Akademietheater: Joachim Meyerhoffs „Land in Sicht“

April 28, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Geschichten aus den 280 Kladden des Ignaz Kirchner

Joachim Meyerhoff zeigt Erinnerungen von seinem und an seinen großen Schauspielkollegen Ignaz Kirchner. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Drei Stunden Theatermonolog sind für gewöhnlich etwas, das sowohl dem Sprecher als auch dem Publikum an die Substanz geht. Außer freilich, es ereignet sich Außergewöhnliches, wie nun am Akademietheater, wo Joachim Meyerhoff unter der Überschrift „Land in Sicht“ eine theatrale Gedenkfeier für Ignaz Kirchner gestaltet. „Weiter, weiter“ steht als Motto des Meyerhoff’schen Projekts vorne auf dem Programmheft, und so geht’s einem beim Anhören dieser Erzählungen, Erinnerungen, Erläuterungen.

Wenn ein grandioser Schauspieler vom anderen schwärmt, dann will man noch jenseits jedes Zeitlimits mehr erfahren. Man habe, eingedenk der fulminanten Burgzerlegungsfarce „Robinson Crusoe“, längst schon vorgehabt, gemeinsam ein Stück zu machen, sagt Meyerhoff, und weiß von mindestens drei fehlgeschlagenen Versuchen, deren fertige Bühnenbildmodelle er auch herzeigt. Eine neue Idee war in Arbeit, aber es kam nicht mehr zur Ausführung. Ignaz Kirchner verstarb vergangenen September. Doch da waren diese Notizbücher, die schwarzen mit den roten Ecken, „Ignaz‘ Farben“, so Meyerhoff, von denen er bei Gelegenheiten einige als Geschenk erhalten hatte. Vierzig Jahre hat Kirchner in diese Hefte Fotografien aus Zeitungen und Zeitschriften geklebt, dabei Kurioses, Fatales, Skurriles, das Abgründige im Alltäglichen wild gemischt festgehalten, Erich Honecker samt Frau neben dem Bild einer Fließbandschlachtung, und jede seiner Entdeckungen mit mal ironischen, mal nachdenklichen Bemerkungen versehen.

Die Welt ein Menschenleben lang mit Verwunderung, auch Fassungslosigkeit betrachtet. Wie viel Geschichte und G’schichten in ein solches passen, erfuhr Meyerhoff, als ihm Kirchners Kladden von dessen Frau zur Verfügung gestellt wurden, 280 an der Zahl, aufgeteilt auf vier Kartons, aus denen er in Komplizenschaft mit einem Auditorium voll Kirchner-Fans Auszüge präsentiert. Dass Meyerhoff dies begnadet gut tut, wird jedem einleuchten, der die irrwitzigen Lesungen seiner autobiografischen Bücher kennt. Dem verehrten, jähzornig liebevollem, vergrübelt spitzbübischem Kollegen nähert er sich mit einem ähnlich dreisten Mix aus Unverfrorenheit und Hochachtung, wenn er frech über dessen Vorliebe für Frauen-in-Dessous-Fotos und Schuhfetischismus feixt.

Die 280 Kladden aus den vier Kartons hinten …: Joachim Meyerhoff. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

… werden auf die Bühne gestapelt: Mirco Kreibich, Fabian Krüger und Joachim Meyerhoff. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

All diese Aufnahmen, von Frank-Patrick Steckel „Wichsvorlagen“ genannt, natürlich welche fürs Rollenstudium. Wie nebenbei plaudert Meyerhoff aus dem Nähkästchen großer Schauspielkunst, er ist der geborene Entertainer, und wie stets, wenn eine Parentation gehalten wird, befasst sich der Vortragende über weite Strecken mit sich. Eine Form charmanter Selbstinszenierung, die dem Charismatiker weder fremd noch irgend unangenehm ist, und so karikiert er ungeniert seine mimischen Anfänge, als er, gefangen im magischen Dreieck Stein – Castorf – Dorn und darob an seiner Berufswahl bereits ver-/zweifelnd, eine Aufführung mit Gert Voss und Ignaz Kirchner gesehen habe.

Ewigkeiten vorm persönlichen Kennenlernen. Und um festzustellen, dass man am Theater nicht nur heiligen Bierernst haben müsse, sondern trotz „intellektueller Durchdringung“ kauzigen Spaß haben kann. Später wird er von der Garderobenhackordnung bei Hartmanns Einstandspremiere „Faust“ berichten, als Tobias Moretti lieber auf die Damenseite wechselte, wo „Gretchen“ Katharina Lorenz das Feld räumen musste, als sich Gert Voss im Kampf um die „Einser“ geschlagen zu geben, während Kirchner, zufrieden im Komparsenkämmerchen, der Bühne ohnedies am nächsten war.

