Kunstforum: Death and the Maiden. Ukrainische Kunst

November 9, 2022 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER-MEHMOOD

Von der Verwundbarkeit des Körpers und der Seele

Lucy Ivanova: Warm Optics, 2022. © Courtesy the artist

Das Kunstforum Wien hat Lizaveta German und Maria Lanko, die Kuratorinnen des diesjährigen ukrainischen Beitrags auf der Biennale di Venezia, eingeladen für die Herbstausstellung 2022 im tresor eine Präsentation mit ukrainischen Künstlerinnen und Künstlern zu kuratieren.

Die Ausstellung soll Auswirkungen des Krieges in der Ukraine auf die Gesellschaft in Europa reflektieren. Lizaveta German und Maria Lanko sind ein Kuratorinnenteam, das 2018 gemeinsam mit dem

Schweizer Filmemacher Marc Wilkins die Ausstellungsplattform und Galerie The Naked Room in Kyiv gegründet hat. The Naked Room gilt als eine der interessantesten Adressen für die lebendige, junge ukrainische Kunstszene. Viele der Kunstschaffenden, die hier vertreten sind, waren für den anerkannten Pinchuk Art Prize nominiert oder wurden mit diesem ausgezeichnet.

Die Schau behandelt das Thema des russischen Angriffskriegs auf die Ukraine nicht auf direkte Weise, sondern macht scharfsinnige Beobachtungen, legt Erfahrungen und Gefühle offen, die durch die neue Lebensrealität hervorgerufen werden. Ebenso werden aus dem Krieg resultierende Konsequenzen für die ukrainische und die europäische Gesellschaft im weitesten Sinne diskutiert. Die Geschichte, die die Ausstellung erzählt, befasst sich mit einer neuen Sensibilität gegenüber immer gültigen Themen wie Gedächtnis, Trauma, Verwundbarkeit des Körpers und die Nähe von Leben und Tod.

Zu sehen bis 15. 1. 2023

www.kunstforumwien.at           In Kooperation mit www.imaginehumanrights.com

Unterstützt durch den Ukrainian Emergency Art Fund (UEAF) im Rahmen des Programms „Cultural Emergency Response“ des Prince Claus Fund For Culture and Development: ueaf.moca.org.ua

9. 11. 2022

Elena Subach: From the series Grandmothers On the Edge of Heaven, 2018-19. © Courtesy the artist and The Naked Room gallery

Zhanna Kadyrova: Palianytsia, 2022. Fundraising project for Emergency in Ukraine. Castello 2145, Riva San Biasio, 30122 Venice. Bild: © Natalka Diachenko

Elena Subach: From the series Grandmothers On the Edge of Heaven, 2018-19. © Courtesy the artist and The Naked Room gallery

 

Bank Austria Kunstforum Wien: Vasily Klyukin „Civilization. The island of the day before“

August 5, 2021 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Als wär‘ der Urknall in Polycarbonat gegossen

Vasily Klyukin. Bild: © Sergei Romanov

Woher kommen wir, wohin gehen wir und vor allem wo endet diese Reise? Das sind die zentralen Fragen, die sich der russische Ausnahmekünstler Vasily Klyukin stellt. Inspiriert von großen Persönlichkeiten wie Immanuel Kant, Albert Einstein, Auguste Rodin oder Leonardo da Vinci findet Klyukin eigene Wege, um das Universum darzustellen, mit Fokus auf das kollektive Handeln der Menschheit und dessen Folgen für die Umwelt. Seine monumentalen, bis zu sechs Meter hohen Werke drücken diese zutiefst philosophische Sicht auf die anthropogene Bedrohung aus.

Der international viel beachtete Bildhauer ist mit seiner Kunst von Moskau über London bis nach Hongkong und New York vertreten – nun stellt er erstmals in Österreich aus. Im Bank Austria Kunstforum Wien sind ab 6. August unter dem Titel „Civilization. The Island of the Day before“ seine gewaltigen Figuren aus Polycarbonat und Stahl bei freiem Eintritt zu bestaunen. Kuratorin der Ausstellung ist Anne Avramut.

