette benutzen möchte, und das geht auf der „für Weiße“ im Haus natürlich gar nicht.

Weil nun aber der Pianist das Plumpsklo im Freien ablehnt, bleibt nur eine Lösung: Die illustre Gesellschaft nimmt einen verspäteten Konzertbeginn in Kauf, damit ihr Gast den stillen Ort in seinem „Neger-Motel“ aufsuchen kann. Fahrtzeit tour-retour – vierzig Minuten … Mit solch durchaus tragikomischen Situationen beschreibt Regisseur Peter Farrelly in seinem Film „Green Book – Eine besondere Freundschaft“ die gefährliche Tournee durch den segregierten Süden der USA, die Weltklassemusiker Don Shirley im Jahr 1962 unternahm. Die Geschichte basiert auf einer wahren und wurde von Nick Vallelonga, dem ältesten Sohn von Tony „Lip“ Vallelonga aufgezeichnet. Tony ist der Mann, den Don Shirley als Chauffeur und bald auch Bodyguard für seine Reise anheuerte. Am Freitag startet das für fünf Oscars nominierte Roadmovie in den Kinos, und um dies vorwegzunehmen: Don Shirley und Tony Lip blieben nach ihrem Trip ein Leben lang Freunde.

Viggo Mortensen und Mahershala Ali, beide Academy Awards Nominees, spielen die ungleichen Reisegefährten. Den italoamerikanischen Rausschmeißer, für den sich Mortensen einen üppigen Pasta-und-Bier-Bauch angefuttert hat, und den blasierten Kulturaristokraten, der keinen Zweifel an seiner bildungsbürgerlichen Überlegenheit lässt. Schon die erste Begegnung zwischen ihnen ist vom Feinsten. Tony, der „Lip“ genannt wird, weil er Menschen zu allem, was er will, überreden kann, braucht einen Übergangsjob für jene zwei Monate, in denen der Nachtclub, in dem er als Türsteher arbeitet, geschlossen hat. Doch als er sich bei Dr. Shirley, zu seiner Verwunderung kein Mediziner, sondern Künstler, als Fahrer bewirbt, thront dieser in seinem mit afrikanischer Kunst vollgestopfen Luxusappartement in einem güldenen Herrschersessel. Eine erhabene Position, die ein Von-oben-Herab eindrucksvoll ermöglicht.

Ein ungewöhnliches Bewerbungsgespräch: Viggo Mortensen und  Mahershala Ali. Bild: © 2019 eOne Germany

Kurz vor seinem Auftritt ist es Don (Mahershala Ali mit Viggo Mortensen) nicht erlaubt, im Countryclub zu essen. Bild: © 2019 eOne Germany

Tony (Viggo Mortensen) schreibt seiner Frau – und bekommt von Don (Mahershala Ali) Unterstützung. Bild: © 2019 eOne Germany

Hie Mafiamilieu, dort Konzertsaalstimmung, Polyesterhemd vs Seidenkaftan, ein schlaues Schlitzohr von der Straße in Kombination mit einem verkrampften Schöngeist – besser kann ein Buddyfilm gar nicht beginnen. Klar, dass sich Tony von Don Shirleys Attitüde nicht einschüchtern lässt, eine erste Szene führt ihn ein, wie er Wassergläser, aus denen zwei schwarze Handwerker, die in seiner Wohnung Reparaturen erledigen, getrunken haben, in den Mistkübel wirft. Ebenso klar, dass aus der Zweckgemeinschaft von Alltagsrassist und Ausnahmekünstler unterwegs mehr wird.

Was „Green Book“ über die Klischeehaftigkeit dieser Konstruktion erhebt, ist nicht nur die doppelbödige Ironie des Drehbuchs von Nick Vallelonga und Peter Farrelly, sondern sind vor allem die Darsteller, die aufs Wunderbarste kontrastieren. Mortensens Tony Lip ist eine massive Erscheinung, ein einfaches Gemüt mit einem explosiven Temperament, ein Macho aus einer von Männern dominierten Welt. Charakterzüge, die Mortensen mit verschmitztem Humor und einer so gehörigen Portion Menschlichkeit ausgleicht, dass man Tony die Wasserglas-Sache schnell verzeiht.

Da wird sich einer im anfänglichen Zweikampf von Klasse gegen Rasse bald als lernfähig erweisen und beginnen, aufgezwungene Unterschiede zu hinterfragen. Denn was dem Gegensatzpaar im Jim-Crow-Land zustößt, obwohl man sich peinlich genau an die Empfehlungen des filmtitelgebenden „Negro Motorist Green-Book“ hält, einem Reiseführer, in dem für afroamerikanische Autofahrer aufgelistet ist, in welchen Quartieren und Geschäften sie als Kunden akzeptiert werden, regt Tony zum Nachdenken an.