Dann wiederum prahlt er bescheiden über sein Einspringer-Erlebnis als Mephisto nach dem Voss’schen Beinbruch, ein Parforceritt, Europas besten Schauspieler zu ersetzen, der belohnt wurde, als ihn zu des Meisters Rückkehr dessen Anruf ereilte, mit der Frage, ob er ein, zwei Einfälle zur Figur von Meyerhoff entlehnen dürfe. Derart Anekdoten, die Einblicke hinter die Kulissen, die augenzwinkernd bloßgelegten Eitelkeiten, erfreuen selbstverständlich das Zuschauerherz. Meyerhoff zur Seite stehen Mirco Kreibich und Fabian Krüger als sprachlose Slapstickdeppen, Bühnenarbeiter-Persiflagen, die hämmern und sägen und hochklettern und herumtollen, als wollten sie das Setting von Jenny Schleif mit Hebemaschine und Motorsäge erst aufbauen.

Wird Meyerhoff politisch, ertränken sie seine Sätze in ihrem Baulärm. Etwa, wenn Meyerhoff etwas zur FPÖ und zum braunen Rand und Kirchners Aversion gegen die neue Regierung sagen will, doch man nur sieht, wie er den rechten Arm streckt und gerade noch hört: „… und das alles also hätte Ignaz gern mit Strache gemacht“. Kirchner liebte solche Narreteien, veranstaltete auf der Bühne mitunter selber eine, und wenn Kreibich und Krüger mit ihren Chaosaktionen die von Meyerhoff dringlich geforderte Konzentration stören, wenn sie dem „Star“ einmal im Wortsinn die Latte hoch hängen, dann sorgt das für eine Luftigkeit, die die allgemeine Rührung samt der dramatischen Musik von Pianistin Johanna Marihart und Keyboarder Philipp Quehenberger tröstlich übertüncht.

Die Störenfriede können auch gut Gitarre: Fabian Krüger und Mirco Kreibich. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Das Radfahrer-Stück kam nicht mehr zustande; am Klavier: Philipp Quehenberger. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Stolz auf ihre Seelenverwandtschaft, auf ihre Männerfreundschaft, in der übers Innerste nicht gesprochen werden musste, um sich nah zu sein, zeigt Meyerhoff die Seiten aus Kirchners Notizbüchern, projiziert sie auf einen riesigen Screen, Ausschnitte verhasster Politiker, den grinsenden Kohl, den selbstgefälligen Franz Josef Strauß, den sonnengegerbten „Sonnyboy“ Haider, „Visagenzorn“ hätte Kirchner da getrieben, sagt Meyerhoff. Bilder von Peymann und Tabori und von einem Mann mit einem ausgestopften und zwei lebenden Hunden, Bildtext: „Er liebt sie alle gleich“.

Unter einem Porträtfoto hat der junge Ignaz Kirchner ironisch vermerkt: „Jaja, mein Schweinegesicht, das ist mein Kapital“. Meyerhoff liest das amüsiert vor. In der Pause verteilt ein Clown im Foyer Gedichte, die Kirchner mochte. Zum Höhepunkt strampeln sich ein paar Statisten als Radrennprofis die Seele aus dem Leib, dies wäre das Stück gewesen, dass Meyerhoff für Kirchner nicht mehr fertigen konnte. Der foulende Fahrer gewinnt. Am Ende zieren die Kladden die Brandmauer wie Grabsteine eine Urnenwand, darunter Kostüme zu Kirchners berühmtesten Rollen – der Reliquienschrein zum Requiem.

„Land in Sicht“, behauptet Meyerhoff, sei nur ein Nonsenstitel für seine Séance, weil Karin Bergmann ihn schon nach einem gedrängt und er gerade Rio Reisers Song gehört hätte. Das muss man nicht glauben, wo sich doch die „Robinson Crusoe“-Assoziation geradezu anbietet. Als die aufwendige Produktion aus Kostengründen in Doppelvorstellungen gezeigt werden musste, und Meyerhoff deswegen Befürchtungen hegte, zerstreute sie der Tennis-affine Kirchner mit folgendem „Na und?“: „Federer und Nadal spielen fünf Stunden!“ Weiter, weiter …

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  1. 4. 2019

Burgtheater: Ein Volksfeind

November 19, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Appell an eine vergartenzwergte Gesellschaft

Doktor Tomas Stockmann entdeckt, dass die Heilquelle verseucht ist: Joachim Meyerhoff. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Die einen stolpern und schlingern übers glatte Bühnenparkett, die anderen gleiten geschmeidig darüber hinweg. Die einen sind Pirouettendreher, die anderen haut es, weil in ihrem Leben nichts hin-, auf den Hintern. Der Bürgermeister kann beides, kann im Fall noch die kunstvollsten Figuren gestalten, während der Bruder-Protagonist in Gesundheitslatschen beständig die nackten Zehen vor den scharfen Kufenkurvern in Sicherheit bringen muss.

