Circus Roncalli: Storyteller. Gestern – Heute – Morgen

Oktober 6, 2018 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Poesie der Clownerie

Paolo Carillon erzählt eine poetische Eisenbahngeschichte. Bild: Circus Roncalli

Roncalli, das ist Gesamtkunstwerk auf dem Rathausplatz, das sind Fantasiewesen und skurrile Geschöpfe, die das Publikum schon lange vor dem Einlass abholen und in ihre Welt entführen, das ist der Kindheitsgeruch nach Zuckerwatte und gebrannten Mandeln. Roncalli, das sind die Clowns, die Pierrots, die Colombinen, die dummen Augusts, sie wie immer das Herz der Show.

Die einzige „Tiernummer“: eine Hommage an die Elefanten Footit & Chocolat. Bild: Circus Roncalli

Anatoli Akermann und Eddy Neumann crashen sich durch die Zirkusshow. Bild. Circus Roncalli

„Storyteller. Gestern – Heute – Morgen“ heißt die, die Roncalli-Gründer Bernhard Paul für die diesjährige Tournee seines Circus erdacht hat, und bis man endlich drinnen ist im Zelt, ist man dort längst angekommen, längst verzaubert, längst im Zirkusfieber. Minutenlang werden die Artisten schon anfangs mit Applaus bedacht. Für das hochkarätige Programm, durch das Weißclown-Conférencier Gensi und seine Kollegen Anatoli Akerman und Eddy Neumann, die sich mit ihrer spaßigen Art durch die Nummern crashen, führen, hat Bernhard Paul sich wieder einmal neu erfunden. Die Nostalgie früherer Shows ist natürlich da, das Sentiment und die leise Melancholie gehören zur Roncalli-Melange. Etwa, wenn Paolo Carillon und seine verrückten Maschinen – für seine neue Nummer trägt er einen dampfenden Lokomotivzylinder – jede harte Realität weichzeichnen. Oder Hamza Benini und Moustapha Niasse, die mit ihrer Hommage an Footit & Chocolat die einzige „Tiernummer“ im Programm sind.

Quincy Azzario ist die „Sharon Stone der Handstandkünste“. Bild: Circus Roncalli

Vivian Paul und Natalia Rossis sind die Queens of Baroque. Bild: Circus Roncalli

Doch auch diesmal sorgen viele junge, schon vielfach preisgekrönte Artisten mit ihren temperamentvollen Nummern für Tempo und modernes Flair. Schauen heißt Staunen, und Stimmung ist vom ersten Moment an. Neben der Poesie der Bilder besticht auch die akrobatische Leistung. Sehen Sie, was Sie noch nie gesehen haben! Etliche Darbietungen in dieser Form tatsächlich zum ersten Mal. Wie Quincy Azzario, die „Sharon Stone der Handstandkünste“, die gemeinsam mit ihrer Schwester bereits einen silbernen Clown in Monte Carlo gewann. Bei ihrer Solo-Darbietung begeistert die junge Akrobatin nun mit Trickfolgen, die nur ein sehr kleiner Kreis an Künstlern beherrscht. Von Anstrengung keine Spur, ebenso wie bei den Cedeños Brothers, die bei ihren beiden Auftritten die Schwerkraft aushebeln. Als Highlight fliegen die vier einmalig auf der Welt die „ikarische Passage“.

Die Cedeños Brothers hebeln bei der „ikarischen Passage“ die Schwerkraft aus. Bild: Circus Ronalli

Biegsame Grazien: die Bello Sisters bilden lebende Statuen. Bild: Circus Roncalli

Und mitten drin die Bernhard-Paul’sche Tochter: Vivian Paul, die im Jubiläumsprogramm mit einer Luftdarbietung begeisterte, hat jetzt mit Natalia Rossi die Aerial-Chandelier-Nummer „Queens of Baroque“ entwickelt. In höchster Höhe wirbeln die beiden in barocken Kostümen an einem edlen Kronleuchter. Auf feine, ästhetische, aus den Körpern gemalten Figuren folgen schwungvolle Trickfolgen bis hin zum gegenseitigen Nackenwirbel. Traumhaft schön zum Hinsehen, obwohl man wegen der Waghalsigkeit der Kunststücke mitunter auch mal wegsehen möchte. Ebenso verwegen, wenn auch auf dem Boden, ist der Auftritt der Bello Sisters, die zu dritt lebende Statuen erschaffen. Sie sind ein weiterer atemberaubender Höhepunkt der Show. Zu Recht bejubelt, bevor sich die Zuschauer mit bunten Luftballons beschenkt glücklich nach Hause träumen.

