Beale Street

März 7, 2019 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein Liebesfilm als Statement gegen Rassismus

Tish (KiKi Layne) und Fonny (Stephan James) sind verliebt, doch der junge Bildhauer muss bald ins Gefängnis. Bild: © Tatum Mangus Annapurna Pictures

Nicht allüberall war Freude darüber, dass die so genannte Antirassismus-Komödie „Green Book“ den Oscar für den besten Film bekam, ungeteilt war hingegen jene für Regina King, die als beste Nebendarstellerin ausgezeichnet wurde – nachdem sie für ihre Rolle als Sharon Rivers bereits bei den Golden Globes und den Independent Spirit Awards zur Preisträgerin auserkoren worden war. „Beale Street“ heißt der Film, in dem sie spielt, ab 8. März im Kino.

Und, nachdem sich Regisseur Barry Jenkins 2016 mit „Moonlight“ von Null auf 100 als starke, schwarze Leinwandstimme etablierte, dessen aktuelle Adaption eines Romans der von der „Black Lives Matter“-Bewegung  der Vergessenheit entrissenen Schriftstellerikone James Baldwin. Baldwins Roman „If Beale Street Could Talk“ erschien im Jahr 1974. Darin schildert er die Geschichte des jungen Liebespaares Tish und Fonny aus Harlem, deren Glück grenzenlos scheint, bis Fonny der Vergewaltigung einer Frau aus Puerto Rico beschuldigt wird. Eine Tat, die der 22-jährige Bildhauer nicht begangen haben kann, weil er zu der Zeit gar nicht vor Ort war – doch Hauptsache, Polizei und Staatsanwaltschaft können einen Schuldigen präsentieren. Umso einfacher, wenn der schwarzer Hautfarbe ist. Als Fonny ins Gefängnis kommt, das vermeintliche Opfer ist längst nach Hause geflüchtet, stellt Tish fest, dass sie schwanger ist. So macht sich Tishs Mutter Sharon auf nach Puerto Rico, um die Fonny anklagende Frau zu suchen.

Tish gibt als Erzählerin den Ton vor, ihre Off-Kommentare passen sich gefühlvoll der subjektiven Prosa der literarischen Vorlage an. Die Atmosphäre ist der Blues, Original-Schwarzweiß-Bilder eines Gordon Parks oder Jack Garofalo aus dem Harlem der 1970er-Jahre kontrastieren mit den Filmaufnahmen, wobei die Kamera von James Laxton die bis zur Kindheit zurückreichenden Rückblenden in helleres Licht taucht, während er über die Gegenwart dunkle Schatten legt. Dies Hin und Her funktioniert perfekt, wenn Tish sich korrigiert oder etwas verdeutlichen möchte, etwas, das sie zuvor vergessen hatte, zu erwähnen.

Tishs Eltern tanzen in Vorfreude aufs Enkelkind: Sharon (Oscar-Preisträgerin Regina King) und Joseph (Colman Domingo). Bild: © Tatum Mangus Annapurna Pictures

Sharon (Regina King) fliegt nach Costa Rica, um das Vergewaltigungsopfer zu suchen und um eine neue Aussage zu bitten. Bild: © Tatum Mangus Annapurna Pictures

Barry Jenkins hat einen bedächtigen Film geschaffen, James Laxton die radikale Schönheit und die überbordende Musikalität Baldwins in hypnotische Bilder übertragen. Wie der Roman im Rhythmus an ein komplexes Jazzarrangement erinnert, so ist auch der Film subtil, eindringlich, konzentriert. Und ganz ohne gängige Empörungsmuster bedienen zu müssen, gibt Jenkins ein kraftvolles Bekenntnis gegen staatliche Willkür ab. Die Themen Rassenhass und Diskriminierung sind allgegenwärtig, auch in Nebenfiguren wie Daniel, der zwei Jahre wegen Autodiebstahls einsitzen muss, obwohl er nachweislich nicht fahren kann.

Dass diese Übung romantische Love Story vs gewaltbestimmte Realität gelingt, ist nicht nur dem Respekt des Regisseurs vor James Baldwin, sondern in hohem Maße den Darstellern zu danken. Vor allem KiKi Layne als Tish und Regina King als Sharon verleihen ihren Figuren jenseits jedes Abgleitens in den Pathos eine Integrität, einen stillen Stolz, eine Würde, die einen anrührt. Wenn die Mutter erahnt, was ihr die Tochter sagen will, nämlich, dass sie Fonnys Kind erwartet, genügen den beiden Blicken, um den Betrachter wissen zu lassen, dass sich hier keine Familienkatastrophe, sondern die Freude über ein großes Glück anbahnt.