Die Welt ist ein Eislaufplatz. Zumindest in Jette Steckels Inszenierung von Ibsens „Ein Volksfeind“ in der Neufassung von Frank-Patrick Steckel am Burgtheater. Wo magische Bilder im Halbdunkel bezaubern. Wo alles, was irgend Emotion ist, übers Eislaufen abläuft. Wo dagegen aber eher verhalten und artifiziell gespielt wird, „flach“, wie manche in der Pause der dreistündigen Aufführung meinten.

Gemeint ist hier übrigens alles gut. Die Steckels haben den bereits im norwegischen Stück angelegten Konflikt der Profitgier um natürliche Ressourcen, des Kampfes der Ethik, ja der Moral eines einzelnen mit den wirtschaftlichen Interessen vieler zugespitzt, und zeigen nun ein Drama, wie es zeitgenössischer kaum sein könnte. Alles, bis zum Ende die letzten Bilder, dreht sich um Klimakatastrophe, um Weltverschmutzung (denn wie klug angemerkt wird, es gibt keine Umwelt, nur die Welt) und deren Wohlstandsverursacher.

Ein Gesundheitslatschenträger verfolgt vom Kufenkurver: Mirco Kreibich als Peter Stockmann mit Joachim Meyerhoff. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Aussprache mit Publikum und den Industriellen-Schwiegervater: Ignaz Kirchner als Morten Kiil mit Joachim Meyerhoff. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Fakten werden alternativ, die News zwar nicht Fake, eine Lügenpresse gibt Ibsen nicht her, aber immerhin von Schweigejournalisten unter den Tisch fallen gelassen. Willkommen im Irrwitz der Gegenwart! Wo Dr. Tomas Stockmanns Söhne „boys“ sind, seine Frau Kathrin eine resolute, hemdsärmelige Kinderärztin, was Dorothee Hartinger tatsächlich wenig Spiel-Raum gibt – und er selbst wesentlich weniger ambivalent als im Original.

Dass da einer so konsequent auf der richtigen Seite stehen muss, macht es Joachim Meyerhoff, gewohnt treffsicherer Darsteller ambivalenter Charaktere, nicht unbedingt leicht. Und so raunt er sich mit Reibeisenstimme durch die Rolle, als wär‘ ein Anflug von Heiserkeit eine Fluchtmöglichkeit vorm Kleinstadthickhack, und versucht den „erhabenen Spinner“ als Kauz zu gestalten. Immerhin bleibt er in dieser Sache radikal: Sein Stockmann ist ein Fleisch gewordener Aufruf zur Geradlinigkeit.

Über textliche Längen helfen diesmal andere hinweg, allen voran das formidable Volksboten-Trio Ole Lagerpusch (dieser als aufrechter Hovstad mit Irina Sulaver als Petra auch ein sympathisch-tollpatschiges Liebespaar), Peter Knaack als angstvoll-schmierigem Aslaksen, der Inserate gegen Integrität tauscht, und Matthias Mosbach als wendehälsischem Billing.

Mirco Kreibich als auf Schlittschuhen moonwalkender Bürgermeister und jüngerer Bruder Peter Stockmann läuft – im Wortsinn – Meyerhoff kurzzeitig sogar den Rang ab. Er macht die Pflicht zur Kür, seine große Rede zum artistischen Kabinettstück. In den besten Momenten des Abends stehen die beiden gegeneinander, der Realist vs dem Idealisten. Ignaz Kirchner gibt als stockschwingender Kapitalist einen Morten Kiil der alten Schule, einen Saulus, der zum Paulus werden wird.

Ein sinnloser Appell an die vergartenzwergte Gesellschaft: Joachim Meyerhoff als Doktor Tomas Stockmann. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Jette Steckels Königsidee in dieser Inszenierung sind aber eine gutes halbes Dutzend überdimensionale Gnomenfiguren, die dann und wann auch über die Bühne wandern und bedrohlich die Darsteller einkreisen können. Ausgedacht hat sich dieses herrlich obskure Bühnenbild Florian Lösche, und besser lässt sich die geistige Vergartenzwergung einer Gesellschaft wohl kaum zeigen. Großartig die Szene, in der Meyerhoff gegen die Riesen seine Greenpeace-Parolen anschreit.