Er erlebt seinen Brötchengeber als Ehrengast in erlesensten Kreisen, bei seinen Auftritten bejubelt und gefeiert, und doch lässt man ihn in heruntergekommenen Herbergen „for colored only“ absteigen, während Tony in chicen Weißen-Hotels wohnt. Mal sehen sich Don und Tony von schwarzen Feldarbeitern bestaunt, der dunkle Gentleman mit dem hellhäutigen Bediensteten, mal muss Tony Don vor einer Prügelei in einer Dixieland-Bar retten. Er erfährt an „Bimbo“ Dons Seite Polizeiwillkür. Dons hohe Gagen zahlende Gastgeber erklären jovial, sie hätten „ihre Neger“ befragt, was der Nordstaaten-Schwarze wohl essen möge, und servieren die „Nigger-Leibspeise“ Fried Chicken. In einem Countryclub für betuchte Weiße soll Don zwar spielen, doch im Restaurant zu speisen, wird ihm untersagt. Was Tony erstmals zum Ausrasten bringt …

Mahershala Ali gestaltet die Rolle des stets einsamen, stets ein wenig traurigen, viel zu viel Alkohol trinkenden Don feinnervig und sensibel. Er weist dessen betonte Stiff-upper-Lip-Fassade als notwendigen Panzer gegen alle Anfeindungen von außen aus, gegen seine Hautfarbe, gegen seine Bildung, gegen seine Homosexualität. Auch derentwegen verprügelt und von Haudrauf Tony wieder einmal – im Wortsinn – rausgeboxt, bricht sich Dons Identitätskrise Bahn: „Wenn ich nicht schwarz genug bin und nicht weiß genug bin, wenn ich nicht Mann genug bin, dann sag mir doch, Tony: Was bin ich?“

Don Shirley (Mahershala Ali) hat Spaß bei einem spontanen Auftritt mit der Jazz-Band in einer Cajun Kitchen. Bild: © 2019 eOne Germany

Es ist ein Allgemeinplatz zu sagen, dass Menschen, wenn sie einander erst kennenlernen, feststellen, dass sie gar nicht so verschieden sind. Trotzdem ist es berührend Mortensen und Ali dabei zuzusehen, wie sie Tony und Don mit ihren jeweiligen Vorurteilen kämpfen lassen, und auch erheiternd, wenn die beiden beginnen, den Horizont des anderen zu erweitern. Tony, indem er Don via Autoradio mit der Musik von „seinen Leuten“, Aretha Franklin, Little Richard, Sam Cooke, bekannt macht.

Don, indem er Tony hilft, romantische Briefe an die Ehefrau zu formulieren. Am Ende wird der eine sich für die so genannte Hochkultur begeistern, und der andere sich im Frack, da sind sie gerade aus dem Countryclub geflogen, in einer Cajun Kitchen ans Piano setzen – und glückseligst mit der Band jammen. In einem Herrschaftshaus in Louisville, Kentucky, fragt Tony einen Cellisten, warum sich Don diese unheilvolle, für ihn finanziell gar nicht notwendige Tour de Force eigentlich antut, und der antwortet: „Um die Einstellung der Menschen zu ändern, und dafür braucht man Courage.“

www.foxfilm.at/green-book

Buchtipp zu „Green Book“, Rezension – Matt Ruff: „Lovecraft Country“: www.mottingers-meinung.at/?p=31095

  1. 1. 2019

Juliet, Naked

Januar 2, 2019 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Von Fans und ihren Verrücktheiten

Annie und Tucker Crowe sind sich auf Anhieb sympathisch: Rose Byrne und Ethan Hawke. Bild: © 2008 – 2018 Prokino Filmverleih GmbH

Eine supersympathische Romantic Comedy ist Regisseur Jesse Peretz mit der Verfilmung von Nick Hornbys Roman „Juliet, Naked“ geglückt, der am 21. 12. in den Kinos startet. Der subtilen Leinwandadaption des britischen Bestsellers gelingt 1:1, was die Vorlage schon konnte: Fans und ihre Verrücktheiten einerseits ernst zu nehmen, andererseits sachte über sie zu schmunzeln. Hornby tut im 2010 erschienen Buch, was er am besten kann.

Nämlich über Musik und die Liebe und die Überraschungen des Lebens zu schreiben, und nun war’s an dem wunderbar wandelbaren Ethan Hawke dies im Film umzusetzen. Eine Übung, die ihm fantastisch gelungen ist. Bevor Hawke allerdings auf der Bildfläche erscheint, beginnt die Geschichte mit dem Paar Annie und Duncan, sie Leiterin des örtlichen Museums im englischen Küstenstädtchen Sandcliff, er Collegeprofessor, beide rund um die 40 und beider Beziehung mit der Zeit leidenschaftslos geworden. Duncans ganze Liebe gilt seinem Idol, dem amerikanischen Singer-Songwriter Tucker Crowe. Dem er im Keller des Hauses nicht nur einen Schrein aus Plakaten, Platten und Fotografien errichtet hat, sondern über den er auch eine Webseite führt, auf der er für ebenfalls Tucker-Besessene Textanalysen und Verschwörungstheorien verbreitet.