Wenn Tish von ihrem Job als Parfüm-Mädchen in einem Nobelkaufhaus berichtet, sie sprüht sich den gewünschten Duft auf die Hand, weiße Männer schnüffeln daran, dann ist ihr wohl klar, dass man sie hier als Quotenschwarze angestellt hat. Doch Baldwin, und mit ihm Barry Jenkins, zeigen auch immer wieder Weiße mit Zivilcourage. Dave Franco als jüdischer Hausbesitzer Levy, der als einziger weit und breit bereit ist, an Schwarze zu vermieten. Finn Wittrock als Fonnys Rechtsanwalt Hayward, der den Fall erst gelangweilt übernimmt, bis er, entsetzt über das Fehlen jeglicher Gerechtigkeit, sich geradezu hinein verbeißt. Doris McCarthy als Besitzerin eines kleinen, italienischen Lebensmittelgeschäfts, die Fonny vor einer gefährlichen Rauferei bewahrt.

Fulminante schauspielerische Leistungen zeigen auch Colman Domingo als Tishs Vater, Michael Beach als Fonnys Vater – und selbstverständlich Stephan James als Fonny. Wie er leise verzweifelt die Zerstörung eines Mannes hinter Gittern zeigt, ist beklemmend gut gemacht, im Gesicht die Spuren von Schlägen, Jenkins auch in diesen Sequenzen so fein- wie scharfsinnig, denn darüber zu sprechen, erlauben sich die Protagonisten nicht.

Am Set – Levy will Tish und Fonny ein Loft vermieten: Dave Franco, Stephen James, Regisseur Barry Jenkins und KiKi Layne. Bild: © Tatum Mangus/Annapurna Pictures

James Baldwin liebte das Kino. Und John Wayne. „Auch, wenn mir klar ist, dass die Indianer, die er in seinen Filmen hinmetzelt, in Wahrheit ich sind.“ Dieses Zitat stammt aus Raoul Pecks Dokumentarfilm „I Am Not Your Negro“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=25378), der als Ergänzung zu „Beale Street“ sehr zu empfehlen ist. Zeigt Peck doch den kämpferischen Autor, dessen klarsichtige Gesellschaftsanalysen seine Gegner regelmäßig verstummen ließen.

Zeigt den Vorkämpfer der 1970er-Bürgerrechtsbewegung, der seine Homosexualität erstaunlich offen lebte, und wegen beider „Vergehen“ ins Visier des FBI geriet. Bei dtv macht man sich um Baldwin-Neuübersetzungen samt aktueller Begleittexte verdient, die Romane „Von dieser Welt“ und „Beale Street Blues“ sind bereits erschienen, ebenso der Essayband „Nach der Flut das Feuer“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=32270), für 2020 ist „Giovanni’s Room“ in Planung, ein Buch, in dem Baldwin in unverschlüsselter Deutlichkeit einen schwulen Hauptcharakter etabliert.

Während Raoul Peck seiner Doku aktuelle Fakten beifügt, Rodney King 1991, Tamir Rice 2014, Alton Sterling und Philando Castile 2016, Ferguson, Baltimore, Charleston …, bleibt dieses Mittel der Fiktion natürlich verwehrt. Und dennoch versteht es auch Barry Jenkins, klarzustellen, woher der Wind immer noch weht. Wenn er als weißer Sturm die Schicksale derer in Trümmer legt, deren einziges Verbrechen es ist, schwarzer Hautfarbe zu sein.

bealestreet.movie

7. 3. 2019

Schauspielhaus Graz: Dr. Jekyll und Mr. Hyde

Dezember 10, 2013 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Regisseur Philip Jenkins im Gespräch

