Nobadi

September 30, 2019 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Karl Markovics‘ „Märchen vom schlechten Gewissen“

Heinrich Senft ist überzeugt, dass ihn der afghanische Flüchtling Adib Ghubar bestohlen hat: Heinz Trixner und Borhanulddin Hassan Zadeh. Bild: epo-film/Petro Domenigg/Thimfilm

Was die Tätowierung auf seinem Arm bedeute, fragt der alte Mann den jungen. „Nobadi“, erklärt der, sei der Laufburschenname, den ihm die deutschen NATO-Soldaten im Lager gegeben hätten – „damit sie, wenn ich sterbe, sagen können: „Nobody has died“. Da entblößt der Alte seine Achselhöhle, und zeigt mit einem unverblümten „Ich war auch in einem Lager“ seine SS-Blutgruppenkenn- zeichnung … Ein „Märchen vom schlechten Gewissen“ nennt Karl Markovics seinen Film „Nobadi“.

Am 4. Oktober kommt er in die Kinos, und für ihn hat Markovics die „Niemand“-Lüge, mit der der listenreiche Odysseus laut Homer den Zyklopen Polyphem übertölpelte, sowie dessen jahrzehntelange Odyssee als Metapher für das Schicksal von Flüchtlingen verwendet. Es war eine europäische Sicherheitskonferenz über die sogenannte „Flüchtlingswelle“, die Markovics zu dieser Geschichte veranlasste, ging es bei dem Treffen doch „nicht um die Sicherheit jener, die vor Krieg, Verfolgung, Elend, Hunger und menschlicher Erniedrigung nach Europa flohen, sondern um die Sicherheit unseres empfindlichen Wohlstandes“, so der Drehbuchautor und Regisseur.

Und Markovics weiter: „Ein Viertel Prozent weniger Wachstum bedrohen unseren Frieden offenbar mehr, als der Tod von Hunderttausenden. Die obszöne Umkehrung von Opfern in Täter, die bei dieser Sicherheitsdebatte mitschwang, erinnerte mich in fataler Weise an die Ideologie der Nationalsozialisten. Ich konnte mich des Gedankens nicht erwehren, dass das tausendjährige Reich zwar real nicht mehr existierte, im geistigen Bodensatz unseres Denkens aber immer noch vorhanden ist“.

Hier liegt bald der Hund begraben: Borhanulddin Hassan Zadeh und Heinz Trixner. Bild: epo-film/Petro Domenigg/Thimfilm

In einer Kleintierpraxis stiehlt Senft Medikamente für Adib: Heinz Trixner und Borhanulddin Hassan Zadeh. Bild: epo-film/Petro Domenigg7Thimfilm

Aus diesen Überlegungen zu ewiggestriger und gegenwärtiger Schuld, der Suche nach einer Möglichkeit zur Sühne, dem Wunsch nach wahrhafter Vergebung, entwickelte sich „Nobadi“, in dem Markovics Heinz Trixner als den 93-jährigen Altnazi Heinrich Senft und den afghanischen Schauspieler Borhanulddin Hassan Zadeh als Flüchtling Adib Ghubar, eine Lebenssituation, die Zadeh 2012 am eigenen Leib erfahren hat, aufeinandertreffen lässt. Senfts Hund ist in der Nacht gestorben, und als er ihn heimlich im Garten begraben will, bricht der Stiel der Spitzhacke.

Auf dem Rückweg vom Baumarkt, spricht ihn Adib wegen einer Arbeit an. Indem Markovics die Genregrenzen ins Allzuösterreichische ausdehnt, wird „Nobadi“ zum bizarren Buddy-Movie über zwei Menschen, die nichts gemeinsam haben, und dennoch für ein paar Stunden alles miteinander teilen. Beeindruckend ist, wie Trixner den unduldsamen, boshaften Charakter Senft, der den Flüchtling mit drei Euro Stundenlohn übers Ohr haut, ihm wegen „Dauertelefoniererei auf meine Kosten“ das

Handy abnimmt, ihn zum Essen von Schweinsfaschiertem zwingt, ihn sogar mit seiner Wehrmachtspistole bedroht, weil er ihm unterstellt, die Geldbörse, die er selber versteckt hat, gestohlen zu haben, zu einer Nächstenliebe finden lässt, die bis dato nur seinem Hund galt. Über dessen Verlust er, wenn unbeobachtet, denn doch Tränen vergießt.

Um nichts weniger als Heinz Trixner überzeugt Borhanulddin Hassan Zadeh bei diesem Infight zweier sturer Köpfe. Wie er sich von Senfts herrenrassistischem Kommandoton nicht aus der Ruhe bringen lässt, wie er die Demütigungen, auch die als einzige „islamadäquate“ Alternative zum Schweinernen hingestellte Hundefutterdose, mit Würde erträgt, ist sehenswert. Je länger „Nobadi“ läuft, desto erbarmungsloser entfaltet sich seine karge Poesie, der Film ist in der Art ohne inszenatorischen Schnickschnack, wie seine Protagonisten wortkarg und verschlossen sind. „Was haben Sie dort gemacht?“, will Adib die Lager-Bemerkung beantwortet haben. Darauf Senft: „Ob ich Juden umgebracht habe, willst du wissen? Für dich als Muslim muss das doch gut sein.“

Adibs Zustand verschlechtert sich: Borhanulddin Hassan Zadeh. Bild: epo-film/Petro Domenigg/Thimfilm

Also beschließt Senft das verletzte Bein zu amputieren: Heinz Trixner. Bild: epo-film/Petro Domenigg/Thimfilm

Klar, dass diese Konstellation eskalieren muss, worauf gemäß Markovics endlich die Katharsis einsetzt: Spätnachts nämlich findet Senft Adib vor Schmerzen zusammengesunken auf einer Bushaltestellenbank. Ohne Schlafplatz, doch mit einer schweren Fußverletzung, die er nicht in einem Krankenhaus behandeln lassen will, weil er fürchtet, dass das Spitalspersonal ihn als „Illegalen“ von der Polizei verhaften lässt. Da regt sich im Wienerherz, und sei es noch so golden, ein längst verschütt geglaubtes Mitgefühl. Gemeinsam suchen die beiden Männer Senfts Tierärztin auf, um sich bei dieser Hilfe zu holen.

Als die angesichts der tiefen Wunde die Rettung rufen will, endet es für die Veterinärin letal. Samt gestohlener Medikamente wieder zurück zu Hause, verschlechtert sich Adibs Zustand drastisch. Das Bein ist schon schwarz bis unters Knie, als Senft entscheidet, wozu sonst war er im Dritten Reich Sanitäter?, es abzunehmen. Eine Amputation mit Elektromesser und zwei Gabeln als Wundspreizer, die Plastiktischdecke, in die eben noch der tote Hund eingewickelt war, als OP-Unterlage – Bilder, die an den (Magen-)Nerven rütteln, in einer Story, die kaum auszuhalten ist.