Denn Tucker ist seit 25 Jahren verschwunden, mitten in einem Gig, und ward seither nicht mehr gesehen. Hinterlassen hat er der Nachwelt aber ein Album, „Juliet“, in dem er eine zerbrochene Liebe beklagt. Da fällt Duncan, angelehnt an die Beatles-Aufnahme „Let It Be … Naked“, dessen Originalversion „Juliet, Naked“ in die Hände. Die Folge: Hysterie und eine hymnische Besprechung. Einzig Annie, genervt von der Tatsache, dass ihr Lebensgefährte mehr mit Tucker als mit ihr zusammenlebt, wagt den Widerspruch und veröffentlicht auf Duncans Webseite einen Verriss. Wenig später erhält sie eine E-Mail, die ihre Meinung bis ins Detail bestätigt – ein Schreiben von Tucker Crowe höchstpersönlich …

Duncans Tucker-Crowe-Schrein: Chris O’Dowd und Rose Byrne. Bild: © 2008 – 2018 Prokino Filmverleih GmbH

Tucker mit Sohn auf dem Weg nach Großbritannien: Ethan Hawke und Azhy Robertson. Bild: © 2008 – 2018 Prokino Filmverleih GmbH

Ethan Hawke überzeugt mit seiner Darstellung eines abgehalfterten Alternative Rockers, der in Albany bei seiner letzten Ex-Frau und mit dem einzigen seiner Kinder, das noch mit ihm spricht, die Tage vertrödelt. Duncans mythenumwobener Star ist ein an seiner Musikkarriere gescheiterter Ex-Junkie, von Alkohol und Drogen gezeichnet, dessen positivste Seite ist, dass er sich immerhin hingebungsvoll um seinen kleinen Sohn Jackson – Azhy Robertson mit einer hinreißenden Performance – kümmert. Rose Byrne spielt die Annie hart an der Verbitterung, empathisch und unsicher, im Job unterfordert, und immer auf Fehlersuche bei sich selbst.

Chris O’Dowd ist als Duncan erst ein liebenswerter Spinner, wenn auch ein wenig großsprecherisch und überheblich, bevor er sich Plot-gerecht zum Fremdgeher entwickeln muss. Aus der virtuellen Brieffreundschaft von Annie und Tucker wird nämlich mehr. Als seine in London lebende Tochter Lizzie ausgerechnet von einem mittellosen Musiker schwanger wird, fliegen Tucker und Jackson zu ihr, und daraus ergibt sich auch eine Begegnung mit Annie – und natürlich mit Duncan. Es folgen großartige Szenen in der Auseinandersetzung von Tucker und Duncan.

Wie parallel werden hier zwei Leben erzählt, wird davon erzählt, was einer hat und nicht wertzuschätzen weiß, was ein anderer schmerzlich vermisst, heißt: hier Liebe, da Talent. Während also Tucker, der alle Spekulationen über sein Leben beiseite wischt, nein, er sei weder Schafzüchter geworden, noch mit einer schwedischen Prinzessin im Bett gewesen, seine Musik als Mist abtut, und Duncan sie mit aller Kraft verteidigt, erfährt Tucker sein Werk erstmals durch die Augen eines anderen gesehen, und der ist nicht bereit, sich desillusionieren zu lassen. Und auch Jackson entdeckt seinen Vater neu. Bei einer Ausstellungseröffnung in Annies Museum wird Tucker vom Bürgermeister zu einem Auftritt gezwungen – und sitzt seit Ewigkeiten wieder einmal an einem Klavier. Zwar sagt er „Das Leben hat keine Rewind-Taste“, doch wird ihn das Ende, das selbstverständlich happy ist, bald eines besseren belehren.

Zum ersten Mal seit Jahren macht Tucker wieder Musik: Ethan Hawke. Bild: © 2008 – 2018 Prokino Filmverleih GmbH

„Juliet, Naked“ besticht nicht nur durch die warmherzige Spielweise seiner Protagonisten, die Hornbys schräge Charaktere perfekt umsetzen, nicht nur durch skurrilen Witz und pointierte Dialoge, sondern auch durch den einschmeichlerischen Soundtrack von Nathan Larson. Vor allem aber handelt „Juliet, Naked“ auch von Annies Emanzipation. Sie, die so lange unter ihren Möglichkeiten blieb, weil sie Begabungen und Neigungen nicht auszuleben wagte, wird durch die Begegnung mit Tucker endlich Mut bekommen – und in ein neues Leben aufbrechen.

www.juliet-naked.de

  1. 12. 2018

Das La MaMa Theatre New York spielt bei Art Carnuntum

Juni 20, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Piero Bordin holt sich Ellen Stewarts legendäre Truppe

Marko Mandic als Pylades, umringt vom Ensemble. Bild: Theo Cote

Marko Mandic als Pylades, umringt vom Ensemble. Bild: Theo Cote

Es ist wohl nicht übertrieben, Folgendes als Sensation zu bezeichnen: Piero Bordin, Gründer und Intendant des Art Carnuntum Welttheater- festivals, hat das La MaMa Theatre New York einmal mehr zu einem Gastspiel nach Nieder- österreich eingeladen. Bereits zum siebenten Mal wird Ellen Stewarts legendäre Truppe damit im römischen Amphitheater Petronell-Carnuntum auftreten.

