Akademietheater: Kampf des Negers und der Hunde

Oktober 3, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Wer fürchtet sich vorm schwarzen Mann?

Ernest Allan Hausmann als Alboury, Philipp Hauß als Horn und Stefanie Dvorak als Léone. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Noch bevor die Inszenierung los geht, inszeniert sich eine Protestaktion gegen das N-Wort. Junge Menschen werfen Flugzettel vom Balkon des Akademietheaters, sie skandieren ihre auswendig gelernten Sprüche. Ernest Allan Hausmann, bereits aufgetreten, sagt, man habe ein Recht dies Stück zu spielen. Spätestens am Schluss, wenn sich alle auf der Bühne verbeugen, weiß man, es war ein ausgemachtes Spiel. Das Burgtheater brachte die Sache vorab schon PR-geschickt auf Schiene, indem es den Begriff, wie online und im Programmheft vermerkt, „grafisch absetzte“. Neger. Politisch korrekt und doch ein Bis-hierher-und-nicht-Weiter, man sei schließlich dem Autor verpflichtet.

Alles ein einziges Missverständnis. Für Bernard-Marie Koltès, Dramatiker, Enfant terrible, Reisender, Suchender, Schwuler, Aids-Toter, stand bereits 1983 fest: „Afrika ist überall“. Er verwehrte sich dagegen, seinen Text zu verorten, sah ihn lieber als Metapher interpretiert, er, der geniale Erfinder seiner eigenen, eigenartigen Mythologie, sein Theater immer auch autobiografisch, seine Sprache ausgestattet mit scharfer Schneide, sein Ton an der Schnittstelle von Patzigkeit, Poesie und Pathos.

Dass sein „Kampf des Negers und der Hunde“ dieser Tage allerorts wieder gern gespielt wird, liegt allerdings an dessen Auslegung als Aussage über die Angst der „Weißen“ vor Fremden, Flüchtlingen, Verbrecher allesamt … Wer fürchtet sich vorm schwarzen Mann? – Niemand! – Und wenn er aber kommt?

Drei in die Fremde geworfene Figuren sind also gezwungen, sich mit ihrem diffusen Gefühl der Bangigkeit auseinanderzusetzen. Auf einer Baustelle in Westafrika haben sich deren Leiter Horn, die von ihm mitgebrachte Frau Léone und der Ingenieur Cal gegen alle Bedrohungen von außen eingebunkert. Und dann ist das Unheil doch da. In Form des Einheimischen Alboury, der die Herausgabe des Leichnams seines auf dem Gelände verstorbenen „Bruders“ verlangt. Bald weiß man, es war kein Unfall, Cal griff zum Gewehr. Das Thema ist Macht und ihre Strukturen. Chef gegen Mitarbeiter, Mann gegen Frau, Bewaffneter gegen Unbewaffneten, Weiße gegen Schwarze. Die Hunde im Titel sind die Ersteren.

Am Akademietheater zerspragelt sich Regisseur Miloš Lolić am Spagat, Koltès gerecht zu werden und eine selbstständige Sichtweise auf die Sache zu fabrizieren. Dies gelingt nur ansatzweise. Lolić versucht’s weder atmosphärisch-ideologisch noch globalisierungskritisch-brisant noch als absurde Farce, um nur drei Deutungsmöglichkeiten zu nennen, er bleibt seltsam unentschlossen. Und: Er hat – dies die größte Sünde – dem Autor die dichterische Eindringlichkeit, die lyrische Ergriffenheit runtergeräumt, Lolić entzaubert Koltès bis zum Uninteressant-Werden – wenn ihm gar nichts mehr einfällt, und das ist nach dem beim Publikum ins Nichts verpuffenden Anfangsskandälchen wenig, lässt er stetig größer werdende Drohnen steigen.

Markus Meyer als Cal mit Philipp Hauß und Ernest Allan Hausmann. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Stefanie Dvorak, Philipp Hauß und Markus Meyer. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Schön wär’s zu sagen, der Abend hielte zum Text zumindest ironische Distanz, tatsächlich wird der die meiste Zeit nur hergesagt. Mitunter unverständlich schnell. Selbst Albourys Parabel über die menschliche Kälte, die nur durch gegenseitiges Wärmen vertrieben werden könne, verliert so an Wirkung.  Das in der Werkeinführung als spannend gepriesene Bühnenbild von Evi Bauer entpuppt sich als obligat-nackte Fläche bis zur Feuermauer, die Kostüme von Jelena Miletić sind ein transparent-nudes „Overdress“ und befleckte Khakikleidung, darunter durchsichtiges Ganzkörperplastik.

