TAG: Macbeth – Reine Charaktersache

Februar 4, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Der Zufall macht den Mörder

Julian Loidl ist der perfekte Macbeth. Bild: Anna Stöcher

Gegen Ende sagt eine der Hexen, Georg Schubert spielt sie, sie hätte jedem der anwesenden Männer den Königswahn in den Kopf pflanzen können. Dass es Macbeth traf und sie damit ausgerechnet sein Schicksal besiegelte, war – Zufall. Mit diesen Gedankenspielereien, was wählt der Mensch, wo wird für ihn gewählt, befasst sich Gernot Plass bei seiner jüngsten Shakespeare-Überschreibung im TAG. Wie immer, wenn Plass zum britischen Barden greift, ist ihm ein exzellenter Abend gelungen. Modern, witzig, temporeich, und das alles, ohne dem Shakespeare’schen Stoff in irgendeiner Weise Gewalt anzutun.

Im Gegenteil, Plass bleibt nahe am Original, seine Sprache ist poetisch, sie kontrastiert die Brutalität der Handlung. „Heutig“ ist die eine Frage, die ihn offenbar umtreibt: In dieser Welt, in der Selbstbestimmtheit ein Recht ist, auf das es zu pochen gilt, wie weit ist’s wirklich damit her? Gibt es so etwas wie freien Willen, freie Entscheidung überhaupt, oder muss sich nicht jedermann Kräften beugen, die von außen auf ihn einwirken? Derlei philosophischem Überbau folgt fantastisches Schauspiel.

Ein mit einem bald besudelten weißen (Leichen-)Tuch bedecktes Podium stellt die Hochebene dar, drauf und drunter wird gemeuchelt und gemordet, dass es eine Freude ist. Den „geilen Bräutigam der Göttin Krieg“ gibt Julian Loidl. Er ist die Idealbesetzung für diesen Typus Macbeth, ein Zögerer und Zauderer, den die zunehmende Macht mit sich steigernder Angst ausstattet, ebendiese wieder zu verlieren. Loidl gestaltet den Hin- und Hergerissenen ganz großartig, erst am Schluss, erneut auf dem Schlachtfeld, wird dieser Krieger wieder zu sich gefunden haben.

Ihm zur Seite steht Elisa Seydel als eine intensive Lady Macbeth (und wie alle anderen außer Loidl in unzähligen weiteren Rollen. Plass gelingt es, mit sechs Darstellern Shakespeares gesamten schottischen Kosmos zum Leben zu erwecken), sie eine vom Ehrgeiz Getriebene, die die Chance der Prophezeiung nicht ungenutzt verstreichen lassen kann. Wie Seydel zetert und tobt, schmeichelt und kurz darauf mit Liebesentzug droht, wenn er nicht nach ihrem Willen tanzt, ist sehenswert. Diese Lady Macbeth ist eine große Manipulatorin.

Die drei Hexen bei der Arbeit: Lisa Schrammel, Georg Schubert und Raphael Nicholas. Bild: Anna Stöcher

Banquo wird ermordet: Lisa Schrammel, Raphael Nicholas, Georg Schubert und Jens Claßen. Bild: Anna Stöcher

Jens Claßen ist ein ehrenwerter Banquo, Georg Schubert als despotischer Duncan kein so guter König, wie dem nachgesagt wird. Lisa Schrammel macht unter anderem den Malcolm zum sich ermannenden Söhnchen, Raphael Nicholas ist als Lennox verzweifelt über die politischen Entwicklungen in seiner Heimat. Allesamt Krieger in ihren erstaunlich erstarrten Männlichkeitsritualen, die Bühne (Ausstattung: Alexandra Burgstaller) ein düsteres Schlachtengemälde, in das ab und an allerdings kräftig Farbe gebracht wird – womit nicht nur das Blutrot gemeint ist.

Denn wie stets, wenn Plass bei Shakespeare die Finger im Spiel hat, kommt natürlich der Humor nicht zu kurz. Zum einen, wenn sich Nicholas, Schrammel und Schubert als gedungene Mörder im Dialektsprechen und Bärbeißigsein üben, zum anderen, wenn die drei als Hexen auftreten. Die sind bei Plass in Leoprint gehüllte Esoteriktanten, die zwischen Hekates Zauberworkshop und den aktuellsten Societymagazinen tändeln. Dass diesen Spaßgesellschaftsgirlies überhaupt jemand etwas glaubt, grenzt an ein Wunder. Doch natürlich kommt’s, wie’s kommen muss. Dafür war gerade der richtige Mann zur richtigen Zeit am falschen Ort. Alles Zufall – oder was?

Gernot Plass im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=28155

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  1. 2. 2018

TAG: Gernot Plass im Gespräch

Januar 29, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Er inszeniert „Macbeth – Reine Charaktersache“

Gernot Plass. Bild: Anna Stöcher

Am 3. Februar präsentiert Gernot Plass am TAG seine jüngste Überschreibung: „Macbeth – Reine Charaktersache“, frei nach Shakespeare. Es spielen Jens Claßen, Julian Loidl, Raphael Nicholas, Lisa Schrammel, Georg Schubert und Elisa Seydel. Ein Gespräch über Zufall und Schicksal, Macher und Mörder – und die aktuelle Kulturpolitik in Österreich:

MM: Wenn Sie inszenieren, dann Shakespeare. Wie kam’s zu dieser Liebe?

