Burgtheater: Die Troerinnen

April 24, 2022 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Krieg. Macht. Sex.

Hekabe unterm Totenreigen ihrer Kinder: Sylvie Rohrer. Bild: © Susanne Hassler-Smith

„Es ist schwer zu sagen, welchen Platz die Kunst in dieser Zeit einnehmen kann und soll“, sagt Adena Jacobs im Interview. „Denn was sind schon Metaphern, wenn es ganz in unserer Nähe Realität ist?“ Worauf sich die queer-feministische australische Regisseurin bezieht, ist der Ukraine-Krieg, der mitten in ihrer Probearbeit von Russland provoziert wurde. Die Gräuel- taten an der Zivilbevölkerung, die Vergewaltigungen durch Putins Soldaten, die toxische

Männlichkeit – als das macht „Die Troerinnen“ nicht zum „Stück der Stunde“, sondern zeigt die seit zweieinhalb Jahrtausenden gleiche, penisgesteuerte Logik der Schlacht / des Abschlachtens und den weiblichen Überlebenskampf darin. Das Archetypische so aktuell, das Blut könnte einem gefrieren …

Gestern hatten „Die Troerinnen“ am Burgtheater Premiere, und Jacobs, die damit ihr Debüt im deutschsprachigen Raum gibt, begnügt sich nicht mit Euripides, sie fügt Textstellen von Ovid und Seneca hinzu, und sehr viel Jane M. Griffiths. Etwa die Hälfte der Fassung stammt von der australischen Dramatikerin, mit der Jacobs seit vielen Jahren zusammenarbeitet. Ins Deutsche übertragen und mit einem verknappten und daher umso expressiveren, hochpoetischen Stil versehen wurde dieser Korpus schließlich von der Wiener Dramatikerin Gerhild Steinbuch. Ergebnis: Ein grandioses Stück, aus dem alle männlichen Figuren und deren mythologische Heldensaga entfernt wurden. Erzählt wird aus rein weiblicher Sicht, Jacobs zeigt das Innerste von Frauen am Ende ihrer Zivilisation – „Kein Unterschied mehr zwischen Zorn und Trauer“, heißt es bei Ovid – mit den vier Protagonistinnen Hekabe, Kassandra, Andromache und Helena im Mittelpunkt, mit einem Frauenchor samt Chorführerin.

Da stehen sie vor der zerstörten Stadt, die Vertreterinnen der Staatselite, auf die nun die Sklaverei wartet, auf nichts als ihre nackten Körper zurückgeworfen (Nude-Bodysuits mit metallenen Wirbelsäulen, die aus dem „Fleisch“ klaffen), ihre kahlgeschorenen Köpfe angefüllt mit Erinnerungen und Visionen, mit wütendem Schmerz, versehrt, gezeichnet, klagend. Mit einem Gedanken bei ihren Toten, mit dem anderen im Diesseits Halt suchend, um ihren Peinigern die Augen herauszureißen, mäandernd von Ohnmacht zu Raserei zu Verzweiflung. Hekabe geht als Sklavin an Odysseus, Kassandra wird ins Bett des Agamemnon gezwungen, Andromaches Los heißt Sexdienerin bei Achills Sohn Neoptolemos, Helena muss als Hure gebrandmarkt zurück zu Menelaos.

Sabine Haupt als Andromache. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Patrycia Ziółkowska als Helena. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Sylvie Rohrer als Hekabe. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Jubel und Applaus am Ende des 135-minütigen Abend waren überbordend. Sowohl für die Schauspielerinnen, Sylvie Rohrer als Königin, Lilith Häßle als Tochter und Seherin, Sabine Haupt als Hektors Gattin und Schwiegertochter, Patrycia Ziółkowska als Auserwählte des Paris, den Chor mit Chorführerin Safira Robens, als auch für das Leading Team, Adena Jacobs sowie ihre Szenikerin und Ausstatterin Eugyeene Teh, Videodesigner Tobias Jonas und Choreografin Melanie Lane, die dem Albtraum eine äußere Form gaben.