In diesem szenischen Leerlauf bemühen sich die Darsteller Philipp Hauß, Markus Meyer, Stefanie Dvorak und Ernst Allan Hausmann aus Rollen Charaktere zu gestalten. Zwischen Hauß‘ Horn und Meyers Cal entsteht bald ein Einverständnis zum latenten Rassismus, beiden gelingt es sogar, subtil unterschwellige Aggression aufblitzen zu lassen. Während Hauß mehr und mehr den Machtmenschen erkennen lässt, dominiert Meyer mit seiner Darstellung latenter Bösartigkeit das Bühnengeschehen. Stefanie Dvorak gibt ein von ihr schon bekanntes aufgescheucht-flirrendes Wesen, das mit seinem Naivchen-Bild vom „edlen Wilden“ alle Gewalt aufhalten will.

Ernst Allan Hausmann schließlich legt den Alboury sehr zurückhaltend an. Immerhin darf er mit einer Fußrassel Gefährlichkeit markieren, als Figur aber bleibt dieser Alboury wenig greifbar. Zum Ende trägt Léone eine Cornrows-Perücke, Horn einen traditionellen Zeremonienmantel aus Ziegenhaar. Geschossen wie bei Koltès wird nicht.

www.burgtheater.at

  1. 10. 2018

Volkstheater: Lazarus

Mai 10, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Das Programmheft als Beipackzettel

Newtons Museum der Erinnerung: Maria Stippich, Anja Herden, Katharina Klar, Günter Franzmeier und Evi Kehrstephan. Bild: © www.lupispuma.com / Volkstheater

Der tosende Schlussapplaus war abzusehen, schließlich wurde schon jeder einzelne Song heftig bejubelt. 17 an der Zahl, von „This Is Not America“ bis „Absolute Beginners“, von „The Man Who Sold The World“ bis „Life On Mars?“ – das musikalische Vermächtnis des David Bowie, der zum Sterben krank sein Lebenswerk zum Musical machte. Das ist es also: „Lazarus“ als österreichische Erstaufführung im Volkstheater.

Das ist also das, was der ratlose Rezensent gern mit dem Etikett enigmatisch versieht, das Nicht-Verstehen mit Meisterwerk gleichsetzend. Wie der Fiebertraum eines auf Genesung Hoffenden zieht dieser Abend an einem vorbei. Immerhin das Programmheft dient als eine Art Beipackzettel. Eine Assistentin Elly gebe es, steht da, und einen früheren Mitarbeiter Michael, ein Verbrechensopfer und den Serienmörder Valentine. Und Lazarus, diese biblische Symbolfigur für Auferstehung, die hier nicht sterben kann. Sie ist weitergedacht jener Thomas Jerome Newton, der Außerirdische, den sich Bowie in Nicolas Roegs Film „The Man Who Fell To Earth“ 1976 anverwandelt hat. Und der nun seinen Weltenschmerz mit Gin betäubt.

In der Inszenierung von Miloš Lolić interpretiert ihn Günter Franzmeier. Und was das betrifft, ist die Gratwanderung perfekt gelungen. Franzmeier, kühl, unnahbar, mit reduziertem Spiel, macht sich die Songs zu eigen, er gibt ihnen eine Färbung, die Erinnerungen ans Original mitschwingen lassen, und legt an ihnen dennoch neue Gefühlsschichten frei. Gleich zu Beginn, wenn er wunderbar seelenwund den titelgebenden Song singt, Look up here, I’m in heaven / I’ve got scars that can’t be seen, weiß man, dass die Aufführung musikalisch gelungen ist. Unter der diesbezüglichen Leitung von Bernhard Neumaier stellen das besonders Katharina Klar als ermordetes Mädchen, Christoph Rothenbuchner als androgyner Todbringer und Gábor Biedermann mit seiner Rockstar-Attitude unter Beweis. Großartig ist am Ende das hoffungschöpfende „Heroes“-Duett von Franzmeier mit Klar.

