Bosch tritt auf! Die Gemäldegalerie der Akademie zu Gast im Theatermuseum

November 8, 2017 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Plus einer Sonderschau mit Jonas Burgert

Jonas Burgert: Ihr Schön. Bild: Gemäldegalerie der Akademie d. bild. Künste Wien/APA-Fotoservice/Peter Hautzinger

Der Auftritt ist geglückt – die Wiedereröffnung der Gemäldegalerie, die von der Akademie der bildenden Künste Wien am Schillerplatz in das Theatermuseum übersiedelt ist. Ab heute sind nun am Lobkowitzplatz die neue Dauerausstellung der Gemäldegalerie „Von Cranach bis Füger“ und die beiden Sonderausstellungen „Bosch & Burgert“ sowie „Thomas Ender – Von Triest nach Rio de Janeiro“ zu sehen.

Während der auf drei Jahre anberaumten Sanierung des Ringstraßenbaus bietet sich die Gelegenheit, insbesondere dem weltberühmten Herzstück der Gemäldegalerie, Hieronymus Boschs Weltgerichts-Triptychon in neuer „Inszenierung“ zu begegnen. Erstmals ist dieses frei aufgestellt und erstrahlt in exquisitem Lichtdesign vor dunkler Wand. Mit Werken von Cranach d. Ä., Dirk Bouts, Rubens, Rembrandt und Van Dyck bis hin zu Tiepolo, Guardi oder Heinrich Friedrich Füger haben weitere Highlights aus dem Sammlungsbestand der Gemäldegalerie in neuer Hängung in sieben barocken Räumen im Obergeschoß des Palais Lobkowitz ihren Auftritt.

Die beiden Sonderausstellungen sind: „Bosch & Burgert“, eine weitere Folge der Reihe „Korrespondenzen“, in der das monumentale, vier Meter mal 6,90 Meter große Gemälde „Ihr Schön von Jonas Burgert Boschs Weltgerichtsaltar gegenübergestellt ist. Und die Schau des Kupferstichkabinetts „Thomas Ender – Von Triest nach Rio de Janeiro“. Sie zeigt anlässlich des 200-jährigen Jubiläums der österreichischen Brasilien-Expedition eine repräsentative Auswahl an Aquarellen und Zeichnungen Thomas Enders von der dreimonatigen Überfahrt nach Südamerika.

Bild: Gemäldegalerie der Akademie d. bild. Künste Wien/APA-Fotoservice/Peter Hautzinger

Bild: Gemäldegalerie der Akademie d. bild. Künste Wien/APA-Fotoservice/Peter Hautzinger

Ein weiteres Debüt steht mit der Erstaufführung der Wiener Fassung von Hieronymus Bosch, das „Wiener Weltgericht“, das Schauspiel zum „Jüngsten Gericht“ bevor. Der Autor Jérôme Junod inszeniert selbst, Premiere des in Koproduktion mit dem „Salon5“ realisierten Theaterstücks ist am 22. November. Aufführungen wird es bis Februar 2018 geben.

www.theatermuseum.at

www.akademiegalerie.at

8. 11. 2017

Akademietheater: Ludwig II.

Oktober 30, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Markus Meyer brilliert als Bayernkönig

Das Ende im Starnberger See: Markus Meyer ist als Ludwig II. ganz großartig. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Und immer noch großes Kino ist „Ludwig II.“ am Akademietheater. Fast ein Jahr nach der Uraufführung hat die Inszenierung nichts an Kraft eingebüßt. Kraft, Bastian, der Regisseur des Abends, hat den Monumentalfilm von Luchino Visconti in einer reduzierten, komplexen Fassung auf die Bühne gebracht. In der Titelrolle überragend ist Markus Meyer. Das Dreamteam, das schon mit „Dorian Gray“ glänzte, macht aus einer ausgeklügelten Multimediaversion des Historiendramas eine beklemmende Psychostudie des Bayernkönigs und gleichzeitig ein Porträt seiner Zeit und Zeitgenossen.

Neben Meyer agieren Regina Fritsch als Kaiserin Elisabeth und Johann Adam Oest als Richard Wagner ganz großartig. Allesamt sind sie Majestäten in weißen Roben mit langen weißen Schleppen. Den 1973 erst von den Produzenten von vier auf drei Stunden gekürzten, dann von der Zensur verstümmelten Film über den „Märchenkönig“ fürs Theater zu adaptieren, ist an sich eine unlösbare Herausforderung. Kraft gelingt die Übung in weniger als zwei Stunden  – und wie.