Allerdings zum ersten Mal nach dem Tod der berühmten Schöpferin. Theaterikone Stewart verstarb 2011 im Alter von 92 Jahren, nun führt Mia Yoo das La MaMa in ihrem Sinne weiter. Am 17. Juli zeigt sie bei Art Carnuntum „Pylades“ von Pier Paolo Pasolini nach Aischylos, in der Inszenierung der kroatischen Regisseurin Ivica Buljan und mit der Originalbesetzung aus New York. Protagonist ist der vielfach ausgezeichnete Film- und Theaterschauspieler Marko Mandic. Mit ihm spielen Perry Yung, Chris Wild, Cary Gant, Eugene the Poogene, Maura Donahue, Valois Mickens, John Gutierrez, und Tunde Sho den Orestes. Mia Yoo selbst ist als Elektra zu sehen. Pylades ist in der griechischen Mythologie der Neffe des Agamemnon. Er ist der treue Gefährte und Freund des jungen Orestes, mit dem er zusammen aufwächst; später heiratet er dessen Schwester Elektra.

Dass Pasolini, der nie ein braves, didaktisches Theater anstrebte, sondern immer ein Theater des Skandals, die griechische Saga auf sich und für seine Zwecke ummünzte, versteht sich. Das Ende des „Pylades“-Drama liest sich wie ein Epitaph auf seinen gewaltsamen Tod: „Die Sonne geht auf über diesem erniedrigten Leib. Geh du! Geh in die alte Stadt, deren neue Geschichte ich nicht kennen will. Warum Schande und Ungewissheit fürchten? Vernunft, sei verflucht, und wer auch deine Gottheit ist, und jede Gottheit.“ Die US-Theaterkritiker jedenfalls waren von der Interpretation des Stücks durch das La MaMa so begeistert, dass sie sie nach ihrer Premiere im Dezember 2015 zur Inszenierung der Saison kürten.

Die Aufführung ist für Zuschauer ab 16 Jahren geeignet. Oder wie das La MaMa auf seiner Webseite schreibt: „Please note: this is a very physical performance and while there is no audience participation, the audience is very close to the action.“ Mehr zur Produktion, Videos und Pressestimmen: lamama.org/pylade/

Mia Yoo als Elektra und Marko Mandic als Pylades. Bild: Theo Cote

Mia Yoo als Elektra und Marko Mandic. Bild: Theo Cote

Mit "Orestes" Tunde Sho. Bild: Theo Cote

Mit „Orestes“ Tunde Sho. Bild: Theo Cote

Am 4. August gibt es ein Wiedersehen mit Shakespeare’s Globe Theatre aus London. Nach dem fulminanten „Hamlet“ im April (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=19057) zeigen die Briten nun „The Two Gentlemen of Verona“ aus der Feder ihres Barden. In der Inszenierung von Nick Bagnall präsentiert das exzellente Ensemble mit viel Musik, Liedern, Romantik und Chaos diese zügellose Neuproduktion und katapultiert so Shakespeares anarchische Komödie in die heutige Zeit.

Für den 27. August hat Piero Bordin selbst einen Text verfasst. „The Summit / Der Gipfel“ oder  „Die Tetrarchen: 4 Kaiser – ein Imperium“ heißt sein Stück, das im Amphitheater in seiner Regie uraufgeführt wird. Gegeben wird eine theatralische Zeitreise durch 1700 Jahre Weltgeschichte. Zu einem Ereignis, welches die Welt veränderte und bis heute prägt, nämlich einem Gipfeltreffen der Mächtigen der damaligen Welt und die dabei erfolgte Neuregelung der Herrschaft über das gesamte Römische Imperium. Und dies am historischen Originalschauplatz: in Carnuntum. Die hier entstandene Machtaufteilung führte innerhalb kürzester Zeit zu einem unglaublichen Wandel: zum Ende der Christenverfolgungen und zur Religionsfreiheit. Bordin erkannte diese Zusammenhänge und fasste sie bereits in seinem mehrjährigen internationalen kulturhistorischen Projekt “Die Kaiser von Carnuntum” zusammen. 2014 gab es dafür von der Europäischen Kommission das erste “Europäische Kulturerbe-Siegel”, nun wird Bordin seine Forschungsergebnisse für die Bühne einrichten. Man darf gespannt sein …

www.artcarnuntum.at

Wien, 20. 6. 2016

Schauspielhaus Wien neu: Jesse Inman im Gespräch

Februar 12, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein prüder Brite spielt Nick Hornbys „Nipple Jesus“

Jesse Inman Bild: Matthias Heschl

Jesse Inman
Bild: Matthias Heschl

Mit Nick Hornbys Monolog „Nipple Jesus“ erweitert das Schauspielhaus sein englischsprachiges Programm. Jesse Inman, gebürtiger Brite und im Spätsommer mit Tomas Schweigen nach Wien gekommen (mehr: www.schauspielhaus.at/team/jesse_inman), spielt ab 18. Februar im Nachbarhaus einen Türsteher, der engagiert wird, um ein umstrittenes Kunstwerk zu bewachen: Eine Christusdarstellung, die sich bei näherer Betrachtung aus Fotos von Brüsten zusammensetzt.