Brillant als Bowies Alter Ego: Günter Franzmeier. Bild: © www.lupispuma.com / Volkstheater

Musikalisch top: Maria Stippich, Anja Herden, Christoph Rothenbuchner, Gábor Biedermann und Evi Kehrstephan. Bild: © www.lupispuma.com / Volkstheater

Doch die darob Ergriffenheit weicht beim zweiten Hinsehen der Ernüchterung. Neben der Musik sind die Szenen und Dialoge, die Enda Walsh mit Bowie erarbeitete, eben ein weiterer Aspekt des Musicals. „Lazarus“, das wird bald klar, erzählt keine Story im eigentlichen Sinne. Das Gespielte dient wie das Gesungene eher als atmosphärische Momentaufnahme, gemeinsam sollen sie wohl so was wie die Vereinsamung, die Verwirrung, die Verirrung des Protagonisten widerspiegeln. Sie sind Newtons Kopfkino. Dies darzulegen versucht Lolić nicht. Er flüchtet sich in Ausstattung, wo Auslotung vonnöten gewesen wäre.

Denn das Bühnenbild von Wolfgang Menardi ist opulent, ein „Museum der Erinnerung“ nennt es sich, und ist vollgestopft mit ausgestopften Tieren aus dem Nachbarmuseum, mit zahlreichen bunten Vitrinen und anderen Versatzstücken, und die Drehbühne dreht und dreht sich. Punkto Kostüme lässt Jelena Miletić von Retrofellwesten über Pailletten und Schlaghosen bis durchsichtigen Plastikmänteln wenig aus, was irgend dem Seventies-Showklischee entspricht. Auch etliche Haare müssen von Bowie-Blond bis Ziggy-Stardust-Rot dran glauben. Ob all dieser Bühnenzauber den Blick auf die wahre Ambivalenz des Stücks verstellt, ob diese tatsächlich vorhanden ist, dies sei dem Betrachter dahingestellt.

Katharina Klar als das gemordete Mädchen, das Newton zur Rettung wird. Bild: © www.lupispuma.com / Volkstheater

Newtons Tanz über den Abgrund begleiten des Weiteren Maria Stippich, Evi Kehrstephan und sehr sexy Anja Herden als Teenage Girls/Backgroundsängerinnen, Rainer Galke als Michael, Isabella Knöll als Elly und Kaspar Locher als deren Mann Zach. Claudia Sabitzer geistert als Japanerin durchs Spiel. Warum, man weiß es nicht, und hakt auch das unter „enigmatisch“ ab.

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  1. 5. 2018

KosmosTheater: Muttersprache Mameloschn

Dezember 6, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Eine jiddische Familiengeschichte

Suse Lichtenberger, Michèle Rohrbach, Martina Rösler und Jelena Popržan. Bild: Bettina Frenzel

Mameloschn, so nennt sich das Jiddische selbst, „Muttersprache“, und „Muttersprache Mameloschn“ heißt der Theatertext von Sasha Marianna Salzmann, der Dienstagabend im KosmosTheater Premiere hatte. Die Hausautorin am Berliner Maxim Gorki Theater erzählt in dieser Koproduktion des KosmosTheater mit dem Künstlerinnenkollektiv makemake produktionen eine Familiengeschichte am Schicksal dreier jüdischer Frauen.

Und erzählt davon, wie unmöglich es oft ist, trotz „Muttersprache“ mit der eigenen zu kommunizieren. Das mit virtuosem Sprachwitz aufgeladene Stück zieht einen hinein in drei Biografien. Da ist zunächst die Großmutter, die Holocaustüberlebende Lin, die nach dem Krieg voll der Hoffnung in das antifaschistische Deutschland mit ihrer Tochter in die DDR ging. Diese, Clara, sieht die Verklärungen der Mutter abgeklärt, sieht auch die Schattenseiten eines Regimes, in das man sich freiwillig begeben hat und als dessen Gefangene sie sich bis zum Mauerfall fühlte. Doch während hier ein Mutter-Tochter-Gespann versucht, sich von der Vergangenheit nicht bewältigen zu lassen, gibt es noch ein zweites: mit der Enkelin Rahel, die in die USA aufbrechen wird, um endlich ihre eigene Identität zu suchen und zu finden.