Freilich ohne Gehör zu finden. Und so nutzt der passionierte Soloperformer die Szenerie, um zum Schluss wie gewohnt aus seiner Rolle zu fallen: Saallicht an, Sessel umgedreht und los geht die Ansprache an die Publikums-„Arschlöcher“. Seit mehr als hundert Jahren spiele man dieses Stück, und alles, was er sehe sei leicht fadisierte Apathie. (Kein Wort punkto Inszenierung dazu!) Ein Seitenhieb übers politische Schaulaufen Strache-Kurz darf in Zeiten wie diesen obligatorisch nicht fehlen, Meyerhoff zitiert Antonio Gramsci: „Die alte Welt liegt im Sterben. Die neue ist noch nicht geboren: Es ist die Zeit der Monster.“ Aber knapp bevor Eisberge ins Meer brechen und Tsunamis das Land überrollen, ist klar: Die Zwerge, das sind natürlich wir. „Klatschen Sie nicht!“, fordert der Charaktermime die augenblicklich in ihrer Reaktion überforderten Zuschauer immer wieder auf.

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  1. 11. 2017

Akademietheater: Die Welt im Rücken

März 21, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Joachim Meyerhoff stemmt einen dreistündigen Kraftakt

Im Wortsinn „Blutrausch“ in einer manischen Phase. Joachim Meyerhoff hebt Thomas Melles bipolare Störung auf die Bühne. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

„Wie erzählt man von sich selbst als einem Idioten?“, diese Frage stellt die Figur ganz zum Schluss. Da ist auf der Bühne schon das riesige Gehirn erschienen, dies Wahnbild eines weißen Wals, und macht den Protagonisten zum Ahab; er reitet das Biest, wird an es gefesselt und schließlich von ihm verschlungen. Ein gewaltiges, ein überwältigendes Bild, eines mit dem sich die Diagnose „seelisch behindert“ erklärt.

Bipolare Störung sagt man heute, dem Mann dort oben ist der alte Begriff manisch-depressiv lieber. Drei Stunden lang hat er erzählt, hat er vorgespielt, was das heißt, ein Mensch in Geiselhaft der Krankheit zu sein … Am Akademietheater brachte Jan Bosse eine Bühnenfassung von Thomas Melles Buch „Die Welt im Rücken“ zur Uraufführung. Der Text ist erst im vergangenen September erschienen, er ist ein Tatsachenbericht, eine Biografie in Form eines „gescheiterten Bildungsromans“. Sagt sein Autor. Genauso anstrengend, kräfteraubend, entnervend – lohnend wie die Lektüre dieses Falls, ist nun sein Ansehen. „Fall“, weil unvorstellbar tief. Melle erzählt von Freuden, die sich nach und nach verabschieden, von Frauen, die an Rettungsversuchen zerschellen, vom Verlust von Job, Wohnung, Konto, Selbstbestimmtheit. Von himmelhoch jauchzend und zu Tode betrübt. Schulden- und Prozesslawine wegen boshaften Verhaltens. Exzess, bis Blut fließt. Und immer wieder Psychiatrie. „Weg sein“ wünscht er sich sehr. Das kann nur verstehen, wer darauf hofft.

Dass das auch am Theater unter die Haut geht, liegt an Joachim Meyerhoff, der sich die Melle’schen Krisen überstreift wie eine zweite Haut. Mag sein, sein Aufwachsen auf einem Anstaltsgelände hat ihm die existenzielle Einsicht in die Rolle ermöglicht. Meyerhoff jedenfalls stemmt den Kraftakt, Melles Psyche zu durchstreifen mit Bravour. Die Energie, die er in den Abend legt, wird am Ende mit Standing Ovations bedacht. Meyerhoff switcht zwischen Größenwahn und Kleinmut, „die eigene Katastrophe auszustellen, hat immer etwas Aufdringliches“, weiß er und tut’s doch. Er lockt „the elefant in the room“ aus seiner Deckung, und das hat durchaus auch Unterhaltungswert. Weil Meyerhoff nicht nur Ausnahmedarsteller komplexer Charaktere, sondern auch ein begnadeter Showmaster im Spiel mit Emotionen ist. Die Figur, die er gestaltet, ist ein Verzweiflungsclown, ein Schalk mit Melancholie im Nacken.

