Academy Awards Streaming: Neues aus der Welt

April 7, 2021 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Paul Greengrass‘ Western ist nominiert für vier Oscars

Captain Jefferson Kyle Kidd will Johanna zu ihren Verwandten bringen: Tom Hanks und Helena Zengel. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Zwar in keiner der Hauptkategorien, aber immerhin in vieren ist Paul Greengrass‘ Westerndrama „Neues aus der Welt“ mit Tom Hanks und Helena Zengel nominiert. Am 25. April, bei den Academy Awards 2021, könnte es punkto Beste Kamera für Dariusz Wolski, Bestes Szenenbild für David Crank und Elizabeth Keenan, Beste Filmmusik für James Newton Howard und Bester Schnitt für Oliver Tarney und Team „and the Oscar goes to“ heißen. Hier noch mal die Filmkritik vom Februar 2021:

Die Frohe Botschaft im Vorhof der Hölle verkünden

Eine Kinopremiere blieb Regisseur und Drehbuchautor Paul Greengrass‘ Westerndrama „Neues aus der Welt“ Corona-bedingt versagt, und so kam Netflix die Ehre zu, die Produktion der Universal Studios ins Programm zu nehmen. Oscar-Preisträger Tom Hanks und Helena Zengel, die bereits in „Systemsprenger“ von Nora Fingscheidt mit ihrer schauspielerischen Stärke beeindruckte (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=34792), fahren als Sezessionskriegsveteran und Waisenmädchen durch tief gespaltene Vereinigte Staaten.

Ein Western als Gegenwartskritik. Diesbezüglich angesprochen auf „Lügenpresse“ und Fake News, auf #BlackLivesMatter und Verschwörungstheorien, Stickwort: Mauer zu Mexiko, sagte ein schmunzelnder Greengrass zu deadline.com, er hätte den Roman von Paulette Jiles gelesen und seine „Wünschelrute“ habe eben reagiert. In seinem epischen Werk der wenigen Worte schickt er Tom Hank als ehemaligen Südstaaten-Helden auf ein Himmelfahrtskommando; dies das Bild, das dieses Roadmovie bestimmt:

Mitten im Post-Bürgerkriegs-Purgatorium steht Jefferson Kyle Kidd im Wortsinn mit dem Rücken zur Wand, umringt von einem volltrunkenen Lynchmob verrohter Büffelschlächter, Mexikaner-Mörder, Schwarzen-Killer und Indianer-Hasser. In den Augen der Männer kocht heiß die durch das Unionsheer erlittene Schmach, die Demütigung durch den Norden, als wär’s nicht schon fünf Jahre her und immer noch hat der Feind in der Heimat das Sagen, ein wahrer Hexersabbat, ein Teufelstanz ist in Erath County zugange.

Herr und Meister über dies gesetzlose Niemandsland ist ein diabolischer Uncle Sam namens Mr. Farley, Darsteller ist Thomas Frances Murphy, der seine „Familie“ mit eiserner Faust befehligt, und damit dies auch so bleibt Kidd und Johanna mit gezogener Waffe in seine Stadt bittet … Johanna? Ah ja! Zurück auf Anfang: Als gewesener Konföderierten-Captain Jefferson Kyle Kidd kutschiert Tom Hanks im Jahr 1870 kreuz und quer durch Texas, um sich seinen bescheidenen Lebensunterhalt zu verdienen, indem er Unterhaltsames, Wundersames, Grausames aus den aktuellen Zeitungen vorliest – im Schummerlicht der Gaslaterne und mit Vergrößerungsaugenglas fürs Kleingedruckte.

Er berichtet vom Eisenbahnbau, von tödlichen Epidemien und Abenteuern aus fernen Welten, für sein leseunkundiges Publikum meist hochdramatisch aufbereitet – und mit Cheers! und Boohs! und „Texas first!“ bedankt, letzterer ein Ruf, bei dem die Yankee-Soldaten am Eingang in Habtachstellung gehen. Kidd bringt den Bildungsfernen im Wilden Westen laut Titel „Neues aus der Welt“, Infotainment für einen Dime, Nachrichten von jenseits des Horizonts samt den „Federal News“, die hier keiner hören mag, die Forderung von Präsident Ulysses S. Grant, in Texas endlich die Sklaverei abzuschaffen, heißt: die Ratifizierung des 13. Zusatzartikels der Verfassung, ein Muss, damit die Region wieder Teil der Union und ein Bundesstaat werden kann.

Captain Kid und Johanna wehren sich … Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

… gegen Almays Männer: Michael Angelo Covino. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Leonberger: Neil Sandilands und Winsome Brown. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Abschiedsschmerz: Helena Zengel und Tom Hanks. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Da, eines Tages auf dem Weg, ein umgestürzter Wagen, ein erhängter Schwarzer, der wohl auf Beamte der Indianerbehörde hoffte, aber offensichtlich Gegnern der Sklavenbefreiung in die Hände fiel, an die Brust geheftet ein Zettel: „Texas sagt Nein! Das ist das Land der Weißen“, und ein blondes Mädchen, gekleidet wie eine Indianerin, die Kidds Fragen in schlechtem Deutsch oder perfektem Kiowa beantwortet.