Kaspar Locher, Julius Feldmeier Bild: (c) Lupi Spuma

Kaspar Locher, Julius Feldmeier
Bild: (c) Lupi Spuma

Am 14. Dezember hat am Schauspielhaus Graz „Dr. Jekyll und Mr. Hyde“ nach der Erzählung von Robert Louis Stevenson Premiere. Stevenson, unter anderem Autor des Klassikers Die Schatzinsel, schrieb die Novelle Der seltsame Fall des Dr. Jekyll und Mr. Hyde 1886. Neue Entwicklungen auf dem Gebiet der Technik und Wissenschaft bescherten damals den Menschen auf einen Schlag neue Freiheiten und Risiken. Im Dilemma der Doppelfigur Jekyll/Hyde, der Aufspaltung zwischen Gut und Böse, schuf Stevenson einen Stoff, der nun im 21. Jahrhundert mit der Frage, wie man leben möchte, neue Gültigkeit erfährt. Dr. Jekyll ist in seiner Forschung auf die Möglichkeit gestoßen, einen Teil seines Ichs abzuspalten und in ihm all das auszuleben, was ihm sonst verwehrt bleibt: Entgrenzung ist das Zauberwort! Der Traum vom Ausleben der Sehnsüchte, auch der dunklen, ohne dafür belangt, ohne in seinem Umfeld erkannt zu werden, wird für ihn Wirklichkeit. Doch Dr. Jekylls Selbstversuch geht schief und die andere Identität Hyde ist bald nicht mehr bereit, nur der Erfüllungsgehilfe für den Doktor zu spielen. Jekyll hat sich seinen eigenen Todfeind geschaffen! Es spielen Julius Feldmeier, Pia Luise Händler, Kaspar Locher und Christoph Rothenbuchner. Regie führt: Philip Jenkins (*1976 in Heidelberg) studierte Theaterwissenschaft in Wien, bevor er Regieassistent am Burgtheater wurde. 2008 inszenierte er die Österreichische Erstaufführung von Das Leben der Bohème nach Aki Kaurismäki am Burgtheater und arbeitet seither regelmäßig am Volkstheater Wien und am Harzer Städtebundtheater. Am Schauspielhaus Graz inszenierte er 2013 die Österreichische Erstaufführung von Elfriede Jelineks FaustIn and out. Ein Gespräch.

MM: Wie kam es zur Beschäftigung mit Jekyll und Hyde? Was ist für Sie der Reiz an der Geschichte von Robert Louis Stevenson?

Philip Jenkins: Für mich ist „Jekyll und Hyde“ ein außerordentlich interessanter Stoff, weil es um Verwandlung geht, ein Ur-Thema des Theaters – Verwandlung im tatsächlich existentiellen Sinne. Ein anderes wichtiges Thema ist Freiheit. Jekyll sieht die Chance, sich nicht nur als Individuum frei zu machen, sondern sogar sich von sich selbst als Individuum zu befreien. Es gelingt ihm anscheinend, sein Gewissen nach Belieben an- und abzuschalten und seine Sehnsüchte komplett in eine andere Person zu verlagern. Das heißt, er kann sich auf der einen Seite rücksichtslos ausleben, auf der anderen Seite bleibt er ein verantwortungsvoll funktionierender Bürger mit reinem Gewissen. Diese vollkommene Freiheit Jekylls kippt allerdings ins Gegenteil: Als Hyde die Kontrolle übernimmt, verliert Jekyll nach und nach das, was selbst dem Unfreiesten immer noch bleibt, nämlich mit sich eins und identisch, sprich „individuell“ zu sein. Das Dilemma Jekylls, gleichzeitig frei und verantwortungsvoll zu sein, die scheinbare Überwindung dieses Dilemmas und die katastrophalen Folgen – das finde ich hochaktuell.

MM: Wann haben Sie den Roman zum ersten Mal gelesen? Und was dabei gedacht, empfunden?

Jenkins: Den Roman habe ich, glaube ich, mit 18 zum ersten Mal gelesen. Fasziniert hat mich daran das, was wohl bis heute die Popularität der Geschichte ausmacht: Die vereinfachte, aber eben nicht banalisierte Grundkonstellation für eine Vielzahl von komplizierten Problemen. Deshalb ist „Jekyll und Hyde“ einer der wenigen modernen Großstadt-Mythen geworden, ähnlich wie die ebenfalls viktorianischen Mythen „Sherlock Holmes“ und „Dracula“.

MM: In Ihrer Fassung haben Sie der Story das „Viktorianische“ runtergeräumt. Es bleibt ein Philosophieren um „Bewusstsein“. Ihr Jekyll scheint mir weniger Arzt als Mathematiker in einer Gödel’schen Variation. Ihre Meinung dazu? Und: Ist jeder Wissenschaftler in irgendeiner Form ein „Ungeheuer“?