Weder verzichtet er auf Viscontis Opulenz, wenn auch in anderer, heutiger Ästhetik, die Protagonisten und ihre Dekadenz in gleißendes Licht getaucht, während rund um sie Finsternis ist (Bühne: Peter Baur), noch auf die etwa zwei Dutzend Schauspieler, die der italienische Filmtitan für sein Opus Magnum bemühte. Auf der Bühne braucht er nur drei Darsteller, um Krönung, Wahnsinn und Fall Ludwigs zu illustrieren, auf der Leinwand aber ist Meyer als sein gesamter Hofstaat, Mutter, Bruder, Beichtvater … zu sehen. In wunderbaren Masken entwirft er das Kaleidoskop einer Gesellschaft, die ihrem Herrscher nicht nur Gutes wollte.

Unter einem schräg über der Spielfläche hängenden, riesigen Spiegel tritt Markus Meyer als der soeben gekrönte König auf. Ganz in weiß gewandet besteigt er ein weißes Podest und ergibt sich gerade einmal 18-jährig seiner neuen Aufgabe: „Von heute an gehört dein Bild nicht mehr dir selbst. Es gehört der Welt“. Diesen so wahren, wie resignativ gesprochenen Satz wird Kraft am Ende noch einmal unterstreichen, indem er in Sekunden-Geschwindigkeit alle möglichen Szenarien, Vorstellungen und Vorurteile, die „mediale Spiegelung“, die Abbildung einer ganzen Epoche stellvertretend auf den Körper des Königs projiziert. Da war dieser schon nackt und auf dem Weg in den Starnberger See, wie schnell könnte alles gesagt sein, doch davor gilt es das Psychogramm eines sensiblen, an Politik wenig interessierten Monarchen zu erkunden, der ein von Verfolgungswahn geplagter, von seiner Regierung in die Enge getriebener und schließlich zum Selbstmord bereiter Wahnsinniger wird.

Markus Meyer mit Regina Fritsch als Kaiserin Elisabeth und Johann Adam Oest als Richard Wagner. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

In ihrer Exzentrik einer des anderen Spiegelbild: Regina Fritsch als Elisabeth, Markus Meyer als Ludwig. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Zu Meyers exzeptioneller Performance gibt Regina Fritsch eine kühle, verhärmte, bisweilen intrigante Kaiserin Elisabeth, die im jungen König dennoch zarte Gefühle entfacht, einer des anderen Spiegelbild in ihrer Exzentrik, und Johann Adam Oest einen durchtriebenen, geckenhaften Richard Wagner, der seinen ergebenen Gönner um viel Geld und Verstand bringt. „Das Leiden an der Welt gehört zu Ihnen“, sagt er an einer Stelle und fordert sein Opernhaus. Bayreuth.

Die wahre Leistung der Inszenierung ist die Ausführung des restlichen Personals: Hier liefern Markus Meyer und Kostümbildnerin Dagmar Bald gemeinsam mit dem für die Videozuspielungen zuständigen Jonas Link ein veritables Wunder ab: Meyer in nicht weniger als einem Dutzend Rollen – von Wagners späterer Frau Cosima über Ludwigs Kurzzeit-Verlobter Sophie bis hin zu Graf Dürckheim oder Josef Kainz (diese Szene, für die sich Meyer unter die Zuschauer begibt, besonders eindrücklich, der Burgstar in Bedrängnis, der schizophrene König, der einen „Romeo“ und keinen Menschen erleben will) -, die wahlweise auf den riesigen Spiegel oder die weißen Schleppen der Schauspieler projiziert werden und somit als bedrohliche Über-Ichs die Handlung vorantreiben. Ein Kniff, der staunen macht und sich über den gesamten Abend nicht abnützt.

Auf Film als Ludwigs gesamter Hofstaat – Beichtvater, Minister, Mutter, Bruder: Markus Meyer (Hintergrund) mit Regina Fritsch. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Aus Viscontis Vorlage übernommen hat Kraft hingegen die Vernehmungsszenen von Ludwigs Umfeld, die im Film wie auf dem Theater dessen geistigen Verfall zu Protokoll geben. Die Spielfilmhandlung wird nämlich mehrfach durch Momente unterbrochen, in denen Darsteller vor einem schwarzen Hintergrund direkt in die Kamera blicken und über König Ludwig und sein Verhalten wie bei einer Zeugenaussage sprechen.