Bildgewaltig und in ihrer Wuchtigkeit brutal ist diese Aufführung, mit Leibern, die von oben aufgenommen und ins Bühnenschwarz projiziert wie Halluzinationen wirken. Da können Körper wie durch Magie fliegen, oder die Hauptdarstellerinnen lösen sich aus einem Schleier durchscheinender Figuren. Das Neben- und Übereinander von Live-Spiel und Projektionen ergibt ein optisch und akustisch (die Kompositionen von Max Lyandvert klingen nach Kriegsmaschinerie, Feuersbrunst, Pferdetrampeln und manchmal auch elegisch) einprägsames Gesamtkunstwerk mit starker Sogwirkung. Das seine Kraft gerade aus der Langsamkeit und der Statik der Szenen zieht.

Welch wundersam raunende Stimmen hier zum Publikum sprechen. Allen voran die Rohrer mit ihrem dunklen Timbre – auf jede der vier Frauen ist eine von Ritualen durchsetzte Episode zugeschrieben, fragmentarisch ausgebreitete Psychogramme, die einen umso näher an die Universalität der Schicksale heranführen -, Rohrer, die sich vom schwer geatmeten Stammeln „Troja … nicht mehr … Königin“ in einen Wortblutrausch der Rache steigert. Sie gibt sich die Schuld an der Geburt des Paris „Er war das Feuer … War die Fackel … Ich habe die Fackel geboren“, eine Anklage, in der die Hilflosigkeit des Augenblicks überdeutlich wird.

Patrycia Ziółkowska inmitten der fantastischen Projektionen. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Der Chor in Abendkleidern vor dem ausgebrannten, plattreifigen Bus. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Der Chor in den Nude-Bodysuites, in der Mitte: Safira Robens. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Lilith Häßle als geschändete Kassandra (li.) und Sylvie Rohrer. Bild: © Susanne Hassler-Smith

So wie Gebär-Mutter Hekabe in einem zum Geburtsstuhl umfunktioniertem Bürosessel sitzt, so wird Sabine Haupt als Andromache vor einem Brutkasten stehen, eben noch die blutigen Überreste ihres von den Zinnen Trojas geschleuderten Sohnes Astyanax bergend, kann sie keine Nabelschnur-Verbindung zum Kind ihrer Schändung herstellen. Es gehört zu den quälendsten Szenen, wenn sie immerfort wiederholt: „Ich bin Andromache.“ Eine Selbstvergewisserung in Zeiten der von Jacobs stilisierten Entmenschlichung. Jacobs holt derlei moderne Versatzstücke ins Spiel, nicht immer enträtselt sich deren Bedeutung auf den ersten Blick, was auch für die Video-Closeups gilt, schaumig-blutige, ekelerregende Bilder, die Kassandra und Helena heimsuchen.

Und während Andromache das Frauenlos anspricht „für uns gibt es immer etwas zu fürchten“, von ihrem durch Neoptolemos gezeugtem neuen „Sohn“ berichtet: „Sie sagen, du gewöhnst dich an alles …“ und in einem grausigen Zeremoniell mit Großmutter Hekabe dessen Herz zerstückelt und frisst, wird Lilith Häßle als Kassandra ihre Vergewaltigung schildern – vom Gott wie vom Mann, von Apollo wie von Ajax: „Nein sag ich … sage Nein … Bitte sag ich … Und er spuckt mir in den Mund …“ – dazu Bilder von Lippen, von denen (Körper-?)Flüssigkeiten tropfen. Und längst wünscht man sich die Heerscharen herbei, Schildjungfern, Amazonen, Wonder Woman, Widerstand!, die Partisaninnen, die an verborgener Front kämpften, um das Dritte Reich zu Fall zu bringen.

Jedoch, oì oì moi, derlei Querverweise stellt Jacobs nicht her, bei ihr bleibt die Frau die Dulderin, die Leidende, die immer Gebende, der auch noch das Letzte genommen wird. Selbst als die Frauen in Alltagskleidung aus einem ausgebrannten, zerschossenen Bus klettern, Flüchtlinge, die nicht durch die ihnen verwehrten „humanitären Korridore“ kommen, das reifenplatte Gefährt später in Abendroben umrunden, bleiben sie der passive Teil ihrer selbst. Wenige sind es, die sich wehren, die töten – auch sich selbst.