Nick Hornbys lustvolle Auseinandersetzung mit moderner Kunst und ihrer Rezeption, gesellschaftlichen Moralvorstellungen und Nacktheit gilt in England längst als Klassiker. Regie führt Günther Grosser. Künftig wird es am Haus mehr Angebot auf Englisch geben (www.schauspielhaus.at/spielplan/englischsprachiges_programm). Neben Aufführungen mit Übertiteln und Gastspielen richtet sich auch die neue Lesereihe „Sprachwelten“ an Menschen, die sich in mehreren solchen bewegen. Am 18. April starten die „English Mondays“, bei denen Jesse Inman und Noëmi Steffen zu szenischen Lesungen zeitgenössischer englischsprachiger Dramatik bei Schwarztee, Chips und Bier ins Nachbarhaus einladen. Jesse Inman im Gespräch:

MM: Ich würde nicht fragen, wenn Sie nicht Brite wären: Kennen Sie Nick Hornby persönlich?

Jesse Inman: Nein. Ich hoffe, dass er zur Premiere nach Wien kommt. Regisseur Günther Grosser hat ihn eingeladen, und ich weiß, dass er das Stück schon in Deutschland auf Deutsch gesehen hat, aber noch nie auf dem Kontinent in Englisch. Mal sehen.

MM: Ich habe Sie jetzt zwei Mal gesehen, in „Punk & Politik“ und in „Der grüne Kakadu“, und ich habe das Gefühl, Sie haben einen sehr eigenen Humor.

Inman: Ja, vermutlich, den sagt man mir nach. Ich kann sehr lachen über Dinge, die irgendwie abgefahren sind. Ich denke, dass das zu Nick Hornby ganz gut passt. Ich habe ein Bühnen-Alter-Ego, dass der Figur in „Nipple Jesus“ nicht unähnlich ist. Privat bin ich ein zurückgenommener Mensch, aber wenn die Musik in der Arena spielt, muss ich …

MM: Rausgehen und Spaß haben?

Inman: Ja, als Schauspieler kann ich das. Dazu ist dieses Solo sehr geeignet. Ich mag die Intimität kleiner Räume. Ich liebe es, den Zuschauern ins Gesicht zu schauen und direkt zu ihnen zu sprechen, ich mag es, auf der Bühne eine Atmosphäre zu erzeugen, die dem Publikum verdeutlicht, dass wir gemeinsam einen Abend kreieren.

MM: Der Mann, den Sie spielen, Dave, beschützt ein Kunstwerk, den „Nipple Jesus“, das an Ende zerstört wird. Was ihn mehr stört, als die Künstlerin. Denn sie sagt, es wäre ihr nicht so sehr um den „Wert“ ihrer Kunst als um die Reaktion des Betrachters gegangen. Wie finden Sie das?

Inman: Es geht immer um die Reaktion des Betrachters, damit bin ich völlig einverstanden. Das ist der Grund, warum ich Theater mache. Ich bin nicht der clever-geschliffene Schauspieler, aber ich liebe es, Geschichten zu erzählen. Ich will als Schauspieler ehrlich und authentisch sein und so Emotionen schaffen. Egal, ob sie Freude oder Traurigkeit oder Ärger sind. Das Wichtigste für mich ist, dass das Publikum bewegt ist – im einen oder anderen Sinne.

MM: Sie sind aus Birmingham, wie Barbara Cartland oder Geezer Butler. Sie spielen auch Gitarre?

Inman: Welche eine Kombination, nicht wahr? Ja, ich spiele sehr viele Instrumente sehr schlecht. Ein bisschen E-Gitarre, ein bisschen Bass. Ich kann auch die singende Säge, das macht Spaß! Das habe ich für eine Produktion von Tomas Schweigens Kompagnie „Far A Day Cage“ gelernt. Ich kam da rein und jeder konnte ein Instrument spielen, also haben sie für mich auch eines ausgesucht, in jedem Stück ein anderes und so kommt es, dass ich sehr viele Instrumente sehr schlecht spiele.

MM: Und Sie können Feuerspucken. Wo lernt man das? Im Zirkus?

Inman: Nein, mit einem Freund als Teenager in Birmingham. Das ist eine furchtbare Geschichte. Ich habe es schon lange nicht mehr gemacht, weil sich dieser Freund bei einer gemeinsamen Strandshow in Thailand schwer verletzte. Ich habe ihn schnell ins Meer gestoßen, um noch Schlimmeres zu verhindern – und seither habe ich nicht mehr zum Flüssigbrennstoff gegriffen, sondern arbeite wenn mit einem Pulver.