„Ich freue mich sehr darauf, meine Vision von unserer Zivilisation in Wien zu präsentieren – jener Stadt mit der reichsten Kunstgeschichte und mit einem raffiniertem Kunstgeschmack. Ich lade dazu ein, mich auf eine Reise zu begleiten, auf der die Zeit eine Spirale ist und meine Werke die Sprungbretter sind, um unserer Vorstellungskraft auf dem Weg durch unsere kollektive Vergangenheit zu helfen“, so Vasily Klyukin.

Die Skulpturen, die im Kunstforum zu sehen sind, beeindrucken nicht nur durch ihre Größe, sondern vor allem auch durch ihre Vielschichtigkeit: Der Durchmesser, die Struktur und alle Lamellen werden auf Basis von Koordinaten, chemischen Formeln und Zeitangaben errechnet und dann gegossen. Diese mathematische Präzision wird vom Künstler in weiterer Folge beim Bemalen mit impulsiven, emotionalen Gesten unterbrochen. Klyukin arbeitet mit Acrylfarben, meistens gesprayt, aber oft auch direkt aus der Tube mit bloßen Händen.

Ausstellungsansicht Simon Lee Gallery London, 2020. © Simon Lee Gallery, Bild: Ben Westoby

Ausstellungsansicht Simon Lee Gallery London, 2020. © Simon Lee Gallery, Bild: Ben Westoby

Geboren in Moskau begann Klyukins Karriere als Banker und Developer, bis er seine Leidenschaft für futuristische Architektur entdeckte. Selbst Prinz Albert von Monaco ist von seinen spektakulären Architektur-Konzepten begeistert. Schließlich fand das Multitalent seine Liebe zur Skulptur und reüssiert seither als erfolgreicher Bildhauer mit internationalen Projekten. Reputation erlangte der Visionär nicht zuletzt mit der Ausstellung „In Dante Veritas“ während der Biennale in Venedig 2019.

Heute wird der 45-jährige Künstler von einer der größten britischen Galerien, der Simon Lee Gallery in London vertreten, und seine Werke werden von Sammlern aus aller Welt gekauft. Im Rahmen seiner Ausstellung „Civilization. The island of the day before“ präsentiert Klyukin mit etwa 40 Werken einen zyklischen Rückblick auf die Geschichte: Harmonie, gefolgt von Disruption, die in Zerstörung gipfelt und letztendlich zu einem Neuanfang führt. Vor der Menschheit wird die Natur vom Künstler als harmonische Symbiose der Urelemente Wasser, Luft, Erde und Feuer dargestellt.

Im Zentrum von Klyukins Universum steht die menschliche Ratio – die Causa Prima für die Welt und das zentrale Disruptionselement. Der Künstler fängt den Moment ein, in dem der Mensch mit den irreversiblen Folgen seiner eigenen Handlungen konfrontiert ist. Das Ergebnis ist Zerstörung. Genau wie in Umberto Ecos gleichnamigen Roman sucht die Menschheit nach der ultimativen Lösung für ihr Überleben und blickt auf dieser Suche in die falsche Richtung – nämlich auf die „Die Insel des vorigen Tages“.

www.kunstforumwien.at

5. 8. 2021

Bank Austria Kunstforum Wien: Daniel Spoerri

März 23, 2021 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Eat Art oder Die Tafelbilder der Konsumgesellschaft

Daniel Spoerri; Restaurant de la City Galerie,1965. Bischofberger Collection, Männedorf-Zurich, Switzerland. © Daniel Spoerri und Bildrecht Wien, 2021. Bild: © Mercan Sümbültepe

Das Bank Austria Kunstforum Wien präsentiert in seiner Frühjahrsausstellung „Daniel Spoerri“ ab 24. März das Werk eines Künstlers, der in seinen zentralen Themen bis heute die einen täglich umgebende Dingwelt und das Essen als sozialen Akt verhandelt. Damit ist in Wien erstmals seit mehr als 30 Jahren eine umfassende Retrospektive zu Daniel Spoerri in jener Stadt zu sehen, in der der Künstler seit 2007 lebt.

Die Ausstellung versammelt 100 Schlüsselwerke Daniel Spoerris aus 43 öffentlichen und privaten Sammlungen und ermöglicht durch reiches Archivmaterial zusätzliche Einblicke in das Leben und Wirken dieses Universalkünstlers. Als Erfinder des „Fallenbildes“ oder „Tableau piège“ hat sich Spoerri in die Kunstgeschichte eingeschrieben: Er fixiert vorgefundene Situationen und kippt sie von der Waagerechten in die Senkrechte.