Regisseurin Sara Ostertag hat aus dem Schauspiel gleichsam ein Bewegungs- und Tanztheater gemacht, Jelena Popržan dazu wunderbare Lieder komponiert, jiddisch anmutende und welche wie kommunistische Arbeiterlieder, Widerstandslieder auch. Wenn das Ensemble singt „Wie lange sollen wir noch wandern, wie lange wird unsere Freiheit noch stören?“, dann klingt das fast schon nach Wolf Biermann. Die Inszenierung verwebt die im Stück festgeschriebenen Verweise und Zitate zu Musik mit Sprechchorpassagen und mehrstimmigem Gesang.

Die Wäsche der Vergangenheit waschen, kann eine blutige Sache sein. Bild: Bettina Frenzel

Das Ensemble spielt, singt und tanzt nicht nur, es gibt auch beinah artistische Momente. Bild: Bettina Frenzel

Mit drei Spielerinnen, Suse Lichtenberger, Martina Rösler und Michèle Rohrbach, teilt sich die Live-Musikerin an Bratsche, Geige und Schlagwerk außerdem die drei Rollen. Die Darstellerinnen schlüpfen von einer in die nächste, eine Spitzenbluse oder eine Bomberjacke machen klar, wer gerade wer ist. Dazu in Leuchtlettern vor einem „valfish“ mit Barten-Vorhang das Wort „Mutter“, die Buchstaben abgewandelt zu einem „Mut“, einem „Mute“ – sprachlos oder „Me“. Agiert wird mit hoher physischer Präsenz, nicht nur gespielt, gesungen, getanzt, sondern mitunter beinah artistisch. Familiäre Konflikte werden auch handgreiflich ausgetragen. Denn alle haben hier recht und gleichzeitig so unrecht, verstehen und verstehen nicht, begreifen und gehen verloren.

In einer eindrücklichen Szene wird blutige Wäsche gewaschen. 17. Juni und 1953 steht auf zwei der Wäschestücke. Der Arbeiteraufstand, den die DDR von den Sowjets niederschlagen ließ. So verknüpft Autorin Salzmann das Private mit dem Politischen, knüpft ihre bissigen Dialoge an immer noch nicht überkommene Klischees, wie die Schauspielerinnen den Faden im von der Decke abgehängten Stickrahmen.

Unter der Oberfläche „wie koscher geht“, geht es in „Muttersprache Mameloschn“ um Manipulation und Schuldgefühle, um die Instrumentalisierung von Menschen im Großen wie im Kleinen. Es geht um latenten Antisemitismus und die Frage, ob ein „guter Jude“ mit der israelischen Politik konform gehen muss. Es geht, sagt Salzmann selbst, „um die Wut und die Denkfehler, die von Generation zu Generation weitergegeben werden“, und die endlich entlarvt werden müssen. Es geht nicht darum, Geschichte zu verstehen und sie damit ad acta zu legen, sondern um einen alternativen Versuch, der Geschichte näher zu kommen und sie so in die Gegenwart zu katapultieren. Dass dabei sowohl heitere als auch düstere Ecken ausgeleuchtet werden, zeigt die hohe Qualität der Aufführung. Eine Empfehlung!

www.kosmostheater.at

  1. 12. 2017

Wiener Festwochen: Traiskirchen. Das Musical

Juni 10, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Solidarität mit der Schildkröte

Der Mensch braucht mehr als nur das Notwendigste: Die „High Heels Phantasma“-Szene. Bild: Alexi Pelekanos/Volkstheater

Eine der schönsten Szenen nennt sich „High Heels Phantasma“. Da bittet eine deutlich Bessersituierte zur Manolo-Blahniks-Verteilung, weil der Mensch, vor allem die Frau, braucht mehr als nur das Notwendigste. Und während die linksgedrehten NGO-Damen mit den Hilfscontainer-T-Shirts protestieren: „Der Stöckelschuh ist die Burka des Westens!“, greifen die Flüchtlinge zu und tanzen in ihren Neueroberungen.