Zikade nennt sich die Kleine, als die Helena Zengel den großen Tom Hanks ziemlich an die Wand spielt, und einem Schreiben entnimmt er, dass „Johanna Leonberger“, deren deutschstämmige Siedler-Eltern vor Jahren von den Kiowa abgeschlachtet und sie als Kleinkind vom Stamm entführt worden waren, zu Verwandten nach Castroville gebracht werden soll. Die Aufmerksamkeit des internationalen Filmbusiness‘ ist der Zwölfjährigen mit diesem Auftritt als Findelkind gewiss. Zengel schlüpft in die Rolle der doppelt verwaisten, denn nun haben die Weißen ihre Kiowa-Eltern getötet, der Sprachbarrieren wegen fast stummen Johanna wie diese in ihr Lederkleid.

In den Augen den wissenden Blick einer jahrhundertealten Weltenkenntnis, das Temperament, die Temperatur wechselnd von Verletzlichkeit zu Verzweiflung, von Sturheit zu Trotz zu einer stolzen Eiseskälte, mit der die junge Frau der First Nation die Errungenschaften der Neuen Nation ablehnt, Rüschenkleidchen, Essbesteck etc., derart ist Zengel die Sensation des Films. Greengrass braucht Johannes Story nicht in Flashbacks erzählen, er erzählt sie einzig und allein über Helena Zengels Gesicht.

Welch ein Sittenbild. Rebellen unterm Blood-Stained Banner auf Kriegspfad gegen die Washingtoner Gesetzeshüter – das Hinterland, durch das Kidd zieht, fühlt sich damals wie heute vom Kapitol verraten -, die Native Americans bis zur Grenze des Genozids verfolgt, eine Besatzungsarmee, der alles egal ist, solang der Eisenbahnbau voranschreitet, eine verheerte, verkehrte Welt – und zwischendrin Tom Hanks‘ Kidd, der wie die sprichwörtliche Jungfrau zum Kind kommt.

Denn niemand will die „Wilde“, keiner fühlt sich zuständig. Bei diesem selbstbestimmten, aufmüpfigen Kind endet die christliche Nächstenliebe. Kidd und Johanna, die keiner der sich hysterisch befehdenden Gruppen zugehören, mussten im Lone Star State zueinanderfinden, ihre Annäherung erfolgt in der Einsamkeit der weiten Prärie, womit „Neues aus der Welt“ alle Westernelemente hat, die’s braucht. Er lehrt sie „Zivilisation“, sie bringt ihm die Natur in ihrer Ganzheit und deren Schützenswürdigkeit nahe.

Winsome Brown. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios.

Tom Hanks. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios.

Helena Zengel. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios.

Hanks wirft sein komplettes Guter-Kerl-Sein in die Waagschale, wie ein Prediger verkündet Vorleser Kidd Greengrass‘ Frohe Botschaft im Vorhof der Hölle: Nur wenn alle bereit sind, einander zuzuhören, voneinander zu lernen, kann Frieden entstehen. Allein Humanität und Respekt vor allem Lebendigen – und das inkludiert Mutter Erde – machen aus den Schlacht- wieder Erntefelder. Schade, dass diverse FilmkritikerInnen diesen Gedanken alsbald als „totgeritten“ empfanden.

Greengrass bedient sich gleichnishafter Szenen: In Dallas, wo man erfährt, dass Witwer Kidd durchaus kein Heiliger ist, da er in Saloonbesitzerin Miss Gannett, Elizabeth Marvel, eine Bettgenossin hat, will ihm der Schurke Almay mit seinen Kumpanen, schön sinister: Michael Angelo Covino mit Clay James und Cash Lilley, Johanna für 50 Dollar abkaufen. Die Kunde von der verwaisten „Rothaut“ aus Wichita Falls hat bereits die Runde gemacht, die Männer wollen sich mit einem exotischen Spielzeug vergnügen, erst „die Blauen“ beenden die Schlägerei.

Dass Almay blutige Rache schwört, führt zu einer der wohldosierten Actionszenen im Film, ein Shootout, bei dem sich Johanna als erfahrene Kämpferin erweist. Die Bildmacht, mit der Kameramann Dariusz Wolski zu überwältigen weiß, ist überbordend. Vom Himmel her fängt er entgrenzende Panoramen ein, Landschaftsgemälde von einem Viehtrieb oder einem Planwagentreck, alle unterwegs dorthin, wo das Gras grüner sein soll. Wolski drückt sich im Halbdunkel an Türöffnungen mit freiem Blick auf Liebeslager vorbei, er rast mit einer sich überschlagenden Kutsche den Berg hinunter und duckt sich bei Schusswechseln hinter Felsen.

„Neues aus der Welt“ ist ein Kinostart von Herzen zu wünschen, auf der großen Leinwand wird das alles besser zur Geltung kommen: die Verfolgungsjagd durch die potenziellen Kidnapper Johannas, die Schießerei und die Prügelei. Das macht Tempo, bevor sich Raum und Zeit auf dem Marsch unter gleißender Sonne wieder zerdehnen. Wie ein Geistbild wirkt Johannas Gang ins Haus der Toten; Kidd und sie finden eine zerstörte Kiowa-Siedlung; Johanna entdeckt in Chaos und Gerümpel eine Strohpuppe und behält sie. Nur wer sich erinnert, kann nach vorne blicken, sagt sie im Kiowa-Englisch-Deutsch-Gemisch, das ihre gemeinsame Sprache mit Kidd wird.

Im beredten Schweigen finden sich Kidd und Kind. Nur einmal verlieren sie einander, in einem Sandsturm, der auf zauberische Art und Weise einen Indianerstamm auf dem Zug in die Reservate materialisiert, Schemen von zermürbten Gesichtern und zerlumpten Gestalten – und wieder verweht. Noch ein Geistbild, und kein stolzer Krieger, nirgendwo. Message kann Greengrass auch in der eingangs beschriebenen Farley-Szene. Der Clan-Chef will Kidd als Propagandist seiner zu Heldentaten stilisierten Gräueltaten missbrauchen.