Immer wieder Gegenwartsbezug: Safira Robens als Chorführerin. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Vergewaltigt von Apollo und Ajax: Lilith Häßle als Kassandra. Bild: © Susanne Hassler-Smith

Die Gebär-Mutter: Sylvie Rohrer als Hekabe mit ihrem jüngsten Sohn Polydoros. Bild: © S. Hassler-Smith

Hekabe einmal mehr, die Polymestor, den Mörder ihres Sohnes Polydoros, die Augen auskratzen wird, Polyxena, die sich auf Achills Grab selbst richtet, worauf ihre Bestimmung an Kassandra weitergereicht wird. Als diese wird Häßle vom Chor mit einem O-Mund, wie ihn Sexpuppen haben, empfangen – und der Satz, der die Prophetin, der niemand Glauben schenkte, und Kriegsauslöserin Helena eint, lautet: „ Jetzt bin ich … der Tod geworden.“

„Es gibt tausend Helenas“, rechtfertigt sich als diese Burgtheater-Gast Patrycia Ziółkowska, die auch mit außerordentlicher Körperlichkeit besticht, und allerlei vom Beischlaf mit Paris beizufügen hat. „Das Blut in deinen Genitalien … schwillt an, entzündet … Sie sind die Fackel, die Männer in die Knie zwingt, die die Stadt in Schutt und Asche legt“.  Krieg macht Sex, befindet sie. In ihrem Rotgold changierendem Kleid verteidigt die Schöne die Lust. Orgiastisch erfüllt sinkt sie nieder, wenn sie an den Akt mit dem Trojaner denkt: „Heißer Atem … Finger in mir.“  Doch wird auch sie bald nackt dastehen. Dazu wimmert der Chor, der bei Jacobs kein Antagonist ist, keine Erzählerinnenfunktion erfüllt, sondern zumeist stiller Jammer bleibt. Mitunter in einer grell ausgeleuchteten Box stehend zeigt sich ihr Leid im Breitbildformat.

Am Ende des Krieges also sind es die Frauen, die ihre Männer, Kinder, Würde und ja, auch Macht verloren haben und irgendwo an einem Nicht-Ort des Ausharrens, einem von Teh fluide gestaltetem Limbus, in dem die Vergangenheit unwiederbringlich verloren und die Zukunft mehr als ungewiss ist, ihre Gefühle ordnen. Adena Jacobs hat „Die Troerinnen“ bis aufs Gerippe dekonstruiert, um das Stück mit neuen Textfragmenten und schmerzhaft starken Bildern, heißt: einer Ästhetik des Grauens neu zusammenzusetzen. Die Premiere am Samstagabend traf jedenfalls ins Mark. Ein Theaterabend, der noch lange in einem nachhallt …

www.burgtheater.at

  1. 4. 2022

Das neue Wiener Künstlerkollektiv: DARUM im Gespräch über die erste Produktion „Ungebetene Gäste“

März 15, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

„Unsere Ideen passen nicht in Theaterräume“

Victoria Halper, Kai Krösche und Laura Andreß. Bild: DARUM

Mit der Spurensuche „Ungebetene Gäste“ startet das neu gegründete Kollektiv „DARUM. Darstellende Kunst und Musik“ am 24. März seine künstlerische Arbeit. Das Kernteam Laura Andreß, Victoria Halper und Kai Krösche, das in sich das Know-How zahlreicher Disziplinen, darunter Film- und Theaterregie, Dramaturgie, Musik, Literatur, Video- und Medienkunst, Schauspiel und Performance, vereint,

beschäftigt sich dabei mit den „einsamen Begräbnissen“, heißt: Bestattungen, die ohne die Anwesenheit Angehöriger stattfinden. In fünf einmalig zur Aufführung gebrachten Vorstellungen, beginnend im WERK X-Petersplatz, über eine Busfahrt durch Wien vom Zentrum zum Zentralfriedhof bis zu einem „Leichenschmaus“, wird dem Leben und Ableben dieser Menschen nachgegangen. DARUM im Gespräch:

MM: Ihr Kollektiv „DARUM. Darstellende Kunst und Musik“ begibt sich ganz neu in die Wiener Kunst- und Kulturszene. Wie und warum kam es zur Gründung?

Kai Krösche: Wir drei kennen einander seit Jahren aus verschiedensten Arbeitskontexten, arbeiten aber im Rahmen von „Ungebetene Gäste“ erstmals als Kollektiv auf Augenhöhe. Zuletzt waren wir alle an dem Punkt, wo wir vom klassischen Stadttheater genug hatten, und dachten, da muss was Neues her.