Wenn Adib, damit er nicht ohnmächtig wird, Senft nun von Afghanistan berichtet, wo man entweder durch Selbstmordattentäter oder von den Taliban ermordet wird, sein Vater, seine Brüder tot, die Mutter darüber wahnsinnig geworden. Tatsächlich wie ein böses Märchen mag sich das für jene Ahnungslosen anhören, die die Gnade der Geburt in der Republik Österreich zur Welt kommen ließ, und die das alles für „Lügenmärchen“ halten, sind doch selbst etliche Entscheidungsträger hierzulande lautstark davon überzeugt, dass ihnen ein solches von Asylsuchenden prinzipiell aufgetischt werde. In diesem Sinn sarkastisch ist Adibs Schlusssatz: „Und wenn ich nicht gestorben bin, dann lebe ich noch heute …“

 

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  1. 9. 2019

Wie ich lernte, bei mir selbst Kind zu sein: Regisseur Rupert Henning über seine André-Heller-Verfilmung

Februar 18, 2019 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

„Werde nicht wie alle, die du nicht sein willst!“

Paul Silberstein, abenteuerhungriger Spross einer Wiener Zuckerbäckerdynastie, gestaltet sich eigene Wirklichkeiten: Valentin Hagg. Bild: © Dor Film

„Du bist ein seltsames Kind“, ist der Satz, den Paul Silberstein von den zu seiner Erziehung Berechtigten regelmäßig zu hören bekommt. Doch er, der sich selber den „funkelnden Hundling“ nennt, hat längst beschlossen, weder Familie noch den Internatspriestern zu folgen – im Sinne auch von: zu gehorchen. Eingesperrt ins strenge System einer Wiener Zuckerbäckerdynastie, macht sich deren abenteuerhungriger Spross auf, seine eigenen Wirklichkeiten zu entdecken.

Wozu ihm die Kraft der Fantasie und die Macht des Humors – und das von ihm festgeschriebene elfte Gebot „Du sollst dich selbst ehren“ verhelfen werden. Im Jahr 2008 erschien André Hellers entlang der persönlichen Biografie erdachte Erzählung „Wie ich lernte, bei mir selbst Kind zu sein“, die nun von Rupert Henning, der gemeinsam mit Uli Brée auch das Drehbuch verfasste, verfilmt wurde. Neben dem fabelhaften Filmdebütanten Valentin Hagg als Paul Silberstein spielen Karl Markovics, Sabine Timoteo, Udo Samel, Marianne Nentwich, Gerti Drassl, Marie-Christine Friedrich, Christoph F. Krutzler, Petra Morzé und Sigrid Hauser. Kinostart ist am 1. März. Rupert Henning im Gespräch:

MM: Sie haben sich sehr lange mit diesem Projekt befasst, beinahe zehn Jahre. Worin lag die nicht enden wollende Faszination in André Hellers Erzählung „Wie ich lernte, bei mir selbst Kind zu sein“?

Rupert Henning: Das Buch kam 2008 heraus und ich habe es bald danach gelesen. Aber für ein Filmprojekt braucht man immer einen langen Atem; so ein Film ist sozusagen ein nur langsam zu manövrierender Hochseetanker – noch dazu, wenn das Projekt für österreichische Verhältnisse ein so großes ist. Was heißt: Wir haben es majoritär österreichisch finanziert. Der Text von André Heller hat zwar einen klaren regionalen Bezug, ist aber gleichzeitig universell verständlich – und extrem ungewöhnlich. Ein Stoff, wie ich finde, der von der Machart her nicht alltäglich ist. Man findet im Rückblick auf die vergangenen dreißig Jahre österreichischer Literaturgeschichte nicht viele Bücher wie dieses. Daher hoffe und glaube ich auch, dass es nicht viele Filme wie den unseren gibt.

 MM: Machart bedeutet, dass das Buch gut zu verfilmen ist?

Henning: Ja, den Eindruck hatte ich sofort. Es hat einen klaren erzählerischen Kern – und mit dem Protagonisten Paul Silberstein eine Hauptfigur, die man sich merkt. Eine Figur, die auch unabhängig von André Heller funktioniert. Wenn man dessen Lebensgeschichte kennt, findet man natürlich Parallelen. Er selber schreibt ja in der Präambel, manche der geschilderten Begebenheiten hielt seine Kindheit für ihn bereit, aber die Oberhand beim Schreiben hatte die Fantasie. Darüber hinaus ist das Ganze überaus unterhaltsam, es ist wie etwa Torbergs „Tante Jolesch“ sehr kulinarisch. Aber wie Torberg schrieb, es ist ein Buch der Wehmut – und Wehmut kann lächeln, Trauer kann das nicht. Ebenso sehe ich das Heller-Buch.

 MM: Sie haben mit André Heller schon zwei Projekte gemacht. Wie hat er auf das Filmprojekt reagiert?

Henning: Positiv. Er hat gesagt: „Macht‘s!“ Außerdem hat er Uli Brée und mir beim Schreiben des Drehbuchs völlig freie Hand gelassen. Es gab von ihm zuvor auch schon ein Naheverhältnis zu den Produzenten Danny Krausz und Kurt Stocker, mit denen er selber Filme realisiert hat.

MM: Ihr Film hat etwas Kammerspielartiges. Würden Sie mir in dieser Beurteilung folgen?

Henning: Ja. Jedenfalls in gewisser Hinsicht. Der Film erzählt unter anderem von Enge – und Kammern sind nun einmal eng. Die Geschichte von Paul ist zunächst eine Geschichte der Einengung. Ein Bub, der witzig und fantasiebegabt und weltoffen ist, lebt in einer Familie, die das absolut nicht teilt, sondern ihm ständig sagt, was er nicht tun soll. Das klingt nach schwerem Drama, nach „Zögling Törleß“; meinem Co-Drehbuchautor Uli Brée und mir ging es aber vorrangig nicht darum, die Studie eines Knaben zu zeigen, der sich mit den Dämonen der eigenen Familie herumschlagen muss, sondern darum, eine Geschichte zu erzählen, die einen fesselt und packt und unterhält. Die hochemotionale und humorvolle Geschichte einer Befreiung.

MM: Der Film hat auch optisch eine ganz klare Dramaturgie …

Henning: … und zwar in der Art, wie die Farben erzählt werden. Bis zum Tod des Vaters ist alles ein wenig grau und duster – und dann geht halt die Sonne auf, wenn der Vater stirbt. Das klingt absurd, wenn man es so sagt, aber erst, als der dominante, sich selbst und die ganze Welt verachtende Patriarch nicht mehr ist, gehen plötzlich die Fenster auf und das Licht kann herein. „Wie ich lernte, bei mir selbst Kind zu sein“ ist ein Ermutigungsfilm, ein Befreiungsfilm.

Der tyrannische Vater Roman Silberstein leidet an seinem Zweiter-Weltkriegs-Trauma: Karl Markovics. Bild: © Dor Film

Skurrile Szene: „Nonne“ Gerti Drassl glaubt, der Papierflieger-Liebesbrief sei an sie abgeschickt worden. Bild: © Dor Film

MM: Wofür Sie den perfekten Hauptdarsteller gefunden haben. Welch ein Glück, Valentin Hagg gehabt zu haben!