Hierzu hat Kraft eine Metaebene eingebaut, die mit wenigen Worten auch die komplizierte Entstehung und die Rezeptionsgeschichte des Films miteinbezieht. „Ich habe diesen Film wieder und wieder gesehen“, heißt es da, oder „Der Film hat zwölf Millionen Deutsche Mark verschlungen“ – in den 1970er-Jahren noch eine Unsumme.

Am Ende bleibt Ludwig in diesem Spiel mit all seinen Reflexionsebenen ein Geheimnis. Man sieht ihn in Großaufnahme beim Abschminken. Die Höflinge, Verwandten und Diener – alles nur Fassade. Unter all den Masken war ein blasser, scheuer, unglücklicher Mensch verborgen. Entblößt umarmt, besteigt er eine überlebensgroße, weiße Ludwig-Statue, hängt ihr den inzwischen von der Tinte seiner irren Dekrete und wahnwitzigen Entwürfe befleckten Mantel um, um dann im See – einem winzigen Viereck – unterzugehen, langsam, im Spiegel zu sehen, bis schließlich auch der Haarschopf verschwindet. Ein eindrucksvoller Schluss, der einem buchstäblich den Atem raubt.

www.burgtheater.at

30.10.2017

Schauspielhaus: Golem oder Der überflüssige Mensch

September 29, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Planet der Smarties

Im Dunkel der Nacht wird ein künstlicher Mensch gemacht: Vassilissa Reznikoff, Nicolaas van Diepen und Steffen Link. Bild: © Matthias Heschl

Seit Deep Blue also nichts Neues. Man kann weiterhin beruhigt schlafen. 1996 hatte der IBM-Rechner den amtierenden Schachweltmeister Garri Kasparow in einem Wettkampf aus sechs Partien vernichtend geschlagen, weil dies aber extrem kreativ, munkelte die Fachwelt bald, hinter dem Computergehirn hätte in Wahrheit ein menschliches gedacht. IBM trat die Flucht in die Verschrottung an, und zerlegte Deep Blue in seine Einzelteile.

Beweise welcher Art auch immer waren nun unmöglich. Der Schöpfer zerstörte sein Geschöpf, weil es ihm gefährlich wurde … Am Donnerstag kam im Schauspielhaus Wien Gernot Grünewalds Textcollage „Golem oder Der überflüssige Mensch“ zur Uraufführung, und er erzählt: Nichts Neues. Grünewald, der auch als Regisseur wirkte, befindet sich gedanklich nicht weiter denn auf dem Erkenntnisstand der Herren Ray Bradbury und Philip K. Dick, und stellt ergo die schon von denen dystopisch ausformulierten Fragen: 1. Weiß es, was es ist? Seit Roy Batty wissen wir: Ja. 2. Kann es zum gesellschaftlichen Entscheidungsträger werden? Nein, weil ihm Emotion und Empathie fehlen, und es daher keine ihm unlogischen, aber einem Menschen wertvolle Handlungen vollführen würde – etwa unter Gefährdung der eigenen Existenz eine Katze aus einem brennenden Haus zu retten.

Es sei denn, der Mensch bringt geschickt die drei Robotergesetze zum Einsatz. Aber Achtung punkto Katze: In den von Isaac Asimov für seine Kurzgeschichte „Runaround“ erlassenen Geboten geht es ausdrücklich um den Schutz menschlicher Wesen, bei gleichzeitigem Auftrag an das künstliche, sein Fortbestehen zu sichern. Mutmaßlich war Asimov kein Katzenfreund … Warum das alles hier steht? Weil Grünewald an seiner A.I.-Arbeit eine all dies und mehr umfassende Klammer angebracht hat. Er beginnt im Wortsinn bei den ersten von einem Gott erschaffenen Kreaturen, Adam und Eva, heißt: er lässt die Schauspieler das Buch Genesis zitieren.