Gernot Plass: Es ist nicht schwer, dass Shakespeare bei einem Theatertier, wie ich eines bin, der Lieblingsautor ist. Shakespeare hat in seiner Dramaturgie und in seinen Figuren, die er ja in einer Unzahl geschaffen hat, uns eine Welt hinterlassen, mit der er den modernen Menschen erfunden hat. Bei ihm ist es so, dass der Mensch sich ein Bild aus der Literatur nimmt, und sich danach formt, nicht umgekehrt. Ich folge da den diesbezüglichen Theorien, dass das englische Renaissance-Ich, das Individuum eine Erfindung Shakespeares ist. Man hat sich an seinen Figuren damals orientiert, und auch wir heute sind – wenn man so will – nichts anderes als seine Kopfgeburten.

MM: Trotz dieser Verehrung muss Shakespeare „neu“ werden, das TAG hat sich ja der Überschreibung von Klassikern generell verschrieben. Muss man Shakespeare modern machen?

Plass: Ich glaube, ja, und jetzt wird’s frech: Es braucht bei all diesen klassischen Texten einen sprachlichen Eingriff. Das ist mein Skandal, den ich provoziere. Man muss diese Sprache aus dem 16. Jahrhundert herausholen; Sprache ist etwas Lebendiges und es gibt die sprachlichen Moden einer Zeit. Natürlich kann man Shakespeare konservieren und immer wieder museal aufführen, nur treffen wir Theaterpraktiker auf Sprachbilder- und muster, Sehgewohnheiten …, die nicht mehr heutig sind und die uns eigentlich im Weg stehen. Wir können uns überlegen, dass wir die Ausstattung anpassen, und alle in Strumpfhosen auf die Bühne schicken, in England machen sie das, die haben sogar ein ganzes Theater nachgebaut, so dass man in eine Art Zeitmaschine hineingeht. Ich gehe den anderen Weg, ich passe die Sprache an die Moderne an – und hebe nicht das Stück, aber dafür den Tex – das ist ein Unterschied – hinüber in unsere Zeit.

MM: Manche versuchen Moderne über die Regie zu schaffen und lassen den Text, wie er ist …

Plass: Regietheater ist der Versuch, Klassisches in die Moderne zu heben. Da macht man’s mit lustigen Ideen, Kostümen, Ausstattung. Man verändert auch hie und da den Text, macht ein Extempore etc. Ich sage, wenn schon, denn schon. Nehmen wir moderne Figuren mit einem modernen Text. Ursprünglich war es meine Idee für ein Jugendtheater, um Jugendlichen die Klassiker näher zu bringen. Das lief so gut bei „Richard II.“, das wir damals sagten, das könnte eine Morgenröte für einen neuen Theaterzugriff werden. Mittlerweile wird schon überall überschrieben, vielleicht  so ein morphogenetisches Feld, das sich ergeben hat, wer weiss.

MM: Der Erfolg gibt Ihnen Recht. Ihre Shakespeare-Inszenierungen zählen zu den erfolgreichsten im deutschsprachigen Raum, zu mindestens aber in Österreich.

Plass: Ob ich im ganzen deutschsprachigen Raum schon wahrgenommen werde, weiß ich nicht. Es melden sich mittlerweile einige deutsche Stadttheater, meine Art zu inszenieren ist halt gerade ein bisschen im Schwange: die Klassiker neu zu befragen und es sich dabei aber nicht zu einfach machen … das hoffe ich wenigstens …

MM: Nun also „Macbeth“ oder lieber „das schottische Stück“? Sind Sie abergläubisch?

Plass: Ich bin eher Rationalist. Das Globe Theatre im Übrigen ist nicht bei „Macbeth“ abgebrannt, sondern bei „Heinrich VIII.“ Insofern … nein, ich bin nicht abergläubisch.

MM: Was ist für Sie das Thema von „Macbeth“? Worauf fokussieren Sie?

Plass: Mich interessiert die Metaphysik des Stückes: Gibt es eine Zukunft, die festgelegt ist? Gibt es eine Vorbestimmung, die nicht ausweichbar ist? Oder ist – wieder modern gedacht – alles Zufall? Ist das Leben nur eine Reihe von Banalitäten, die im Rückblick eine Kausalität ergeben? Im Sinne von Ursache – Wirkung. Das ist die große Frage von „Macbeth“: Schicksal, Zufall, in welcher Welt leben wir? Wer strickt den Faden.

MM: Das heißt, hat der Mensch einen freien Willen? Was ja eigentlich ein aufklärerischer Gedanke ist?

Plass: Richtig. Oder hat der Mensch eine Vorherbestimmung? Ist die Erzählung schon fertig, und wir treten bloß in einem Stück auf? Womit wir bei Shakespeare sind, der sagt, die Welt ist eine Bühne. Na, da frage ich doch sofort: Wer ist der Bühnenautor? Ein weiteres Thema sind natürlich die Szenen einer Ehe …

MM: Eine wichtige Frage: Wie legen Sie die Lady Macbeth an – als Macherin oder Mörderin?