Die Körpermitte soll bei der Vervielfältigung vergrößert werden. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Der fotokopierte Messias: Meyerhoff als Schmerzensmann Melle. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Was den Voyeurismus der Situation betrifft, braucht man sich im Publikum nicht zu schämen. Meyerhoff stellt sich bereitwillig aus. Aufs Schwadronieren – in der Manie besteht Melle auf seinem Sex mit Madonna, sieht er Thomas Bernhard bei McDonald’s oder kippt Picasso Rotwein in den Schoß – folgt schmerzhafteste Selbstausschürfung. Da legt er sich im Badezimmer die Kabelschlinge um den Hals und lässt sich hineinfallen, bis er die Abba-Schnulze „Fernando“ im Kopf hört. Das rettet ihn, wie peinlich ist das! Galgenhumor ist das unpassend adäquateste Wort, für die Weise, in der Melle/Meyerhoff dieser Episode auf den Leib rückt.

„Das Hirn stürzt herrenlos davon“ eine Beschreibung jenes Zustands, in dem man ver-rückt ist. Aus der Mitte, aus der Balance ins Ungleichgewicht. In die neuronale Schieflage. Melle – Meyerhoff – Schmerzensmann. Zu Darsteller und Regisseur gesellt sich als Dritter Bühnenbildner Stéphane Laimé. Seine Visionen, seine überbordende Bildsprache erweitern die Fakten zur Fiktion. Im Klimax des Abends tackert Meyerhoff ein fotokopiertes Kruzifix an die Wand – das Geschlecht auf 200 Prozent zu vergrößern misslingt, weil Streik des Kopiergeräts.

Da hält sich Melle in einer manischen Phase gerade für den langersehnten Messias. Mit Pingpongbällen als Dornenkrone. Eine Unzahl von ihnen werden zu lustig hüpfenden Psychopharmaka, ein Zuschauer wird zum Match mit ihnen eingeladen – Tischtennis mit Smileyschläger. Dann Publikumsbeschimpfung, dann „Diebstahl“ eines Zuschauerschals und dessen Anheftung über dem reproduzierten Gemächt. „Lass’ du, der du eintrittst, alle Selbstbilder fahren“, sagt Melle über die Geschlossene. Er wird Studenten vorgeführt, längst mehr Studie als Mensch; ein selbstgespanntes Spinnennetz aus Nylonschnüren hält ihn gefangen. Wie besser könnte man die Isolation im eigenen Ich beschreiben? Den beigen Overall, den Meyerhoff trägt, kennt man aus der Psychiatrie. Man bekommt ihn, wenn einen die Polizei „ohne alles“ einliefert …

Am Ende ein Opfer des eigenen Gehirns: Joachim Meyerhoff macht sich Richtung oben davon. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

„Posttraumatisch“ nennt Melle seinen Versuch, Theater zu machen. Denn, merke: Theater ist der Ort, an dem Wahn noch den meisten Sinn ergibt. An dem oft und oft eines Menschen Trauma zum bejubelten Drama wird. So auch hier. Auf dem Weg seiner Selbsterkundung lässt Melle sich vom Publikum mal streicheln wie ein Plüschteddy, mal fällt er über es her wie ein Raubtier. Viele seiner Sätze haben Zähne und Klauen. Bosse und Meyerhoff haben erkannt: Es soll weh tun.

Die Krankheit, im Buch etwas Katastrophisches, erlebt auf der Bühne allerdings Katharsis. „Es geht besser, immer besser, seit zwei Jahren“, sagt der Mann zwischendurch hoffnungsvoll. Seine in einer Stimmungsschwankung veräußerte berühmte Bibliothek ist zwar auf immer dahin, aber er hat begonnen, eine neue anzulegen. Sie wird sie ihm wieder werden: „Die Welt im Rücken.“

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Wien, 21. 3. 2017

Jeder stirbt für sich allein

November 17, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Fallada-Verfilmung mit Emma Thompson

Nach dem Tod ihres Sohnes an der Westfront beschließt das Ehepaar Quangel Widerstand gegen das Dritte Reich zu leisten: Brendan Gleeson und Emma Thompson. Bild: © Filmladen Filmverleih

Nach dem Tod ihres einzigen Sohnes Hans an der Westfront beschließt das Ehepaar Quangel Widerstand gegen das Dritte Reich zu leisten: Brendan Gleeson und Emma Thompson. Bild: © Filmladen Filmverleih

Am 18. November kommt die langerwartete Fallada-Verfilmung „Jeder stirbt für sich allein“ von Vincent Pérez in die heimischen Kinos, und es ist schon so, dass diese nunmehr fünfte Kinoarbeit über Hans Falladas erstmals 1947 erschienenen NS-Widerstandsroman eine kleine Enttäuschung ist. Zwar ist sie sogar weniger pathostriefend als befürchtet, doch umso mehr trifft einen, dass es dem Schweizer Regisseur und Drehbuchautor offenbar nicht möglich war über die letzte Hürde zu springen.