Und die Bessersituierte erzählt, im KZ hätte sie sich jeden Tag die Lippen rot gemalt. Mit Ziegelsteinen oder ihrem Blut. Als ein Zeichen, dass sie nicht das Tier ist, zu dem man sie machen wollte. Der Mensch braucht Kultur – und da gehört Schminke dazu. Dies Phantasma ist nicht so fantastisch. Etwas Ähnliches hat es sich im Sommer 2015 tatsächlich zugetragen. Recht erinnert, hat sogar das Fernsehen darüber berichtet. Nun ist die Bühnenfassung davon zu sehen: „Traiskirchen. Das Musical“. Im Volkstheater Wien. Die Theatermacher Tina Leisch und Bernhard Dechant, bekannt als „Die Schweigende Mehrheit“ und für ihre von Identitären gestürmte Aufführung von „Schutzbefohlene performen Jelineks Schutzbefohlene“ im AudiMax, haben aus den Ereignissen von vor zwei Jahren eine abgedrehte Musikrevue gemacht, haben es tatsächlich geschafft, das Surreale dieser Tage ins Skurrile zu überhöhen – und aus einem tonnenschweren Thema einen (über weite Strecken) leichtfüßigen Abend zu gestalten.

Dazu bedienen sie sich aller Mittel der leichten Muse. Gesang, Tanz, Klamauk; Traumsequenzen sind Slapstick in Zeitlupe, die Dialoge sind irr/witzig, denn immer wieder bricht die Handlung, um doch festzuhalten, dass vieles, was da passiert ist, lächerlich, aber nicht zum Lachen ist. Die Musik stammt unter anderem von Texta, Eva „Gustav“ Jantschitsch, Bauchklang, Imre Lichtenberger Bozoki, dem musikalischen Leiter der Aufführung, Jelena Popržan, Sakina Teyna, Mona Matbou Riahi oder Leonardo Croatto. Der „Hauptdarsteller“, der rote Faden, ist das Lager Traiskirchen. Wie in den guten, alten 1980er-Jahre-Musicals, in denen ein Protagonist nach dem anderen vortritt, um seine Geschichte zu erzählen, so ungefähr funktioniert es auch hier.

Der Bösewicht ist Journalist: Dariush Onghaie spielt und singt den Troublemaker, die Krone der Schöpfung. Bild: Alexi Pelekanos/Volkstheater

Das Krähengericht (hi.) muss über einen Fall von Folter entscheiden: Shureen Shab-Par spielt die Kurdin, die glaubt ihren Peiniger erkannt zu haben. Bild: Verena Schäffer

Dazwischen gibt es verbindend Komisches, Running Gags wie etwa Moussa Thiaw als Moses, der statt seinen ORS-Pflichten nachzukommen, lieber mit seinem Schatzi telefoniert, drei Love Storys über alle Grenzen hinweg, und hinreißende, mitreißende Ensembleszenen. Dreiviertel der Darsteller sind diesmal Profis, 30 Menschen aus 19 Herkunftsländern, ausgebildete Sänger, Tänzer, Schauspieler … Sie alle kennen Traiskirchen von innen, manche waren schon vor Jahren als Kinder dort, andere erst kürzlich. Geschont wird in dieser Inszenierung niemand. Weder die Traditionalisten noch die Willkommensrassisten, weder die Islamisten noch die selbstverliebten Weltverbesserer.

„Traiskirchen. Das Musical“ zeigt einmal mehr, dass sich am meisten hasst, was sich am ähnlichsten ist. Im „Parolenbattle“ versucht jede Partei die Menschen auf ihre Seite zu ziehen, die hasten hin und her – und finden sich am Ende bei Geiz ist geil. Beim Integrationsshopping sozusagen. Die zum Spendenselbstopfer hochstilisierte Zivilgesellschaft muss sich genauso persiflieren lassen wie die überforderte Politik, ein Dschihadist (gespielt von Jihad Al-Khatib), der Medikamente, die er braucht, auf religiöse Reinheit prüft, wird ebenso durch den Kakao gezogen, wie der letzte Christ (Amin Khawary stellt ihn dar), der versucht mit Hardrock auf seine Kirche aufmerksam zu machen.