Plass: Es wird von Mann und Frau das Abgründigste hergezeigt, und wo Beziehungen landen können, obwohl man sich so unwahrscheinlich liebt. In der Weltliteratur gibt es kein zweites Paar, das sich so liebt, wie die Macbeths, auch, weil sie sich in eine Welt begeben, in der sie einzig voneinander gegenseitig abhängig sind. Die Lady macht sich natürlich eines Verbrechens schuldig, sie ist ein böser Antrieb, der den tragischen Helden in die Misere hineintreiben. Er wird, auch von den Hexen, in diese Handlung geschubst, heißt: Frauen sind der Motor in „Macbeth“. Die Lady ist eine starke Frau, sie hat ihre Haken in seinem Fleisch, und weil er nicht so funktioniert, wie sie das vorgesehen hat, verzweifelt sie an ihm, auf eine sehr moderne Art und Weise. Die Lady Macbeth ist eine fast feministische Figur.

MM: Nur um zu provozieren, die Frage: Was geht mich das heute an?

Plass: Den Aufstieg eines ambitionierten Paares, das kennt man auch aus der heutigen Zeit. Krieg ist natürlich leider immer aktuell, Macht, Liebe, das Ausspielen von Sexualität sind Dinge, die ewigmenschlich sind. Dieses ja nicht reale Schottland ist eine Metapher für unsere Welt, und darin sehen wir moderne Figuren, die auf ihre Weise zu überleben probieren. Das sollte abgründige Saiten in uns zum Schwingen bringen, die wir meistens, oder eigentlich immer verbergen wollen.

Julian Loidl als „Macbeth“. Bild: Georg Mayer

MM: Heißt, es geht um die Frage, wie weit würde man gehen, um …

Plass: … die Dinge, die man wirklich will, deren man bedarf, zu erreichen? Wie konsequent geht man auf diese Dinge zu?

MM: Bei der Programmpräsentation sagten Sie über „Macbeth“: Es wird blutig, es wird lustig, und: die Hexen seien die modernsten Figuren darin. Wie das?

Plass: Die Hexen sind esoterische Tanten, die in einem Hinterzimmer sitzen und Horoskope verkaufen. So, wie man sie aus Tageszeitungen oder anderen Medien kennt. Sie „verkaufen“ Zukunft, und treffen auf einen Menschen, der aufgrund seiner Disposition schon unlauter ist, und bei dem fruchtet das.

MM: Sie sind eine Art Königsmacher-Boulevardmedium?

Plass: In dem Sinne als Journalismus eine hexische Macht ist. Journalismus kann Karrieren machen, in der Politik, in der Kultur. Man kann jemanden rauf- oder runterschreiben, und das tut auch das Boulevard gerne. Es kommt im Text auch eine Boulevardzeitung vor. Das führt meinen Shakespeare auch ans Volkstheater heran, und ans absurde Theater, ich möchte nicht, dass er diesen gutbürgerlichen Illusionismus hat, ich schau‘ den Leuten aufs Maul. Und ich will, dass sich die Leute letztlich unterhalten.

MM: Julian Loidl kommt als Macbeth wieder einmal ans Haus.

Plass: Er ist tatsächlich für diese Rolle ideal, weil er tatsächlich alles mitbringt, was ein Darsteller des Macbeth benötigt. Er hat eine unheimliche Kraft, er lotet die Texte wirklich aus, und er hat – was tatsächlich wenige Schauspieler haben: eine dämonische Seite. Der Loidl hat etwas Gefährliches und gleichzeitig Hyperintelligentes, deswegen war er auch schon mein „Richard III.“. Ein Schauspieler, der das produziert, ist selten, ich hänge also in diesem Sinne vom Loidl ab. Um aber nicht nur ihm lobzuhudeln, wir haben ein großartiges Ensemble, das alle Rollen abdeckt …

MM: … Das ist so im TAG: Selbst wenn das Konzept einmal nicht aufgeht, das Ensemble ist in der Regel hervorragend.

Plass: Das ist auch handverlesen, und Neuzugänge suche ich sehr sorgfältig und vorsichtig aus, wer da zu uns dazu passt. Der Ensemblegeist ist der Hausgeist. Ich arbeite auch in anderen, größeren Theatern, wo vieles schwieriger ist; bei uns ist es eine schöne geölte Maschine. Also: In „Macbeth“ spielen außer dem Loidl nochdie großartigen Schauspieler Georg Schubert, Jens Claßen, Raphael Nicholas, Lisa Schrammel, die seit dieser Saison im Ensemble und auch unsere „Johanna“ ist, und Elisa Seydel als Gast. Sie spielt die Lady Macbeth.

MM: Lassen Sie uns noch übers TAG an sich sprechen. Diese Saison gibt es „nur“ vier Produktionen, davon eine Koproduktion, weil zusätzlich zu den erhaltenen 770.000 Euro 30.000 Euro an Subventionen fehlen.