Henning: Absolut. Wir haben uns hunderte Buben angeschaut, und Valentin stand am Ende als Wunschbesetzung fest, weil er so speziell ist, an dieser Schwelle vom Kind zum Jugendlichen. Er hat nie zuvor in einem Film mitgespielt, und er ist dennoch einer der besten Schauspieler, mit denen ich je zu tun hatte.

MM: Er spielt entfesselt. An die Sprache, daran, dass ein Kind sich so elaboriert ausdrückt, muss man sich allerdings gewöhnen.

Henning: Klar, alles an dieser Familie ist zunächst einmal eher ungewöhnlich, ist eine Maske – oder vielmehr eine Rüstung, eine Festung. Die Mutter stets perfekt, wie aus einem edlen Modekatalog, Bruder und Vater immer in maßgeschneiderten Anzügen, die Familienvilla wie ein Museum. Deshalb haben wir in der Hermesvilla gedreht, damit alles wie eine Inszenierung und unwirklich wirkt, solange Paul sich nicht befreien kann. Und so ist zunächst auch die Sprache – künstlich und unecht. Aber Paul findet am Ende seinen eigenen Ton, seine eigene Ausdrucksweise.

MM: Diese Festung schießen Uli Brée und Sie mit Szenen skurrilen Humors ein. Etwa, wenn Gerti Drassl als Nonne einen Papierflieger fängt, der ein Liebesbrief ist, den sie auf sich bezieht. Oder wenn Dominik Warta als Polizist seine Furcht erst verliert, als er erfährt, dass es den dämonischen alten Patriarchen nicht mehr gibt.

Henning: Solche Auflockerungen sind von André Heller schon so angelegt. Manche Szenen sind wie ein Mini-Horváth. Ödön von Horváth, Joseph Roth oder Helmut Qualtinger, mit dem er ja auch gearbeitet hat, sind, wie ich glaube, Leuchttürme, an denen Heller sich unter anderem orientiert. Er sagt über sich selbst, er ist in Wahrheit kein Mensch, sondern ein Wesen, das menschliche Erfahrungen macht und auf dem Planeten Erde ein Gastspiel in der Rolle André Heller gibt. Ich finde, er ist gewissermaßen eine multiple Persönlichkeit. Er spaltet sich in verschiedene Stellvertreter auf, die allesamt André Heller heißen und die er losschickt, damit sie für ihn in der Welt Eindrücke sammeln. In „Wie ich lernte, bei mir selbst Kind zu sein“ gibt er einen sehr tiefen Einblick in die Seele eines Kindes, das wie ein Schwamm Erlebnisse aufsaugt. Und zwar nicht nur das reine Quellwasser, sondern halt auch das Drecksgschloder, das aus der eigenen Familiengeschichte rinnt. Heller entwirft das elfte Gebot, das da lautet: „Du sollst dich selbst ehren.“ Und das Motto seines Helden heißt: „Werde nicht wie alle, die du nicht sein willst!“

MM: Eine starke Figur ist nicht nur Paul, sondern auch sein Vater Roman Silberstein, der sich mit einer unglaublichen Szene einführt. Karl Markovics spielt ihn zwischen tragischem Helden und Psychopathen.

Henning: Ich wollte schon sehr lange mit Karl Markovics arbeiten – und bei diesem Projekt war mir sofort klar, er gehört dazu. Karl hat zunächst gezögert – nicht, weil ihm die Rolle nicht interessant schien, sondern weil er erst einmal nicht auf den Gedanken gekommen ist, sie zu verkörpern. Es ist nun eine sehr eigenwillige Interpretation der Figur geworden; eine böse Figur, aber eben auch eine tragikomische – insofern, als dass Karl immer erspüren lässt, wie das Leben dieses Menschen auch hätte sein können. Roman Silberstein ist durch ihn nicht nur ein pathologischer Irrer, sondern er hat auch immer wieder Momente des Innehaltens. In der ersten Szene gleich, wenn er als Erklärung für die eigene Grausamkeit sagt: „Die Kriege machen das. Wenn du in ihnen bist, sind sie bald auch in dir. Und wenn sie außen endlich erlöschen, brennen’s in dir weiter.“ Karl zeigt, wie geistreich, wie schillernd diese Person hätte sein können, hätte ihr nicht der Zweite Weltkrieg und sein Schicksal als Flüchtling allen Glanz geraubt.

MM: Prägnant drückt das seine Verwandte Silbersteins aus, wenn sie sagt, er hätte es nicht geschafft, mit sich befreundet zu sein.

Henning: Das fällt ja auch vielen schwer – vor allem, wenn sie Traumatisches erlebt haben. Dazu eine Geschichte, an die ich oft denken muss: Ich habe einmal zwei Brüder kennengelernt, die beide in Auschwitz gewesen waren. Aus dem Älteren wurde nach der Befreiung 1945 ein lebensfroher, humorvoller, wenn auch nichts verdrängender Mensch. Der Jüngere blieb für den Rest seines Lebens ein schwarzes Loch der Traurigkeit. Ihre Erfahrungen waren nahezu identisch, aber als Menschen waren sie grundverschieden. Der ältere Bruder sagte mir irgendwann: „Ich kann es nicht erklären. Wir waren beide in Auschwitz. Aber in Wahrheit habe ich Auschwitz nie betreten. Und mein Bruder hat es nie verlassen.“ Menschen gehen unterschiedlich mit dem um, was man gemeinhin „Schicksal“ nennt. Umso wichtiger – und das erzählt der Film auch – ist es, dass jeder versucht, rauszufinden, was seine Wünsche sind, seine Bedürfnisse, seine Freiheiten. Der Film regt hoffentlich zu einem Selbstbewusstsein an, das kein polternder Ego-Trip ist, sondern eine Bewusstmachung der Dinge, die einen ausmachen.

MM: Heißt also, nicht wie Mutter Silberstein zu sein, die sagt, sie hätte alle Möglichkeiten, aber keinen einzigen Wunsch.

Henning: Genau. Für mich war es sehr beglückend, Elisabeth Heller persönlich kennenzulernen. Ich hatte eine wunderbare Begegnung mit ihr in Hellers Garten in Gardone. Im Vergleich zur Figur im Film war sie viele Schritte im Leben weitergekommen; sie war wirklich, wie André Heller sagt, ein Jahrhundertmensch. Was hat dieses Leben nicht alles umspannt! Elisabeth Heller hat alles erlebt – vom goldenen Käfig, über den Bankrott und die darauffolgende Selbstrettung bis hin zu einer vielleicht daraus resultierenden gewissen Milde und Abgeklärtheit im Alter.

MM: Was haben Sie durch solche Begegnungen gelernt?