Laura Andreß: Ich habe die vergangenen beiden Jahre in Berlin verbracht und mein Masterstudium in Dramaturgie an der Ernst-Busch-Schauspielschule absolviert. Ich komme also frisch aus dem Studium, und mir war von Anfang an klar, dass es mich in die Freie Szene verschlägt und wieder zurück nach Wien. So hat das eine zum anderen geführt, so ist DARUM entstanden.

MM: Wo sind Ihre Schnittmengen und Schnittstellen, was bringt jeder von Ihnen ins Kollektiv ein?

Victoria Halper: Ich habe Schauspiel und Theaterwissenschaft in Toronto studiert, habe im Studium auch Regie gemacht und kollektives und kollaboratives Arbeiten. Ich komme einerseits vom Selber-Spielen und -Performen, andererseits von der Stückentwicklung, vom Inszenieren – und auch von der Videokunst.

Krösche: Ich habe lange Jahre Regie gemacht, bin dann zur Dramaturgie ans Landestheater Niederösterreich gewechselt, habe aber auch im Filmbereich gearbeitet und konzentriere mich nun wieder aufs Inszenieren, in letzter Zeit auch verstärkt auf Theatermusik.

Andreß: Vielleicht sollte man generell sagen, dass wir sehr unklassisch arbeiten. Es gibt bei uns keine festgeschriebenen Aufgabenbereiche, heißt: einer ist der Bühnenbildner, weil er da eine Ausbildung abgeschlossen hat, sondern wir bringen alle sehr unterschiedliche Fähigkeiten und Kompetenzen ein, die sich zum Teil überschneiden. Was gerade das Spannende ist, weil wir die Berufszuordnungen kritisch betrachten und reflektieren. Bei uns ist nichts in Stein gemeißelt.

Halper: Ein simples Beispiel: Laura macht ein Foto für Instagram, ich bearbeite es nach, und Kai schreibt den Text dazu. Oder Kai macht ein Foto, Laura bearbeitet es nach, und ich schreibe den Text dazu.

Andreß: Genau, von einem kommt der Input, vom nächsten das Feedback, vom dritten der Draft. Immer der nächste macht sich die bisherigen Überlegungen zu eigen und arbeitet weiter daran. Eins greift ins andere über.

MM: Soweit zu Ihrer Arbeitsweise, nun zum künstlerischen Output. Es herrscht in Wien kein Mangel an Freier Szene. Was ist das Alleinstellungsmerkmal von DARUM? Wie unterscheiden sich Ihre Projekte von anderen? Welcher künstlerischen Sprache bedienen Sie sich?

Krösche: Es ist immer schwierig, etwas zu machen, das noch nie jemand anderer gemacht hat. Das würde ich von uns auch nicht behaupten. Was uns interessiert, ist ein sehr buntes Bild, aber nicht im Sinne von farbenprächtig, sondern eher von allumfassend. Wir denken die Dinge sehr groß. Das ist es auch, was uns gerade ordentlich Stress beschert, weil die Produktion, an der wir arbeiten über drei Stunden geht, und nicht nur im Theater stattfinden wird, sondern ins Freie geht. Unsere Ausstatterin Julia Grevenkamp baut nebem vielen anderem eine kleine, naturalistische Wohnung auf, es gibt Musik und Videokunst im Rahmen einer begehbaren Installation, es gibt dann eine Busfahrt, die zum Zentralfriedhof geht … Wir haben den Wunsch, das Publikum sehr stark einzubeziehen in die Thematik, mit der sich unser Projekt beschäftigt, mit allen künstlerischen Mitteln sozusagen. Dieses Bedürfnis nach einem „totalen Theater“ ist es vielleicht, das uns auszeichnet – das Alleinstellungsmerkmal.

Andreß: Das Zusammenspiel der verschiedenen Disziplinen oder Genres, das Zusammenspiel der Orte, gehören da dazu. Wir entlassen das Publikum in eine ganze Welt, in der es für alle Sinne etwas zu entdecken und zu erleben gibt. Und dabei hat das Publikum jede Freiheit.

MM: Wir sprechen nun schon die längste Zeit über „Ungebetene Gäste“, die erste Produktion des Kollektivs DARUM. Eine Spurensuche zum Sterben ab dem 24. März. Wie kommt man darauf, dass man sich zu Anfang gleich mit dem Ende beschäftigt?