Plass: Naja, um wirklich glücklich zu werden, bräuchten wir noch etwas mehr. Die 30.000 wären die reale Indexanpassung über den vierjährigen Förder-Zyklus. Durch die Vierjahresförderung schauen wir prospektiv auf eine Zeit, und daneben lauft die Inflation. Unsere Fördermargen sind tatsächlich so, dass wir seit 2014 die gleiche Summe kriegen. Leider muss man annehmen, dass Kulturpolitik diese volkswirtschaftlichen Zusammenhänge nicht versteht oder nicht verstehen will, dass die Deckung der Kosten am Theater nicht über den Verkauf von Platzkarten gehen können. Sie rennt lieber dem Austeritäts- und Sparer-Zeitgeist hinterher, indem sie alles deckelt.  So erwürgt man die Theater langsam, heißt: ohne, dass man sich groß schuldig macht. Das ist ein großer Zynismus oder eine große Dummheit der Politik, denn real verlieren wir, wenn wir immer die gleiche Fördersumme kriegen. Wir haben 120 Sitzplätze, die für eine Mittelbühne sehr gut besucht sind, aber die werden nicht mehr, und wir haben – das ist Hauspolitik – sehr niedrige Kartenpreise: nicht mehr als 20 Euro. Das ist nix. Wir können uns über die Abendkasse nicht groß steigern.

MM: Müssen aber andererseits wie viele Mitarbeiter entlohnen?

Plass: 22, im Sommer weniger. Es gibt Gehaltsanpassungen, damit man zu mindestens das, was man hat, finanzieren kann. Eine verantwortungsvolle Kulturpolitik sollte also die Institutionen, die sie fördert, immer zumindest entlang der Realeinkommen und der Inflationsrate indizieren. In unserem Fall tun sie’s nicht. Sie haben uns zwar mehr in Aussicht gestellt, wenn sie irgendwo mal Geld finden, aber so kann man nicht planen. Das ist ein Appell an die noch bestehende Sozialdemokratie in Wien, dass sie endlich die volkswirtschaftlichen Grundrechnungen versteht! Realeinkommen sinken, Mieten steigen. Das macht die Leute verrückt und sie rennen nach rechts.

MM: Apropos, Bund: Was erwarten Sie vom neuen Kulturverantwortlichen Gernot Blümel?

Plass: Herr Blümel ist für uns genauso ein Fragezeichen, wie es vor ihm Herr Drozda und Herr Ostermayer waren. Die sind mit uns nicht befasst, die machen sich keine Gedanken, egal ob das ein Sozialdemokrat oder ein ÖVPler ist. Die schauen nur, dass sie ihre Bundestheater und Bundesmuseen im Lot behalten. Nur, wenn die ganze Szene einmal Aufstand macht und ihre Begehrlichkeiten groß in der Zeitung äußert, dann schaut der Kanzleramtsminister einmal kurz her.

MM: War das Ihre Enttäuschung, dass es wieder keinen Kulturminister gibt? Oder war das zu erwarten?

Plass: Mich überrascht das bei der jetzigen Regierung nicht, mich hat es viel mehr bei der vorherigen Regierung geärgert, an der die Sozialdemokratie führend beteiligt war. Der Kulturminister wäre auch nicht nur etwas Symbolisches, der säße im Ministerrat und hätte dort eine Stimme, das wäre der Unterschied. Konservativen Parteien verstehen Kultur ohnedies bloß als Repräsentation, als Schmuck, den man trägt. Die Sozialdemokratie hätte Kunst und  Kultur dagegen anders begreifen müssen. Und sollte es in Wien immer noch.

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29. 1. 2018

Bronski & Grünberg: Rigoletto – Denn er hat es nicht anders VERDIent

November 27, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein böser Hampelmann und sein Hofstaat blöder Clowns

Lisa Reichetseder, Julia Edtmeier, Aleksandra Corovic, Rouven Stöhr, Stefan Lasko, Lukas Strasser und Max Konrad. Bild: © Philine Hofmann

Das Bronski & Grünberg, dies Jahr für den Nestroy-Spezialpreis nominiert gewesen, zeigt als aktuelle Produktion „Rigoletto“ mit dem Untertitel „Denn er hat es nicht anders VERDIent“. Das schon als Hinweis darauf, dass hier natürlich nicht große Oper gegeben, sondern eine der feinen Grotesken gezeigt wird, für die sich das Theater im neunten Bezirk mehr und mehr einen guten Namen macht. Text und Bühnenbild sind von Julia Edtmeier und Kaja Dymnicki, Regie führte Alex Pschill.

Und wie! Pschill spielt seine ganze Kammerspiele-Erfahrung an Klipp-Klapp-Komödie aus, nur dreht er die Schraube weiter, überdreht sie, bis eine überdrehte Aufführung hervorschnellt, skurril, absurd und absolut zum Totlachen. Letzteres vor allem ein Verdienst der wunderbaren Julia Edtmeier, die als Rigoletto so erbarmungswürdig komisch ist, so verbissen ernsthaft im allgemeinen Wahnsinn, der sie umzingelt, dass man gar nicht anders kann, als ihren Hofnarren mitleidig zu mögen.

Wiewohl die Figuren ganz nahe bei Verdi geführt werden, ist der traurige Berufspossenreißer nicht der einzige Clown weit und breit. Edtmeier, Dymnicki und Pschill legen ihr Stück als Analyse dieses Seinszustands an.