Jenkins: Ich habe versucht, in den ersten Szenen einen gewissen „Konversations-Ton“ beizubehalten, der sich im Laufe des Stücks wandelt. Die Normalität, fast schon Gediegenheit von Jekylls, Beatrix’ und Johns Welt spiegelt sich wider in einer Dialog-Struktur, die dem Publikum vertraut ist. Mit dem Einbruch von Hyde in diese Welt ändert sich auch die Sprache. Bemerkenswert ist, daß es zur heutigen Bewusstseins-Forschung Beiträge von Wissenschaftlern aus allen Disziplinen gibt: Physiker, Mediziner, Biologen, Soziologen, Mathematiker, Philosophen u.a. beschäftigen sich damit. Man könnte fast sagen, daß das Bewusstsein wieder den Universalgelehrten vergangener Jahrhunderte verlangt – im Gegensatz zur sonstigen zunehmenden Spezialisierung in der Wissenschaft. Deshalb ist Jekyll in meiner Fassung zwar Mediziner, aber er hat Kenntnisse aus verschiedenen Bereichen und kann diese verknüpfen. Sind Wissenschaftler „Ungeheuer“? Nein, sicherlich nicht. Es gibt Wissenschaftler, die mit größter Vehemenz versuchen nachzuweisen, daß der Mensch nur ein Haufen Neuronen ist, und die trotzdem verheiratet sind und ihre Enkelkinder lieben. Wie geht das zusammen? Diese Diskrepanz zwischen „reiner Lehre“ und Privatleben finde ich im Hinblick auf „Jekyll und Hyde“ besonders interessant.

MM: Wie stark beeinflusst Jekyll die Angst, gesellschaftlichen Konventionen nicht zu genügen?

Jenkins: Jekyll hat soziale Defizite. Seine Verlobte Beatrix ist da viel geschickter, man kann sagen, sie ist eine „Netzwerkerin“. Und sie ist verärgert, wenn Jekyll ihre Bemühungen durch Ungeschicklichkeit oder Überheblichkeit torpediert. Dabei ist Jekyll gar kein erklärter Feind der gesellschaftlichen Konvention,  er versucht nur, sich ein Leben abseits davon zu etablieren.

MM: Ist Hyde ein Katalysator – für versteckte Obsessionen im Unter-Bewusstsein? Einer, der das Gehörte verdaut und die Wahrheit sagt? Der „Sicherheit“ bietet?

Jenkins: Ja, das kann man so sagen. Hyde kennt keinerlei Form von Loyalität oder Solidarität, das macht seine Stärke aus. Die Schattenseiten dieses asozialen Verhaltens muss er nicht ausbaden, weil er sich immer rechtzeitig in Jekyll flüchten kann. Das scheint am Anfang tatsächlich eine Art von „Sicherheit“ zu bieten. In unserer Fassung entsteht Hyde und muss sich dann erstmal eine Sprache schaffen. Das heißt, er verwertet die Gespräche, die Jekyll zuletzt geführt hat, löst Begriffe aus ihrem Kontext und wendet sie ins Zynische. Es liegt nahe, daß Jekyll während dieser Gespräche vielleicht auch ähnliches gedacht hat und es Hyde ist, der diese Gedanken dann ausspricht.

MM: Ist John der Gegenentwurf zum Janus-Kopf? Weil er seinen „freien Willen in den Dienst der guten Sache stellt“?

Jenkins: John macht scheinbar alles richtig: Er stellt sich den sozialen Problemen der Zeit und lässt sich dabei von einem sehr starken Gerechtigkeitssinn leiten. Er riskiert die Unversehrtheit seines Körpers, um der Stimme seines Gewissens zu folgen, ohne daß er durch äußere Einflüsse dazu gezwungen wäre. Zumindest hat er das vor. Aber er scheitert in seinem Vorhaben an der eigenen Bequemlichkeit, stellt also letztlich sein Wohlbefinden über die idealistischen Ziele. John will seinen „freien Willen in den Dienst der guten Sache stellen“, aber sein „freier Wille“ entpuppt sich lediglich als „guter Wille“. Und der bewirkt bekanntlich an sich nicht viel – heute wie damals. John weiß das, leidet darunter und bemitleidet sich dann auch noch selbst.

MM: Trägt jeder Jekyll und Hyde in sich? Wann ertappen Sie sich dabei, hyde-isch zu sein?

Jenkins: Ich glaube, beim „hyde-isch“-Sein ertappt man sich nicht so häufig, wie bei dem Wunsch, „hyde-isch“ zu sein – und der steckt wohl prinzipiell in jedem. Wohl jeder hat manchmal das Gefühl, es ginge ihm insgesamt besser, wenn er die Einschränkungen durch Kollegen, Familie, Freunde, Feinde – kurz Mitmenschen ignorieren könnte, und auch die Nöte derselben. Man glaubt, ein Recht dazu zu haben, andere beiseite zu schieben, um „auch mal an sich zu denken“, „nicht mehr zu kurz zu kommen“ usw. Aber wohin führt das in der extremsten Konsequenz?