In Sets, die aussehen wie die Postkarten, die die Protagonisten schreiben, gedreht wurde einmal mehr in Görlitz, erzählt er in konservativen Bildern in einer für ein großes Publikum weichgespülten Fassung seine Story. Wenig ist noch übrig von der Drastik, der Schonungslosigkeit des Buches, ja, Pérez missversteht Falladas spröden Schreibstil, er geht allzu schematisch vor, er entwirft seine Charaktere grob wie Holzschnitte; er hat nicht verstanden, dass es bei Fallada gerade die vorgetäuschte Emotionslosigkeit der Figuren ist, die einen tief berührt und in die Handlung involviert. Und: Emma Thompson, diese großartige, hochintelligente Schauspielerin, ist keine Anna Quangel. Das deutsche „Muttchen“, das sich mit Näharbeiten ein bisschen was dazu verdient, die unpolitische, einfache Hausfrau, die sich nach dem Tod ihres einzigen Sohnes Hans an der Westfront gegen Hitler radikalisiert, die nimmt man ihr nicht ab. Der Trost ist, dass dank ihres Starstatus der Film international Aufmerksamkeit auf sich ziehen und der Welt ein weiteres neues Bild des innerdeutschen Widerstands präsentieren wird. Ein schmerzlinderndes Moment, an das man sich schon bei Tom Cruises „Operation Walküre“ zum Stauffenberg-Attentat gehalten hat, sagte doch sogar die Thompson im Interview: „Ich bin groß geworden mit der Vorstellung, dass alle Deutschen Nazis gewesen sein mussten …“

Die Geschichte ist wahr. Fallada hat sie aus Gestapo-Akten. Otto und Elise Hampel verfassten zwischen September 1940 und September 1942 an die 300 Postkarten und 200 Handzettel, in denen sie zum zivilen Ungehorsam gegen das Dritte Reich, zur Sabotage wichtiger Kriegsarbeiten und zur Auflehnung gegen das Mörderregime aufriefen. „Freie Presse“ nannten sie sich und legten ihre Schriften in Treppenhäusern rund um ihr Wohnviertel in Berlin-Wedding aus. Der Tischlermeister und sein „Muttchen“ wurden von der Gestapo ausgeforscht und 1943 wegen „Vorbereitung zum Hochverrat“ durch das Fallbeil hingerichtet. Am Nachkriegsbau Amsterdamer Straße 10, das ursprüngliche Wohnhaus der Hampels wurde durch eine Fliegerbombe zerstört, erinnert heute eine Gedenktafel an das Ehepaar.

Kommissar Escherich auf der Suche nach den Postkartenschreibern: Daniel Brühl. Bild: © Filmladen Filmverleih

Kommissar Escherich ist fieberhaft auf der Suche nach den Postkartenschreibern: Daniel Brühl. Bild: © Filmladen Filmverleih

Lieber Gnadentod als Gestapohaft: Escherich tötet den Verdächtigen Enno (Lars Rudolph). Bild: © Filmladen Filmverleih

Lieber Gnadentod als Folter in der Gestapohaft: Escherich tötet den Verdächtigen Enno (Lars Rudolph). Bild: © Filmladen Filmverleih

Die Hausgemeinschaft beschreibt Pérez getreu der literarischen Vorlage, sie ist ein Gesellschaftskaleidoskop, dreht sich um Mitläufer und Überzeugungstäter und eine jüdische Mieterin, der nach der Plünderung ihrer Wohnung und ihrem Selbstmord sogar noch das Armkettchen vom Handgelenk gerissen wird. Im Keller haust der Kleinkriminelle Enno, in der Beletage ein pensionierter Richter, dem es im entscheidenden Moment doch an Courage mangelt. Lars Rudolph und Joachim Bißmeier verstehen es diesen Nebenfiguren dramatisches, sogar tragisches Profil zu geben, ebenso wie Daniel Strässer, der einen von der Nazi-Ideologie durchdrungenen Ermittler spielt und Katrin Pollitt als mitfühlende Briefträgerin. Es sind ihre Aufblitzer, die den Film doch sehenswert machen. Und während Emma Thompson die Anna Quangel mit durchgehend gleichbleibend sorgenzerfurchtem Gesicht gestaltet, man muss allerdings gerechterweise sagen, dass Anna im Roman eine wesentlich aktivere Rolle als im Film zukommt, zeigt Brendan Gleeson die Möglichkeiten auf, die diese Figuren bieten.