MM: Wie sind Sie von Großbritannien nach Deutschland und schließlich Österreich gekommen?

Inman: Ich war schon in Birmingham Schauspieler, habe es aber 2003 verlassen, weil ich wegen einer Frau nach Berlin übersiedelt bin. In Großbritannien habe ich nicht an großen, etablierten Häusern gespielt, sondern bei einer Truppe, die mit einem Zelt über Land gezogen ist …

MM: Also doch Zirkus!

Inman: Stimmt, ein wenig. Von dort habe ich meine Ausbildung. Ich habe auch sozialpädagogisches Theater gemacht, unter anderem mit psychisch Kranken, dann bin ich nach Deutschland gegangen und dachte, ich werde nie wieder als Schauspieler arbeiten, aber es gab sehr viele Chancen in Berlin für mich, mehr als in Birmingham. Und so bin ich dort in die englischsprachige Theaterszene eingetaucht. Ich kam dann durch eine Audition an Tomas Schweigen – und ihm folge ich jetzt von Ort zu Ort, seit elf Jahren. Wir haben einer des anderen Humor sofort verstanden, was ja auch keine Selbstverständlichkeit ist.

MM: Ist es einfacher oder schwerer hierzulande Theater zu spielen als in England?

Inman: Man hat mir über das Wiener Publikum ja schon im Vorfeld viel erzählt und manches hat sich bewahrheitet. Was ich liebe, ist die Ehrlichkeit hier. Wenn die Leute etwas mögen, dann lassen sie es dich spüren, dann rufen sie dich zum Applaus raus, drei Mal, vier Mal. In England wird kurz applaudiert und dann ins Pub gegangen, egal, ob es ihnen gefallen hat oder nicht. Andererseits teilen dir die Wiener Zuschauer auch beinhart mit, wenn ihnen etwas nicht gefallen hat.

MM: Was erwarten Sie bei „Nipple Jesus“?

Inman: Ich habe „Nipple Jesus“ bei einem kleinen Theaterfestival in Irland gespielt. Vor lauter netten alten Ladys, die das Stück die ganze Zeit kommentiert haben. Wir waren damit auch auf Jahrmärkten und in Zelten auf Parkplätzen, das war lustig, und die Reaktionen waren immer gut. Nur zwei Mal hat man uns gesagt: No Way! Und wir sagten, aber das Stück verletzt niemandes religiöse Gefühle, es geht um Sinn und Unsinn von Kunst. Und der Veranstalter sagte: Das ist mir egal, es heißt „Nipple Jesus“, vergesst es.

MM: Damit wollen Sie sagen, Sie haben Erfahrung mit dem Stück in katholischen Ländern?

Inman: Nein! (Er lacht.) Ich bin zuversichtlich, dass es gut angenommen wird.

MM: Fühlen Sie sich in Wien schon ein wenig zu Hause?

Inman: Vom Gefühl her bereits sehr, was das Geografische betrifft, versuche ich mich immer noch zu orientieren. Ich suche noch „meine kleine Ecke“, aber wir haben, seit wir hier angekommen sind, so viel gearbeitet, dass ich kaum dazugekommen bin, mich in der Stadt umzusehen. Ich war in ein paar Museen und will demnächst ins Schmetterlingshaus, falls es einmal offen hat, wenn ich dort bin. Ich war auf dem Beethovenweg in Nußdorf spazieren, ich war auf der Donauinsel – und obwohl ich britisch-prüde bin ganz kurz nackt baden … Als ich vergangenen August hier ankam, fand ich die Stadt allerdings schwierig.

MM: Warum?

Inman: Es klingt lächerlich, aber mir kam nach drei Jahren Basel plötzlich alles so groß vor. So viele Menschen, so viel Lärm, ich war richtig überwältigt. Die Menschen hier haben einen trockenen Humor und den können sie dir sehr hart um die Ohren werfen. Ich bin Radfahrer und versuchte immer noch das hiesige Radwegenetz zu durchschauen. Was denken Sie, wie oft ein Autofahrer neben mir das Fenster runterkurbelt und etwas in einem Dialekt rausschreit, den ich sowieso nicht verstehe. Ich komme dann immer ganz zittrig ins Theater, aber die österreichischen Kollegen wie Sebastian Schindegger sagen, ich soll mich vom Temperament der Leute hier nicht irritieren lassen.

MM: Was ist mit Film? Haben Sie den derzeit zurückgestellt?

Inman: Ich würde schon gern, habe aber keine Angebote. Ich hätte große Lust, ein paar österreichische Produzenten kennenzulernen, um der britische Parade-Spion der hiesigen Film- und Fernsehwelt zu werden. Also, ladet mich zu Castings ein!

MM: Sie wissen, warum ich frage: von wegen britisch-prüde? Sie waren zuletzt in zwei außergewöhnlichen Filmen: In Julie Delpys „The Countess“ als König Matthias von Ungarn und in Lars von Triers „Nymphomaniac“. Wie war das?

