Hochwald: Evi Romens queerer Anti-Heimatfilm

September 15, 2021 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Parabel vom zernarbten Herzen

Thomas Prenn. Bild: © Amour Fou – Flo Rainer

Eines Tages stellte sich ein junger Mann in die Mitte des Ortes und verkündete, er habe das schönste Herz im ganzen Tal. Da trat ein alter Mann aus der Menge und sagte: „Dein Herz ist lange nicht so schön wie meines!“ Die Menschen und der junge Mann blickten auf das Herz des Alten. Es schlug stark, doch es war voller Narben. Stücke waren herausgebrochen und andere eingesetzt, tatsächlich waren da tiefe Löcher, wo ganze Teile fehlten.

„Du machst wohl Witze“, lachte der Junge. „Vergleich dein Herz mit meinem: Meines ist vollkommen und deines ist längst kaputt!“ „Ja“, erwiderte der alte Mann, „dein Herz sieht vollkommen aus, aber ich würde doch niemals mit dir tauschen. Weißt du, jede Narbe in meinem, jede Lücke steht für einen Menschen, dem ich meine Liebe gegeben habe.“ Diese Parabel erzählt der Imam Mario, als dieser in einer muslimischen Wohngemeinschaft in Bozen eine letzte Zufluchtsstätte findet. Da hat der gestrauchelte Traumtänzer die Talfahrt vom „Hochwald“ schon hinter sich, dies der Titel von Evi Romens wuchtigem Regiedebüt, das bei der diesjährigen Diagonale mit dem Großen Preis für den besten Spielfilm ausgezeichnet wurde und am Freitag in den heimischen Kinos anläuft.

„Hochwald“ ist ein queerer Anti-Heimatfilm über Außenseiter in ländlicher Gegend, kontrast- und mit seinen Irrungen, Wirrungen, Wendungen auch risikoreich, doch Regisseurin und Drehbuchautorin Romens Rechnung geht voll auf, ihr Kalkül Schwul-sein im südtirolerischen Katholizismus, das Gefühl des Deplatziert-Seins, islamistischen Terror und eine rettende Begegnung mit dem Islam auf einen Nenner zu bringen. Durch die Kamera von Martin Gschlacht und Jerzy Palacz präsentiert sich die Amour-Fou-Produktion stylisch, hipp, innovativ.

„Hochwald“ ist atmosphärisch dicht, mit psychologischer Präzision inszeniert und exzellent bildgewaltig fotografiert, und es ist der charismatische Hauptdarsteller Thomas Prenn als Mario, der 107 Minuten lang sein Innerstes nach außen kehrt, und diesem Film seinen schauspielerischen Stempel aufdrückt – wofür der 27-Jährige beim Österreichischen Filmpreis zum besten Hauptdarsteller gekürt wurde. Und so beginnt der Film: Selbstvergessen tanzt Mario im Mehrzwecksaal der Volksschule im fiktiven Südtiroler Dorf „Hochwald“, er trägt Latein-Tanzschuhe, also solche mit Absatz, und hat in seiner Sporttasche allerlei fancy Kostüme dabei.

Eine Karriere als Tänzer schwebt ihm vor, ein Ausbrechen aus der Enge, die ihn erdrückt wie seine Gelegenheitsjobs als Frühstückskoch im Nobelhotel oder in der Fleischhauerei des Stiefvaters Hermann, Würste abdrehen und Mutters Neuen wichsen. Da trifft er in der Dorfdisco Jugendfreund Lenz, Noah Saavedra, dieser nunmehr Schauspielschüler in Wien und auf dem Weg zu einem Casting in Rom, und wohl früher Marios Love Interest. „In Wien sind alle schwul!“ – „Aber bei uns hier nicht“, unterhalten sich Mario und Lenz kichernd und kiffend im eingeschneiten Auto vor der Kirche und unterwegs zur Christmette.