In winzigen Nuancen lässt er erahnen, wie es im Inneren seines Handwerkers wirklich aussieht. Wortkarg ist er, ein stiller Ehrenmann, und beim Auslegen der Postkarten ausgestattet mit der Ruhe eines, der nichts mehr zu verlieren hat. Sein Überlebenselexier ist das Anschreiben gegen die „Hitlerei“ und dabei verleiht Gleeson dem Quangel unaufgeregt eine große Würde. Als sein Kontrahent ist Daniel Brühl zu sehen, als Kommissar Escherich ein Mann, der sich als Kriminalist versteht, nicht aber das dumbe Treiben der SS-Schreihälse. Wie er versucht, seinen professionellen Ehrgeiz, den Fall zu lösen, und sein moralisches Empfinden in Einklang zu bringen, ist tatsächlich der einzige interessante innere Konflikt in einem Film, der ansonsten wie am Schnürchen schnurrt.

An die 300 Postkarten werden von den Quangels verfasst und in Berlin verteilt: Emma Thompson und Brendan Gleeson. Bild: © Filmladen Filmverleih

An die 300 Postkarten werden von den Quangels verfasst und in Berlin verteilt: Emma Thompson und Brendan Gleeson. Bild: © Filmladen Filmverleih

Wie Brühl sich vom Standartenführer als „Intellektueller“ beschimpfen lassen muss, ein Begriff, der auch im hiesigen Wahlkampf um das Amt des Bundespräsidenten als Schmähwort benutzt wurde, wie er einem Verdächtigen den Gnadentod vor der Gestapofolter gibt, wie er schließlich für sich selbst die Konsequenzen zieht, in diesen Szenen ist der Schauspieler ganz bei Fallada.

Den man, nachdem man den Film gesehen hat, unbedingt zur Hand nehmen sollte, um auch dem Medium Film geschuldete gestrichene Handlungsstränge nachzulesen. Erst dann nämlich erschließt sich der ganze Kreis des Grauens, den das Dritte Reich um die Menschen zog. Ihm fallen auch völlig unbeteiligte, wie Hans‘ Ex-Verlobte, längst anderweitig verheiratet und Mutter, zum Opfer. Oder eine Tierhändlerin, die Enno aus sexuellen Gründen Unterschlupf gewährt. Oder eine kommunistische Zelle in der Holzfabrik, die nur ausgehoben wird, weil man Quangel bereits auf der Spur ist … All das würde den Rahmen des Films sprengen, all das ist aber wichtig, um zu verstehen, wie die Todesmaschinerie der Nazis funktionierte. An einer Stelle sagt Otto über die Postkarten: „Sie sind wie Sandkörner, die wir in diese Maschine füttern. Ein Korn hält die Maschine nicht an. Aber wenn man immer mehr hineintut, dann wird es mit der Zeit Auswirkungen auf die Maschine haben.“

www.jederstirbtfuersichallein.x-verleih.de

Wien, 17. 11. 2016

Akademietheater: Endspiel

September 7, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Poesie einer clownesken Verzweiflung

Nicholas Ofczarek und Michael Maerten in einer perfekt clownesken Performance als Hamm und Clov. Bild: Bernd Uhlig

Als wär’s die Erschaffung des Hamm: Nicholas Ofczarek und „Clov“ Michael Maertens erstarren in einer Michelangelo’schen Geste. Bild: Bernd Uhlig

Dieter Dorns fulminante Festspielinszenierung von Becketts „Endspiel“ ist ans Akademietheater übersiedelt, und hat auf ihrem Weg von Salzburg nach Wien erwartungsgemäß nichts von ihrer Brillanz eingebüßt.

Dorn lässt seine vier überragenden Schauspieler Nicholas Ofczarek, Michael Maertens, Barbara Petritsch und Joachim Bißmeier die Beckett’schen Worte wie eine Partitur lesen, Takt für Takt wird die vieldeutige Komposition wiedergegeben.

Da sitzt jede Silbe – noch wichtiger aber: jede Pause im Text. Dass eine solcherart überraschungsbefreite, freilich auch den Vorgaben des Bühnenverlags geschuldete, schnickschnacklose Arbeit nicht in die Fadesse des Ewig-gleich-Gesehenen driftet, zeigt, dass Werktreue was für Meisters ist. Dorn hat den immerwährenden Existenzkrampf mit höchster Seelenruhe auf die Bühne gehoben, und tatsächlich weist sein Beckett-Hochamt einiges an negativen Gottesbeweisen auf, er entzieht sich aber dem allzu akademischen Diskurs, indem er das Fleisch fröhlich vor sich hin faulen lässt. Wäre seine „Endspiel“-Inszenierung ein Gefühl, sie würde jucken, wäre sie ein Geruch, sie würde brunzeln. Fast glaubt man sie zu riechen, die miefige Luft und die versifften Kleider und die abgestandene Ausweglosigkeit.