MM: Ein paar Worte zur Inszenierung: Spielt ein Schauspieler Jekyll und Hyde? Eine rein körperliche Verwandlung oder eine mit Hilfsmitteln? Es gibt eine Szene, wo sich beide gegenüber stehen – also doch zwei Darsteller?

Jenkins:  Es gibt in der Inszenierung tatsächlich zwei Schauspieler für die beiden Figuren bzw. Charaktere (im englischen Theater ist das Wort für „Rolle“ ja tatsächlich „character“…): Christoph Rothenbuchner ist Jekyll, Kaspar Locher ist Hyde. Für die Verwandlungen gibt es ein bühnentechnisches Hilfsmittel. Und am Ende stehen sich die beiden auch einmal gegenüber.

MM: Sie haben am Schauspielhaus Graz 2013 die Österreichische Erstaufführung von Elfriede Jelineks FaustIn and out inszeniert. Warum da? Was sind die Vorzüge des Hauses, des Ensembles?

Jenkins: Die Stücke von Elfriede Jelinek haben in meiner Biographie einen besonderen Stellenwert. Als ich 1996 nach Wien kam, konnte ich die Uraufführungen von „Sportstück“ und „Das Werk“ sehen. Später war ich Regieassistent der Uraufführungen von „Babel“ und „Über Tiere“. Sowohl als Zuschauer als auch als Mitarbeiter haben mich die Texte und der Umgang mit ihnen stark beeindruckt. Als mir das Schauspielhaus Graz die österreichische Erstaufführung von „FaustIn and out“ anbot, war ich deshalb sofort Feuer und Flamme. Daß ich dafür zwei so großartige Schauspielerinnen wie Verena Lercher und Seyneb Saleh zur Verfügung hatte, war ein zusätzliches Glück. Und meine jetzige Besetzung ist genauso inspiriert und einsatzfreudig. Ja, das Schauspielhaus Graz hat ein hervorragendes Ensemble.

MM: Es gibt Verfilmungen von 1920 bis in die Gegenwart. Mit John Barrymore, Frederic March, Spencer Tracy, Jack Palance … Haben Sie einen Favoriten?

Jenkins: Die Frederic-March-Verfilmung ist besonders schön wegen ihrer liebevollen Personenregie und der expressionistischen, fast Caligari-haften Bilder. Die Version mit Spencer Tracy war für die Erstellung meiner Fassung insofern wichtig, weil ich mich vor allem im ersten Teil sprachlich an den Drehbuch-Dialogen orientiert habe bzw. Sätze aus dem Film zu neuen Dialogen montiert habe. Sehr gerne mag ich auch die Komödie „Der verrückte Professor“ mit Jerry Lewis. Und ein besonderes Schmankerl ist der Film „Das Testament des Dr. Cordelier“ von Jean Renoir mit dem französischen Film- und Theaterstar Jean-Louis Barrault…

www.schauspielhaus-graz.com

Wien, 10. 12. 2013

Maria Bill ist einfach „Glorious!“

Oktober 2, 2013 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Volkstheater-Chef Michael Schottenberg

inszeniert mehr Klamauk als Tragikomödie

Maria Bill Bild: © Lalo Jodlbauer

Maria Bill
Bild: © Lalo Jodlbauer

Fernsehformate wie NYDS (New York sucht den Superstar) hat’s anno 1920 noch nicht gegeben. Und sie wären auch unnötig gewesen. Der „Big Apple“ hatte sich seine Königin der falschen Töne längst erkoren: Florence Foster Jenkins. Millionenerbin und ob ihres Reichtums bemüßigt ihr „Talent“, das Singen, unters auserlesene Volk zu bringen. Vom Ritz-Carlton-Hotel bis zur Carnegie Hall rührte sie ihre Fans zu Tränen. Es dürften solche des Lachens dabei gewesen sein. Denn FFJ – mit einer unerschütterlichen Begeisterung und einem enormem Glücksgefühl – traf auf der Bühne kaum einen Ton. Egomanisch taumelte sie zwischen Dur und moll. Unbremsbar in ihrer Selbstverwirklichung. Den Gesang nicht in der Kehle, aber im Herzen.