Vom Arlecchino – tatsächlich lässt Pschill seine Darsteller etliche Lazzi spielen – bis zu Pennywise ist die Bandbreite ja groß, und so regiert hier ein böser Hampelmann über einen Hofstaat blöder Hanswurste. Rouven Stöhr ist dieser Herzog von Mantua, ein erotomanischer Einfaltspinsel, dem die meiste Zeit die Zunge aus dem Hals hängt, wenn er sich über die Ehefrauen seiner Untergebenen hermacht. Wie im Scherenschritt strampelt er über die Bühne, und lacht wie ein Wolf knapp vorm Zubeißen, glaubt einer, sich seinen Wünschen widersetzen zu können. Stöhr verpackt in die Rolle so viel Irresein, wie sie zulässt, sein Herzog ist ein gefährlicher Machtmensch, hinter dessen Charme das Verderben lauert.

Umringt ist er von Max Konrads „Ceprano“, Lukas Strassers „Marullo“ und Stefan Laskos „Bianco“ (er auch für die Musik zuständig, erstaunlich in wie vielen Variationen man „Caro nome“ und „La donna è mobile“ intonieren kann, erstere Arie einmal sogar als Orgasmus), drei Tölpel und Handlanger, die ihren Herrn hasslieben und ihre Rache an ihm stattdessen an Rigoletto ausleben wollen. Herrliche Szenen entstehen da, wenn das Trio versucht, sich im Tausend-Türen-Palast zu verstecken, um Gildas habhaft zu werden. Die Tochter des Rigoletto gestaltet Lisa Reichetseder hart an der Grenze zu einer modernen Colombina, als eine lebenslustige und selbstsichere Figur, die kein Blatt vor den Mund nimmt, und mit ihren 18 Jahren endlich wissen will, was die Männer-/Welt zu bieten hat. Aleksandra Corovic ist ein schön sinistrer Sparafucile.

Dreh- und Angelpunkt der durch Crowdfunding finanzierten Inszenierung ist aber, wie gesagt, Julia Edtmeiers Rigoletto. Laborierend an einer Déformation professionnelle ist dieser Außenseiter, ausgestattet mit einem Mikrophon wie ein – in diesem Falle schlechter – Stand-up-Comedian, in jeder Beziehung unlustig. Seine Witze zünden nicht, und auch, wenn er der Versuchung nicht widerstehen kann, auf der berühmten Bananenschale auszurutschen, findet das keiner komisch. Die Augen stets unstet, die zuckenden Mundwinkel nach unten gezogen, die Finger dauernd in angespannter Bewegung, so agiert Edtmeier als einer, der das Schlimmste – die Schändung seiner Tochter – verhindern will, und doch versagen muss.

Alles endet nicht in einem Sack, sondern mit einem Koffer. Doch wer da drin steckt … unbedingt anschauen!

www.bronski-gruenberg.at

27. 11. 2017

TAG: Johanna. Eine Passion

November 9, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Heldin, Heilige, Hirnverbrannte, für manche sogar Hure …

Verkauft für ein Butterbrot, wird Johanna der Prozess gemacht: Raphael Nicholas, Lisa Schrammel und Jens Claßen. Bild: ©Georg Mayer

Friedrich Schiller kommt vielleicht auch vor. „Der die Verwirrung sandte, wird sie lösen! /Nur wenn sie reif ist, fällt des Schicksals Frucht!“, ist das nicht vom alten Fritz? Es ist nicht so leicht, aus Christian Himmelbauers Textcollage die eine oder andere Stimme herauszuhören. Was auch nie im Sinne des Erfinders war.

Der Autor, Regisseur und Leib-und-Seele-Dramaturg Himmelbauer legt am TAG mit „Johanna. Eine Passion“ so ziemlich jede Interpretation der Jungfrau von Orléans vor, der er irgend habhaft werden konnte. Jeanne d’Arc, das Bauernmädchen aus Domrémy, das in den Hundertjährigen Krieg aufbrach, um für den Dauphin die Briten und Burgunder zu besiegen und ihn als Karl VII. krönen zu lassen, ist Heldin, Heilige, Hirnverbrannte, für manche sogar Hure. Geschickt montiert Himmelbauer medizinische, psychoanalytische, religiöse und schriftstellerische Spekulationen zu einem tatsächlich als solches funktionierenden, wenn auch ein wenig aseptischen Stück.

Er greift zurück auf „Der Prozess der Jeanne d’Arc zu Rouen 1431“, einem Hörspiel von Anna Seghers aus dem Jahr 1937. Und natürlich Voltaire. Dessen erotisch-spöttische Persiflage in 16 Gesängen „La Pucelle d`Orléans“ wird von den Darstellern genussvoll vorgetragen. Ein nicht Lächerlich-, aber Lachen machen über den Mythos. Wie Jens Claßen, Raphael Nicholas und Georg Schubert da als sexbesessener Kronprinz, Flagellanten, gestrenge Richter und Nicholas gar als luziferischer Mönch über die Bühne hopsen, das ist ein mitunter recht zotiges Kasperletheater. Übersprungshandlungen, mag man vermuten, männlich motivierte, wenn die Herren der Schöpfung das ewig Weibliche nicht zu fassen kriegen. Was jenseits ihres Wissenshorizontes liegt, was weder erfass- noch erfahrbar ist, muss klein, kleiner gemacht, vernichtet werden.