Thomas Prenn im Haufen von Marios fancy Kostümen. Bild: © Amour Fou

Thomas Prenn und Noah Saavedra. Bild: © Amour Fou

Mario fühlt sich nur in der Dorfdisco frei: Thomas Prenn. Bild: © Amour Fou

Doch gesagt, getan: der sensible, diverse Drogen drückende Mario wird den exaltierten Lenz nach Rom begleiten, der in sich gekehrte, nur im Tanz freie Schulwartssohn und der adelige, weltläufige Winzerspross, auch mit diesen Gegensätzen hantiert Evi Romen, wo sie am ersten Abend in einem Gay Club – gecastet: dessen echte Community – landen. Da passiert’s. „Allahu Akbar“ brüllende, vermummte Männer stürmen das Lokal, schießen wild um sich, Lenz ist tot … Für Marios Coming-Of-Age-Story bedeutet das ein Zurück in die gebirgige Düsternis, eine Konfrontation mit jener gnadenlosen Kleingeistigkeit, vor der seine sexuelle Orientierung nun offen ausgebreitet ist, hin zu Lenz‘ über dessen Homosexualität ahnungslose Eltern. Was Wunder, dass Mario seine Trauerarbeit im Volksschulsaal vor erschrockenen Taferlklasslern performt …

Zwischen den Anschuldigungen von dessen Mutter, Mario hätte Lenz Richtung Pfad der körperlichen Untugend verführt, und seines leiblichen Vaters: „Scheiß-Moslems, die g’hören alle darschossen“, in einer Abwärtsspirale ohne Ausweg, konfrontiert Evi Romen das Publikum nicht nur mit dessen eigenen Ressentiments, sie macht auch etwaige Erwartungshaltungen zunichte, wenn sie die Andersartigkeiten einander nicht abstoßen, sondern sich gegenseitig anziehen lässt. In Bozen nämlich, wo Mario sich in einem Nageldesignstudio unterm Ladentisch mit aufklebbaren Tips versorgt, trifft er nach einem „Schuss“ auf der Bahnhofstoilette Nadim, den er von seiner abgebrochenen Konditorenlehre kennt, und der sich dort fürs Gebet wäscht.

Josef Mohamed, in Wien bekannt als ausdrucksstarker Theaterschauspieler (Rezensionen: www.mottingers-meinung.at/?p=32241, www.mottingers-meinung.at/?p=36095), schlüpft in die Figur des Gratis-Koran verteilenden Nadim wie in eine zweite Haut. Überhaupt ist Hochwald bis in die Nebencharaktere brillant besetzt. Mit Claudia Kottal als Volksschullehrerin und Mutter von Lenz‘ Ausrutscher-Sohn, mit „Hochwürden“ Johannes Silberschneider und Marco Di Sapia als Lenz‘ Künstleragent, mit Ursula Scribano-Ofner als Marios Mutter, Helmuth Häusler als Vater und Hannes Perkmann als Stiefvater. Katja Lechthaler und Walter Sachers sind als Lenz‘ Eltern zu sehen.

Mit Ursula Scribano-Ofner. Bild: © Amour Fou – Flo Rainer

Mit Josef Mohamed. Bild: © Amour Fou – Flo Rainer

Mit Kida Kodhr Ramadan. Bild: © Amour Fou – Flo Rainer

Josef Mohamed (li.). Bild: © Amour Fou – Flo Rainer

Sowie der libanesisch-deutsche Schauspieler und Szenestar Kida Kodhr Ramadan als Imam Mami, in dessen WG Nadim Mario mitnimmt, als der im Drogenrausch auf der Straße zusammenbricht. Es wird die dortige Friedlichkeit und Freundlichkeit sein, das Anerkennen seines Ichs, wie es ist – siehe: die Parabel vom zernarbten Herzen, in dem Mario Halt und Unterstützung findet. „Die Attentäter, des waren kane Muslime, der Islam isch a friedliche Religion“, sagt Nadim, und Marios Vater, als er auf den Armen des Sohns keine neuen Einstiche findet: „War des da Allah?“ Bis sich der nächste Dorfskandal entzündet: „Man hat dich gesehen! Mit den Muselmanen! Des isch pervers! Totalschaden, odr?“

Wie sie einen doch ins Visier nimmt, die Wegschau-, die Menschen-Wegwerf-Gesellschaft, Visier wortwörtlich, als Lenz‘ Vater vom Hochstand aus mit seinem Jagdgewehr auf Mario anlegt … Mit seinen Doppelbödigkeiten, den Doppeldeutigkeiten des Dorfdialekts, die Tabus, um die jeder weiß es, doch keiner beredet, mit seinem spröde erzählten Gefecht Einzelkämpfer gegen Kollektiv, mit dessen Zerrissenheit und dem Zwiespalt, der Gräben durchs Umfeld zieht, ist „Hochwald“ ein gelungenes Stück modernen Neorealismo.