Henning: Es geht uns so gut wie nie zuvor. Das ist der Grund, warum Entwicklungen durch Menschen wie Trump und Orbán so erschreckend sind. Demokratie ist nichts Selbstverständliches, man muss täglich darum ringen. Ich glaube nicht, dass morgen wieder braune Horden durch die Straßen ziehen, aber dass Freiheiten eingeschränkt werden, dass eine neue Angst die Leute leitet, das ist sehr wohl eine Tatsache. Und auch das behandelt dieser Film, weil er eigentlich sagt: „Lass dich nicht von falschen Sicherheiten kaufen!“ Das Denken, demzufolge man, solange man nichts macht, auch nichts falsch machen kann, ist verheerend. Der Paul Silberstein in uns sagt: „Sei nicht untätig! Überprüfe deine Träume!“ Der Heller würde das jetzt vermutlich so formulieren: „Überprüfe deine Träume in der Wirklichkeit auf ihre Statik – auch auf die Gefahr hin, dass ein paar von deinen Traumkartenhäusern in sich zusammenbrechen und du scheiterst. Aber wir lernen aus unserem Scheitern!

Als wär‘ es schon Flic Flac: Valentin Hagg veranstaltet als Paul Silberstein für sein geliebtes Mädchen ein Kopf-Varieté. Bild: © Dor Film

MM: Apropos, Traum: Die Schlusssequenz des Films ist einer, eine Flic-Flac-artige Szene, ein Zirkus. Warum?

Henning: Ganz einfach: Paul Silberstein verehrt ein Mädchen, das schwer krank ist. Er fragt sich: „Was ist zu tun?“ Und dann entscheidet er sich, dass er ihr Anwesenheit und Zeit schenken kann. Und seine Fantasie. Und so brennt er ein Feuerwerk aus fellini-esken Attraktionen ab. Ob sie’s gesehen hat oder nicht – man weiß es nicht.

Es ist ein Don-Quijote-Moment, dessen Entschlüsselung beim Publikum liegt. Noch eine Geschichte: Als mein Bruder klein war – er vielleicht vier, ich vierzehn Jahre alt – saßen wir oft zusammen in meinem Zimmer. Es war Herbst, tagelang herrschte dieser typische Klagenfurter Nebel, der einem bis in die Seele suppt. Es war ein trüber Tag und mein kleiner Bruder merkte wohl, dass ich nicht gut drauf bin. Da hat er mit einer Schere aus einem gelben Blatt Buntpapier eine kleine runde Scheibe ausgeschnitten. Eine Sonne. Die hat er dann an mein Fenster geklebt. Für mich ist das genau das, was Menschen mitunter können: Eine Buntpapiersonne aufkleben, wenn der Nebel ins Gehirn suppt. Man kann das eskapistisch nennen. Was André Heller schon sein Leben lang macht, ist vielen möglicherweise zu schwül, zu eklektizistisch, zu … was auch immer. Ich glaube an die Wirkung solcher Buntpapiersonnen. Manchmal helfen sie, manchmal nicht. Heller ist neben einer polarisierenden, vielschichtigen Figur auch ein fortwährendes öffentliches Scheitern, aber oft auch ein Gelingen – und von solchen Figuren gibt’s nicht viele. Schon allein deshalb finde ich ihn toll.

 MM: Man darf die Realität nicht ausblenden, man muss aber auch die Fantasie leben?

Henning: Das ist das, was dieser Film unter anderem erzählen soll. Aber nicht als verzopfter Fantasie-Poesie-Quatsch, sondern in einer klaren, identifizierbaren Form.

 MM: Sie haben im Sommer mit der Produzentin Isabelle Welter die WHee-Film gegründet. Was erwartet uns da? Werden Sie dort Ihr nächstes Projekt realisieren?

Henning: Nächste Projekte, wie ich hoffe. Ich finde den Plural in dem Zusammenhang schöner. Die WHee-Film ist entstanden, weil Isabelle und ich befunden haben, dass wir allmählich erwachsen genug sind, um selbst Verantwortung zu übernehmen – auch in produzentischer Hinsicht. Und weil wir sehr viele Projekte im Kopf haben, die wir gerne entwickeln würden. Zusammen mit verschiedenen Partnerinnen und Partnern – Hand in Hand sozusagen. Es gibt mehrere Ideen, Stoffe, die noch in der Entwicklung beziehungsweise in der Finanzierungsphase sind. Ein ganz konkretes Projekt, das wir gemeinsam mit der „Metafilm“ und mit „Gebhardt Productions“ machen wollen, ist „Mein Ungeheuer“ von Felix Mitterer. Das begleitet mich schon sehr lange. 2005 habe ich Felix in Irland besucht und er hat uns die Rechte gegeben. Es ist ein famoser, sehr packender, fast schon archaischer Stoff über die Ungeheuer in uns selbst, über Gut und Böse und über die Kraft der Liebe, die vielleicht die einzige Brücke über die Abgründe ist, die sich manchmal zwischen uns Menschen auftun.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=D5BU4pqjf-E          wieichlernte.at          www.wheefilm.com

18. 2. 2019

Murer – Anatomie eines Prozesses

März 13, 2018 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Freispruch für den Schlächter von Vilnius

Karl Fischer (Mitte) als Franz Murer. Bild: © Ricardo Vaz Palma / Prisma Film

„Schreiten in die neuen Zeiten, Hand in Hand mit alten Nazis“, sagt der Journalist zum Politiker. Ein Satz, der klarstellt, was Regisseur Christian Frosch am Thema interessierte, nämlich „weniger, zum wiederholten Male die Verbrechen des NS-Regimes nachzuerzählen, sondern genau hinzusehen und zu verstehen, wie sich die Täter und die Opfer in der Republik Österreich darstellten und darstellen. Das Spannende ist, wie das österreichische Nationalnarrativ funktioniert“,

so der Filmemacher. „Es basiert keineswegs auf Verdrängung. Es wurde bewusst gelogen, verschleiert, verbogen und gesteuert. Nur so konnte man Täter zu Opfern machen und die Opfer zu den eigentlich Schuldigen erklären …“ Ein brisanter Gerichtsthriller eröffnet heute Abend die diesjährige Diagonale, landesweiter Kinostart ist am Freitag. Graz 1963. Der angesehene steirische Lokalpolitiker und Großbauer Franz Murer steht wegen schwerer Kriegsverbrechen vor Gericht. Die Beweislage ist erdrückend. Doch in den Zentren der Macht will man die dunklen Kapitel der eigenen Geschichte endgültig abschließen. Der braune Bodensatz klebt fest in der Politik, in den Ministerien, latenter und offener Antisemitismus regiert. Murer wird schließlich auf Intervention, aufgrund einer „Weisung aus Wien“, so stellt es der Film dar, freigesprochen werden.

Anhand der originalen Gerichtsprotokolle eines der wohl größten Justizskandale der Zweiten Republik zeichnet Frosch den Fall Murer nach, eines Mannes, der von 1941 bis 1943 als „Schlächter von Vilnius“ einer der Hauptverantwortlichen für die Vernichtung der Juden in der heutigen litauischen Hauptstadt war. Simon Wiesenthal stolperte bei seiner Suche nach Adolf Eichmann fast zufällig über den mit Frau und Kindern unbehelligt in Gaishorn lebenden, als Sadist verschrieenen Verbrecher. Unzählige Überlebende der Shoah reisten an, um auszusagen und späte Gerechtigkeit zu erwirken – vergebens.