Krösche: Das Ende ist zu uns gekommen. Wir haben heute erst gesagt, der Tod ist uns immer einen Schritt voraus, wir können nämlich unsere Generalprobe auf dem Zentralfriedhof nicht im vorgesehenen Raum absolvieren, weil da an dem Tag ein Ehrenbegräbnis stattfindet. Begonnen hat’s vor mehr als einem Jahr mit einem Zeitungsartikel über das Phänomen der „einsamen Begräbnisse“, also Begräbnisse, bei denen keinerlei Angehörige oder Bekannte anwesend sind. Das sind meist Sozialbegräbnisse, da zahlt die Stadt Wien dafür, und von diesen über 1000 Sozialbegräbnissen sind es im Jahr doch immerhin 500, die ohne Trauergäste stattfinden. Das ist mehr als eines pro Tag – und wir wollten wissen, warum das so ist und wie das ist, wenn der Prozess des Verabschiedens und des Erinnerns einfach nicht stattfindet. Auf dieses Vergessen-Sein wollten wir künstlerisch reagieren.

Victoria Halper und Nora Jacobs. Bild: DARUM

Laura Andreß. Bild: DARUM

MM: Wie?

Krösche: Wir haben konkrete Fälle recherchiert, und relativ schnell festgestellt, dass das Projekt gar nicht so viel mit dem Tod, sondern viel mehr mit dem Leben zu tun hat. Weil man auf Spuren trifft, auf Menschen, die die verstorbene Person doch kannten, teilweise erstaunt waren, weil sie vom Begräbnis gar nichts wussten, weil dieser Termin nie an sie kommuniziert wurde. Einsam begraben werden, heißt nicht unbedingt, einsam gelebt zu haben.

Halper: Ich glaube, es ist immer ein gutes Zeichen, wenn man einen Artikel liest und der etwas in einem auslöst. Einen Schock, ein unangenehmes Gefühl, eine Frage. Die bei mir war, warum diese einsamen Begräbnisse entstehen. Wir werden das an unserem Abend nicht beantworten, aber unter die Lupe nehmen. Das ist für mich Kunst, dass wir uns mit etwas auseinandersetzen, mit dem wir im Alltag nicht konfrontiert werden wollen – in diesem Falle Menschen, bei deren Begräbnis niemand mehr erscheint.

Andreß: Da hinzusehen hat etwas Voyeuristisches, aber auch etwas Masochistisches. Zeitgleich deutet der Titel auch auf die Ungebetenheit unseres Unterfangens an. Denn wozu werden wir als freischaffende Künstler denn gebeten? Wie Sie richtig sagten, es gibt genug Freie Szene – nur leider viel zu wenig Geld. In einer Art und Weise sind wir freien Kunstschaffenden ja immer ungebetene Gäste.

MM: Wie wird die szenische Umsetzung sein?

Halper: Der Abend ist geprägt von sehr vielen Traditionen der Darstellenden Kunst. Wir starten im WERK X-Petersplatz, unserem Kooperationspartner, und enden am Stadtrand von Wien. Es gibt performative Installationen, aber auch Elemente, die Richtung immersives Theater gehen. Es passiert Videokunst, es gibt Audiowalks, die fast für sich alleine stehen könnten …

Andreß: Es fällt uns selbst schwer, das Projekt einem eindeutigen Genre zuzuordnen. Es ist eine künstlerisch gestaltete Reise, das drückt es vielleicht am besten aus. Wir agieren wie Zeremonienmeister. Wir begleiten das Publikum auf seiner eigenen Reise. Wir stellen den Zuschauern all die erwähnten Mittel zur Verfügung, damit sie dann für sich diese Welt erkunden können.

MM: Sie drei performen selbst, und haben als Gast Nora Jacobs dabei.

Halper: Ja, wobei wir den Einsatz eines jeden von uns an dessen jeweilige Stärken angeglichen haben. Wir haben keine Figur, keine Rolle, sondern eine Position, die einem entgegenkommt. Nora zum Beispiel ist eine sehr interaktive Spielerin. Sie bekommt zwar ein Skript, wird aber individuell auf die Bedürfnisse jedes Zuschauers eingehen. Meine Station ist ein bisschen mehr abgeschottet und performativ, Kai seinerseits hat sehr viel mit Text zu tun.

MM: Interaktiv meint, als Zuschauer ist man Teil des Ganzen?