Autor Peter Quilters macht 2005 das Stück „Glorious!“ aus dem Stoff. Eine Tragikomödie über eine Frau, zu naiv um Boshaftigkeit zu bemerken. Oder so intelligent, so gut erzogen, um sie elegant ignorieren zu können. Am Volkstheater ist Maria Bill die Idealbesetzung. Von Erika Navas einmal in Strass und Engels- Straußenfedern, einmal in ein altspanisches rot-schwarzens Donnakostüm mit Rüschen und Spitzen gehüllt, gibt der Gesangsstar eine wundervoll krähende Carmen, jault Mozart, Verdi, Richard Strauss, besser, als es ihre von Inge Maux spazierengetragenen Schoßhündchen jemals könnten. Die Bill spielt dieses Leben voller Illusionen in verkitschtem Ambiente, in überladenen Ballsälen. IHR gilt der Applaus.Till Firit gibt dazu einen stoischen Cosmé McMoon, FFJs Pianisten, der la Diva durch alle Misstöne ihrer Kunst begleitet – und, wie man es von ihm schon aus „Mein Freund Harvey“ kennt: sich der Schmiere verweigert; Ronald Kuste ist ein schön schürzenjägerischer, stets leicht alkoholisierter Ehemann St. Clair Bayfield.

Bleibt Regisseur Michael Schottenberg. Der „Glorious!“ offenbar für allzu leichte Kost hielt. Auf Schenkelklopfen setzt, wo auch einmal Entsetzen über das Schicksal dieser Frau angebracht gewesen wäre. Von Spott und Häme der Kritiker ihrer Zeit ohnedies schon überzogen, macht er FFJ noch zur Opernschreckschraube. Mehr Subtilität wäre angebracht gewesen. Grell ist nämlich bekanntlich auch schmerzhaft.

www.volkstheater.at

www.mottingers-meinung.at/maria-bill-im-gespraech

Wien, 30. 9. 2013

Maria Bill im Gespräch

September 24, 2013 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

„Glorious!“ am Wiener Volkstheater

Till Firit, Maria Bill Bild: © Lalo Jodlbauer

Till Firit, Maria Bill
Bild: © Lalo Jodlbauer

Am 29. September hat am Wiener Volkstheater „Glorious!“ Premiere – eine Bühnenbiografie von Florence Foster Jenkins. Schon zu Lebzeiten eilte ihr der Ruf voraus, die schlechteste Sängerin der Welt zu sein, dieser schillernden Persönlichkeit des New Yorker Gesellschafts- und Künstlerlebens der 1920er- bis 40er-Jahre. Die reiche Erbin erfüllte sich in reiferem Alter ihren Lebenstraum von einer Gesangskarriere. Mit unerschütterlichem Selbstbewusstsein trat sie bei Wohltätigkeitsveranstaltungen und Konzerten vor ihr Publikum, Kritik und Zweifel fochten diese exzentrische und willensstarke Frau nicht an. Dabei war ihre Gesangsdarbietung – gelinde gesagt – abenteuerlich. Mit Intonation und Rhythmus nahm sie es nicht besonders genau, mit traumwandlerischer Sicherheit schrammte sie an vielen Noten des klassischen Liedguts vorbei. Zu hören ist dies heute noch durch eine Handvoll Tonaufnahmen. Bei der berühmten Arie der Königin der Nacht aus Mozarts Zauberflöte oder bei der „Glöckchenarie“ aus Delibes’ Lakmé ist auch die stoische Ruhe ihres Begleitpianisten Cosme McMoon zu bewundern, der ihr durch alle Unwägbarkeiten geduldig folgt. Florences Auftritte wurden zu einer Art Geheimtipp, hatten Kultstatus in Philadelphia und später in New York, wo sie einmal pro Jahr im Ritz-Carlton-Hotel vor ausgewähltem Publikum in extravaganter Aufmachung erschien. 1944 kam es zu ihrem legendären Konzert in der Carnegie Hall, das in kürzester Zeit bis auf den letzten Platz ausverkauft war. Das Publikum liebte sie aus einer Mischung von Rührung und Belustigung. Florence sang mit einer unerschütterlichen Begeisterung und ihr Glücksgefühl übertrug sich auf ihre Zuhörer. Das Stück des  englischen Dramatikers Peter Quilter ist eine Hommage an diese unglaubliche Frau und wurde bei seiner Uraufführung 2005 am Londoner Westend zu einem großen Erfolg. Ein kluger und umwerfend komischer Abend, der zeigt, wie man seinen Traum gegen alle Widerstände lebt. „People may say I can’t sing, but no one can ever say I didn’t sing.“ („Die Leute könnten behaupten, dass ich nicht singen kann, aber niemand kann behaupten, dass ich nicht gesungen hätte.“) Dieser Satz von Florence Foster Jenkins ist auch auf ihrem Grabstein zu lesen.