„Ich habe nur meine Pflicht erfüllt“, sagt Schauspieler Karl Fischer als Franz Murer. Dazu fährt die Kamera von Frank Amann über die Gesichter der Geschworenen und des Publikums. Da lacht der eine oder andere, nickt zustimmend, skeptisch, ungläubig, erschrocken wird auf die Zeugenaussagen reagiert. Kaum einer im Saal will mehr wahrhaben, was nicht gewesen sein darf. Was Wunder, hat man doch selbst „dem Herrn Mandelbaum günstig das Geschäft abgekauft“. Dazu eine Geräuschkulisse, die einen erschaudern lässt. Ein Orchester beim Einstimmen, Kakophonie und dazu – Schreie, Schüsse? Frosch ist ein atmosphärisch dichter, ein intensiver Film gelungen, seine protokollarische Vorgehensweise ändert nichts daran, wie hochemotional die Sache wird.

Karl Markovics als Simon Wiesenthal. Bild: © Katharina F. Roßboth / Prisma Film

Inge Maux tritt als Zeugin auf. Bild: © Patricia Peribanez / Prisma Film

Erschreckend, wie schlecht mit den Zeugen umgegangen wurde, wie Murers Verteidiger sie unglaubwürdig macht, nur weil sie sich an die kleinste Kleinigkeit nach so langer Zeit nicht mehr erinnern können. Erschreckend auch die Scham und Verzweiflung der Überlebenden. Im Zeugenstand können sie ihre Rage kaum verbergen, wenn sie in Murer den Mörder von früher erkennen, brechen in Tränen aus, als sie berichten müssen, was er ihnen und ihren Nächsten angetan hat – und werden abgekanzelt, weil sie nicht die genaue Farbe von Murers Uniform wissen.

Mit Hintergrundsequenzen und parallelen Handlungssträngen im Umfeld des Prozesses, etwa, wenn die Zeugen mit den Mitläufern gemeinsam mit Gasthaus sitzen müssen, kombiniert Frosch die Szenen im Gerichtssaal zu einem erschütternden postnazistischen Zeitbild. Zum miefigen Sozialpanorama eines 190er-Jahre-Österreich. Samt (damals also auch) „Lügenpresse“-Paranoia. „Österreich hat keine Seele und keinen Charakter. Österreich besteht aus Tätern, Zuschauern und Opfern“, zieht Frosch ein düsteres Resümee aus seiner Arbeit am Film.

„Wir müssen uns endgültig von der Vorstellung verabschieden, dass der Patient Österreich nur die Fakten in sein Bewusstsein integrieren muss, um den Heilungsprozess einzuleiten. Die Tatsachen waren und sind bekannt.“ Neben Karl Fischer, der Murer beinah regungslos, mit angespannter Zurückhaltung verkörpert, mehr Floskel und Fassade als tatsächlicher Mensch, brilliert eine Riege österreichischer Schauspieler: Klaus Rott, Susi Stach, Inge Maux, Robert Reinagl, Franz Buchrieser, Erni Mangold, Christoph F. Krutzler … Karl Markovics spielt den als Aggressor verunglimpften Simon Wiesenthal. Am Schluss noch einmal ein Zitat, diesmal der Politiker zum Journalisten über dessen Berichterstattung zum Prozess: „Das Bravo der linksgerichteten Intellektuellen bringt uns im Gemeindebau keinen Meter weiter.“ Wie furchtbar zeitnah dieser Film doch ist.

www.murer-film.com

  1. 3. 2018

Nebel im August

Oktober 5, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein stiller Film über die NS-Kindereuthanasie

Ernst Lossa durchschaut das Mordsystem von Dr. Veithausen: Ivo Pietzcker und Sebastian Koch. Bild: © Filmladen Filmverleih

Ernst Lossa durchschaut das Mordsystem von Dr. Veithausen: Ivo Pietzcker und Sebastian Koch. Bild: © Filmladen Filmverleih

Kinder laufen lachend zwischen frisch gewaschenen Bettlaken umher. Der kleine Friedhof hinter dem schlossartigen Gebäude wird größer. Aus dem fernen, orangefarbenen Himmel hört man das Donnern der Alliiertenbomber. Die Rettung naht. Doch der kleine Friedhof hinter dem schlossartigen Gebäude wird größer …

Nur wenige solcher Illustrationen gestatten sich Regisseur Kai Wessel und sein Kameramann Hagen Bogdanski für die Ausgestaltung ihres Films. „Nebel im August“, ab Freitag in den heimischen Kinos, erzählt von einer der scheußlichsten Untaten des Dritten Reichs, erzählt von der NS-Kindereuthanasie, und er tut das unaufgeregt, nie pathetisch – und daher umso wirkungsvoller. Wessel ist ein ruhiger, stiller Film gelungen, wie anders könnte man versuchen etwas über das Unsagbare zu sagen?

Die Geschichte ist wahr. Michael von Cranach, Experte zur Psychiatrie im Dritten Reich und den Verbrechen, die in ihren Einrichtungen begangen wurden, befasste sich in seiner Zeit als ärztlicher Direktor des Bezirkskrankenhauses Kaufbeuren mit der Vorgeschichte dieser Klinik im Nationalsozialismus – und stieß dabei auf die Akte Ernst Lossa. 2008 veröffentlichte Robert Domes den Tatsachenroman „Nebel im August“, nun der Film. Ernst, 13 Jahre alt, ein „Jenischer“, der Vater deshalb schon bald im KZ, ist ein ungemein kluger, ergo unangepasster Bub. Die Kinder- und Erziehungsheime, in denen er aufwächst, haben ihn als „nicht erziehbar“ eingestuft und schieben ihn schließlich wegen seiner rebellischen Art in ein Institut für Behinderte ab. Nach kurzer Zeit bemerkt er, dass unter der Klinikleitung von Dr. Veithausen Insassen getötet werden. Er setzt sich zur Wehr und versucht, den Patienten und Mitgefangenen, Großteils Kinder und Jugendliche, zu helfen. Womit er sich in Lebensgefahr bringt.

Es hätte ihn beim Lesen der Krankenakte beeindruckt, wie wissend dieser Knabe geschaut habe, sagt Cranach. Keinen besseren Darsteller für Ernst Lossa hätte man finden können, als den 12-jährigen Berliner Schauspieler Ivo Pietzcker. Sein kraftvolles Spiel fährt direkt unter die Haut. Wie er erst schreit „Ich gehör‘ hier nicht her“, weil ihm vor den „Idioten“ graust, bis er begreift, dass hier einer helfen muss. Und so wird aus Ernst, dem Überlebenskünstler, der schlau auf brenzlige Situationen reagiert, eine Art Messiasgestalt für die Insassen. Am Ende, ein letztes Bild, regnet es Fische. Pietzcker ist beeindruckend, seine Mimik, seine beredten Augen; angesichts der großen Ernsthaftigkeit, bangt man mitunter darum, ob in diesem Talent noch genug Kind steckt …

Sebastian Koch gibt den Dr. Veithausen als Wolf im Schafspelz. Mit genialer Ambivalenz changiert er zwischen charmantem Anstaltsvater und selbst ernanntem Erlösergott, zwischen Karrierist und Überzeugungstäter. Ganz Eugeniker ist er von der Idee der „reinen Rasse“ überzeugt – Koch spielt das Grauen der NS-Todesmaschinerie subtil, als Subton, so wie der ganze Film nie mit Nazisymbolik um sich wirft, geht auch er nie in die Klischeefalle, spielt nie schwarzweiß, sondern alle Schattierungen von Grau.