Evi Romen kann Symbolik, die archaische Grundstruktur des Orts als Setting, ausgerechnet Religion als Befreiung von belastenden Glaubensmustern, als Talisman eine weißgelockte Perücke, die sich wie ein roter Faden durch den Film zieht, der Hochwald als Stätte der Transformation, und niemals bedient sie ein touristisches Südtirol. Dazu die stimmige Original-Musik von Florian Horwath, die’s hoffentlich bald auf CD gibt, und ein paar 1960er-Klassiker wie „Inch’Allah“ von Adamo.

„Hochwald“ lässt einen atemlos zurück, und mit viel Stoff, um darüber nachzudenken. Die Haken, die die Handlung durch die Unberechenbarkeit ihres Protagonisten Mario schlägt, lenken einen stets in eine neue Richtung, weg vom spezifischen Südtirol, hin ins Universelle. Im exzellenten Ensemble sticht einem Thomas Prenn als introvertierter Extrovertierter ins Auge, und ein solches sollte man auf den Südtiroler Schauspieler auch haben. Sein nächster Streich, „Große Freiheit“ von Sebastian Meise mit Franz Rogowski und Georg Friedrich, wurde dieses Jahr in Cannes in die Sektion Un Certain Regard eingeladen und mit dem Jurypreis ausgezeichnet.

www.facebook.com/hochwaldfilm          Trailer: www.youtube.com/watch?v=VlxjiJe-r1w&t=1s

  1. 9. 2021

Schauspielhaus Wien: Im Herzen der Gewalt

November 14, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Auch auf der Bühne äußerste Selbstentblößung

Nach dem Sex bedroht One-Night-Stand Reda den erschrockenen Édouard mit einer Schusswaffe: Steffen Link und Josef Mohamed. Bild: © Matthias Heschl

Der Schwere der Aufgabe stemmt sich Schauspieler Steffen Link mit seinem Lausbubencharme entgegen, und Regisseur Tomas Schweigen mit bemerkenswertem Mut zur grotesken Pointe. Schließlich führt in der Romanvorlage ein One-Night-Stand zur Bedrohung mit einer Schusswaffe zur Vergewaltigung, das alles wegen eines gestohlenen Smartphones, und über weite Strecken nicht geschildert vom Protagonisten ist gleich

Gewaltopfer, sondern aus der Perspektive von dessen Schwester in der Provinz. Kein einfaches Unterfangen also, Édouard Louis‘ „Im Herzen der Gewalt“ auf die Bühne zu heben, doch Schweigen und sein Chefdramaturg Tobias Schuster haben’s am Schauspielhaus Wien gewagt, und mit ihrer Spielfassung alles gewonnen. Wie auch im Buch changiert Louis‘ literarisches Ich zwischen Scham, Scheu und äußerster Selbstentblößung, und Steffen Link, der nach dieser Hauptrolle nach München wechselt, hat sich den Charakter bis in die Édouard‘isch blondierten Haarspitzen einverleibt.

Seine Performance, im Zusammenwirken mit Josef Mohamed als Reda und Clara Liepsch als Schwester Clara, macht den Abend im Wortsinn zum atemraubenden Kraftakt, in dessen Zentrum ganz klar des Autors Kampfansage an die feindliche Übernahme der eigenen Geschichte, und sei’s ein von gutmeinenden Freunden betriebener Wahrheitsraub, Louis‘ Kriegserklärung an alle Arten von Repression, Rechtsruck, Xenophobie, Homophobie steht. Aber apropos, Wahrheit: Befragen Interviewer den Schriftsteller zu intensiv nach deren Gehalt, kann’s schon sein, dass er aufsteht und geht; die Schuld am Geschehenen trägt bei ihm immer „das System“, das Menschen so oder so zu Untieren macht. Gleich einem autobiografischen Gedächtnis spüren Louis wie Schweigens Bühnenfigur dem plötzlichen Aufbrechen paranoid rassistischer Ressentiments bei sich selbst nach.

Passiert ist nämlich dies: Ausgerechnet in der Heiligen Nacht, auf dem Heimweg von einer Feier bei Freunden, trifft Édouard Louis auf den Kabylen Reda, der Algerier macht ihm Avancen, man erregt sich, eins führt zum anderen, heißt: ins Bett. Nach Sex und Sex und noch einmal Sex erzählt Reda über sich, seine nordafrikanische Herkunft, sein Leben in der Banlieue, seinen Gastarbeiter-Vater, Demütigungen, kulturelle Tabus wie das Schwulsein … Es ist der Treppenwitz dieser Geschichte, dass hier ein gesellschaftlich Ausgegrenzter, der vor seiner reaktionären Prekariatsfamilie in der Picardie nach Paris flüchtete, Louis‘ Vater bezeichnet ihn prinzipiell als „Tunte“, die Mutter beschwerte sich in einer TV-Talkshow nicht darüber, vom Sohn als Le-Pen-Wählerin geoutet, sondern als arm bezeichnet worden zu sein, auf einen anderen trifft.