Bis 14. Oktober in Wien, danach in Graz und Linz.

www.roncalli.de

6. 10. 2018

Schauspielhaus Wien: Ein Körper für Jetzt und Heute

Januar 28, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Eine Story über Selbstermächtigungsharakiri

Vera von Gunten und Steffen Link. Bild: © Matthias Heschl

Ausgehend von der Tatsache, dass Homosexualität im Iran bis hin zur Todesstrafe geahndet wird, gleichzeitig Geschlechtsumwandlungen nicht nur offiziell gestattet, sondern unter bestimmten Voraussetzungen sogar staatlich kofinanziert werden, hat Mehdi Moradpour seinen enigmatisch-poetischen Text „Ein Körper für Jetzt und Heute“ verfasst. Zino Wey hat die Uraufführung am Schauspielhaus Wien inszeniert; das Bühnenbild von Davy van Gerven zeigt einen Neuköllner Brunnen, um den und vor allem in dem sich die Darsteller tummeln.

Ein „Gentrification“-Graffiti macht klar, im Stück geht es längst nicht nur um die Kadaver der Zivilisation und die ideologischen Trümmer, die anderswo herumliegen. Auch im Glashäusermeer findet Ungleichheit statt, wenn es ums Geschlechtliche geht, gibt es Verhaltensmaßregeln fürs Richtig und fürs Falsch. Entsprechend „westlich“ sind die Schauspieler Simon Bauer, Vera von Gunten, Steffen Link und Martina Spitzer in Parkas und Pullover gekleidet. Als wär’s eine Uniform für den Protest, für ihren vierstimmigen Monolog gegen Aus- und Abgrenzung von Menschen.

Simon Bauer gestaltet die Figur Elija, die nicht ins gängige Konzept von Männlich-Weiblich passt. Gott, der bekanntlich keine Fehler macht, ist dieser eine unterlaufen, sagt die Mutter. Vor dem Vater gelingt die Flucht in die größere, anonymere Stadt, wo eine wohlwollende Kusine Elija von Instanz zu Institution schleppt. Mit dem Ergebnis, dass dieser von allen Seiten, Ärzten bis Imamen, der Arbeitgeber höchstselbst sagt, er würde Elija in diesem Falle sogar heiraten, zur Operation gedrängt wird. Elija liebt Fanis, Steffen Link, also willigt er ein …

Es ist spätestens diese Stelle, an der Moradpours Stück in die Selbstoptimierungs-Science-Fiction kippt. Denn Elija (wie auch der später dazukommende geheimnisvolle Flo) hat eine universellere Fantasie als das gängige Mann-Frau-Schema. „Mein Körper ohne Ort, aber mit Zukunft“, keine Geschlechterbarrieren, keine gesellschaftlichen Zuschreibungen, das wünscht er sich. Sich verändern für den anderen, sich erweitern für sich selbst … Identität und deren Bildung nämlich, sagt Moradpour an dieser Stelle, hat auch was mit einem rassistischen, sexistischen Kulturkampf zu tun; er flicht surreale Traumsequenzen in seine Handlung, die von Zino Wey als großformatige Kamerabilder umgesetzt werden, und lässt „aus dem manuskript der verschwundenen studentin“ zitieren.

Vera von Gunten, Steffen Link, Simon Bauer und Martina Spitzer. Bild: © Matthias Heschl

Vera von Gunten, Simon Bauer und Martina Spitzer. Bild: © Matthias Heschl

Ihre Stimme vor allem ist es, die die Tiraden jener Mehrheiten anprangert, die „das schöne“ und „das reine“ mit der scheußlichsten Wortwahl suchen. „genau wie ethnozentrische und identitäre bestrebungen. hier wird mit einem besonderen eifer eine bekenntnis zu klaren normen, werten und zuschreibungen verlangt“, lässt sich dazu im Programmheft nachlesen. Und während Moradpour noch die soziale Anpassungsmatrix analysiert, die Stereotype und die Schablonen ausforscht, ereignet sich auf der Bühne Dramatisches.