Ein Gespräch mit Hauptdarstellerin Maria Bill:

MM: Die wichtigste Frage zu Beginn: Wie kann jemand, der so eine großartige Stimme hat wie Sie, so singen wie Florence Foster Jenkins? Sie hat es ja geschafft jeden Ton NICHT zu treffen. Ich habe die Rachearie aus Mozarts „Zauberflöte“ von ihr gehört. Das ist abenteuerlich, als ob einer „der Katze auf den Schwanz steigt“.

Maria Bill: Das ist nicht einfach, das stimmt. Aber ich habe so unglaublich viel Liebe für diese Figur, für diese schwer zu fassende Persönlichkeit entwickelt, dass es gelingt. Sie war eine Künstlerin, über die die Leute einerseits gelacht, andererseits von Herzen applaudiert haben. iese Frau hat ihren Traum gelebt hat. Das trauen sich viele nicht. Und falls man Gehör hat, wird man auch das „Richtige“ im „Falschen“ hören. Ein Kritiker schrieb allerdings, er würde seinen Feinden wünschen, eine Stunde Florence Foster Jenkins hören zu müssen… Dabei war sie als Mensch offenbar sehr liebenswert, von großer Naivität, – sie glaubte,  zur Diva geboren zu sein.

MM: Florence Foster Jenkins starb mit 76 Jahren, nach einem Konzert, bei dem Sie sich völlig verausgabt hatte. Wie beurteilen Sie das Tragikomische der Figur?

Bill: Das war ein Konzert in der Carnegie Hall, bei dem 3000 Tickets zu Höchstpreisen weggingen. 2000 Leute mussten weggeschickt werden. Es hat eben immer auch Unterhaltungswert „über jemanden zu lachen“ – das ist tragisch. Sie aber war glücklich dabei. Wer kann das von sich behaupten? Dieses Glück weiterzuschenken sah sie als ihre Bestimmung an. Dabei hatte sie Verehrer von Caruso bis Cole Porter. Ersterer sagte: „Dieser Saal wird nie wieder etwas Ähnliches zu hören bekommen.“ Das kann man wunderbar zweideutig auffassen, – sie hat das als Kompliment verstanden. Ich bin mir nicht sicher, inwieweit ihr klar war, wie sie falsch singt. Nach Studioaufnahmen beispielsweise fand sie „ein Tönchen gegen Ende – möglicherweise“ nicht astrein – der Tontechniker meinte: „Um einen Ton würde ich mir keine Sorgen machen.“ Sie hörte das Positive und konnte dem Leben ebensolches abgewinnen. Ihr Vater, ein Banker, war absolut dagegen, dass sie als Sängerin öffentlich auftritt, offenbar war er musikalischer als sie. Als er starb, hatte er ihr so viel Geld hinterlassen, dass sie auftreten konnte, wo immer sie wollte. Um ihren „Feinden“ zu „trotzen“, musste sich übrigens jeder, der eines ihrer Konzerte besuchen wollte, persönlich bei ihr vorstellen.

MM: Hätten Sie das auch gerne?

Bill: Um Gottes Willen! Nein. Ganz im Gegenteil. Bleibt das Publikum anonym für mich, bildet es eine Einheit. Ich bin im Kopf richtig „besetzt, abgelenkt, wenn ich weiß, dass zum Beispiel meine Eltern drinsitzen.

MM: Menschen wie Florence Foster Jenkins, die sich um ihr Geld alles kaufen können, werfen natürlich auch die Frage nach modernem Mäzenatentum, nach Sponsoren auf …

Bill: Wenn Kunst durch Mäzene zensuriert wird, fehlt ihr die Freiheit… Florence Foster Jenkins hat so etwas allerdings nie gebraucht. Sie hat sich mit ihrem Vermögen ihre Auftritte selbst gesponsert oder Konzerthallen gemietet.

MM: „Modern“ an der Geschichte scheint auch, dass sich da jemand selbst zum Star machte. So etwas kennt man heute am besten aus dem Fernsehen. Florence Foster Jenkins als Urmutter der It-Girls?

Bill: Ja, es gibt Menschen, die sich selbst inszenieren, und es gibt Plattformen, die das kaufen. Der Unterhaltungswert ist der, dass sich diese Leute lächerlich machen. Das sind meist gescheiterte, bedauernswerte Existenzen, die sich dem aussetzen. Florence Foster Jenkins hingegen hat sich rar gemacht. Sie gab ganz wenige Konzerte im Jahr. Schlechte Kritiken haben ihr sicher zugesetzt… Unter einem ihrer Programme stand: „Oh Sänger, wenn du nicht träumen kannst, lass dieses Lied ungesungen.“ Niemand wird jemals behaupten, dass Florence Foster Jenkins nicht träumen konnte. Sie schöpfte Freude und Kraft aus der Musik, und war überzeugt, diese Freude weiterschenken zu müssen.