Der Schlepper vom Dienst (verkörpert von Khalid Mobaid) spricht nicht nur wie Jesus beim Letzten Abendmahl, er lässt sich anschließend auch kreuzigen. Gern ist er der alleinig Schuldige, solange seine Kasse stimmt. Uwe Dreysel rennt als ORS-Josef von hie nach da, um zu helfen, aber ach, seine Bemühungen wollen und wollen nicht fruchten. Am Höhepunkt des Trubels wieder Bruch, wieder (Alb)traumsequenz: Das Krähengericht tritt zusammen, weil eine Kurdin (gespielt von Shureen Shab-Par) glaubt, in einem anderen Lagerbewohner ihren einstigen Folterer erkannt zu haben. Doch der hat einen philippinischen Pass – ORS-Moses ist rat- und hilflos …

Stefan Bergmann singt und spielt einen Traiskirchner, der Welcome-Blumen pflanzt, aber alsbald auf Rache sinnt. Bild: Alexi Pelekanos/Volkstheater

Die ORS-Männer sind überfordert: Moussa Thiaw als Chef Moses (am Apparat natürlich Schatzi) und Farzad Ibrahimi als David, die Pfeife. Bild: Verena Schäffer

Während der Peiniger nicht identifiziert werden kann, ist es mit anderen Dramatis personæ ganz leicht. Hanna Binder ist großartig als Betreuungsstellendirektor Stabhüttel, dessen einzige Sorge und Solidarität der aus ihrem Lebensraum Teich verschwundenen Schildkröte (dargestellt von Kung-Fu-Meister Haidar Ali Mohammadi) gilt – „Die haben sicher die Ausländer gefressen!“ – nein, es wird sich herausstellen, sie ist nach Schweden weiter emigriert. Auf alle Sorgen weiß er nur einen Satz: „Des is mei Lager.“ Für Khalid Mobaid haben Lichtenberger Bozoki und Richard Schuberth den „Mikl-Leitner-Blues“ geschrieben, eine sehr sexy vorgestrippte Nummer, in der die Bühneninnenministerin beklagt, wie es ist, „to be the eternal booman, the most misunderstood woman – since Richard Nixon and President Truman.“ Eine Weltklassenummer, in der natürlich der Weltklassesatz fallen muss: „So viele Menschen – so wenig Klopapier.“

Dariush Onghaie darf der Bösewicht des Stücks sein, ein Journalist, genannt der Troublemaker, die Krone der Schöpfung. Seine Message ist klar: Egal, was er schreibt, „ihr glaubt mir eh alles“. Zwei gute/schlechte Typen sind auch Stefan Bergmann als Traiskirchner, der Welcome-Blumen für die Refugees pflanzt, aber sofort nach Rache ruft, als versehentlich eines der Pflänzchen zertreten wird. Bernhard Dechant gibt den am Bühnenrand herumlungernden und auf seine Chance wartenden Quotensandler, auf den sich die Österreicher immer dann besinnen, wenn ihnen der einheimische Obdachlose lieber ist, als der ausländische – in solch schwachen Momenten, und nur in solchen Momenten wird er dann gehegt und gepflegt.

Drum hasst sich am meisten, was sich am ähnlichsten ist: Die rechten Weltanschauungen des „Orient“ und des „Okzident“ prallen aufeinander. Bild: Verena Schäffer

Futurelove Sibanda schließlich ist Tanzfans ohnedies längst kein Unbekannter mehr. Der vielseitige Solo-Performer ist seit 2009 in zahlreichen Produktionen als Sänger, Tänzer, Schauspieler zu sehen gewesen – in „Traiskirchen. Das Musical“ spielt er einen Amnesty-International-Mitarbeiter, der aufgrund seiner Hautfarbe von der Hilfsarmada freilich für einen Flüchtling gehalten wird.

Die geballte Professionalität der Produktion zeigt einmal mehr, welch Potenzial da ist, wenn man über Grenzen hinausgeht. Sie ist ein Feel-Good-Feel-Free-Abend, und die Spielfreude der Akteurinnen und Akteure mehr als ansteckend. Dass Leisch/Dechant manchmal Richtung Erklärstück entgleiten, ist den beiden inne, und wahrscheinlich tatsächlich kann man’s manchen nicht oft genug sagen. Die Standing (hier eigentlich: Moving) Ovations am Ende aber galten den allesamt sehenswerten Performances. Und waren endlich eine Gelegenheit gemeinsam zu tanzen und zu feiern.