Inman: Ich weiß gar nicht, ob ich das erzählen kann. Ich mag es wirklich nicht, mich auszuziehen, und immer muss ich es. Ich kam also ans Set als „Man D“ und Stacy Martin hatte als junge Joe schon mit allen Sex gehabt. Man sagte mir: Jesse, mach‘ deinen Text und kümmere dich nicht um den Rest, wir haben einen Pornodarsteller und dessen Penis wird dann im Film zu sehen sein. Der Mann war ein wunderschöner, bronzegebräunter Riese ohne ein Körperhaar und ich dachte, das klappt nie. Hat es auch nicht. Nach dem Dreh kam Lars von Trier zu mir und fragte: Jesse, würde es dir was ausmachen, dich doch auszuziehen? Ich saß da in einem kleinen Slip und Lars stand vor mir und ich konnte nicht Nein sagen. Zwanzig Leute am Set, es war kalt, man hat mich mit eisigem Wasser bespritzt. Was soll ich sagen? Es war nicht meine „größte“ Leistung … Oh mein Gott, das können wir so nicht schreiben.

MM: Aber sicher. Jetzt wissen die Leser, Sie mögen es bloody and rare. Was anderes: Was erhoffen Sie sich von Ihrer Zeit am Schauspielhaus?

Inman: Worauf ich immer hoffe. Ich möchte eine einzigartige Arbeit abliefern, die sich nicht zu ernst nimmt, weil ich das selber auch nicht tue. „Far A Day Cage“ war meine Familie und ich war traurig, als dieses Theaterprojekt zu Ende gegangen ist. Nun hoffe ich, hier am Schauspielhaus eine neue Familie zu finden. Und die Chancen stehen gut dafür. Alle hier sind so nett und so interessiert am Theater. Jeder hat seinen eigenen Zugang und das macht unser Zusammentreffen so bunt und vielfältig. Ich hoffe, dass wir diese Gelegenheit nutzen und für das Publikum etwas ganz besonders schaffen.

MM: Wir in Wien schaffen uns gern Publikumslieblinge. Sie hätten das Zeug dazu. Wäre das was?

Inman: Da kommen wieder die zwei Seelen in meiner Brust ins Spiel. Ich würde es absolut lieben, denn wie jeder Schauspieler habe ich ein enormes Ego. Andererseits kann ich mit Komplimenten nicht so gut umgehen. Publikumsliebling zu sein, würde mich also verunsichern, aber auf wirklich nette Art.

www.schauspielhaus.at

Wien, 12. 2. 2016

Colm Tóibíns „Brooklyn“ im Kino

Januar 21, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Eine Nostalgie über Migrantenschicksale

Saoirse Ronan und Emory Cohen Bild: © 2015 Twentieth Century Fox

Saoirse Ronan und Emory Cohen
Bild: © 2015 Twentieth Century Fox

Kitsch? Kitsch ist keine Kategorie. Bester Film, bestes Drehbuch und beste Hauptdarstellerin sind’s. Und in diesen ist „Brooklyn“ für den Oscar nominiert. John Crowley hat den Roman von Colm Tóibín verfilmt, das Drehbuch dafür hat ihm Nick Hornby geschrieben. Was hat man in diesem Roman gewohnt. Mit den Protagonisten gelebt, geliebt, gelitten. Allein die Szene, in der die junge Eilis einen Badeanzug fürs erste Rendezvous kaufen will, ist das Lesen wert.

Der eine macht zu blass, der andere zu dicke Oberschenkel, der dritte ist zu freizügig. Tóibín hat tief in die Frauenseele geschaut. Und nicht nur in sie. Er berichtet davon, wie es ist fremd zu sein. An zwei, nicht an einem Ort, eine grundlegende Erfahrung aller Emigranten. Ein Emigrant hat nicht die alte Heimat verloren, sondern keine neue Heimat gewonnen, sagte Stefan Zweig. „Brooklyn“ ist ein zartes Buch. Von einer Wehmut, die das Herz erwärmt. Umhüllt von feinem Humor. Und das Ende ist zum Glück … Der Film nun zerkocht das Gemüt. Wo Tóibín subtil und zwischen den Zeilen das Schicksal irischer und italienischer Auswanderer in die USA der 1950er Jahre gesellschaftskritisch durchleuchtet, setzt Crowley auf Nostalgie und deren zauberhaft schöne Bilder. Sein „Brooklyn“ erscheint als ahistorische Fantasie in güldenem Sonnenschein. Koreakrieg und Kommunistenhetze? Das muss anderswo gewesen sein.