Reda vergewaltigt den körperlich unterlegenen Édouard: Steffen Link und Josef Mohamed. Bild: © Matthias Heschl

Die Freunde Didier und Geoffroy beim imaginären Begräbnis: Josef Mohamed und Clara Liepsch. Bild: © Matthias Heschl

Im Morgengrauen die Handy-Sache, die Leidenschaft wird brachial, die Angst wächst, Reda würgt Édouard mit seinem Schal, dann der Revolver. Es ist Liepsch als Clara, die ihrem Ehemann von dieser Schreckenstat berichtet, in deren Wohnküche in Hallencourt, einem der Guckkästchenzimmer, die Bühnenbildner Stephan Weber wie querfahrende Paternosterkabinen aneinandergereiht hat und die mit der repetitiven Handlung im Kreis fahren. An diesem Punkt ist Link längst an den Rand von Louis‘ Erlebnis gerückt, er steht tatsächlich „außen vor“, der Poet, der der Pragmatikerin beim Interpretieren und Bewerten seines Traumas zuhören muss, Link, der in großartig komischer Pantomime versucht, ein geschwisterliches Zwiegespräch zustande zu bringen.

Liepsch kann reden wie aufgezogen, sich lustig machen, veralbern, für ihren Mann Édouards überkandideltes Intellektuellengerede, das mutmaßlich Redas Ärger nur verstärkte, imitieren, wie nebenbei ihr Feindbild vom Araber befeuern, schnoddrig Vorurteilsphrasen dreschen – und trotzdem und ehrlich zärtlich-besorgt sein, sobald der Bruder bei ihr eintrifft. Wie sie ihm im Auto eine Zimtschnecke aufzwingt, über neu eröffnete Tankstellen und neu errichtete Wohnbauten plappert, das macht die Peinlichkeit der Situation mit Händen greifbar, doch um nichts weniger die hohe Sensibilität bei gleichzeitiger Gefahr, die von Josef Mohameds Reda ausgeht.

Ins Aus-der-Rolle-Fallen und Aus-der-Szene-Treten, ins Kommentieren, Neukonstruieren und Konfrontieren platzen keinesfalls chronologisch die Rückblenden, auch Albtraumsequenzen. Link und Mohamed lizitieren sich vom Weihnachts-Lustspiel zum Gewaltakt hoch, ersterer retrospektiv die Aggression loslassend, die er im Moment des Missbrauchs nicht erschaffen konnte, mit einem Gefühl, als würde „die Realität wie ein Ei durch das Loch in der Schale ausgeblasen“, zweiterer rasend wie im Rausch, beinahe besinnungslos, bis ihm schwant, was er angerichtet hat, es aber für eine Entschuldigung natürlich zu spät ist.

Aus Begierde wird bald nackte Todesangst: Steffen Link und Josef Mohamed. Bild: © Matthias Heschl

Trost vom Täter, beobachtet von der Schwester: Steffen Link, Josef Mohamed und Clara Liepsch. © Matthias Heschl

Die Spitalsärztin amüsiert sich prächtig über Édouards Namen: Steffen Link und Clara Liepsch. Bild: © Matthias Heschl

Am Ende sind alle Édouard: Steffen Link, Josef Mohamed und Clara Liepsch. Bild: © Matthias Heschl

Zu dieser zwischenmenschlichen Tragik mengt Schweigen gekonnt eine Art absurden Galgenhumor. Wenn sich Liepsch als Édouards erstversorgende Spitalsärztin gar nicht mehr einkriegt vor Lachen über dessen eigentlichen Namen Bellegueule, zu Deutsch: hübsche Fresse, während dieser verstört und verwirrt auf die Untersuchung seines Intimbereichs wartet. Oder, wenn wiederum Liepsch als die Louis‘ Anzeige aufnehmende Polizistin anzüglich nachhakt, ob denn der maghrebinische Typ sein bevorzugtes Love Toy sei, während Mohamed als uniformierter Kollege räsoniert, das käme davon, wenn man jedem Dahergelaufenen leichtsinnig Tür und Tor öffne.