Während Fanis – aus Schuldbewusstsein gegenüber Elija? – eine Niere für eine Dialysepatientin geben will, entschließt sich Elija, verzweifelt über den neuen-alten Körper, zur nächsten Operation. Sein Selbstermächtigungsharakiri hat begonnen, und er hat beschlossen eine Tier-Mensch-Maschine, ein Er-Sie-Es zu werden … ein sozialer Körper, in der Hoffnung, dass, was sich zwischen den Polen bewegt, dann endlich akzeptiert wird.

www.schauspielhaus.at

  1. 1. 2018

Lentos Kunstmuseum Linz: Rabenmütter

Oktober 23, 2015 in Ausstellung

VON RUDOLF MOTTINGER

Zwischen Kraft und Krise: Mütterbilder 1900 bis heute

Elena Luksch-Makowsky: Selbstbildnis mit Sohn Peter, 1901 Bild: Österreichische Galerie Belvedere

Elena Luksch-Makowsky: Selbstbildnis mit Sohn Peter, 1901
Bild: Österreichische Galerie Belvedere

Super Mom oder kinderlos. Es scheint, als gäbe es kein selbstverständliches Muttersein mehr, nur Perfektion oder Verzicht. Doch die Mutterrolle hat viele Facetten: Freude, Erfahrung, Liebesbeziehung, Lernen, Übermut – aber auch Frust, Erwartungsdruck und Versagensangst. Die Ausstellung „Rabenmütter. Zwischen Kraft und Krise: Mütterbilder von 1900 bis heute“, die ab 23. Oktober im Lentos Kunstmuseum Linz zu sehen ist, zeigt den Wandel und die Verschiebung des Blicks auf Mütter und ihre Kinder.

Im 19. Jahrhundert wurde Mutterschaft kaum in Frage gestellt, auch wenn die Überhöhung des Mutterglücks im krassen Gegensatz zur Realität stand. Erst mit Karrieremöglichkeiten für Frauen entstanden Alternativen zur Mutterschaft als Ziel eines erfüllten Lebens. Doch nicht erst die feministische Kunst der 1960er-Jahre zeichnet realistische Bilder der Mutterrolle, sondern bereits am Beginn des Jahrhunderts entstehen Darstellungen sozialer Wirklichkeit und individueller Konflikte. Die Schau stellt in weiterer Folge die „Optimierungslogik“ heutiger Lebensentwürfe zur Diskussion und macht Hoffnung auf eine Wende: Immer mehr Frauen mit Kindern widersetzen sich den komplexen, oft stressigen Anforderungen des Alltags und hinterfragen ihre Lebenswelt zwischen Karriere, Kindern und Konsum …

Schwangerschaft, Geburt, Abtreibung, das Leben mit Kindern, die Entscheidung gegen Kinder, die Auseinandersetzung der Kinder mit ihren Müttern – alle diese Themen werden von Künstlerinnen und Künstlern aufgenommen. Gezeigt werden unter anderem Werke von Louise Bourgeois, Kiki Kogelnik, Käthe Kollwitz, Maria Lassnig, Elena Luksch-Makowsky, Karin Mack, Paula Modersohn-Becker, Shirin Neshat und Anna Witt.

www.lentos.at

Wien, 23. 10. 2015

Armes Theater Wien: „Delhi, ein Tanz“

Oktober 10, 2013 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

Österreichische Erstaufführung von Iwan Wyrypajew

Bild: (c) Vondru

Bild: (c) Vondru

Das Stück des Jahres kommt nach Wien: Das Arme Theater zeigt „Dehli, ein Tanz“ von Iwan Wyrypajew. Premiere ist am 13. Oktober im WUK-Projektraum. Der Inhalt: Sieben Mal trifft die gleiche Gruppe von Menschen in Iwan Wyrypajews Stück aufeinander. Wie in einem Reigen tauschen sie ihre Plätze, lieben und streiten sich, halten sich aneinander fest und lassen wieder los. Die einzige Verbindung, die alle Figuren vereint und miteinander versöhnt, ist der Tanz »Delhi«, den die Tänzerin Ekaterina einst wie eine Eingebung empfing, inspiriert durch ein Erlebnis im Armenviertel Delhis. Dieser Tanz, der allen Schmerz der Welt in sich vereint, veränderte für jeden, der Ekaterina hat tanzen sehen, etwas in dessen Leben. »Delhi, ein Tanz« ist zugleich der rote Faden durch die sieben Miniaturen und ein raffiniertes Sprachgeflecht, bei dem der Text selbst zu einem Tanz wird – voller Rhythmus und Poesie, sinnlich, leicht und wahrhaftig. Ein Stück von geradezu magischer Anziehungskraft und Ausstrahlung.

Iwan Wyrypajew, Jahrgang 1974, ist einer der wichtigsten russischen Dramatiker seiner Generation. Für seine Theaterstücke ist er mehrfach ausgezeichnet worden, u.a. mit dem Bansemer & Nyssen Dramatiker Preis. „Delhi, ein Tanz“, das neue Stück von Iwan Wyrypajew, wurde von „Theater heute“ zum Stück des Jahres gewählt.
Mit Isabella Fritdum, Marja Hennicke, Sabine Muhar, Krista Pauer, Andreas Peer, Piroska Szekely. Regie: Erhard Pauer.
Wien, 10. 10. 2013