In dieser Untersuchung des Alltäglichen und der damit einhergehenden Verankerung von Gebrauchsgegenständen in der Sphäre der Kunst stellt Spoerri – unter anderem anknüpfend an das Objektverständnis Marcel Duchamps und dessen Konzeption des Readymade – Wahrnehmungskonventionen radikal auf die Probe.

Die retrospektive Schau im Bank Austria Kunstforum präsentiert das sieben Dekaden umspannende Werk des in nahezu allen Medien tätigen Künstlers und begeisterten Sammlers in seiner Kohärenz ebenso wie in seiner Vielfalt: Einer losen Chronologie folgend, veranschaulicht die Ausstellung anhand von thematischen Schwerpunkten, dass Spoerris transmediale Praxis weit vor der Erfindung des „Fallenbildes“ einsetzt und sich bis heute kontinuierlich weiterentwickelt. Seine Anfänge als professioneller Tänzer, die Arbeit am Theater, sowie die Auseinandersetzung mit Konkreter Poesie, die in der Gründung der Zeitschrift „material“ mündet, fließen in die von ihm initiierte „Edition MAT – Multiplication d‘art transformable“ ein. Darin stellt Spoerri das originale Kunstwerk durch Multiplikation in Frage, und er greift das Motiv der Bewegung mit seinem Fokus auf kinetische Kunst auf.

Daniel Spoerri: Objekt II des Zyklus Objets de magie à la noix, 1966/1967. © Daniel Spoerri und Bildrecht, Wien 2021. Bild: © Museum Morsbroich, Leverkusen

Daniel Spoerri: Chambre No 13, 1998. Fondazione Il Giardino di Daniel Spoerri. © Daniel Spoerri und Bildrecht, Wien 2021. Bild: © Susanne Neumann

Daniel Spoerri: Tableau piège, 1970/1971. Kunstpalast, Düsseldorf. © Daniel Spoerri und Bildrecht Wien, 2021. Bild: © Kunstpalast-ARTOTHEK

Daniel Spoerri: Fluxus Pegasus, 1987. Courtesy of Archivio Conz, Berlin. ©Daniel Spoerri und Bildrecht Wien, 2021. Bild: Giorgia Palmisano

Die Ausstellung verdeutlicht, wie Spoerri das Konzept des „Fallenbildes“ immer wieder erweitert, ob als literarisches „Fallenbild“ in dem Künstlerbuch „Anekdoten zu einer Topographie des Zufalls“, in den inszenierten „Faux Tableaux pièges“, oder in den das Prinzip des Portraits erweiternden „Künstlerpaletten“. Der Zufall ist auch in den Objektbildern der Serien „Détrompe l’oeil“ und „Trésor des pauvres“ bestimmend. Hier lässt Spoerri Gegenstände einander begegnen und kreiert aus diesen ungewöhnlichen Kombinationen neue Bedeutungszusammenhänge. Das Prinzip dieser Assemblagen entwickelt Spoerri mithilfe des Bronzegusses weiter – hier verschmelzen die einzelnen Teile zu einer materiellen Einheit. Die Ausstellung zeigt mit „Santo Grappa“ Spoerris erste Bronze und damit den Beginn einer bis heute dauernden Auseinandersetzung mit diesem transformativen Material.

Auf der griechischen Insel Symi, wo fernab der Überflussgesellschaft die „Zimtzauberkonserven“ genannten Assemblagen aus Übriggebliebenem und Abfällen entstehen, sucht Spoerri Abstand von den „Fallenbildern“ und der damit einhergehenden Etablierung am Kunstmarkt. Dort setzt auch seine systematische Auseinandersetzung mit dem Essen und Kochen ein, die in der späteren Gründung des Restaurant Spoerri in Düsseldorf mündet, wo Spoerri auch die Kunstrichtung „Eat Art“ begründet. Aus Lebensmitteln wie Brot, Lebkuchen oder Schokolade entstehen Kunstwerke, eine künstlerische Untersuchung von „Ewigkeitswert, Verdaulichkeit,
Veränderungen der Kunst, Kunst als Konsumgut.“

Daniel Spoerri: Tableau piège – Sevilla Serie Nr. 16, 1991. Museum of Contemp. Art in Krakow MOCAK. © Daniel Spoerri und Bildrecht Wien, 2021. Bild: MOCAK Collection, R. Sosin