Krösche: Nicht im Sinne des gefürchteten Mitmach-Theaters, man darf komplett man selbst bleiben. Die Zuschauer sollten sich aber schon herumbewegen, weil sie sonst nichts erfahren …

Halper: … aber der Grad, indem man interagiert, bleibt einem selbst überlassen. Man wird nicht angepiekst, rausgezerrt, in den Mittelpunkt gestellt. Ein Dialog mit Nora kann losgehen, muss aber nicht.

Krösche: Wir möchten das Publikum dazu animieren, auf eine eigene Spurensuche zu gehen. Und wer eine spielerische Veranlagung hat, kann mitmachen, wenn sich jemand lieber in Ruhe ein Video anschaut, ist das auch okay.

Andreß: Wir arbeiten sehr viel über Imagination und Denkräume. Das heißt, das Publikum wird erleben, was es erleben möchte.

MM: Sie weisen die Spieltermine von „Ungebetene Gäste“ als fünf Premieren aus. Warum?

Halper: Weil sich jeder Tag einem anderen real verstorbenen Menschen widmet. Die Dramaturgie bleibt immer gleich, ein Großteil der anderen künstlerischen Elemente – Sound, Musik, Video, Texte – sind maßgeschneidert auf den jeweiligen Menschen.

Krösche: Dazu muss man sagen, dass unsere Recherche damit begonnen hat, dass wir auf einsame Begräbnisse gegangen sind. Um herauszufinden, wer diese Menschen waren, haben wir an Wohnungstüren geklopft, haben mit Nachbarn gesprochen und haben sehr viel über die einzelnen Schicksale herausgefunden. Das geht von der Mindestpensionistin, die auch noch Freunde hatte und ein gutes Verhältnis zu ihren Nachbarn, bis zum ehemaligen Obdachlosen, der gerade erst eine Wohnung bezogen hatte und darin verstorben ist. Nach diesen Eindrücken war uns klar, das kann man nicht alles in eins pressen. Daher fünf Premieren, weil alle Elemente eines Abends von einer konkreten Person inspiriert sind.

MM: Heißt: fünf Mal Videokunst, fünf Mal Musik …? Klingt, als wären Sie gut beschäftigt.

Krösche: Ja! Natürlich haben wir eine Grundstruktur, die gleich bleibt, aber es gibt andere Inhalte, andere Texte, andere Videos …

Halper: … andere Spuren, auf die man sich begibt.

Andreß: Außerdem steuert zu jeder Premiere ein anderer Autor einen Text bei. Und zwar Emre Akal, Mario Schlembach, Alexandra Pâzgu, Andrea Imler und Thomas Perle.

MM: Das Ganze endet, wie es sich gehört, in einem Leichenschmaus?

Krösche: Wir wollen’s noch nicht ganz verraten. Aber es gibt Essen und Getränke am Ende. Auch Alkohol.

MM: Ein kleiner Ausblick: In welcher Frequenz können Sie sich Produktionen vorstellen? Werden Sie es zum Programm machen, ungewöhnliche Spielorte oder solche, die bisher noch keine waren, auszuwählen?

Halper: Dieses Projekt hat noch ein Echo, eine Lecture Performance, die ab dem 17. Juni im WERK X-Petersplatz zu sehen sein wird. Da wird aus unseren Erfahrungen und der Recherche ein Abend konzipiert, der sich dem Phänomen „einsamer Begräbnisse“ allgemeiner widmet, derzeit aber natürlich erstmal noch eine grobe Idee ist.

Andreß: Ansonsten hängt die Frequenz von den Fördergeldern ab. Wir haben bereits zwei weitere Anträge für Projekte eingereicht, von denen wir bei entsprechender Subvention eines im Herbst realisieren möchten.

Krösche: Ebenfalls an einem Nicht-Theaterort. Unsere Ideen passen nicht in Theaterräume. Manchmal kann eine alte Fabrikhalle spannender sein und zum Projekt besser passen. Wir wollen bei unseren Produktionen, dass auch der Spielort etwas mit einem macht.

Bild: DARUM

MM: Da nun schon von Subvention die Rede war: Für „Ungebetene Gäste“ gibt es Geld von SHIFT, einem Programm der Basis.Kultur, und vom Kulturamt der Stadt Wien.

Krösche: Darüber freuen wir uns natürlich wahnsinnig. Es ermöglicht uns, das Projekt in dieser Größe, sowohl zentral wie auch dezentral an verschiedensten Orten in Wien mit einem Team von über 20 Leuten umsetzen und auch die erwähnte Lecture Performance im Juni häufiger zu spielen.