Voltaire, ein Engel und der Dauphin: Jens Claßen, Raphael Nicholas und Georg Schubert. Bild: ©Georg Mayer

Der Brief an die Engländer: Echt oder gefälscht? Georg Schubert, Raphael Nicholas und Jens Claßen. Bild: ©Georg Mayer

Im Gegensatz dazu steht sie da wie ein Steinmarterl, aufrecht, klar und kühn, trotz aller Fesseln stark und standhaft, Lisa Schrammel als das Symbol gewordene Menschenkind. Ihre Johanna spricht in dieser Produktion ausschließlich mit den historisch überlieferten Originalaussagen, die sie in ihrem Prozess von sich gegeben hat. Am Ende war trotzdem der Scheiterhaufen. Aber es erstaunt zu hören, wie klug sich diese einfache Frau gegenüber 60 Inquisitoren, Juristen, Theologen, Scholastikern, detailversessenen Haarspaltern verteidigte.

Auf die Fangfrage „Johanna, seid Ihr gewiss, im Stande der Gnade zu sein?“ antwortete sie „Wenn ich es nicht bin, möge mich Gott dahin bringen, wenn ich es bin, möge mich Gott darin erhalten!“ Jede andere Antwort wäre ihr als ketzerische Anmaßung ausgelegt worden. Schrammel, sehr vehement in ihrem Spiel, ist mit derlei Sätzen, Johannas heute so zu nennender emanzipatorischer Rede, so gar nicht eingeschüchtert oder einzuschüchtern, Dreh- und Angelpunkt der Inszenierung. Die Himmelbauer in einen steril-weißen Gerichtssaal mit immer näher rückenden Pulten verlegt hat.

Dahinter eine Vidiwall für Großaufnahmen; jene Männer, die ihr den Tod bringen werden, sind auch die Einflüsterer, Johannas „Stimmen“. In diesem Setting ist, was er erzählt, die Schilderung eines weiblichen Kampfes, des weiblichen Aufbegehrens gegen das vorherrschende Dikat. Denn was der Löwenherzin vorgeworfen wird, dockt in seiner Totalheit an die verquere Jetztzeit an: 1. Die Kleidung. 2. Das Handeln. 3. Der Sieg. ER kann nicht gewollt haben, dass das Weib sich wie ein Mann gebärdet, und weiß sie denn nicht, dass sie diesem damit die Männlichkeit raubt, mit ihrer Vermischung der Geschlechter?

Ein Waterbording-Exorzismus bricht „der Heiligen Mutter ihr Kindchen“: Jens Claßen, Georg Schubert, Lisa Schrammel und Raphael Nicholas. Bild: ©Georg Mayer

Geil umkreisen die drei ihr Opfer. Deklinieren Diagnosen durch. Gehirnabszess, Pseudohermaphroditismus, paranoide Schizophrenie, symbolischer Exhibitionismus. Und Himmelbauer mischt noch mehr „Fakten“ in seine Fiktion. Johannes Brief an die Engländer wurde gefälscht. Sie ist in Wahrheit der uneheliche Sohn einer Pariser Adeligen. Auf dem Scheiterhaufen wurde eine andere verbrannt. Sie/er selbst heiratete eine(n) Grafen/Gräfin und zog sich vom Militärdienst zurück …

So prasselt’s über einen herein, und es ist schade, dass ein Text, der freilich keine Antworten geben kann und will, auch keine Fragen stellt und sich nicht kanalisiert. Ein anderer Autor, TAG-Chef Gernot Plass, philosophiert auf dem Programmzettel über die Blackbox Jeanne d’Arc und darüber, „was Frauen und Mädchen in dieser Welt von Männern angetan wird, wurde, und weiterhin angetan werden wird“, „ein monströser Berg von Herrschaft, Gewalt, Ausbeutung und Nötigung“. – „Johanna. Eine Passion“ als erster dramatisierter Beitrag zu #MeToo. Siehe, wie sich nichts geändert hat. Alles ist mehr oder minder more of the same.

Als Claßen, Nicholas und Schubert mit einer Art Waterbording-Exorzismus beginnen, knickt die Jungfrau ein. „Der Heiligen Mutter ihr Kindchen“ überlässt sich dem männlichen Urteil. Schlüpft in Minirock und High Heels, eine Gewandung, die sie 80 Minuten zuvor für sich noch abgelehnt hatte. Ein plakatives Schlussbild. Rauch steigt auf, doch nicht auf der Bühne, sondern im Raum auf der Vidiwall, wo die Männer mittlerweile mit Bier ausgestattet dem Feuerspektakel beiwohnen wollten.