Der Indianerbeamte als Opfer eines Lynchmob. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Im Wagentreck: Helena Zengel und Tom Hanks. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Die Metropole Dallas anno 1870. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Umzingelt von Mr. Farleys „Familie“. Bild: Bruce Talamon – © 2020 Universal Studios. All Rights Reserved.

Doch statt aus Farleys County-Postille vorzulesen, beginnt Kidd mit einer Parabel aus Pennsylvania. Dort hätten sich nach einem schweren Minenunglück einige wenige der lebendig Begrabenen aus der Tiefe ans Licht, in die Freiheit gekämpft, worauf die Kohlekumpel gegen die schlechten Arbeitsbedingungen protestierten, ja, sogar eine Gewerkschaft gründeten! Was Wunder, dass Mr. Farley sich alsbald mit einem Aufstand in den eigenen Reihen konfrontiert sieht. Kurioser lässt sich das „Alle Menschen sind frei und gleich an Würde und Rechten geboren“ kaum illustrieren.

Bleibt: Castroville, wo Kidd Johanna den seltsamen, bigotten Onkel und Tante Wilhelm und Anna Leonberger, Neil Sandilands und Winsome Brown, aushändigt [um ein Haar hätte man geschrieben: ausliefert]. Sie mögen das traumatisierte Kind, das Menschlichkeit und Wärme braucht, in seinem Wissensdrang befördern und ihm Bücher geben, empfiehlt Kidd. „Sie muss arbeiten“, befindet der Onkel, und da das nicht funktioniert und sie immer wieder wegläuft, wird Johanna wie ein Tier mit einem Strick an einen Pfosten gebunden. Zum Glück kommen Kidd, der seit Tagen unterwegs nach San Antonio ist, Zweifel, ob seine Entscheidung Johanna den Leonbergers zu überlassen richtig war. Die wilde Waise hat sein vom Krieg gebrochenes Herz kuriert …

Mit „Neues aus der Welt“ ist der Zuschauer, die Zuschauerin unterwegs in einer Welt der Weißen, und es wird an keiner Stelle so getan, als hätten die Vertriebenen oder eben noch Versklavten schon Anspruch auf einen Platz darin bekommen. Präsent sind sie dennoch, die Schuld steht verdrängt im Raum. Das Elend der vermeintlich Privilegierten allerdings auch. Nur schlimmste Verbrecher, wie Almay und Mr. Farley, sind von Grund auf böse, allen anderen gewährt Greengrass eine zweite Chance.

Trotz Zeitbezug vermeidet „Neues aus der Welt“ tagesaktuelle Predigten und lässt stattdessen lieber Tom Hanks seine ganze Gravitas in der ersten (!) Wildwest-Variante seines Good American ausspielen. „Ich verstehe euch ja“, sagt der vernunftbegabte Kidd zu seinen Zuhörern, „wir alle leiden“, doch es könne nicht länger um den Nord-Süd-Konflikt gehen, man müsse endlich eins werden. Dass Kidd nach 1865 auf der Verliererseite und nicht auf der der Gewinner steht, ist ein Kunstgriff von Autorin Jiles, den Hanks mit breitgekautem Texas-Idiom zu bedienen weiß.

Zu Helena Zengel entwickelt der Hollywood-Star eine natürlich wirkende distanzierte Nähe, die den Film mühelos über zwei Stunden trägt. Des alten weißen Mannes und des sich indigen fühlenden Mädchens vorsichtige, versöhnliche Annäherung und ihre stoisch-melancholische Heilsgeschichte ist genau der Western, den die Welt gerade braucht.

Trailer dt./engl.: www.youtube.com/watch?v=yGod2iwZQCs           www.youtube.com/watch?v=ZfrO7za1MBY           www.netflix.com

BUCHTIPP:

Sebastian Barry: „Tage ohne Ende“ und „Tausend Monde“: Die Bürgerkriegssoldaten Thomas McNulty und sein Geliebter John Cole adoptieren die Indianerwaise Winona – und finden in all dem Horror ein stilles Glück (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=31215); in der Fortsetzung leben sie glücklich auf einer Tabakfarm in Tennessee – doch alte Feinde lassen nicht lange auf sich warten (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=42818).

7. 4. 2021

Streaming: Big-Bang-Theorie-Star Jim Parsons in „Hollywood“ und „The Boys in the Band“

Januar 7, 2021 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Traumfabrik wird endlich zum Equality-Land

Hoffnungsvolles Ausharren bei der Oscar-Verleihung: Joe Mantello, Jim Parsons, Dylan McDermott, Holland Taylor und Patti LuPone. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Oft wenn Hollywood sich den Rückspiegel seiner Goldenen Ära vorhält, entgleitet das Ergebnis ins Sentimentale. Nostalgie mit Melancholie. Da tut es gut, wenn einer die Suggestionskraft hat, die cinematographische Märchenpracht ins Sagenhafte zu übersteigern. Ryan Murphy und Ian Brennan haben’s getan, die beiden vormals verantwortlich für „Glee“, „Ratched“, „American Horror Story“, Murphy, dessen

Dienste sich Netflix 2018 für unvorstellbare 300 Millionen Dollar für fünf Jahre exklusiv sicherte, nun für die Netflix-Serie „Hollywood“, ein topaktuelles Gegennarrativ zur gängigen L.A. Story. Wird doch in dieser den Mythos aufmotzenden Hommage die Traumfabrik endlich zum Equality-Land, „Hollywood“ spielt in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg, als das berühmte Sign tatsächlich noch um die vier Buchstaben L.A.N.D. länger war, und Murphy und Brennan zeigen ganz Tinseltown, als ob #BlackLivesMatter und der #LGBTQ-Pride darüber hinweggefegt wären.