Der schwarze Gaze-Kubus wird mit Videoprojektionen à la Dr. Serena Kogan bespielt, … Bild: © Matthias Heschl

… während die Schauspieler auf der Bühnendrehscheibe im Kreis transportiert werden. Bild: © Matthias Heschl

Und als er sah, dass es gut war, wechselt er flugs zum Golem-Mythos, bekannt ist der vor allem durch die Story vom Prager Rabbi Löw, der von seinem Lehmmann am Ende erschlagen wird, um bei schicken Sci-Fi-Gestalten in ihrem Cyberland zu landen, die auf Großleinwand laut denken, alles zu beaufsichtigen, während sie längst überwacht werden. Smart Phone, Smart Car, Smart Home – Willkommen auf dem Planet der Smarties. Den Grünewald wie immer gemeinsam mit Bühnenbildner Michael Köpke und Videokünstler Jonas Plümke zur Wunderwelt macht.

Das Dreier-Dreamteam versteht sich auf die Kunst der opulenten Ausstattung, und so steht in der Raummitte ein Podest, das bei Eintreten des Publikums noch gut durchfeuchtet wird. Auf dieser Wasserfläche entfaltet sich das Spiel, darüber ein schwarzer Gaze-Kubus, der sich langsam absenkt und mittels Videoprojektionen gespenstische Bilder reflektiert. Die Feuchtbiotopbühne dreht sich langsam, die Zuschauer sitzen an vier Seiten um dieses fantastische Setting, das schließlich die Darsteller Vassilissa Reznikoff, Nicolaas van Diepen und Steffen Link erklimmen, um das Spiel beginnen zu lassen.

Für seine freie Assoziation zum Thema künstliche Intelligenz bedient sich Grünewald aus drei Quellen: Karel Čapeks Schauspiel „Rossum’s Universal Robots“ aus dem Jahr 1920, für das der tschechische Autor den Begriff Roboter, abgeleitet vom Wort für Arbeit/Robot, erfand, und in dem Androiden als rechtlose Arbeiter ausgebeutet werden. Stanisław Lems „Also sprach Golem“ aus dem Jahr 1981, in dem der Supercomputer Golem XIV die Intelligenzbarriere durchbrochen hat und nun eine eigenständige Vernunft, aber kein Gefühlsleben besitzt, weil er eben keine Person, sondern nur ein Kalkül ist. Und Schriften von Ray Kurzweil, in denen der Leiter der technischen Entwicklung bei Google über Transhumanismus und Technologische Singularität sinniert – und dafür von seinen Gegnern als Guru einer neuen Ersatzreligion angefeindet wird.

All das bindet Grünewald zu einem wilden Spekulationsstrauß. Die Optik gewinnt bei dieser Inszenierung klar gegen die Botschaft, denn während man noch angestrengt nachdenkt, wie hier A zu B zu C passen sollen, wird man von einer berauschenden Bilderflut von jeder Art Bedenken fortgerissen. Vassilissa Reznikoff und Nicolaas van Diepen formen neben einer dekorativen Feuerstelle einen Steffen Link aus Gatsch. Der formuliert derweil seine Angst, wieder ein Nichts zu werden. Dazu wird Grünewalds Textmaterial streckenweise wie Psalmen gesungen, dabei werden als Thema angeschnitten: Die Vermenschlichung des Dings, dieses intelligent, aber seelenlos, und als billigster Arbeiter auch der beste. Seine optimale Unterstützung zur Selbstoptimierung des Menschen, aber andererseits seine Schuld an der technologischen Arbeitslosigkeit. Der Mensch, krankhaft in seinem Wahn ein Schöpfer/Gott zu sein.

Sind wir nicht alle ein bisschen Golem? – Vassilissa Reznikoff, Steffen Link und Nicolaas van Diepen haben sich zugelehmt. Bild: © Matthias Heschl

Was nur, wenn wir uns in unserer Zukunfts-technologiegläubigkeit die Fallstricke selber knüpfen, und sich die Computer ohne unser Zutun vernetzen und übernehmen – siehe „T3: Rise of the Machines“? Wird aus dem Anthropozän dann eine Virtual Reality? Reicht das Merkmal Empathie, um das Echte vom Künstlichen zu trennen? Do Androids Dream of Electric Sheep?