MM: Sie haben Ihr Publikum 2012 mit einer „Farewell Tour“ Ihrer Lieblingslieder aufgeschreckt. Das war aber offenbar nicht so ernst gemeint. Es gibt demnächst eine neue CD.

Bill: Also: „aufschrecken“ wollte ich niemanden. Vor zwei Jahren entschloss sich die Plattenfirma, die ersten CDs, die längst vergriffen waren, mit Liedern wie „I mecht landen“ oder „Der Kaktus“ als Doppel-CD neu herauszubringen. Daraus wurde die „Farewell Tour“, ein Programm mit den Liedern von damals, – einmal noch! Abschied zu nehmen vom Singen, – damit würde ich mir selbst eine Lebensader abschneiden. Eben habe ich neue Piaf-Lieder mit meinen Musikern einstudiert. Diese Lieder werden im Piaf-Theaterabend eingebaut und in Konzerte. Die Geschichte dieser starken, emanzipierten Frau zu erzählen, die verschwenderisch lebte und liebte, das macht für mich Sinn. Eines meiner schönsten Erlebnisse war, als nach einem Konzert ein älteres Ehepaar auf mich zukam und sagte: „Wir haben heute Abend beschlossen, wieder mehr Feste zu feiern.“ Ist das nicht großartig? Das ist auch mein Motto: Den Tag zu nehmen, wie er ist, und ihn zu leben.

MM: Die neue CD erscheint am 10. Oktober. Wie muss ein Lied – oder auch eine Rolle – sein, dass Sie sich interessieren?

Bill: Das passiert nach Lust, Emotionen, Empfinden. Das entsteht durch Tipps, Anhören, Verlieben. Eines der neuen Lieder brachte ein Musiker mit ins Studio: Norbert Glanzberg, der für Piaf das berühmte „Padam, padam“ oder „Mon manège à moi“ geschrieben hat, komponierte auch das eher unbekannte „Le ballet des coeurs“. Das nehmen wir jetzt auf.

MM: Florence Foster Jenkins hatte auf der Bühne einen Pianisten, im Volkstheater spielt ihn Till Firit, der sie über alle Unwegsamkeiten begleitet hat. Wie wichtig sind Bühnenpartner für Sie?

Bill: (Sie lacht.) Ja, der arme Mann musste alle ihren falschen Töne und Rhythmen nachhoppeln.  Florende Foster Jenkins hatte es auch mit Texten nicht so genau genommen , hat bei nicht-englischsprachigen Arien einfach das gesungen, was sie verstanden hat. Mit Bühnenpartner ist es wie mit Lebenspartnern: Wenn die Chemie stimmt, geht alles wie von selbst, dann fühlt man sich gut aufgehoben. Und zu Till Firit darf ich sagen, dass er diesbezüglich einer meiner liebsten Kollegen ist.

MM: Wenn Sie sich, wie Florence Foster Jenkins, alles kaufen könnten, was wäre das?

Bill: Uff. Da muss ich nachdenken. – Pause – Ich würde mir eine Wohnung kaufen, damit ich keine Angst haben muss, einmal auf der Straße zu stehen. Ich würde mein Kind finanziell absichern und schöne Reisen machen wollen. Und den Rest würde ich umverteilen – dorthin, wo’s gebraucht wird.

MM: Michael Schottenberg ist der Regisseur von „Glorious!“. Wie geht er an das Thema heran?

Bill: So, dass Komödie und Tragödie sichtbar werden. Es darf nicht das Bild einer Lachnummer gezeigt werden, sondern  glaubhaft gemacht werden, dass sie sich als Diva erlebte, bezaubernd unfähig, einen Ton zu treffen und dabei Glück zu empfinden. Und die Beweggründe ihrer Fans, die sie über alles geliebt haben, sollen verständlich gemacht werden. Weil sie ein Herz hatte, weil sie Chuzpe hatte. Dem muss man etwas Positives abgewinnen können, um diese faszinierende „Künstlerin“ zu begreifen. Das wird eine Gratwanderung, die wir schön austarieren müssen.

www.volkstheater.at

www.mariabill.at

Zum Reinhören – Florence Foster Jenkins‘ „Rachearie“: www.youtube.com/watch?v=6h4f77T-LoM

Wien, 24. 9. 2013