Ausstellungsrundgang im Bank Austria Kunstforum: Daniel Spoerri im Gespräch mit Kunstforum-Direktorin Ingried Brugger. Bild: © leisure / Christian Jobst

Daniel Spoerri: # 26 Flohmarkt Wien, April 2016. © Daniel Spoerri und Bildrecht, Wien 2021. Bild: © the artist and Galerie Krinzinger

Daniel Spoerri: Se laisser manger la laine sur le dos, 1965. Bischofberger Collection, Männedorf-Zurich, Switzerland. © Daniel Spoerri und Bildrecht Wien, 2021

Spoerris „Collections/Sammlungen“, in denen er die Evolution von Alltagsgegenständen wie Sparschälern oder Brillen untersucht, zeigt die Ausstellung ebenso, wie auch seine recherchebasierten Projekte, die neue Formen des Ausstellens im Zuge der „Musées sentimentaux“ erproben. Den Abschluss bildet eine multimediale Präsentation von „Il Giardino di Daniel Spoerri“ – Spoerris Künstlergarten in Seggiano in der Toskana, in dem neben eigenen Bronzen auch Arbeiten seiner Künstlerfreundinnen und -freunde, wie etwa Eva Aeppli, Meret Oppenheim, Niki de Saint Phalle oder Jean Tinguely zu sehen sind.

www.kunstforumwien.at           Daniel Spoerri im Gespräch: www.youtube.com/watch?v=YN-NjVuqVjA

23. 3. 2021

Kunstforum Wien online – Live-Führung durch die Ausstellung „Gerhard Richter: Landschaft“

Januar 11, 2021 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

„Kuckuckseier“ zur Klimakrise

Gerhard Richter: Venedig (Treppe), 1985. Art Institute of Chicago, Schenkung Edlis Neeson Collection © Gerhard Richter 2020. Bild: bpk/The Art Institute of Chicago/Art Resource, NY

Das Bank Austria Kunstforum bieten Interessierten am 14. Jänner, 18 Uhr, die Möglichkeit an einer Online-Live-Führung durch die Ausstellung „Gerhard Richter: Landschaft“ teilzunehmen. Auch Fragen können während der digitalen Tour gestellt werden. Mehr Infos: www.cultour.digital, Anmeldung: www.cultour.digital/de/livestreams. Wie kaum ein anderes Sujet hat die Landschaft Gerhard Richters künstlerisches Interesse gefesselt und ihn immer wieder

zu neuen Bildlösungen angetrieben: Die Retrospektive versammelt mehr als 130 Bilder, Zeichnungen, Druckgrafiken, Fotoarbeiten, Künstlerbücher und Objekte von 50 internationalen Leihgeberinnen und Leihgebern. Das Projekt unterstreicht die Wichtigkeit dieses Genres für den deutschen Künstler, der vergangenes Jahr seinen 88. Geburtstag gefeiert hat. Es ist die bis dato größte Ausstellung weltweit, die ausschließlich Richters Landschaften gewidmet ist – einem Genre, mit dem er sich seit 1963 durchgehend beschäftigt hat. Einige der im Kunstforum ausgestellten Werke sind noch nie öffentlich gezeigt worden.

Richters Gesamtwerk ist unter anderem besonders für seine Heterogenität bekannt, die sich folgerichtig auch in der Bildgattung der Landschaft zeigt: Die Ausstellung gliedert sich in fünf thematische Kapitel, die einzeln, aber auch in ihrer Zusammenschau ein beeindruckendes Panorama von Richters „Arbeit an der Wirklichkeit“ ergeben. Die Gemälde, Zeichnungen und Druckgrafiken sind nicht direkt nach der Natur entstanden, sondern basieren meist auf fotografischen Vorlagen und sind somit „Landschaften aus zweiter Hand“, was sich an der Ausschnitthaftigkeit, an Unschärfeeffekten, mitunter auch an Schrift im Bild erkennen lässt.