INFO: ORF2 bringt am 11. Juni um 13.30 Uhr in „Heimat, fremde Heimat“ einen Bericht von der Premiere. Nach den Wiener Festwochen gibt es Spieltermine in Niederösterreich.

Tina Leisch und Bernhard Dechant im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=24999

www.schweigendemehrheit.at

www.festwochen.at

Wien, 10. 6. 2017

KosmosTheater: „Der varreckte Hof“ vom Ringsgwandl

Oktober 15, 2015 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Garstig-gspaßiger Grabgesang auf den Bauernstand

Linde Prelog, Emese Fáy, Thomas Richter, hinten: Rina Kaçinari, Jelena Popržan Bild: Bettina Frenzel

Linde Prelog, Emese Fáy, Thomas Richter, hinten: Rina Kaçinari, Jelena Popržan
Bild: Bettina Frenzel

Mit dem Begriff Heimat hat er’s insofern, als er sieht, dass weder deren Vergangenheit noch die Gegenwart bsonders ist. Die Berge immerhin haben die Grausamkeiten von gestern überlebt; die Landschaft wird so wohl auch noch „die paar“ Seilbahnen und Einkaufszentren überdauern. Heimat ist, wo die Stubn ist. Auch wenn es die elterliche seiner Kindheit nicht mehr gibt, was wäre für Georg Ringsgwandl typischer als eine Stubenoper zu schreiben? „Der varreckte Hof“ ist nun im KosmosTheater.

Für Nichtauskenner in der Dialektik: Varreckt meint nicht nur das Hingeschiedene, sondern vor allem auch verdammt im Sinne von vermaledeit. Keine Idylle nirgendwo. Was ungefähr schon die Handlung ist. Die Weichsenriederin wird wunderlich, jedenfalls tut sie immer dann dement, wenn ihr was nicht in den Kram passt. Kinder nebst Schwiegersohn sind, was Pflege betrifft, bedürftig, heißt: unwillig bis überfordert. Eine exjugoslawisch-billige Haushaltssklavin muss her, im KosmosTheater sind’s zwei, um der Mutter beizustehen. Doch die hat mit dem vom Verfall bedrohten Hof bald eigene Pläne. Ein Stoff von quasi Schönherr’scher Dramatik im anarcho-alpenländischen Ringsgwandl-Sound.

Regisseurin Dora Schneider, die gemeinsam mit „Weichsenriederin“ Linde Prelog den Text vom Bayrischen ins Österreichische übertragen hat, hat sich außer den ausgezeichneten Schauspielern Emese Fáy als Tochter Gerlinde, Thomas Richter als Schwiegersohn Günter und Peter Bocek als Sohn Rupert das Duo Catch-Pop String-Strong auf die Bühne geholt. Rina Kaçinari und Jelena Popržan sind Ivanka und Svetlana – und für den Groove zuständig. Für Gstanzlblues und Polkajazz. Vom Violoncello bis zur Maultrommel wird auf allem musiziert, was man schlagen und zupfen kann, mehr als ein halbes Dutzend Instrumente, inklusive Thomas Richter an der Gitarre. Lieblingsgerät ist ein kunterbuntes Kinderxylophon. Gesungen wird sowieso. Der Titelsong als langsamer Walzer, ein Ratznlied mit Banjo und Jodeljaulen, der Arbeitsviech-Tango: „Sie reden mit dir am Gemeindeamt, als wärst du aus einem Entwicklungsland.“