Während die Schauspielerköpfe, überlebensgroß wie der von Dr. Serena Kogan auf den Gaze-Kubus geworfen, derart Grünewalds Gedankendickicht durchpflügen, sind die Darsteller auf der Drehplattform damit beschäftigt, sich immer mehr zuzulehmen. Bis am Ende drei Tonfiguren auf der Bühne stehen. Der Schöpfer tarnte sich als sein Geschöpf, weil es ihm gefährlich wurde … Naturgemäß gibt’s von Grünewald und seiner Methode der freien Einfälle keine Rückäußerung auf die von ihm gestellten Fragen. (Kann’s auch gar nicht, die ultimative Antwort lautet sowieso: 42). „Golem oder Der überflüssige Mensch“ ist ein reizvolles Gedankenspiel, das sich mit seinem Zuviel an Aussage zwar selber stellenweise die Kraft nimmt, dies immer dann, wenn die Stringenz fehlt und die Narration abhanden kommt, aber vielleicht gerade dadurch zum Weiterdenken und Sich-Wissen-Anlesen anregt. Die Bilder sind gigantisch, die Diskussionen eröffnet. Mehr kann man von einem Theaterabend nicht erwarten. „It is said that the golem lives everywhere and in all times“, David Frishman, „The Golem“, 1922.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=A3MeMi4gdHs

www.schauspielhaus.at

  1. 9. 2017

Wiener Festwochen: Dugne / Nachtasyl

Mai 25, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Einladung zum Letzten Abendmahl des Theaters

Bild: Dmitrijus Matvejevas

Pennerphilosophie von Satin und dem Baron: Darius Meskauskas und Dainius Gavenonis. Bild: Dmitrijus Matvejevas

Beim Nachhausefahren in der U-Bahn genau so ein Typ, mit Bierdose, der Vierersitz bis auf seinen Platz leer, denn wer will schon … nicht einmal rüberschauen am besten. Das geht beim Oskaras Koršunovas Theater aus Vilnius nicht. Der litauische Regisseur und seine Truppe zeigen bei den Wiener Festwochen Maxim Gorkis „Dugne / Nachtasyl“. Das heißt, es ist nur der vierte Akt, der im brut dargeboten wird.

Da ist Luka schon gegangen, Anna tot, und Pepel und Wassilissa sind in Untersuchungshaft. Was bleibt, ist eine Inszenierung auf kurze Distanz, so sehr Aug‘-in-Aug‘, dass man hinsehen muss. Koršunovas heischt nicht um Verständnis für irgendjemandes Verhängnis. Schonungs- und mitleidlos zeigt er zunehmend aggressiver werdende Asoziale, der Mensch, wie er ist, wenn ihm Eigendefinition und -verantwortung ausgehen, das ist bedrückend, eindrücklich und schwer auszuhalten.

Wobei Gorki weder etwas hinzugefügt, noch von ihm weggelassen wird. Im Hintergrund gleiten dessen Sätze vorbei. „Man muss jeden Menschen respektieren!“ und „Tritt keinem Menschen zu nahe!“ und der liebste „Wenn Arbeit erzwungen ist, dann wird Leben zur elenden Sklaverei!“ Das Wort ist Leuchtschrift geworden und ist unter uns gelaufen. Dazu Dias von der litauischen Landschaft als ein letztes bisschen Frieden. Auch die Schauspieler werden diese Sätze noch sprechen, aber aus ihrem Mund werden sie anders klingen, nach „arbeitsscheu“ und den üblichen tagtäglichen Beschimpfungen. Sandler, Owezahrer, Strolch. Vorurteile? Ein Grausen? Nicht doch! Da sitzen sie so lieb lächelnd an der weißgedeckten Tafel, die zweite Gruft in Tuchfühlung, und teilen ihren Wodka und die salzigen Kekse mit dem Publikum. Gramm um Gramm rinnt die Kehlen runter, und das Wort wird weitergereicht. Rasa Samuolytė als Prostituierte Nastja hat sich schon beim Reinkommen einen jungen Mann in der ersten Reihe ausgeguckt. Er ist Student, Johannes heißt er, und am Ende wird sie ihm ihre Telefonnummer zustecken – man weiß ja nie, die Hoffnung auf ein besseres Leben in Österreich soll keiner aufgeben müssen. Und natürlich wird gebettelt. Eine Million Euro, das ist für reiche Westeuropäer doch nichts!