Und während er versucht, den kleinen Patienten Gutes zu tun, ...: Carla Karsten mit Ivo Pietzcker. Bild: © Filmladen Filmverleih

Während Ernst versucht, den kleinen Patienten Gutes zu tun, …: Carla Karsten mit Ivo Pietzcker. Bild: © Filmladen Filmverleih

... bringt Schwester Edith (Henriette Confurius) den tödlichen Himbeersaft. Bild: © Filmladen Filmverleih

… bringt Schwester Edith (Henriette Confurius) den tödlichen Himbeersaft. Bild: © Filmladen Filmverleih

Bis in kleinste Rollen ist „Nebel im August“ vorzüglich besetzt. Branko Samarovski ist als Hauswart Mitwisser, aber nicht Mitläufer, einer eben, der sich gegen das System nicht wehren kann. Karl Markovics hat als Ernsts Vater nur einen kurzen Moment, da versucht er einmal noch sein Kind zu sich zu holen.  Doch weil er Jenischer ist, sei Ernst ohnehin nicht sicher bei ihm, sagt Veithausen – und Markovics sind der drohende Horror und Tod, die Demütigung und Angst ins bereits eingefallene Gesicht geschrieben. Thomas Schubert und David Bennent sind das Gegensatzpaar Pfleger – Patient, der eine hinkt, passt sich aus Angst deshalb an?, der andere lebt seine archaischen Gefühle aus. Wie sich Bennent über die Leiche eines ermordeten Mädchens wirft, beschuldigt, um sich schlägt, schließlich niedergespritzt wird, das ist eine der eindrücklichsten Szenen im Film.

Die beiden Frauenrollen sind, sucht man denn etwas zu kritisieren, ein wenig stereotyp geraten. Henriette Confurius als der schöne, kalte Todesengel Schwester Edith und Fritzi Haberlandt als Ordensfrau Sophia, die mit ihrer Fürsorge versucht zu retten, was nicht zu retten ist – und ergo zu Tode kommen muss. Als Statisten fungieren viele behinderte Kinder, Jugendliche und Erwachsene, die aus Theater- und Wohngruppen kommen. Ihnen schenkt der Film seine Sympathie.

Mehr als 200.000 behinderte und kranke Kinder und Erwachsene wurden zwischen 1939 und 1945 in deutschen Nervenkliniken getötet, weil die Nazis ihr Leben als „unwert“ abtaten. Die Täter kamen mit Bagatellestrafen davon, die realen Vorbilder für Dr. Veithausen und Schwester Edith gingen schon kurz nach dem Krieg wieder ihren Berufen nach. Siehe Heinrich Gross. Man wolle aber, so Sebastian Koch im Gespräch mit mottingers-meinung.at, mit dem Film vor allem eine Brücke ins Heute schlagen. Sei doch die Frage, was lebenswertes Leben ist, angesichts von Pränataldiagnostik und Diskussionen um Spätabtreibung oder Sterbehilfe hochaktuell. „Meine Einstellung zu all diesen Fragen“, sagt Koch, „hat sich während unseres Drehs sehr verändert.“

Sebastian Koch im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=23294

www.nebelimaugust.de

Wien, 5. 10. 2016

Nebel im August: Sebastian Koch im Gespräch

Oktober 4, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Der Star in einem Film über die NS-Kindereuthanasie

Sebastian Koch als Dr. Werner Veithausen. Bild: © Filmladen Filmverleih

Sebastian Koch spielt den aus vier real existiert habenden Medizinern geschaffenen NS-Euthanasiearzt Dr. Werner Veithausen. Bild: © Filmladen Filmverleih

„Nebel im August“, ab 7. Oktober in den heimischen Kinos, das ist ein Film nach einer wahren Begebenheit, in Süddeutschland, Anfang der 1940er-Jahre. Der 13-jährige Ernst Lossa, ein „Jenischer“, der Vater deshalb im KZ, ist ein ungemein kluger, ergo unangepasster Bub. Die Kinder- und Erziehungsheime, in denen er aufwächst, haben ihn als „nicht erziehbar“ eingestuft und schieben ihn schließlich wegen seiner rebellischen Art in ein Institut für Behinderte ab.

Nach kurzer Zeit bemerkt er, dass unter der Klinikleitung von Dr. Veithausen Insassen getötet werden. Er setzt sich zur Wehr und versucht, den Patienten und Mitgefangenen, Großteils Kinder und Jugendliche, zu helfen. Womit er sich selbst in Lebensgefahr bringt. Michael von Cranach, Experte zur Psychiatrie im Dritten Reich und den Verbrechen, die in ihren Einrichtungen begangen wurden, befasste sich in seiner Zeit  als ärztlicher Direktor des Bezirkskrankenhauses Kaufbeuren mit der Vorgeschichte dieser Klinik im Nationalsozialismus – und stieß dabei auf die Akte Ernst Lossa. In der Regie von Kai Wessel spielt ihn nun der 12-jährige Berliner Schauspieler Ivo Pietzcker. Außerdem spielen Fritzi Haberlandt, Branko Samarovski, Karl Markovics, David Bennent und Thomas Schubert. Sebastian Koch schlüpft in die Rolle des Dr. Veithausen. Ein Gespräch:

MM: Darf ich mit einer persönlichen Frage beginnen? Wie war’s am Set mit diesen vielen fröhlichen Kindern, in dem Wissen, dass etliche von ihnen das Dritte Reich nicht überlebt hätten?

Sebastian Koch: Schön, dass wir damit anfangen, denn mit den Kindern, und vor allem mit den behinderten Kindern zu arbeiten, war für mich das Schönste und Tollste an dem Projekt. Die Dreharbeiten gingen über zwei Monate, da entwickelt sich schon fast so etwas wie eine Familie. Man denkt ja von sich selbst immer, dass man so souverän und ungezwungen sei, und zum Teil mag das auch stimmen, aber hier war’s doch auch etwas anderes. Man tritt auf eine ganz andere Art und Weise in Kontakt, als man das sonst tut. Da kamen für mich ganz neue Fragen auf: Beispielsweise, wenn ich ein Kind tragen musste, und darüber nachdachte, wie ich es anfasse, ohne ihm weh zu tun. Daran sieht man, wie wenig wir doch über Behinderungen wissen und wie sehr unsere Gesellschaft diesem Thema nach wie vor aus dem Weg geht. Man scheut sich davor, Fehler zu machen, gerade weil man so wenig Information hat. Mir hat es sehr gut getan, das einmal so nah miterleben zu dürfen, welch bezaubernde Menschen Kinder mit Down-Syndrom sind, gerade weil sie so ungefiltert reagieren und pure Emotion leben. Sie haben eine sehr klare Wahrnehmung – und das macht unglaubliche Freude.