Gerhard Richter: Piz Surlej, Piz Corvatsch, 1992. Sammlung Peter und Elisabeth Bloch
. Bild: Christof Schelbert, Olten © Gerhard Richter 2020

Ein „Kuckucksei“ in der Nähe der deutschen Romantik: Gerhard Richter: Waldhaus, 2004
 (Detail). Privatsammlung © Gerhard Richter 2020

Gerhard Richter: Stadtbild PL, 1970 (Detail). Privatsammlung über Neues Museum Nürnberg. Bild: Neues Museum Nürnberg/Anette Kradisch © Gerhard Richter 2020

Gerhard Richter: Wolke, 1976
. Privatsammlung, als Dauerleihgabe in der Fondation Beyeler, Basel
. Bild: Robert Bayer © Gerhard Richter 2020

Landschaften mit tiefgezogenem Horizont und stimmungsvoller Atmosphäre rücken Richter in die Nähe der deutschen Romantik, auf die der Künstler zwar anspielt, aber der gegenüber er sich immer wieder auch kritisch-zweifelnd geäußert hat: Zu malen wie Caspar David Friedrich, so Richter, sei zwar möglich, aber nur ohne sich auf die geistige Tradition des Romantikers beziehen zu können. Als „Kuckuckseier“ bezeichnet Richter demnach jene romantisierenden Bilder, denen in der Ausstellung ein ganzer Raum gewidmet ist. Ein weiterer Raum betont die Wichtigkeit von Richters abstrahierten und abstrakten Landschaften für die Entwicklung seiner Malerei.

Für dieses Kapitel der Schau haben zahlreiche Bilder – unter anderem das monumentale, 6,8 Meter breite Gemälde „St. Gallen“ – erstmals ihre öffentlichen und privaten Sammlungen verlassen. Konstruierte und manipulierte Landschaften – wie etwa Richters Seestücke, für die er oftmals die fotografischen Vorlagen von Wasser- und Himmelsfläche autonom und keinesfalls „wirklichkeitsgetreu“ wie eine Collage zusammensetzt – bilden einen weiteren Höhepunkt. Zahlreiche überarbeitete Landschaften stehen am Ende der Ausstellung: übermalte Fotografien, die der Künstler größtenteils selbst als Leihgabe für die Ausstellung zur Verfügung gestellt hat, sowie Landschaftsgemälde, deren Realismus Richter mit abstrakten Farbstrukturen relativiert.

Abstrakte Farbstrukturen: Gerhard Richter: Venedig, 1986
. Museum Frieder Burda, Baden-Baden © Gerhard Richter 2020

„Gerhard Richter: Landschaft“ bietet vor dem Hintergrund aktueller Diskussionen zur Klimakrise die Möglichkeit zur kontemplativen Auseinandersetzung mit „Natur“. Entstanden in enger Zusammenarbeit mit dem Atelier Gerhard Richter in Köln, ermöglicht die Ausstellung eine Begegnung mit Schlüsselwerken des Künstlers und erstmals einen retrospektiven Blick auf ein Genre, das Richter 1981 wie folgt beschrieb: „Wenn die ,Abstrakten Bilder‘ meine Realität zeigen, dann zeigen die Landschaften oder Stillleben meine Sehnsucht … weiter: www.mottingers-meinung.at/?p=41641           www.kunstforumwien.at

11. 1. 2021

Kunstforum Wien – Gerhard Richter: Landschaft

September 28, 2020 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

„Kuckuckseier“ zur Klimakrise

Gerhard Richter: Venedig (Treppe), 1985. Art Institute of Chicago, Schenkung Edlis Neeson Collection © Gerhard Richter 2020. Bild: bpk/The Art Institute of Chicago/Art Resource, NY

Allen Umständen zum Trotz hat sich das Bank Austria Kunstforum Wien entschlossen, an seinem Ausstellungsprogramm festzuhalten. Nicht zuletzt, weil die langjährig geplante Herbstausstellung einen in Wien ganz besonders seltenen Gast in das Ausstellungshaus auf der Freyung holt: Gerhard Richter, der als der bedeutendste lebende Maler der Welt gilt, zeigt ab 1. Oktober im Kunstforum Wien eine Retrospektive seiner Landschaftsbilder.

Wie kaum ein anderes Sujet hat die Landschaft Richters künstlerisches Interesse gefesselt und ihn immer wieder zu neuen Bildlösungen angetrieben: Die Ausstellung „Gerhard Richter: Landschaft“ versammelt mehr als 130 Bilder, Zeichnungen, Druckgrafiken, Fotoarbeiten, Künstlerbücher und Objekte von 50 internationalen Leihgeberinnen und Leihgebern. Das Projekt unterstreicht die Wichtigkeit dieses Genres für den deutschen Künstler, der dieses Jahr seinen 88. Geburtstag gefeiert hat. Es ist die bis dato größte Ausstellung weltweit, die ausschließlich Richters Landschaften gewidmet ist – einem Genre, mit dem er sich seit 1963 durchgehend beschäftigt hat. Einige der im Kunstforum ausgestellten Werke sind noch nie öffentlich gezeigt worden.