Die Gesichter des vermeintlich vereinten Europas, und wie wenig man dem anderen in seines zu schauen vermag, und wie Unkenntnis zu Unverständnis führt. Oskaras Koršunovas sagt das alles, ohne etwas explizit zu sagen. Derweil entwickelt sich unter den Darstellern eine Diskussion um die Wahrheit und ihren Wert, an diesem Tisch ohne den Tischler beraten hochphilosophische Penner darüber, ob Wahrheit nicht eigentlich eine Glaubensfrage ist. „Der Gott des freien Menschen“, wie Dainius Gavenonis als Satin sagt. Der Wort- und Rädelsführer hat die arbeitslosen Apostel um sich versammelt, um Lukas Gleichnisse an die Gemeinde weiterzugeben. Wie Hostien teilt er nun die Kekse aus, wirft sie unter das Zuschauervolk, trinkt Bruderschaft da und dort, die, die so gut wie nichts haben, teilen noch das wenige, und mit der Promillezahl steigt die Großzügigkeit. Einer auf dem Nebenplatz flüstert: „Müssen die morgen nicht ihren Rausch ausschlafen?“ Es ist ein Verdienst dieser seltsam naturalistischen Aufführung, dass einem solche Dinge durch den Kopf und nahe gehen.

Bild: Dmitrijus Matvejevas

Das Ensemble versammelt sich zum Letzten Abendmahl des Theaters. In der Mitte: Rasa Samuolyte als Nastja. Bild: Dmitrijus Matvejevas

Bild: Dmitrijus Matvejevas

Die Witwe Kwaschnja (Nele Savicenko) schimpft auf die Männer. Bild: Dmitrijus Matvejevas

Wo der Mensch ist, wird Geschirr zerschlagen werden. Im Wortsinn, Nastja wirft mit Tellern um sich. Sie fühlt sich beleidigt, weil die Männer über ihre Kitschromane lachen. Samuolytė, dieses rothaarige Gorki-Geschöpf, ist eines der Highlights des Abends. Überhaupt sind die Schauspieler ganz großartig: Julius Žalakevičius als selig volltrunkener Mützenmacher Bubnow, Darius Meškauskas als resignativer Baron, Jonas Verseckas als um Ruhe bemühter Kleschtsch oder Rytis Saladžius als Polizist Medwedew. Giedrius Savickas steigt als Aljoschka den zum Tänzchen gebetenen Zuschauerinnen auf die Zehen.

Nelė Savičenko warnt als Witwe Kwaschnja eine anwesende Ehefrau: „Schlägt er dich? – Nein? – Na, das wird schon noch kommen!“ Und inmitten von  Lärm und Musik kniet Tomas Žaibus als der Tartar und betet zu Allah. Auch das keine Erfindung des Ensembles, sondern original Gorki. Es folgen Streit, Standesdünkel und Eifersüchteleien. Und die Gewaltspirale dreht sich, es wird gesoffen, geschrien und geschlagen, und selbst der gutmütigste Gutbürgerliche hat mittlerweile Fluchtgedanken. Raus aus diesem Raum, ein Glück, das geht einen alles nichts an, weil man ist ja auf der sicheren Seite der Gesellschaft.

Doch da kommt die Kultur. Sie ist gestorben, sie ist ein Gespenst. Der Schauspieler – Darius Gumauskas mit einer beklemmenden Performance stiller Verzweiflung – hat sich erhängt, und sein Geist rezitiert Hamlet. Sein oder Nichtsein? In solchen Verhältnissen ist Schluss mit „Show“. Lichter aus, Vorhang zu. Oskaras Koršunovas sagt, in Litauen sei es aufgrund der jetzigen Theaterfinanzierung nicht mehr möglich eine „normale“ Inszenierung zu machen. Und man versteht, dieses Grenzerlebnis war eine Einladung zum Letzten Abendmahl, eine über seine sozialen Metaphern hinausreichende Totenfeier des Theaters. Jetzt ist das Hochkulturblabla als Bluff enttarnt, denn mit schönen Worten lässt sich kein Schauspielermagen füllen, nun wird die Kulturpolitik auf die Bühne gebeten. Eine gute Entscheidung von Festwochen-Schauspielchefin Marina Davydova diese Produktion auch nach Wien einzuladen. Sie ist ein kleiner Abend, der einem kluge Gedanken mit auf den Weg gibt.