Tóibín erzählt eine einfache Geschichte. Das irische Mädchen Eilis Lacey geht, weil es daheim keine Arbeit und ergo keine Zukunft gibt, nach New York. Das heißt, sie wird von der Mutter, ihrer Schwester und vom Herrn Pfarrer verpflanzt, soll sie doch monatlich Geld an die Lieben nach Hause schicken. Sie wird in einer Pension für junge Frauen untergebracht und der Obhut eines irischen Priesters überantwortet. Sie nimmt eine Arbeit in einem Modekaufhaus an, in dem bald die ersten schwarzen Frauen shoppen werden, sie geht in den Buchhaltungskurs der Abendschule, sie nimmt an den Aktivitäten der katholischen Gemeinde teil. Sie geht nur zögerlich zum Tanz, bei dem sich einige Italiener unter die Iren mischen. Und sie verliebt sich. In den Italo-Amerikaner Tony, der in der Neuen Welt bereits große Pläne geschmiedet hat. Eine Familie, ein Geschäft, ein bisschen Wohlstand, davon träumt der Sizilianer. Eilis zögert. Lange. Und weil ein schreckliches Unglück geschehen ist, muss sie zurück nach Hause. Wo sie erkennt, dass sie nicht mehr zu Irland, sondern, wenn schon nicht zu den USA, doch immerhin zu Tony gehört.

Zu einer einfachen Geschichte gehören komplizierte Gefühle. Tóibín nähert sich ihnen aus Eilis‘ Perspektive. Leise, ohne Pathos, aber mit großer Präzision, entfaltet er ein Menschenleben im Transit. Eines, dessen Körper schon „da“ ist, dessen Geist und Seele aber noch „dort“ sind. Wie modern das dieser Tage wieder erscheint, dieses Thema Migration, dieses nicht Ankommen im Angekommensein. In Brooklyn ist Eilis ein Niemand, ohne Freunde und Familie, ohne Erinnerungen an Orte oder Menschen, ein Gespenst, dem nichts etwas bedeuten kann, weil es nichts wiedererkennt. Trist ist das. Doch Leben wehrt sich. Und in einer der schönsten Szenen im Buch schildert der Autor den Aufbruch zum bunten Abend im Pfarrhaus, die erste Begegnung der strenggläubigen Irin mit den flotten, lebenslustigen und, ja, ein wenig vom Rotwein angesäuselten Italienern. Wo Menschen sind, ist Hoffnung, heißt das. Gemeinsam feiern bringt die Leute zusammen. Egal, aus welchem Land sie ursprünglich kommen mögen, wo gelacht wird, öffnet sich die Welt.

Dem allen spürt der Film in seiner Weise nach, versteht es jedoch nicht Eilis‘ Coming-of-Age-Geschichte in einen größeren Zusammenhang zu stellen. Talent und Charme sind den Hauptdarstellern Saoirse Ronan als Eilis und Emory Cohen als Tony zwar nicht abzusprechen, aber ihre beiden Rollen zerlaufen in einer von Nick Hornby verschuldeten Bedeutungslosigkeit. Was im Falle Eilis‘ besonders schmerzt, gibt es doch ohnedies wenig Stoffe, die aus weiblicher Sicht erzählt werden. Hier steht die Frauenfigur für nichts außer sich selbst – und nicht einmal das in irgendeiner Weise charakteristisch. Sie ist weder Spiegel ihrer Zeit noch deren Gegenentwurf, sondern in manchen Fällen einfach eine Trutschn, etwa wenn Spaghetti als das unbekannte Nahrungsmittel zu beträchtlichen Wickeln führen. Bei Tóibín, im Kontext der irisch-italienischen Annäherung, liest sich das weniger peinlich. Doch das Unbekannte mit Eilis Augen zu erkunden, interessierte die Filmemacher offenbar nicht. Crowleys konventionell-angestaubter Blick ruht vielmehr leicht abschätzend auf ihr. Der Regisseur setzt auf Ausstattung statt auf Tiefe. Nach und nach werden die Bilder bunter, die Kleider modischer … das ist zu schlicht und harmlos. Nur weil einem Tóibín das Abgründige nicht um die Ohren schmeißt, bedeutet es nicht, dass es in seinem Buch nicht existiert.

Zum Glück weiß Saoirse Ronan, wie man einen Film trägt. Ihre Leinwandpräsenz ist phänomenal. Von „Abbitte“ bis „Grand Budapest Hotel“ hat sie sich ihre erste Hauptrolle verdient erarbeitet, nun ist ihr reduziertes Auftreten, ihr leichtes, intelligentes Spiel das Beste am Film und das Beste für Colm Tóibín. Ihretwegen braucht man sich nicht zu scheuen, sich der Kino-Romanze hinzugeben. Wie sich ihre Eilis vom zurückhaltenden Mauerblümchen zur selbstbewussten jungen Frau mausert ist allemal sehenswert. Kitsch? Kitsch ist keine Kategorie. Aber Ronan ist eine würdige Oscar-Kandidatin.

Buchtipp: Hanser Verlag, Colm Tóibín: „Brooklyn“, Roman, 304 Seiten. Übersetzt aus dem Englischen von Giovanni Bandini und Ditte Bandini. www.hanser-literaturverlage.de

www.fox.de/brooklyn

Wien, 21. 1. 2016