Die sieben Episoden folgen einer Handvoll blutjunger Protagonistinnen und Protagonisten, die nach Rampenlicht, Ruhm und Reichtum streben, Ex-Soldat und Schauspielanfänger Jack Castello, Drehbuchdebütant Archie Coleman, Regieneuling Raymond Ainsley und die Schauspiel-Elevinnen Camille Washington und Claire Wood, in Klarnamen David Corenswet, Jeremy Pope, Darren Criss, Laura Harrier und Samara Weaving – Archie und Camille Afroamerikaner, sie die Lebenspartnerin des halbphilippinischen, aber „weiß“ wirkenden Raymond.

Claire die Undercover-Tochter von Studio Boss Ace Amberg aka Rob Reiner – und hauptsächlich ist es die „Alte Garde“, die „Hollywood“ darstellerisch wertvoll macht: „Two and a Half Man“-Mutter Holland Taylor und Joe Mantello als Produzentenduo Ellen Kincaid und Dick Samuels, Dylan McDermott als Tankstellengigolo Ernie West und Tony-Award-Gewinnerin Patti LuPone als Avis Amberg, die den Chefsessel ihres Göttergatten entert, als diesen bei einem Pantscherl der Herzkasperl holt.

Rock Hudson mit Lebenspartner Archie Coleman: Jake Picking und Jeremy Pope. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Tankstellen-Toy-Boys: Darren Criss und David Corenswet. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Probeaufnahmen für „Peg“: Jim Parsons und Jake Picking. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

And the Oscar goes to …: Jeremy Pope, Darren Criss und Laura Harrier. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

An nackter Haut und Sexszenen wird nicht gespart, vor allem, weil die Jungs als Brotjob Ernies illustre Kundschaft mit Blow Jobs beglücken. „Dreamland“ heißt das Codewort des Zapfsäulenbordells, wo auch Avis eine treue Freierin von Jack ist, und da kommt auch der grandios agierende Jim Parsons ins Spiel, als Hollywood-Agent Henry Willson, der die Herrenriege, bevor er sie unter Vertrag nimmt, erst einmal zur Fellatio bittet. Statt Besetzungscouch steht hier gleich ein komplettes -bett, 70 Jahre vor #MeToo, und Parsons ist brillant als von Selbsthass zerfressener Unsympath, fulminant sein Isadora-Duncan-Tanz mit den sieben Schleiern, der den sexuellen Missbrauch seines Klienten-Frischfleischs als Selbstverständlichkeit nimmt.

Der homosexuelle Henry Willson ist ein dem realen Leben entliehener Charakter, und Roy Fitzgerald, den in der Serie halb fiktionalisiert und ausdrucksstark Jake Picking verkörpert, war wirklich sein Schützling. Willson macht aus ihm „Rock Hudson“, auch Sekretärin Phyllis Gates, mit der Willson Hudson pro forma verheiratete, kommt vor. Aber laut Murphy und Brennan verliebt sich der schüchterne, nicht übermäßig helle Stiefvaterkomplexler Rock in Archie, die beiden werden ein Paar, das zum Happy End den Red Carpet Hand in Hand beschreiten wird.

Die Traumfabrik-Talente nämlich haben einen ebensolchen: Archie hat ein Drehbuch geschrieben, „Peg“ – Entwistle, die sich, da aus ihrem ersten Film geschnitten, 1932 vom Hollywood-H in den Tod stürzte, Raymond will Regie führen und die Titelrolle mit Camille besetzen, womit sie die erste Schwarze in einer Hauptrolle wäre. Eine Unternehmung, von der Avis und Ellen als emanzipierte Regentinnen eines rassistischen, schwulenfeindlichen, frauenverachtenden Hollywoods alsbald überzeugt sind, die jedoch, man wird es sehen, auch den Ku Klux Klan samt seinen brennenden Kreuzen auf den Plan ruft …

Queen Latifah als die erste schwarze Oscar-Preisträgerin Hattie McDaniel. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Michelle Krusiec als die um ihre Hauptrolle betrogene Anna May Wong. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Laura Harrier als Leinwandschönheit Camille Washington. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Viel nackte Haut, hier die von David Corenswet als Jack Costello. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Namedropping ist bei einer Produktion wie dieser gleichsam Pflicht, Tallulah Bankhead, Vivien Leigh und Noël Coward haben Kurzauftritte bei einem von George Cukors Erotikdinnern, bei dem Jack und Archie als Fill-up-Boys im Einsatz sind, Ernie himself exklusiv als Entspannung für die hochneurotische Vivien, der oberintrigante Henry Rock an den Mann ist gleich Dick bringen will, Hollywood eine Männerwelt, in der man im Wortsinn die Hose runterlassen und bei der Stange bleiben muss – und das alles zum wunderbar swingenden Soundtrack von Ella Fritzgerald bis Frank Sinatra und Sets, die nur möglich sind, wenn Geld keine große Sache ist.