In einer Irrsinnsimagination sieht Édouard seine besten Freunde Didier und Geoffroy, in Klarnamen die beiden Philosophen und Soziologen Eribon und De Lagasnerie, Mohamed gottvoll mit Denkerbrille, an seinem Grab stehen, zwei von den Einheimischen misstrauisch beäugte „merkwürdige Männer“. Das nimmt dem Vorgeführten kurz die Brisanz und entlässt das Publikum in ein befreiendes Lachen. Surreal wird’s auch zum Schluss, der mit Jeans und blauem Pullover nunmehr alle drei Darsteller als Édouard Louis ausweist. Im dramatischen Ringelreihen putzen sie nach dem Verbrechen wie besessen die Wohnung, alle Räume sind jetzt Édouards Schlafzimmer, um mit künstlichem Pfirsichduft selbst letzte Reste von Redas Körpergeruch zu tilgen. Nachgerade animalisch schnüffeln sie dessen Spur nach, das Erlittene in jede Faser eingeschrieben.

„Mein Körper gehört mir nicht mehr“, sagt Links Édouard. Im quasi Nachspann ist in Leuchtschrift zu lesen, dass es gegen den wirklichen Reda zu einem Gerichtsprozess kam, an dem Louis in seiner Betroffenheit nicht teilnahm. „Hör‘ auf damit, dich immer in andere hineinzuversetzen, das macht mich wütend“, sagt Clara an einer Stelle. Als ob’s nicht das wäre, was not täte. „Im Herzen der Gewalt“ ist derart ein Plädoyer dafür, dass es aus der fatalen Karussellfahrt von Furcht zu Verachtung doch irgendwo einen Ausstieg geben muss.

Video: www.youtube.com/watch?v=_F8HZXnR6d4          www.schauspielhaus.at

TIPP: Édouard Louis‘ „Wer hat meinen Vater umgebracht“ am Volkstheater, Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=36159

  1. 11. 2019

Kosmos Theater: SHE HE ME

März 2, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein verpixeltes Gesicht bedeutet Gefahr

Platons Kugelmenschen, bevor Gott Zeus sie in zwei Hälften schnitt: Josef Mohamed, Alev Irmak und Sandra Selimovic. Bild: a.c.schiffleitner

Amahl Khouri beginnt bei den Kugelmenschen. Der Philosoph Platon legte den Mythos in seinem Dialog „Symposion“ einst dem Komödiendichter Aristophanes in den Mund, die Geschichte von den glücklichen drei Geschlechtern, männlich, weiblich, androgyn – deren Stärke Zeus zu fürchten begann, weshalb er sie in zwei Hälften zerschnitt. Seither, sagt die antike Legende, irren die Erdenkinder auf ebendieser herum, auf der Suche nach ihrer verlorenen Ganzheit …

„SHE HE ME“ heißt dieser Text, den Amahl Khouri, ein*e jordanische*r Autor*in und Theatermacher*in, schon als szenische Lesung an den Münchner Kammerspielen präsentierte; nun hat Regisseur Paul Spittler im Kosmos Theater kongenial die Uraufführung inszeniert. Über Jahre hinweg hat Khouri Gespräche mit Trans-, Inter- und Homosexuellen im arabischen Raum geführt, das Destillat daraus sind drei Figuren, Trans*mann, Trans*frau und eine non-binäre Person, Randa, Rok und Omar, dargestellt von Alev Irmak, Sandra Selimovic und Josef Mohamed. Und siehe, was in dieser erklärenden Einleitung nach bierernstem Proseminar in Sachen Genderproblematik klingt, entpuppt sich auf der Spielfläche als das genaue Gegenteil.

Rok erzählt der Mutter, dass sie als Mann leben möchte: Sandra Selimovic und Alev Irmak. Bild: a.c.schiffleitner

Omar wurde wieder einmal gedemütigt und geschlagen: Josef Mohamed. Bild: a.c.schiffleitner

Amahl Khouri hat mit diesem semidokumentarischen Stück eines geschrieben, das erschüttern und erheitern kann, die Sogwirkung des sprachmächtigen Skripts noch verstärkt durch das grandios intensive Schauspiel, das Komik und Tragik wunderbar in der Waage zu halten weiß. Khouris Kunst zwischen Witz und Wahnwitz der Situationen zu wechseln, verstehen der auch fürs Bühnenbild verantwortliche Paul Spittler und Modemacher Mael Blau optisch gekonnt umzusetzen. Mit Plüschtierberg und archaisch anmutenden Kostümen, diese allerdings in metallischen Pastellfarben. Derart changiert die Aufführung zwischen Körperperformance, Choreografie: Jasmin Avissar, Schattenspiel und den Videosequenzen von Oliver Stotz, zwischen Mutters theatralischen Brustschlägen, kuschelig-rosa Barbapapa und von Josef Mohamed frech verwendeten „Gay-Gesten“.