Trailer: vimeo.com/241286356

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  1. 11. 2017

 

Volksoper: Gypsy

September 11, 2017 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

A Musicalstar is born

Tingel-Tangel-Familie: Toni Slama  als Herbie, Lisa Habermann  als Louise, Marianne Curn als June und Maria Happel als Rose. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Mit Riesenjubel und -applaus endete Sonntagabend die Eröffnungspremiere der Volksoper. Direktor Robert Meyer hat einmal mehr eine Musicalrarität ans Haus geholt, „Gypsy“, und für diese Maria Happel in der Hauptrolle. Es ist das erste Mal, dass die Burgschauspielerin in einem klassischen Musical spielt, und sie singt und swingt und tanzt, als hätte sie ihr Leben lang nichts anderes getan. A Musicalstar is born!

Wie ein Hurrican wirbelt ihre „Mama Rose“ über die Bühne, den Mops in der Tasche, ihre beiden Töchter an der Hand – und schon ist man mitten drin im Chaosleben der Vaudeville-verrückten Übermutter. „Gypsy“ erzählt die wahre Geschichte der Rose Thompson Hovick, die in den 1920er-Jahren der USA aufbrach, um ihre beiden Töchter zu Bühnenstars zu machen. Dazu tingelte die kleine Truppe, die Rose rund um die Mädchen aufgestellt hatte, quer durch die Vereinigten Staaten, mal mit mehr, mal mit weniger Erfolg. Das Ende des Vaudeville war bereits eingeläutet, und Karriere auf diesem Gebiet eigentlich nicht mehr machbar.

Rose, von ihrer Biografin nicht von ungefähr „Dr. Jekyll and Mrs. Hovick“ genannt, verschliss Bühnen- wie Lebenspartner, und trieb Baby June und Louise zu Höchstleistungen an. Beide Töchter wendeten sich schließlich von ihr ab: June brannte durch, mit 13!, heiratete und wurde eine erfolgreiche Schauspielerin, Louise unter dem Künstlernamen „Gypsy Rose Lee“ zum Burlesque-Star. Beide therapierten ihre schwierige Beziehung zu ihrer Mutter in Autobiografien.

Louises Aufzeichnungen nahmen Liedtexter Steven Sondheim, Autor Arthur Laurents und Komponist Jule Styne als Vorlage für ihr 1959 am Broadway uraufgeführtes Musical „Gypsy“. Diesem konnte die Kritik gar nicht genug Rosen streuen. Man schrieb von endlich einer Charakterrolle in einem Musical, nannte die Rolle der Mama Rose „die frivole Antwort auf King Lear“, und das Stück schließlich gar „die Mutter aller Musicals“. Apropos, Rosen: Einer der größten Hits in „Gypsy“ ist „Everything’s Coming up Roses“, außerdem bekannt sind „You’ll Never Get Away From Me“ und der Auftrittssong der Mädchen „Let Me Entertain You“, der sich wie ein roter Faden durch das Musical zieht.

Die  jungen Darsteller: Sophie Grohmann, Emil Kurz, Simon Gaunersdorfer, Louisa Popovic, Maria Happel, Sophie-Marie Hofmann, Lino Gaier, Lili Krainz und Toni Slama. Bild: © Jenni Koller/Volksoper Wien

Die Zeitungsjungen-Nummer läuft Jahrzehnte: Lino Gaier, Louisa Popovic, Sophie-Marie Hofmann und Lorenzo Popovic. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

An der Volksoper tauchen Regisseur Werner Sobotka und sein Ausstatterduo Stephan Prattes und Elisabeth Gressel lustvoll in die verwehte Welt des US-Unterhaltungstheaters ein, und machen den Abend zur schillernden Hommage ans eigene Metier. Sobotka inszeniert wie stets mit viel Liebe für Details, mit Witz und einem Hauch Satire. Vor allem nach der Pause, die Szenen in Minskys Burlesque-Theater, da lebt er seinen Hang zum Skurrilen aus. Die Optik wechselt zwischen showbiz-grellbunt und ärmlich-privat, hat Roses Truppe doch alles, nur kein Geld.

Happels Kostüme sind mitunter von atemberaubender „Hässlichkeit“, wenn Rose aus Schlafdecken Mäntel und Kleider näht, nur Baby June mit blondgefärbten Löckchen ist immer wie aus dem Schaufenster entwendet. Dirigent Lorenz C. Aichner macht das Volksopernorchester wieder einmal zur Big Band, schmissig schon die Ouvertüre während der alte Filmaufnahmen auf die Varieté-Atmosphäre einstimmen, und so wird den ganzen Abend mit Tempo und „Rums“ für die Bumps – dies der von Trommelwirbel begleitete Hüftkick der Tänzerinnen –  musiziert. Die Choreografien von Danny Costello sind lebhaft, very twenties und mit viel Stepptanz. „Gypsy“, das ist ein rundum sympathischer Abend.