Video: www.youtube.com/watch?v=vBHLNZEII4A

www.festwochen.at

Mehr Rezensionen von den Wiener Festwochen:

Der Auftrag: www.mottingers-meinung.at/?p=20189

Látszatélet/ Scheinleben: www.mottingers-meinung.at/?p=20141

Città del Vaticano: www.mottingers-meinung.at/?p=20120

Die Passagierin: www.mottingers-meinung.at/?p=20085

Tschewengur. Die Wanderung mit offenem Herzen: www.mottingers-meinung.at/?p=19870

Wien, 25. 5. 2016

Wiener Festwochen: Der Auftrag

Mai 24, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Mehr Heiner Müller geht nicht

Regisseur Jürgen Kuttner als Heiner Müller, Hagen Oechel, Corinna Harfouch und Janko Kahle. Bild: © Katrin Ribbe

Regisseur Jürgen Kuttner als Heiner Müller mit der drapeau tricolore: Hagen Oechel, Corinna Harfouch und Janko Kahle. Bild: © Katrin Ribbe

Das mit den Königspudel-Cheerleadern erschließt sich nur bedingt. Wegen des von der ErstenLieben verlangten Vergewaltigungsakts der „schwarzen Hündin“? Au, Hirnverstauchung, das wär‘ aber ums Eck gedacht. Na, macht ja nix. Das Regieduo Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zeigt bei den Wiener Festwochen Heiner Müllers „Der Auftrag. Erinnerung an eine Revolution“, und die Produktion aus Hannover hat auf ihrem Weg ans Theater an der Wien nichts an Farbe eingebüßt.

Liberté, égalité, fraternité steht nicht nur in großen Lettern über der Bühne, sondern den Darstellern buchstäblich ins Gesicht geschrieben. Auch das letztlich eine Ins-Konzept-Quetschung, weil, was hatten Debuisson und das Ideal der Gleichheit aller Menschen je miteinander zu tun? Aber, apropos Idee und Konzept, Unterwerfung unter beide, so noch das Wörtchen Regie- davor steht, muss sein. Und so laden Kühnel und Kuttner ins Varieté der Eitelkeiten, mitten rein also in die Politik, willkommen, bienvenue, welcome, was wird dieser Tage nicht ein Zirkus gemacht um Ideologien und politische Zeitenwenden, deren Stunde dann doch nicht schlägt. Es spricht, und zwar beinah ausschließlich, Heiner Müller himself. Die Regisseure machen den Mitschnitt einer Lesung aus dem Jahr 1980 zur Tonspur ihrer Inszenierung, das hat schon was, der DDR-Dichter und Andersdenker mit seiner nasalen, schmucklosen Stimme, die sich nie hebt und nichts hervorhebt, und man weiß spätestens jetzt, warum Heiner-Müller-Stücke als enigmatisch zu gelten haben: Die Schauspieler haben ihn mutmaßlich nicht verstanden, akustisch heißt das, übers Metaphorische lässt sich ohnedies nur orakeln.

Die Kaffeekannenbourgeoisie: Sarah Franke und Jonas Steglich. Bild: © Katrin Ribbe

Die Kaffeekannenbourgeoisie: Julia Schmalbrock und Jonas Steglich. Bild: © Katrin Ribbe

Im Theater der weißen Revolution: Corinna Harfouch beobachtet den Kampf Robespierre gegen Danton. Bild: © Katrin Ribbe

Theater der weißen Revolution: Papp-Danton gegen Karton-Robespierre. Bild: © Katrin Ribbe

Der Star in der Manege ist Corinna Harfouch als Debuisson, angetan als Weißclown und den Großteil des Abends als Müllers stumme Dienerin beschäftigt. Erst beim Fahrstuhl-Monolog darf sie die eigene Stimme erheben. Das tut sie anfangs karikaturhaft sächselnd, bis ihr das Clownesk-Komödiantische ins Grauen wegbricht. Dies ungefähr auch die beiden Temperaturen, zwischen denen die Aufführung wechselt. Wie sie ihren Debuisson mit großen, beinah stummfilmhaften Gesten, weil die Figur hier ja allegorisch-überlebensgroß erscheint, über die Bühne schiebt, ist eine Sensation. Sie hat sich selbst choreografiert, ihren Auftritt mit eckigen Bewegungen wie ein bizarres Ballett ausgestaltet. Harfouch ist der Höhepunkt des Abends. Ihre Mitrevolutionäre sind Janko Kahle als roter Löwenbändiger-Galloudec und Hagen Oechel als ein Sasportas, dem der Glaube an die Freiheit so eingebläut wurde, dass sich sogar seine Haut danach färbte. „Wir sind nicht gleich, bis wir einander nicht die Haut abgezogen haben“, sagt die Figur einmal und in diesem Fall könnte diese ihr Outfit an die Blue Man Group verleihen.