Michelle Krusiec spielt Anna Mae Wong, zu dieser Zeit die weltweit prominenteste Filmschauspielerin chinesischer Herkunft, die um die Hauptrolle in der Pearl-S.-Buck-Verfilmung „Die gute Erde“ betrogen wurde, weil MGM sicherheitshalber die weiße Luise Rainer besetzte – die prompt einen Oscar erhielt, Queen Latifah Camilles Mentorin Hattie McDaniel, die für die Rolle der braven Sklavin Mammy in „Vom Winde verweht“ als erste Schwarze einen Academy Award, den Nebendarstellerinnen-Oscar bekam, und auf diese Art Figuren festgelegt blieb.

Berührend ist die Szene, in der sie Camille erzählt, man hätte sie bei der Preisverleihung von den anderen Nominierten getrennt und an einen Tisch in der hintersten Reihe gesetzt, weshalb Camille entschieden auf den ihren in der ersten Reihe bestehen müsse. Tatsächlich war erst Whoopi Goldberg im Jahr 1991 die zweite afroamerikanische Nebendarstellerinnen-Oscar-Preisträgerin, 2002 Halle Berry die bisher einzige schwarze Oscar-Preisträgerin in der Hauptdarstellerinnen-Kategorie.

Backstage-Bangen: Patti LuPone, Dylan McDermott, Holland Taylor und Samara Weaving. Bild: Saeed Adyani /Netflix ©2020

Soviel zu #OscarsSoWhite, wiewohl das am britischen Theater schon längst übliche Colorblind Casting allmählich zumindest die Bildschirme erobert (siehe: Bridgerton, Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=43837). Im Gegensatz dazu wird sich in der schönen, heilen Flimmerwelt, in der die einzige maßgebliche Color die Technicolor ist, bereits im Vorspann gegenseitig den Hollywoodland-Schriftzug hochgeholfen, bis die Heldinnen und Helden mit einer Grandezza in den Sonnenaufgang blicken, die all das Behauptete wie wahr erscheinen lässt.

Murphy unterläuft das klassische, nach außen puritanisch-bigott-biedere, nach innen von Ressentiments beherrschte Hollywood optisch wie inhaltlich mit den Mitteln ebendieses klassischen Hollywoods. Das hat Charme. Die Serie, die mit ihrem kontrafaktischen Finale furios die Filmgeschichte umschreibt, hat deutlich mehr mit Tarantinos historisch freihändiger Hollywood-Fantasie zu tun als mit dem Harvey-Weinstein-Skandal. Sie ist, was die Traumfabrik im Idealfall immer schon war: erstklassige Unterhaltung. Mit Sprung im Spiegel.

Eine Staffel zwei ist möglich, Fans betteln in den Social Media geradezu darum. Zum Ende der ersten entwickelt Jim Parsons als Henry Willson, Spoiler: der Saulus wird zum Paulus und arbeitet sich zum Produzenten hoch, das Script einer Liebesromanze zwischen zwei Männern mit Rock Hudson in der Hauptrolle, dies Henrys Buße für seine Sünden am schönen Vierschröter – und Avis scheint nicht abgeneigt. Und wenn sie nicht gestorben sind, gewinnen sie zwar keinen Oscar, aber vielleicht einmal einen Emmy…

Trailer: www.youtube.com/watch?v=Q3EASLgzOcM            www.youtube.com/watch?v=W0WsEyqx0r4           www.netflix.com

FILMTIPP: The Boys in the Band

Jim Parsons und „Spock“ Zachary Quinto in der Broadway-Verfilmung

Tuc Watkins, Andrew Rannells, Matt Bomer, Jim Parsons, Zachary Quinto, Robin de Jesús, Brian Hutchison, Michael Benjamin Washington, Charlie Carver. Bild: S.E. White/Netflix ©2020

Und noch einmal Ryan Murphy, Joe Mantello – als Regisseur des Gay-Dramas – und Jim Parsons. „The Boys in the Band“ ist die Verfilmung des gleichnamigen Theaterstücks aus dem Jahr 1968 von Mart Crowley, für dessen Bildschirm-Variante Produzent Murphy versprach, ausschließlich die schwulen Schauspieler aus dem 2018er-Broadway-Revival zu besetzen. Es ist also New York in den 1960ern, und Michael, Jim Parsons, richtet für Harold, Zachary Quinto, eine

mitternächtliche Geburtstagsparty aus. Ein schönes Fest soll es werden, zu der Michael den gesamten Freundeskreis eingeladen hat: seinen Liebhaber Donald (Matt Bomer), den ob seines Lovers gelangweilten Larry (Andrew Rannells) mit Lebenspartner Hank (Tuc Watkins), den stilbewussten Chauvi Bernard (Michael Benjamin Washington) und den stets zu Scherzen aufgelegten Emory (Robin de Jesús). Anfangs ist die Stimmung ausgelassen, was sich liebt, das neckt sich, die Intellektuellen-Clique ist unter sich und genießt den Abend.