Zwischen Codes und Konnotationen und unverschämten Fragen zum Geschlecht – häufigst gestellte die, was man denn jetzt „da unten“ tatsächlich hätte. Denn während eine*r die Geschichte eines Charakters erzählt, schlüpfen die anderen beiden in die Rollen von Eltern, Brüdern, Polizisten, Imamen. Alev Irmak ist die algerisch-stämmige Randa, die vom Mann zur Frau werden will. Randa muss Hals über Kopf fliehen, Frau und Sohn zurücklassen, landet in einem libanesischen Männergefängnis, wird daraus befreit, kommt nach Wien, wo sie erstmals ganz als Frau in die Öffentlichkeit geht, und lebt nun in Schweden als politische Aktivistin – die erste Transsexuelle in einem dortigen Stadtrat. Was ihren Sohn betrifft, hofft sie, ihn vielleicht als „Witwe des verstorbenen Vaters“ eines Tages wiederzusehen.

Als Randa beschreibt Alev Irmak die beklemmende Begebenheit, wie sie es in der Inhaftierung, ständig sexuell bedrängt von den Mitinsassen, ohne Kopfbedeckung nicht wagt zu beten – bis ihr ausgerechnet Schwestern vom Orden der Mutter Teresa ein Tuch bringen. Als Roks Mutter wiederum liefert sie Stoff für die humorvollsten Szenen des Abends. Sandra Selimovic spielt den aus dem Libanon kommenden Rok, der seiner Familie zu versichern versucht, dass er sich als Mann fühlt. Ein Schritt, der erst gelingt, nachdem Rok zum Vater nach New Jersey auswandert. Als er die Mutter nachholt, gibt sie sein Geschlecht auf und sich Netflix hin.

Während Rok es ablehnt, sich zu verhüllen …: Sandra Selimovic und Josef Mohamed. Bild: a.c.schiffleitner

… ist Randa erleichtert, als sie im Gefängnis endlich ein Kopftuch erhält: Alev Irmak mit Josef Mohamed und Sandra Selimovic. Bild: a.c.schiffleitner

Neben Diskriminierungen und Drohungen, Schmach und Schande, befasst sich „SHE HE ME“ unter anderem auch mit dem schwulen Sexismus, mit der permanenten Selbstdisziplin Betroffener, mit dem Normierungsdruck. Das Bühnen-Trio wirft sich gleich übermütigen Kindern ins Teddybär-Gewimmel und rennt verzweifelt gegen die Wände an. Doch mehr Frei-Raum gibt es für sie nicht. Josef Mohamed sagt als schwuler Omar, sein Bruder würde ihn an der mentalen Hundeleine Gassi führen. Als jordanischer Ministersohn ist Mohamed entzückend.

So schön, wie der ägyptische Gesangsstar Oum Kulthoum will er sein, vor Klassenkameraden führt er exaltierte Fashionshows auf – und wird deshalb verprügelt. Nicht nur unter den Angehörigen stößt er auf Ablehnung bis hin zur Morddrohung, auch die Flucht in die homosexuelle Szene ermöglicht ihm kein Ausleben seines Selbstbildes, weil dort ebenfalls Erwartungen punkto Geschlechterrollen an ihn herangetragen werden. Was „SHE HE ME“ in diesen Momenten deutlich macht, ist, dass das Wesen eines Menschen ohnedies nur außerhalb seiner Biologie erfahrbar ist.

Am Ende folgt eine utopische Geburt, die Frage an die/den Doktor*in: „Was ist es denn?“ und die Antwort: „Da müssen wir warten, bis es sprechen und es uns mitteilen kann.“ Am Ende sieht man auf den Leinwänden die wirklichen Randa, Rok und Omar – eine Frau mit rotgetöntem Bob im Auto, einen Mann mit feschem Drei-Tage-Bart und fester Freundin, ein Gesicht verpixelt. Das macht unsagbar betroffen, weil man nachvollziehen kann, was das für Omars Leben bedeutet. Nämlich: Gefahr.

www.kosmostheater.at

  1. 3. 2019