Artisten Tiere Attraktionen. In der nächsten Abteilung eine Käfignummer, ein Zaubertrick, der aber niemanden entfesselt. Der sterbende Sklave, dessen die drei Emissäre der Französischen Revolution bei ihrer Ankunft auf Jamaika als erstes ansichtig werden, muss in seinem Foltergefängnis verbleiben. Sie wissen schon, Zitat „Einem können wir nicht helfen“. Mit solcherart skurrilbunten Bildern und den sphärisch mahlenden Postrockklängen der „Tentakel von Delphi“ rund um Harfouch-Sohn Hannes Gwisdek geht es weiter. Antoine nebst Gattin sind zu biederbourgeouiser Petite-Fleur-Kaffeekanne nebst Tasse mutiert, er hat den überdimensionalen Ausgießer genau da, wo!, wenigstens das ein Glück; den Brief, der die Rückblende einleitet, überreicht ausgerechnet einer der Matrosen von Kronstadt. Rote-Fahne-Schwenken inklusive. Die ErsteLiebe lebt mit ihren Pudeln offensichtlich auf Tara, schlechte Tonqualität und Uralttechnicolor, jetzt passt das endlich, und Billie Holiday singt „Strange Fruit“. Das „Theater der weißen Revolution“ ist ein hinreißend gestalteter Livecomicfilm, in dem sich Danton und Robespierre zum „Rocky“-Theme die Pappkameradenköpfe einschlagen. Heiner Müller im Wunderlichland. Und an der Assoziationskette leuchten alle Tricolore-Lichter.

Le drapeau tricolore: Hagen Oechel, Corinna Harfouch und Janko Kahle. Bild: © Katrin Ribbe

Auch Zirkusartisten können keinen Sklaven aus seinem Käfig befreien: Hagen Oechel, Corinna Harfouch und Janko Kahle. Bild: © Katrin Ribbe

Dass die Burleske zur Müller-Pathetik über weite Strecken aufgeht, ist erstaunlich, aber Tatsache: Idee + Konzept = Regie. Kühnel und Kuttner haben ihren Auftrag erfüllt. Mehr Heiner Müller geht nicht. Nicht nur, weil Jürgen Kuttner als dessen quasi Alter Ego mit Krankenkassenbrille und zerlebter Lederjacke die Veranstaltung moderiert – ein Heiner Müller aus Karton wirft im Revolutionsring das Handtuch, ein anderer hängt als Fotografie an einer Wohnzimmerwand.

Sondern weil sie seine Botschaft aus dem Jahr 1979 konsequent weitergedacht haben. Am Ende, im Plattenbau-Verschlag, versammelt sich die linke Creme, Marx und Lenin und Stalin, Rosa Luxemburg, Mao und der Che, ihr Tun nicht einsichtig, sondern per Überwachungskamera ins außen übertragen. Sie werden für ihre Gedankenerbschaft sterben müssen. Die Revolution frisst bekanntlich ihre Kinder, um den Satz auch noch zu bemühen, manchmal aber fressen die Kinder ihre Revolution. Und immer schreien andere „Wir sind das Volk“. Debuisson sagt: „Jetzt weht der Wind aus gestern“, denn der von Heiner Müller beschriebene Krieg der Landschaften hat längst wieder begonnen. Das aufzuzeigen ist ein starkes Stück.

Video: www.youtube.com/watch?v=nFG7LyMUVEI

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Mehr Rezensionen von den Wiener Festwochen:

Látszatélet/ Scheinleben: www.mottingers-meinung.at/?p=20141

Città del Vaticano: www.mottingers-meinung.at/?p=20120

Die Passagierin: www.mottingers-meinung.at/?p=20085

Tschewengur. Die Wanderung mit offenem Herzen: www.mottingers-meinung.at/?p=19870

Wien, 24. 5. 2016