Jim Parsons mit de Jesús und Rannells. Bild: Scott Everett White /Netflix ©2020

Zachary Quinto mit Carver und de Jesús. Bild: Scott Everett White /Netflix ©2020

Dass der gutaussehende, jedoch kulturell weniger bewanderte Stricher Cowboy Tex (Charlie Carver), er ist Harolds Geschenk, nicht wirklich in die Runde passt, sorgt schon für erste zynische Kommentare. Problematisch wird es jedoch, als unangemeldet Alan (Brian Hutchison) auftaucht, ein früherer Kommilitone von Michael, der unbedingt mit ihm reden will und den Emory kurzerhand als homosexuell outet. Harold erscheint und hat für alle nur Gehässigkeiten übrig, doch dann verstrickt der beleidigt-betrunkene Michael seine Gäste in ein sadistisches Spiel: Jeder muss eine ehemalige heimliche Liebe anrufen, und dieser am Telefon ebendiese und seine Homosexualität gestehen. Und Essig ist’s mit der Feierlaune, die Situation eskaliert …

Wie in „The Boys in the Band“ gekeift, gelästert, gedemütigt wird, der Tonfall so giftig und untergriffig, das ist durchaus ein Vergnügen. Man merkt dem Cast an, dass er aufeinander eingespielt ist, alldieweil man sich fragt, warum die dargestellten Männer eigentlich miteinander befreundet sind. Auf Entgleisungen folgen Handgreif- lichkeiten folgt Selbsthass. Parsons und Quinto im Infight sind allemal ein Hit, nicht zuletzt, wenn Harold Michael auf den Kopf zusagt, dass der seine Homosexualität verabscheut und lieber ein Hetero wäre. Im Streit werden Geheimnisse gelüftet und unausgesprochene Gefühle offenbart, Hank trägt immer noch seinen Ehering, Bernard laboriert als „doppelte Minderheit“ an seiner Hautfarbe ebenso wie an seiner sexuellen Orientierung.

Wäre Michael lieber ein Hetero? Jim Parsons und Matt Bomer als Lover Donald. Bild: Scott Everett White /Netflix ©2020

Förmlich sieht man die alten Narben zu frischen Wunden aufreißen, und fantastisch gespielt ist die Hassliebe, die die das Kammerspiel dominierenden Michael und Harold von Jim Parsons und Zachary Quinto verbindet. An keiner Stelle weiß man, ob man die beiden von Herzen verabscheuen oder mit ihnen leiden soll. Abseits von #LGBTQ sind dies die universellen Themen: Freundschaft und dennoch die Lust an Verletzungen, das Verlangen nach Liebe und trotzdem das Zurückstoßen derer, die es tun, Worte und wie sie zu Stichwaffen werden. Kurz gesagt: „The Boys in the Band“ ist absolut sehenswert!

Trailer: www.youtube.com/watch?v=862Pb9oDDAo           www.youtube.com/watch?v=WAIQbHJ9sAk           www.netflix.com

  1. 1. 2021

Milla meets Moses

Oktober 28, 2020 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Kurz vor dem Ende kommt die erste Liebe

Eliza Scanlen als Milla. Bild: © Lisa Tomasetti

Doch, die Bahngleise scheinen sie magisch anzuziehen, wenn man vermuten möchte, dass ihr leerer Blick auf diese gerichtet ist. Springt sie? Spricht sie gerade mit sich selbst? Keine Zeit mehr. In doppelter Hinsicht. Denn an ihr vorbei rennt ein junger Mann; der zugedröhnte Junkie rempelt sie an, sie fällt hin, er kann vor dem einfahrenden Zug grad noch stoppen, und breitet die Arme aus. Schützt er sie oder sich? Keine Frage, Moses wird zum Lebensretter – nicht nur für Milla.

Mit ihrem Spielfilmdebüt „Milla meets Moses“, englisch: „Babyteeth“, überraschte die australische Theater- und TV-Regisseurin Shannon Murphy im vergangenen Jahr bei den Filmfestspielen von Venedig Presse und Publikum. Weil ihr hier etwas schier Unmögliches gelingt – nämlich von einem 15-jährigen krebskranken Mädchen zu erzählen, dass seinen bevorstehenden Tod mit einer überbordenden Fülle an Daseinslust wegschiebt.

Der am Freitag anlaufende Film ist an keiner Stelle Betroffenheitskino. Ist keine Tränendrüsentragödie. Ist kein steril-weißes Krankenhausdrama mit Infusionsschläuchen und Chemo-Kotzen, nichts würde Milla weniger dulden als Selbst-/Mitleid, sondern eine sehr besondere Coming-of-Age-Geschichte. Über all die Emotionen, Sehnsüchte und Ängste, die eine erste Liebe so mit sich bringt. Dass das gelingt, ist selbstverständlich der australischen Autorin und Schauspielerin Rita Kalnejais geschuldet, die ihr in Sydney ausverkauftes Theaterstück in ein Drehbuch verwandelte.

Aber auch den beiden jungen Schauspielern Eliza Scanlen und Toby Wallace, sie schon in „Little Women“ an der Seite von Saoirse Ronan und Emma Watson aufgefallen, er wie jeder gute Down-Under-Durchstarter seit weiland Kylie Minogue „Neighbours“-geprüft und für seine Darstellung des Moses am Lido mit dem Marcello-Mastroianni-Preis ausgezeichnet.

Mädchen in properer Schuluniform meets gepiercten, tätowierten, obdachlosen Punk. Da müssen deren Eltern erst einmal schlucken, auch an Millas neuer Fisur, die Moses mit der Pudelschermaschine seiner Mutter zugerichtet hat – dass Eliza Scanlen für ihre Rolle die Haare bis zur Glatze lassen musste, war part of the job -, und Shannon Murphy taucht erstmals in ihre Erforschung dysfunktionaler Familien ab, als Moses‘ Mutter beim Ertappen ihres Sohnes im Eigenheim nach der Polizei ruft.