Das Desaster-Duo Hamm und Clov geben Ofczarek und Maertens, ersterer im plüschroten Rollstuhlthron, blind, wie ein Abbild von Francis Bacons Papst Innozenz X., zweiterer mit gebeugtem Rücken und steifen Beinen, ein Schelm, der da an Freddie Frinton denkt. In einer Sperrholzspielzeugschachtel werden sie an die Rampe gefahren, diese versehrten, verheerten Gestalten. Maertens enthüllt seine Mitspieler wie Puppen, unterm Tuch und aus den Mülltonnen schlüpfen sie hervor, wie Untote, denen einmal noch das Leben aufgezogen wird. Das Spiel kann beginnen. Dorn hat mit seinen Darstellern ein formvollendendes gestisches Regelwerk für dieses Werk ohne Regeln ausgefeilt. Vor allem Maertens vollbringt diesbezüglich Höchstleistungen, turnt und tappt und slapstickt sich vorwärts und donnert auch mal apokalyptisch, während der zur Regungslosigkeit verpflichtete Ofczarek sich auf die subtile, singsangende Ausdrucksstärke seiner stimmlichen Modulierfähigkeit verlassen kann.

Mutterliebe, in die Tonne getreten: Barbara Petritsch als Nell mit Maertens und Ofczarek. Bild: Bernd Uhlig

Die Liebkosung der Schmerzensmutter: Barbara Petritsch als Nell mit Maertens und Ofczarek. Bild: Bernd Uhlig

Gott hat sich schon länger nicht gemeldet: Joachim Bißmeier als Nagg. Bild: Bernd Uhlig

Gott hat sich schon länger nicht gemeldet: Joachim Bißmeier versucht als Nagg ein Gebet. Bild: Bernd Uhlig

Und so beobachtet man sie denn, diese grausigen Clowns bei ihren alltäglichen Demütigungsritualen, wie sie ihr Abhängigkeitsverhältnis in gegenseitiger Angstmache auskosten, es kultivieren. Böse Zeitgenossenzungen behaupteten ja, die Dialoge seien eins-zu-eins zwischen Beckett und seiner späteren Ehefrau Suzanne Dechevaux-Dumesnil so gesprochen worden, 50 Jahre waren die beiden ein Paar, und diese Idee verleiht dem Werk immer wieder einen ganz eigenen Humor. Ofczarek und Maertens jedenfalls sind exzellent in ihrer Exaktheit, zwei Virtuosen der clownesken Verzweiflung, sie protzen mit der Poesie des Gesagten, und ja, es klingt nach: Nichts ist so komisch wie das Unglück.

Der Nachhall ist heutig, der Herr über die letzten Ressourcen schindet die Arbeitskraft, sein störrischer Dienstleister ist zeitgleich gefinkelter Tyrann, der Kopf und die Gliedmaßen in Hassliebe miteinander verbunden und ohne Chance lebend voneinander loszukommen. „Fern wärest du tot“, sagt Hamm. „Und umgekehrt“, sagt Clov. Und wie in Überhöhung dieser Übung schnellt Bißmeier wie ein Springteufel aus seiner Tonne, sein Nagg ein zorniger Widerborst bis zum bitteren Ende, Barbara Petritsch als seine Nell eine zarte, fast anmutige Dulderin. Ihnen gehören mit die schönsten Momente, ein vergeblicher, ans Herz rührender Kussversuch, eine angedeutete Liebkosung Clovs für die Schmerzensmutter, ein Zwieback zum Zähneausbeißen.

Dem Ende zu eine rasante Schussfahrt: Ofczarek mit Maertens. Bild: Bernd Uhlig

In rasanter Rollstuhlfahrt geht’s dem Ende zu: Ofczarek mit Maertens. Bild: Bernd Uhlig

Petritsch und Bißmeier stellen all die großen Fragen zum Sinn und über den Nonsense des Daseins, und, ein Glück, Dorn beantwortet sie nicht. „Es ist wie der gute Witz, der einem zu oft erzählt wird, wir finden ihn immer gut, aber wir lachen nicht mehr darüber“, sagt Nell. Dieter Dorns „Endspiel“ ist eine exemplarische Arbeit, die mit unerträglicher Leichtigkeit durch des Menschen Fähigkeiten im Leidzufügen wie im Leidertragen führt.

Die Raum, Rhythmus, Rede in höchster Kunstfertigkeit verzahnt. Sie hat zweifellos das Zeug zum Klassiker. Zum Schluss wird die Spielzeugschachtel wieder zurückgefahren, die Schauspieler erstarren in einer letzten Pose. Aus – und natürlich frenetischer Applaus.

www.burgtheater.at

Wien, 7. 9. 2016