MM: Die Erfahrung zeigt ja, dass die Kinder mit uns viel unverkrampfter sind, als wir mit ihnen.

Koch: Absolut. Die haben überhaupt kein Problem. Eher haben wir das Problem, weil wir so wenig wissen. Durch Unsicherheit, durch Unwissenheit und Ängste ziehen wir uns fast reflexartig vor behinderten Menschen zurück.

MM: Sie spielen im Film Dr. Veithausen, ein Konglomerat aus real existiert habenden NS-Euthanasieärzten. Was ist der? Überzeugungstäter, Karrierist, glaubt er sich als gottgleichen Erlöser oder ist er Eugeniker?

Koch: Er kommt sicher aus der Eugenik. Das war ja Ende des 19. Jahrhunderts ein gesellschaftlich absolut relevantes Thema, basierend auf dem Sozialdarwinismus, der die Erbgesundheitslehre der damaligen Zeit bestimmt hat. Die Menschen waren davon überzeugt, sie machen in diesem wissenschaftlichen Bereich etwas Gutes, indem sie positives Erbgut fördern und damit den besseren Menschen erfinden. Das hat mit den Nazis per se erstmal gar nichts zu tun gehabt.

MM: In Österreich gab’s Sozialdemokraten, die der Eugenik anhingen. Allerdings wollten die durch Aufklärung über Verhütung oder Hygiene riskante Schwangerschaften verhindern, nicht geborenes Leben vernichten.

Koch: Die Nazis haben diese Geistesströmung zu ihrem Zweck missbraucht, haben 1933 mit den „Gesetzen zur Verhütung erbkranken Nachwuchses“ begonnen, um Schwangerschaftsabbruch zu legitimieren und Zwangssterilisation einzuführen. Alles gesetzlich legalisierte Vorgänge, die die Nazis letztlich dazu benutzt haben, eine „reine Rasse“ entwickeln zu können. Damit wurde eine Mordwaffe geschaffen, die bis zum Exzess angewandt wurde. Aber was mir eher wichtig war, worum ich Produzent Ulrich Limmer und Regisseur Kai Wessel gebeten habe, war, dass wir den Film optisch nicht zu sehr im Nazi-Milieu ansiedeln, also dass es keine Hakenkreuzfahnen und anderen  NS-Symbole gibt. Aus heutiger Sicht sehen wir zwar die Monster, aber damals waren sie nicht als Monster erkennbar. Veithausens Vorbild wird von Zeitgenossen und von seinen Mitarbeitern im Institut als netter, zugänglicher Mensch beschrieben. Zwar hat „Tiergarten vier“, das Berliner Büro die Tötungen vorgeschrieben, aber Menschen wie Veithausen haben dann die Entscheidung getroffen, wer leben darf und wer sterben muss. Für ihn war das ein medizinischer und gesellschaftlicher Durchbruch, weil er davon überzeugt war, er habe als Mediziner den richtigen Blick auf seine Patienten.

MM: Die Darstellung der Geschichte basiert auf dem gleichnamigen Tatsachenroman von Robert Domes und der Forschung von Michael von Cranach. Er war ärztlicher Direktor des Bezirkskrankenhauses Kaufbeuren und fand die unaufgearbeiteten Euthanasie-Akten. Die Täter kamen mit Bagatellestrafen davon. Was wurde aus dem damaligen Anstaltsleiter?

Koch: Er hat drei Jahre bekommen, wurde aber wegen Haftunfähigkeit frühzeitig entlassen und ist später in Ehren gestorben. Ich glaube, dass er sogar wieder praktiziert hat. Die Krankenschwester, die bei uns Edith heißt und die den Kindern den tödlichen Himbeersaft verabreicht, hat nach relativ kurzer Zeit auch wieder gearbeitet. Die Entnazifizierung in Deutschland ist ja insgesamt relativ nachlässig verlaufen. Ich glaube, der Anstaltsleiter hatte in seiner Verwandtschaft auch ein behindertes Kind, was im Drehbuch weggelassen wurde. Obwohl ich mir gewünscht hätte, dass wir es erzählen, weil es der Geschichte noch eine Nuance mehr gegeben hätte.

MM: In Kaufbeuren wurde auch die E-Kost erfunden?

Koch: Die Entzugs-Kost ist eine entsetzliche Perversion, Patienten beim Essen verhungern zu lassen, indem die Nahrung, die sie zu sich nehmen, keine Nährstoffe mehr enthält. Menschen, die sich so etwas ausdenken sind „ver-rückt“, in dem Sinne, dass sich ihre Wahrnehmung verrückt hat. Solch ein Mensch sieht dann die Dinge, die er tut, als in sich logisch und berechtigt an und benimmt sich dadurch auch nicht auffällig, weil er erst gar kein schlechtes Gewissen hat. Diese verrückte Wahrnehmung und die gleichzeitige Logik, die in dieser Wahrnehmung liegt, so genau und intensiv und in sich stimmig wie möglich darzustellen, das war und ist meine Aufgabe als Schauspieler. Aus seiner Sicht hat also Veithausen mit der E-Kost etwas unglaublich Tolles erfunden. Er liebt seine Patienten, er ist sogar ein guter Anstaltsleiter, er spielt mit den Kindern, dreht sie im Kreis, aber gleichzeitig sieht er einen vermeintlich Unheilbaren, der ein Bett belegt anstelle eines anderen, der vielleicht noch eine Chance hat. Also „erlöst“ er ihn von seinen Leiden. Ich stelle Veithausen nicht aggressiv und bösartig dar, sondern als ein Mensch, der an sich glaubt und meint, das „humane“ Sterben für etwas Gutes zu ermöglichen. Für ihn ist langsam verhungern humaner als die spastischen Krämpfe, die durch Barbiturate ausgelöst werden.

MM: Wie war es mit Ivo Pietzcker, der den Ernst Lossa spielt, zu arbeiten?

Koch: Ivo ist in dem Sinne gar kein Kind mehr, er hat eine geradezu erwachsene Wahrnehmung. Man kann Dinge miteinander entwickeln, gemeinsam erfinden, das hat mich sehr erstaunt. Es war schön, mit ihm zu spielen. Wohingegen die Kinder mit Down-Syndrom einfach richtig loslegen. In der Szene, in der ich dem kleinen Toni ein Spielzeug schenke, rief von hinten immer ein anderer: Meiner! Meiner! Darauf zu reagieren, macht riesigen Spaß, weil alles immer so spontan daherkommt und man vor laufender Kamera schnell reagieren muss. Mit Ivo wiederum gibt es den Schlüsselmoment am Grab von Schwester Sophia, wo Ernst Lossa dem Veithausen „Mörder!“ ins Gesicht schreit. Und da entgleisen dessen Gesichtszüge, sie erkalten, werden hart und unsympathisch. Das ist die Szene, in der Veithausen tatsächlich zum Mörder wird, vorher war er der „Erlöser“.