Toby Wallace als Moses. Bild: © Filmladen Filmverleih

Bild: © Filmladen Filmverleih

Bild: © Filmladen Filmverleih

Bild: © Filmladen Filmverleih

Auch im Hause Finlay sind die Gefühle schockgefrostet. Mit Empathie nähert sich Murphy dem Ehepaar Anna und Henry, Essie Davis und Ben Mendelsohn, denen man erstmals beim Misslingen ihres Therapiesitzungssex‘ begegnet, ist Henry doch Psychiater und die zu überdrehten Übersprungshandlungen neigende Anna von ihm mit ausreichend Psychopharmaka versorgt. Im heimeligen Vorort-Domizil in St. Ives herrscht allgemeine Überforderung in der Übung, auf „normal“ zu machen, was ebendieses nicht ist.

Anna flüchtet sich in den Psychorausch, und ist damit um nichts weniger drogensüchtig als Moses, Henry sich ins Phlegma, doch weder mit Mutters hysterischer Fürsorge noch mit Vaters brüchigem Gleichmut ist Milla, Eliza Scanlen grandios als ruppige, dem Krebs gegenüber erfurchtslose, um keinen Preis „leidend sein“, sondern ihren Krebs-Kokon sprengen wollende Jugendliche, geholfen. Dazu braucht’s den mit seinen 23 Jahren laut Elten für Milla „natürlich viel zu alten“ Moses, der ihnen vor Augen führt, dass die Tochter kein Krankheitsfall, sondern auf dem Weg zur Frau ist.

Kalnejais’ scharfkantiger Ton dringt nicht nur durch die Dialoge der Figuren, ihr skurril-subversiver Humor findet sich auch in den Kapitelüberschriften wieder, die die Szenen verbinden. „Dieser Moses hat Probleme!“, schreit die Mutter, „Ich doch auch!“, die Tochter, nachdem dieser erstere mit einer Fleischgabel bedroht hat, ertappt beim Versuch, erst ihren Eiskasten, dann ihren Medikamentenschrank leerzuräumen.

Milla macht klar: Moses bleibt! Dahin führt’s, liberale Eltern zu sein: das Establishment holt sich den Gegner in seine Mitte, fulminant spielen das die Vier, vor allem Toby Wallace. Wann immer er auf den Plan tritt, übernimmt der Film seine mitreißende, durchaus charmante Impulsivität, der Witz und der Schmerz dabei feinfühlig ausbalanciert, der Kampf wohl aller Eltern gegen Töchterchens erste Teenagerliebe in extremo, dann wieder ein „Wie verlassen und allein kann man sein?“ mal vier.

Großartig dazu das erste Familienabendessen, Anna, die depressive Ex-Konzertpianistin hat sich zu Mozarts Requiem dicht gemacht, Henry, mittlerweile zuckt er zusammen, wenn sie seinen Namen nur ruft, sich mit einer Dosis Morphium beruhigt, Milla laboriert an der Wirkung neu verschriebener Tabletten, Moses ist sowieso hinüber – und irgendwann fragt man sich, wer am Tisch von welcher Droge am meisten high ist.

„Familienidyll“: Essie Davis als Mutter Anna, Toby Wallace, Eliza Scanlen und Ben Mendelsohn als Vater Henry. Bild: © Filmladen Filmverleih

„Kein Mann hat seiner Frau zu sagen, wann sie ,durchdrehen‘ darf“, ätzt Anna Richtung Henry, „Ich kann dich nicht leiden, aber Milla hält dich für etwas Besonderes, und ihr sollte die ganze Welt zu Füßen legen“, knurrt der Richtung Moses. Großes Kino, wie Ben Mendelsohn und Essie Davis in der stummen beziehungsweise hypernervösen Verzweiflung ihrer Figuren aufgehen. Wie ein Bewegungsmelder ortet die Kamera von Andrew Commis kleinste Regungen, Blicke, Stimmungen, die hier Kettenreaktionen auslösen. „Wickedly perverse and intensely moving“, nannte die Variety seinen eindringlichen Blick.

Nach dieser heftigen Begegnung lässt sich Milla mit Moses, und plötzlich ist er der ruhende Pol des Ganzen, durch die Nacht treiben. Endlich wieder einmal Party! Und die Kamera zieht mit. Eine Begegnung mit einem Künstlerinnen-Alter-Ego und zu viel Wodka wird für sie zu einer Art Befreiungsschlag, während Moses bei den Finlays eine ungeahnte Geborgenheit, ein endlich Aufgehobensein zu erspüren beginnt.

Wie Milla und Moses lebt der Film von Tag zu Tag, von Situation zu Situation. Zur Überschrift „Romanze“ rangeln die Frischverliebten am Pool. Milla entdeckt ihre Körperlichkeit und, dass Moses‘ von der Sucht ausgemergelter Leib um nichts weniger fragil ist als ihrer. Zu „Die neue Chemo beginnt“ verliert Milla ihre Haare, und wird nun in der Schule eine brave blonde Langhaarperücke tragen, im Club aber einen wilden grünen Bob. Zu „Just Another Diamond Day“ schließlich wird Milla Moses um Sterbehilfe bitten, und, wie schön ist das, der Film lässt offen, ob.

Der Krebs ist im Film, und genau das macht ihn so verheerend berührend, und nicht umsonst nennt ihn Shannon Murphy „eine herzzerreißende Komödie“, der Krebs also ist im Film der Katalysator. Der alle in seinem Umfeld dazu bringt, die Dinge neu und von vorne anzugehen. „Milla meets Moses“, ein Carpe-Diem-Aufruf an uns alle.