 MM: Zum Schluss gefragt: Was sollen die Zuschauer von „Ungebetene Gäste“ mitbringen.

Krösche: Neugier vor allem, und was das Praktische betrifft, wetterfeste und nach Möglichkeit dunkle Kleidung und Schuhe, mit denen sich gut gehen lässt.

Halper: Außer, jemand bewältigt den Zentralfriedhof in Stilettos.

www.darum.at          Karten online: werk-x.at

15. 3. 2019

10 Jahre Theater a.d. Wien: José Carreras singt „El Juez“

September 22, 2015 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

„Dreigroschenoper“ mit Angelika Kirchschlager und Tobias Moretti, Nikolaus Harnoncourt dirigiert „Fidelio“

Bild: Theater an der Wien

Bild: Theater an der Wien

Im Jänner 2016 feiert das Theater an der Wien mit drei hochkarätig besetzten Opernaufführungen sein zehnjähriges Bestehen als Opernhaus. Intendant Roland Geyer präsentierte am Dienstag das Programm: Den Auftakt macht die Premiere von Bert Brechts und Kurt Weills „Die Dreigroschenoper“ am 13. Jänner in einer Inszenierung von Keith Warner mit Tobias Moretti als Mackie Messer, Angelika Kirchschlager und Florian Boesch als Ehepaar Peachum und Anne Sofie von Otter als Spelunkenjenny. Es folgen zwei Festkonzerte: Am 17. Jänner steht Beethovens „Fidelio“ unter der musikalischen Leitung von Nikolaus Harnoncourt mit seinem Concentus Musicus Wien und den Solisten Michael Schade, Juliane Banse und Anna Prohaska auf dem Jubiläumsspielplan. Mozarts Oper „Idomeneo“ gelangt am 22. Jänner unter der musikalischen Leitung von René Jacobs mit dem Freiburger Barockorchester zur Aufführung.

Mit einem außergewöhnlichen szenischen Sonderprojekt, der Oper „El Juez“ von Christian Kolonovits mit Opernsuperstar José Carreras in der Titelpartie, wird der Jubiläumsspielplan des Theater an der Wien am 2. und 5. Juli 2016 erweitert. Kolonovits behandelt in seiner Oper ein dunkles Kapitel spanischer Geschichte: Zur Zeit der Franco-Diktatur wurden nicht regimetreuen Eltern ihre Kinder weggenommen, um sie in Klöstern und anderen Einrichtungen umzuerziehen. Die Kirche, die federführend an der Entführung der Kinder beteiligt war, weigert sich bis heute, Aufzeichnungen und Informationen über die wahre Identität der „verlorenen Kinder“ preiszugeben – ein Konflikt, der die spanische Gesellschaft immer noch spaltet. Zwei Jahre war Kolonovits mit der Komposition seiner Oper beschäftigt, in der er mit der Librettistin Angelika Messner der Frage nach Recht und Unrecht und nach persönlicher Entscheidungsfreiheit nachgeht. Die bejubelte Uraufführung von „El Juez“ fand im April 2014 in Bilbao statt.

Die Rolle des Richters Federico Ribas wurde José Carreras, der mit ihr nach achtjähriger Absenz auf die Opernbühne zurückkehrte, auf den Leib geschrieben: „Meine Familie war stets gegen General Franco. Sie waren Republikaner und alles andere als rechts gerichtet. Zu Hause hörte ich meinen Vater und meinen Großvater über den Krieg sprechen und wie es in der Zeit vor Franco war. Deshalb ist dieses Thema so wichtig für mich“, sagt Carreras im Pressegespräch und erklärt über seine Rolle: „,El Juez‘ ist zwar eine zeitgenössische Oper, sie ist aber alles andere als atonal – es gibt wundervolle Melodien zu singen, Soli und Duette, und tolle Szenen zu spielen. Ich bin überglücklich, dass ich in ‚meinem‘ Wien in dieser Oper auf der Bühne stehen kann!“

Der Kartenverkauf für „El Juez“ startet am 22. September um 12 Uhr an der Tageskasse des Theater an der Wien, zeitgleich mit dem Onlineverkauf auf der Website

www.theater-wien.at

„El Juez“ zum Reinhören: Premiere im Mariinsky: www.youtube.com/watch?v=GWQ8Osqcmbs

Wien, 22. 9. 2015