Veithausen gaukelt den Kindern Väterlichkeit vor: Koch mit Frizi Haberlandt als Schwester Sophia. Bild: © Filmladen Filmverleih

Veithausen gaukelt den Kindern Väterlichkeit vor: Koch mit Fritzi Haberlandt als Schwester Sophia. Bild: © Filmladen Filmverleih

Doch der Knabe Ernst Lossa (Ivo Pietzcker) durchschaut sein Spiel. Bild: © Filmladen Filmverleih

Doch der Knabe Ernst Lossa (Ivo Pietzcker) durchschaut seine Vorgehensweise. Bild: © Filmladen Filmverleih

MM: Denn, um es hier kurz zu sagen, das Ende für Ernst ist kein gutes.

Koch: Rettung aus diesem Mordapparat wäre auch nicht möglich gewesen. Ernst versucht zwar zu flüchten, aber auch das misslingt. Aber darum geht es auch nicht. Es geht in diesem Film darum, wie Ernst Losssa mit Kinderaugen das System entlarvt, in das er eigentlich zunächst eingearbeitet werden soll. Er wird für Veithausen zu einem revolutionären Widerpart, zum Sand im Getriebe. Und am Ende steht er als Prinzip Hoffnung wieder auf. Wenn man’s denn so sehen will.

MM: In Österreich ist die NS-Euthanasie durch Friedrich Zawrel und die Spiegelgrund-Debatten als Thema in der Öffentlichkeit präsent. Wie ist das in Deutschland? Wird Ihr Film Aufklärungsarbeit leisten?

Koch: In Deutschland ist es kein großes Thema. Die Dopplung Nationalsozialismus und Behinderung, also vermeintlich „unwertes Leben“, da will man überhaupt nicht ran. Ich hoffe, dass der Film das ändert. Man muss sich damit beschäftigen, denn diese Taten hängen in unserer Gesellschaft bis heute nach.

MM: Hängen über ihr als Glocke, die unseren Umgang mit Themen von Pränataldiagnostik bis Sterbehilfe beeinflusst.

Koch: Dazu wollte ich dringend noch kommen, denn das ist der eigentliche Grund, warum ich den Film gemacht habe: Um die Brücke zum Heute zu schlagen. Um zu zeigen, was daran für uns immer noch relevant ist. Wenn man rein an die wissenschaftliche Lehre der Eugenik glaubt, und dazu die moderne Pränataldiagnostik nimmt, ist das vom Grundgedanken her erschreckend nah beieinander. Die Pränataldiagnostik hat große Vorteile, birgt aber auch die große Gefahr, dass sie perfide und gegen jegliche Ethik einsetzbar ist. Da muss, glaube ich, per Gesetz darauf zu achten sein, dass es sich nicht plötzlich in eine Richtung bewegt, eine, die den perfekten Menschen schaffen will. Die medizinische Forschung ist schon auf dem Weg dazu. Das bringt meiner Meinung nach die gesellschaftliche Balance ins Ungleichgewicht; die Natur aber sieht vor, dass wir alle unterschiedlich sind.

MM: Und am anderen Ende der Fahnenstange? Würden Sie sich wünschen einmal vor Schmerzen, Siechtum … erlöst zu werden?

Koch: Wenn Sie auf die Sterbehilfe hinaus wollen, da haben wir in Deutschland und Österreich durch die Nazi-Zeit natürlich zu Recht Manschetten. Ein weiterer Grund, warum dieser Film so wichtig ist, ist die Frage, wann Leben lebenswert ist und wann es das vielleicht nicht mehr ist. Das darf keine Institution entscheiden, keine dritte Kraft. Das muss immer jeder für sich selber entscheiden dürfen. Ich selbst bin auch ein erklärter Gegner der Todesstrafe. Menschen dürfen nicht über anderer Menschen Leben und Tod urteilen, wer leben darf und sterben muss. Das ist für mich mit meiner ethischen Grundhaltung überhaupt nicht vereinbar. Wichtig finde ich, dass der betroffene Mensch selbst, genauso wie betroffene Eltern von Kindern mit Down-Syndrom, ein Recht haben über ihr Leben zu entscheiden.

MM: Haben Sie mit Eltern gesprochen?

Koch: Ich habe die Eltern unserer kleinen Schauspieler gefragt, wie das war, als sie in der Pränatalphase die Diagnose bekamen: Durch die Bank sagten sie, die Ärzte hätten ihnen dringend davon abgeraten, ihr Kind zur Welt zu bringen. Ganz im Sinne von: Tun Sie sich das nicht an. Was natürlich in einem Entscheidungsfindungsprozess fatal ist, da Ärzte immer noch eine Instanz sind, der man vertraut und auf die man hört, und viele sich ablenken lassen von der Freiheit der eigenen Entscheidung. Man muss sich aber seine Gedanken selber machen und ein Gefühl für die Situation entwickeln dürfen. Die Entscheidung muss in der Familie bleiben, die kann nicht an ein Krankenhaus oder eine Instanz gehen. Wenn man mit diesen Kindern so viel Kontakt hat, wie ich jetzt mit diesen Kindern hatte … meine Einstellung zu all diesen Fragen hat sich während unseres Drehs sehr verändert.

MM: Um noch ein anderes Thema anzuschneiden: Sie kommen Ende Oktober mit einem weiteren Film in die Kinos, „Im Namen meiner Tochter – Der Fall Kalinka“. Erzählen Sie etwas zur Figur Dr. Krombach?

Koch: Ja, lassen Sie uns das kurz halten. Es geht um einen realen Kriminalfall, Krombach soll ein Mädchen, seine Stieftochter, ermordet haben und es gibt viele Ungereimtheiten in dem Fall. Jedenfalls wurde er verurteilt, ist jetzt 81 Jahre alt und sitzt in einem französischen Gefängnis. Auch er ist ein Ver-rückter mit ver-rückter Realitätswahrnehmung. Mir macht es Spaß als Schauspieler, in so eine Parallelwelt einzusteigen, und ich versuche, die verquere Logik dieser Figuren zu finden. Krombach war als Monster auch nicht erkennbar. Da frage ich mich, wie man solch eine Tat begeht, ohne auch nur ein schlechtes Gewissen oder einen Unrechtssinn zu haben. Das sind vielleicht die Parallelen zu Veithausen, mehr ist da nicht.

MM: Sie drehen viel, allein für 2016 sind’s schon drei Filme, …

Koch: … wobei ich in Projekten wie „Bridge of Spies“ oder „The Danish Girl“ nur kleine Rollen hatte. Da macht man mit, weil man gerne mit dem Regisseur arbeiten möchte oder einen das Thema interessiert.

MM: … was ist denn Ihr Motor?

Koch: Solche Gespräche hier zu führen. In denen man vertiefen kann, was auf der Leinwand zu sehen ist. Da durchbricht ein Kind die Gesetze eines Systems; auch wir leben in Systemen, die über weite Strecken fragwürdig sind, da sollte man mal ansetzen nachzudenken und Gegenbewegungen zu starten. Wenn uns das gelingt, wenn eine Diskussion losgeht, dann haben wir viel erreicht.

www.nebelimaugust.de

www.sebastiankoch.com

Wien, 4. 10. 2016