Der Staffabrucker Punk und Poet und Philosoph hat ins Volksmusikalische tiefe Einsichten über die hierzulandische Leut’seligkeit gepackt. Anders als dem Günter geht ihm nicht Friede vor Wahrheit, diesem einzig echten Volksrock’n’roller, der eben dieser Mentalität aufs Maul schaut, bis er ihr eins draufgeben kann. Der Gspaß ist garstig. Ein Grabgesang aufs Bauernsterben. Ganz tief drin steckt da auch ein Landeshauptmann, der, weil ihm keiner die Flüchtlingsfrage beantworten kann, seine Politik zum Glück eh nicht ändern muss. Wozu also nachdenken, ob seine Kernwähler, die Brüsselprotestierer … da ist schon so viel Milch verschüttet, das geht auf keine Kuhhaut mehr, da kann man sich, was man so hört, in Oberösterreich demnächst schwarzblau ärgern. Dora Schneider inszeniert hinterlistig, mit sehr viel Sinn für Hintersinn. Zwischen bauernmalerischer Kredenz und kruzifixbefreitem Herrgottswinkel (Ausstattung: Claudia Vallant) fährt sie Momente auf, die so bedrückend, beängstigend, so beklemmend sind, dass sie direkt ins Herz beißen. Ringsgwandl, der Arzt, weiß, wo es weh tut, und Schneider legt den Finger in die gesellschaftliche Wunde.

„Unsere Errungenschaften sind die Liebe zu Allergien, die Umwelt- und Verarmungsangst sowie eine gewisse Unschlüssigkeit im Umgang mit Amokschützen und Neonazis“, ist ein Satz des großen Kabarettisten. Um den herum ist die Stubenoper gebaut. Und um die zwei Bedeutungen von Buckeln. Allein aufm Rücken Schweres (er)tragen oder wem andern in dessen verlängerten kriechen. Emese Fáy ist eine prächtige Filia Dolorosa, eine vom Leben aus der Kurve getragene Handarbeitslehrerin im Häkeloutift, die aus Frust Sachen kauft, um die man sich nichts kaufen kann, unfähig sich die Namen der Heimhilfen zu merken, aber gleichsam eifersüchtig auf deren gutes Verhältnis zur Mutter. Ihr Ehemann, Thomas Richter, Naturschutzbeamter im Burnout, ist ein ebenbürtiges Pendant. Zwei Alternative ohne Alternativen. Denen Mamas Liebling, der Industriemanager, ein Dorn im Auge ist. Peter Bocek gestaltet diesen Rupert als Fall-Studie, er wird nämlich vom Arbeitsplatz rationalisiert, als Allesschönreder. Grundlos, da hat einer keinen Bezug zum Boden, was, das kennt man von der Mühlviertler Verwandtschaft, für eine Bäuerin, die ihr Blut hineinvergossen hat, an ihrer Brut das Schlimmste ist. Wehleidig sind sie alle drei. Was ihnen wirklich fremd ist, sind sie selbst. Was wiederum der Ivanka und der Svetlana wurscht ist. Man steht über Kleinkriegen, wenn man aus einer Krisenregion kommt.

Apropos, steht über: Über dieses geniale Quintett triumphiert Linde Prelog als Mutter Weichsenrieder. Etwas zu schreiben über Naturgewalt oder originell Original sein, ist schon falsch, weil die Prelog ihre Aufgabe mit extremer Künstlerischkeit angeht. Sie rockt das Haus. Ist schreckliche Unheilsprophetin und personifizierte Alterssturheit und ein messerschmidt’sches Verschmitztgesicht. Auf den Stock gestützt, auf der Suche nach dem Nachtscherm, nur die musikalische Begegnung mit ihrem Buben kann ihr noch holde Töne entlocken, geht sie ihrem Ende entgegen, wie der alte Hofhund, von dem sie singt, der in Erinnerung an bessere Tage den Halbmond anheult. „Da Hof is gschlampat, i bin geschlampat, de Kiah und draus des Gros is gschlampat.“ Es ist in Wahrheit nicht zum Aushalten. Dabei will die Weichsenriederin nur eins: „dass’ weida geht“, Handbewegung Schwangerschaftsbauch. Und wenn’s der von der Ivanka unter Mitarbeit vom Rupert ist. Ein Stammhalter vom wurmigen Apfel.

Ob ihr diese und andere Wünsche in Erfüllung gehen werden, lassen Ringsgwandl und Schneider im Ungewissen. Gewiss ist, dass es rund geht im KosmosTheater: Musiktheater mit Message, hin- und mitreißend.

www.kosmostheater.at

Wien, 15. 10. 2015