Roses Truppe: Simon Stockinger, Peter Lesiak, Maria Happel, Georg Wacks, Oliver Liebl, Toni Slama, Maximilian Klakow und Marianne Curn. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Peter Lesiak (mit Lisa Habermann) glänzt in einer einwandfreien Steppnummer. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

In dessen Mittelpunkt, wie gesagt, Maria Happel glänzt. Kaum geht der Vorhang hoch, ist man mitten drin in „Onkel Jockos Kindercontest“, bei dem Baby June das Publikum erstmals mit Piepsstimme beschwört: „Let me entertain you!“ Ein kecker Augenaufschlag, ein Spagat (tatsächlich wurde June von Pädophilen verfolgt), und eine Mutter, die es schafft sich selbst aus dem Hintergrund ihre Vorhänge abzuholen. Happel verleiht der Mama Rose herben Charme und Humor, doch nie vergisst sie die Tragik im Leben dieser Nervensäge, die ihre eigene verkorkste Existenz an ihren Töchtern gutmachen möchte.

Darstellerisch vielschichtig changiert sie zwischen liebevollem Muttertier und Mamamonster, dem der Familiensinn immer dann zu fehlen scheint, wenn es nicht nach ihrem Kopf geht. Und wehe, sie wird böse! Ansonsten lacht und flirrt und strahlt sie – ganz perfekte Vermarkterin ihrer Mädchen. „Meine Töchter sind mein Job!“, rechtfertigt sie ihren Selbstverwirklichungstrip. In dieser ersten Szene brillieren eine Reihe von Kinderdarstellern als wären sie alte Theaterhasen, allen voran die großartigen Livia Ernst als Baby June und Katharina Kemp als Louise.

Beim Tingeln werden aus den angesagten „1,07 Meter pure Energie“ teenagerhafte 1,60 Meter, immer noch lautet der Song „Let me entertain you!“, immer noch folgt die Zeitungsjungen-Nummer, immer noch will Rose so beharrlich wie erfolglos ihre Töchter berühmt machen. Die Wienerin Marianne Curn und die Linzerin Lisa Habermann schlüpfen nun in die Rollen von June und Louise, beide debütieren in ihren Parts an der Volksoper, und überzeugen gesanglich wie darstellerisch. Während Curns June noch vor der Pause verschwindet, hat Habermann mehr Zeit einen Charakter zu gestalten – und sie nützt sie auch. Wie ihre Louise vom Entlein, der Mutter nur zweitliebste Tochter, meist in eine Bubenrolle verbannt und von der Truppe als „Kumpel“ wahrgenommen, zum strahlend schönen Schwan wird, diese Entwicklung arbeitet Habermann erstklassig heraus.

Zum hervorragenden Damentrio gesellt sich Toni Slama als Roses Lebensgefährte Herbie, ein geduldiger, gefühlvoller Mensch und Manager der Truppe, der nicht von ungefähr an Roses Seite ein Magengeschwür bekommt, und sie verlassen wird, als sie zum x-ten Mal die Hochzeit wegen eines Engagements verschiebt. Slama agiert mit viel Herz und (als ehemaliger Sängerknabe) mit einigem an Stimme, Happel und er sind jedenfalls ein hinreißendes Paar, auch wenn’s für Rose und Herbie nicht reicht. Aus den die Mädchen auf der Bühne umringenden „Jungs“ ragt Peter Lesiak als „Tulsa“ mit einer ausgezeichneten Steppnummer heraus. Wolfgang Hübsch hat einen Kurzauftritt als Roses Papa.

Im Burlesque-Theater: Christian Graf als Tessie Tura, Maren Kern, Martina Dorak, Jens Claßen, Simon Stockinger und Lisa Habermann. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Eine letzte Aussprache, und schon hat Rose den Nerz: Lisa Habermann und Maria Happel. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

So vergehen die Jahre, in denen Rose nicht loslassen kann und immer noch zur Gute-Nacht-Geschichte antritt, ohne wahrhaben zu wollen, dass ihre Babys längst im gebärfähigen Alter sind. Die „Jungs“ hauen irgendwann ab, June ist weg, Rose fördert nun Louise – und befördert sie in Minskys Burlesque-Theater in New York. Dieser Abstieg entpuppt sich bald als Louises künstlerischer Aufstieg, die, zum ersten Auftritt von der Mutter gedrängt, Talent im Ausziehgenre zeigt.

Sobotka lässt eine illustre Truppe das Etablissement bevölkern. Neben Martina Dorak als trompeteblasender „Miss Electra“ (eine Art Xena, die Stripteaseprinzessin), gelingt Christian Graf als so abgebrühter wie abgeklärter Lehrmeisterin „Tessie Tura“ im rosa Tutu mit Schmetterlingsdildo ein Kabinettstück. Lousie legt Bekleidung wie Mutterbindung ab, und Mama Rose ist ihren Job und damit den Sinn ihres Lebens los.

Wie die Happel sich diesen Moment der Verzweiflung mit der Schlussnummer „Rose’s Turn“/Nun ist Rose dran von der Seele singt und schreit, das ist große Kunst. In der Realität folgten Streit und Gerichtsprozesse. Auf der Bühne ist bei Schluss noch nicht Schluss.

Es kommt zur Aussprache zwischen Rose und Louise – aus der, was Wunder, Rose als Siegerin hervorgeht. Sie hat es geschafft, sich auf die High-Society-Party ihrer Tochter einzuladen, und der dafür auch noch einen teuren Nerz abgeluchst. Und so können sie beide im Triumph die Bühne verlassen: Mama Rose und Maria Happel.

Maria Happel im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=25867

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  1. 9. 2017