Der Filmschluss zeigt folgerichtig kein wie-auch-immer Ende, sondern Millas Geburtstagsfeier. Moses‘ kleiner Bruder Isaak wurde von der Mutter dafür freigegeben, die hochschwangere, alleinstehende Nachbarin Jenny, Millas Violinlehrer Gidon und ihre Schulfreundin Scarlett sind in den unorthodoxen Familienverband aufgenommen. Und plötzlich beginnt Millas letzter, längst überfällig Milchzahn, ihr letzter Babytooth zu wackeln.

www.x-verleih.de/filme/babyteeth           www.babyteeth.movie           www.youtube.com/watch?v=M6E8gPmz7n4

28. 10. 2020

Art Carnuntum: “The Taming Of The Shrew”

August 7, 2013 in Bühne

Acht Frauen als achtbare Mannsbilder

Wer braucht schon einen Mann? Katherina bestimmt nicht. Oder doch? Piero Bordin holte diesen Sommer zum zweiten Mal Shakespeare’s Globe Theatre aus London ins römische Amphitheater nach Carnuntum.

Bild: (c) Art Carnuntum / Helena Miscioscia

Bild: (c) Art Carnuntum / Helena Miscioscia

Nach dem wunderbaren „King Lear“ im Juni stand nun die Komödie „The Taming Of The Shrew“ (Der Widerspenstigen Zähmung) auf dem Spielplan. Einst wunderbar verfilmt mit Liz Taylor und Richard Burton, zum Musical „Kiss me, Kate“ verarbeitet, war es diesmal nicht notwendig bei Shakespeare nachzuschlagen. Das großartige Ensemble spielte, wie es sich der britische Barde wohl gewünscht hätte. Regisseur Joe Murphy erlaubte sich einen fabelhaften Einfall. Weil zu Shakespeare’s Zeiten ja nur Männer auf der Bühne standen, ließ er die Rollen (viele Darstellerinnen in mehreren) ätsch ausschließlich von Frauen spielen. Welch ein Kick! Und weniger eine „emanzipatorische“ Idee, als eine die die Schwächen des starken Geschlechts umso intensiver entlarvte. Karikierte. Außerdem aber zeigte, dass es ohne „ihn“ auch wiederum nicht geht. Frau muss halt Geduld haben …

In einem Zirkuszelt mit zwei Galgenstricken, die Kostüme im Stil der 20er-Jahre mit Charleston-Kleidchen und Strohhut, mit Anklängen an das englische Jagd-Outfit mit roter Jacke und schwarzer Kappe, mit Gesang und Musik von Harmonika bis Saxophon – immer wieder erstaunlich, wie vielseitig begabt das Globe-Ensemble ist – begann das Spiel, in dem mehr Intrigen gesponnen werden (etwa den reichen „Lucentio“ Becci Gemmell, der sich als Lehrer und seinen Diener „Tranio“ Remy Beasley als sich ausgibt, um unauffällig um Bianca zu werben), als in den Königsdramen. Die Handlung in Kürze: Der reiche Baptista (Kathryn Hunt) hat zwei Töchter – die liebreizende Bianca (Olivia Morgan), um die sich Dutzende Ehewillige scharen, und Katherina (Kate Lamb), mit einer Zunge, scharf wie ein Schwert. Baptista hat verfügt, dass erst die ältere Kate verheiratet sein muss, bevor Bianca vor den Altar treten darf. Und so holt man einen ebenbürtigen Gegner als potentiellen Gatten: Petruchio (Leah Whitaker).

Die „Globe“trotterinnen sind mit so viel Freude bei der Sache, dass sich der Spaßvirus in Sekundenschnelle aufs Publikum überträgt. Selten ein Theater(zelt) in so ausgelassener Stimmung erlebt! Noch dazu, wo die Komödie in Originalsprache so richtig frivol zur Sache geht. Ein Beispiel: Petruchio: „Who knows not where a wasp does wear his sting? In his tail.“ Katherina: „In his tongoe.“ Petruchio: „Whose tongue?“ Katherina: „Yours, if you talk of tales, and so farewell.“ Petruchio: „What, with my tongue in your tail? Nay come again, Good Kate, I am a gentleman.“ Katherina: „That I’ll try.“ Sie ohrfeigt ihn. Ohne Oralsex. Kate Lamb und Leah Whitaker sind im Infight ein Traumpaar. Feuer und Feuer wird zum Feuerwerk. Sie, die Schreckschraube, die wild cat, „er“ ein hochtrabender, selbstsicherer Angeber, eine echte Teufelskerlin, die zur Schmach aller zur Hochzeit im himmelblauen Anzug mit rosa Luftballons, betrunken mit leerer Champagnerflasche, mit Bierdosen scheppernd antritt. Kathryn Hunt spielt dazu einen Baptista und Petruchios Motorradmechaniker Grumio mit einer Stimme, die wohl den edelsten aller Recken das Fürchten lehren würde. Remy Beasley als Tranio ist der eigentliche Motor der Handlung. Wie sie von Rolle zu Rolle die Situation meistert, wie sie angeberisch, unterwürfig, sich ihres niederen Standes bewusst offensiv reagiert, ist fast schon modern. Ein Extra-Bravo!

Apropos, modern. Das Ende ist bekannt. Von drei herbeigerufenen Ehefrauen bei Biancas Hochzeit mit Lucentio erscheint nur Kate, sogar bereit, ihre Hand unter ihres Gatten Fuß zu legen. Da hätte sich frau – ohne Shakespeare zu vergewaltigen – einen feministischeren Schluß gewünscht. Eine Geste, einen Blick. Der sagt: Na, warte, meine Retourkutsche wird noch vorfahren …

www.artcarnuntum.at

www.mottingers-meinung.at/art-carnuntum-king-lear

Von Michaela Mottinger

Wien, 25. 7. 2013