Richters Gesamtwerk ist unter anderem besonders für seine Heterogenität bekannt, die sich folgerichtig auch in der Bildgattung der Landschaft zeigt: Die Ausstellung gliedert sich in fünf thematische Kapitel, die einzeln, aber auch in ihrer Zusammenschau ein beeindruckendes Panorama von Richters „Arbeit an der Wirklichkeit“ ergeben. Die Gemälde, Zeichnungen und Druckgrafiken sind nicht direkt nach der Natur entstanden, sondern basieren meist auf fotografischen Vorlagen und sind somit „Landschaften aus zweiter Hand“, was sich an der Ausschnitthaftigkeit, an Unschärfeeffekten, mitunter auch an Schrift im Bild erkennen lässt.

Gerhard Richter: Piz Surlej, Piz Corvatsch, 1992. Sammlung Peter und Elisabeth Bloch
. Bild: Christof Schelbert, Olten © Gerhard Richter 2020

Gerhard Richter: Wolke, 1976
. Privatsammlung, als Dauerleihgabe in der Fondation Beyeler, Basel
. Bild: Robert Bayer © Gerhard Richter 2020

Gerhard Richter: Waldhaus, 2004
 (Detail). Privatsammlung © Gerhard Richter 2020

Gerhard Richter: Stadtbild PL, 1970 (Detail). Privatsammlung über Neues Museum Nürnberg. Bild: Neues Museum Nürnberg/Anette Kradisch © Gerhard Richter 2020

Landschaften mit tiefgezogenem Horizont und stimmungsvoller Atmosphäre rücken Richter in die Nähe der deutschen Romantik, auf die der Künstler zwar anspielt, aber der gegenüber er sich immer wieder auch kritisch-zweifelnd geäußert hat: Zu malen wie Caspar David Friedrich, so Richter, sei zwar möglich, aber nur ohne sich auf die geistige Tradition des Romantikers beziehen zu können. Als „Kuckuckseier“ bezeichnet Richter demnach jene romantisierenden Bilder, denen in der Ausstellung ein ganzer Raum gewidmet ist. Ein weiterer Raum betont die Wichtigkeit von Richters abstrahierten und abstrakten Landschaften für die Entwicklung seiner Malerei.

Für dieses Kapitel der Schau haben zahlreiche Bilder – unter anderem das monumentale, 6,8 Meter breite Gemälde „St. Gallen“ – erstmals ihre öffentlichen und privaten Sammlungen verlassen. Konstruierte und manipulierte Landschaften – wie etwa Richters Seestücke, für die er oftmals die fotografischen Vorlagen von Wasser- und Himmelsfläche autonom und keinesfalls „wirklichkeitsgetreu“ wie eine Collage zusammensetzt – bilden einen weiteren Höhepunkt. Zahlreiche überarbeitete Landschaften stehen am Ende der Ausstellung: übermalte Fotografien, die der Künstler größtenteils selbst als Leihgabe für die Ausstellung zur Verfügung gestellt hat, sowie Landschaftsgemälde, deren Realismus Richter mit abstrakten Farbstrukturen relativiert.

Gerhard Richter: Venedig, 1986
. Museum Frieder Burda, Baden-Baden © Gerhard Richter 2020

„Gerhard Richter: Landschaft“ bietet vor dem Hintergrund aktueller Diskussionen zur Klimakrise die Möglichkeit zur kontemplativen Auseinandersetzung mit „Natur“. Entstanden in enger Zusammenarbeit mit dem Atelier Gerhard Richter in Köln, ermöglicht die Ausstellung eine Begegnung mit Schlüsselwerken des Künstlers und erstmals einen retrospektiven Blick auf ein Genre, das Richter 1981 wie folgt beschrieb: „Wenn die ,Abstrakten Bilder‘ meine Realität zeigen, dann zeigen die Landschaften oder Stillleben meine Sehnsucht.“

www.kunstforumwien.at

28. 9. 2020