Wiener Festwochen 2019: Ein Programmüberblick

Februar 14, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Zum Auftakt ein Theatermarathon in der Donaustadt

Diamante. Bild: © Annette Hauschild, Ruhrtriennale 2018 . Ein Auftragswerk von Ruhrtriennale Koproduktion Wiener Festwochen, Grand Theatre Groningen, Berliner Festspiele / Immersion

„Die Wiener Festwochen sind ein Ort für multidisziplinäres künstlerisches Schaffen: visionär und gleichzeitig mit Geschichte vertraut, international und in der Stadt Wien verankert.“ Dieses Motto stellt Christophe Slagmuylder, der aus Belgien stammende neue Intendant, seinem ersten Festival voran. Das heute im Studio Molière vorgestellte Programm beginnt am 10. Mai mit einem fünfeinhalbstündigen Theatermarathon in der Donaustadt – mit Veranstaltungen rund um die Erste Bank Arena.

Drinnen wie draußen, mit Kurztexten und Installationen, Disco-Eislaufen und Party. Als Kernstück wird Mariano Pensottis „Diamante“ aufgeführt, das Ganze sowohl eine theatralische Novela als auch eine epische Geschichte, in der es um Errichtung und Niedergang einer städtische Mustersiedlung im Dschungel Argentiniens geht. Slagmuylder, der im Vorjahr kurzfristig auf den überraschend zurückgetretenen Leiter Tomas Zierhofer-Kin gefolgt war, sieht die Wiener Festwochen durchaus in einem politischen Kontext. „Das Festival versucht ein Gegenmittel für jede Form von Selbstüberhebung zu sein, für jeglichen Reflex von Konservatismus, für die Tendenz, das zu schützen, wovon wir Angst haben, es zu verlieren“, schreibt der langjährige Leiter des Brüsseler Festivals Kunstenfestivaldesarts, der in Wien einen Vertrag bis 2024 unterschrieben hat, im Programmbuch. „Um der Kurzsichtigkeit entgegenzuwirken, behaupten die Festwochen, dass es sich lohnt, die Fenster zu öffnen, die Welt zu sehen.“

Und so finden sich im Programm neue Werke europäischer Kunstschaffender, die als internationale Schlüsselfiguren gelten und durch die Linse ihres künstlerischen Schaffens Perspektiven auf die zeitgenössische Gesellschaft eröffnen. Deren Bühnenwerke beschäftigen sich mit dem populistischen Klima, das derzeit einen großen Teil des Kontinents dominiert. Sie nehmen Bezug auf die westliche Literatur oder griechische Tragödien, um Formen des Konformismus und der Zensur zu hinterfragen, und stellen so eine Verbindung von der Geschichte zur Gegenwart her.

Christophe Slagmuylder. Bild: Andreas Jakwerth

3 Episodes of Life. Bild: © Markus Öhrn

The Scarlet Letter. Bild: © Bruno Simao

Angélica Liddell ist bekannt für ihre unabhängige Haltung und ihre leidenschaftliche, engagierte Bühnensprache. „The Scarlet Letter“ ist eine neue Arbeit auf Grundlage des berühmten Romans „Der scharlachrote Buchstabe“ von Nathaniel Hawthorne, in dem eine Frau aus der Gemeinschaft verbannt und als Sünderin gebrandmarkt wird. In ihrer Kritik an einer populistischen Gesellschaft, deren Angehörige sich zu Richtern ihrer Mitmenschen machen, und umringt von nackten – männlichen – Körpern, zelebriert die Künstlerin eine Messe, ein Plädoyer für die Freiheit der Kunst, das jede Form von Puritanismus bekämpft.

Auch der polnische Theatermagier Krystian Lupa bringt eine wichtige Produktion nach Wien: „Proces“. Bei dieser langen und absurden Reise dient ihm Kafka als Führer in seiner Analyse der Beziehungen zwischen Individuum und Gesellschaft. „Proces“ ist eine hoch persönliche Arbeit über Theater und Schauspielerei, Überzeugungen und Enttäuschungen. Mit seinen Einsichten in die Wechselbeziehungen zwischen Religion, Gerechtigkeit und politischer Macht ist diese Produktion jedoch vor allem ein starkes Statement, das sich an Lupas Heimatland und dessen aktuelle politische Verfasstheit richtet. Milo Rau ist derzeit wohl einer der am höchsten geschätzten europäischen Theatermacher.

Der anspruchsvolle Künstler und Unruhestifter leitet seit dem letzten September sein eigenes Theater im belgischen Gent. „Orest in Mossul“ ist seine neue Produktion, die im April 2019 uraufgeführt wird. Sie verlegt Aischylos‘ „Orestie“ in den Nahen Osten und bettet sie in die Konflikte ein, die derzeit die Region erschüttern. Während der Proben in Mossul nutzt Rau die fiktive Tragödie zur Dokumentation des realen Konflikts. Der aus derselben Generation stammende und ähnliche Ansätze in seiner Theaterarbeit verfolgende Portugiese Tiago Rodrigues präsentiert ebenfalls seine neueste Produktion „Sopro“ in Wien.

Rodrigues ist Direktor des bedeutenden Nationaltheaters D.Maria II in Lissabon. „Sopro“ stellt Personen in den Mittelpunkt, die normalerweise unsichtbar, fast „Geister“ sind – die Menschen hinter der Bühne. Dieses Stück wurde für Cristina, seit mehr als 39 Jahren Souffleuse am Teatro Nacional D.Maria II, als Hauptfigur geschrieben. „Sopro“ ist ein getriebenes, fast spukhaftes Werk, das darüber hinaus – ein weiteres Merkmal von Rodrigues’ Œuvre – die nachhaltige Aktualität von Fragen der Zensur und Diktatur unterstreicht. Romeo Castellucci, einer der am meisten geschätzten Künstler unserer Zeit, ist in Wien wohlbekannt, ganz besonders bei den Wiener Festwochen. Heuer präsentiert er zwei radikale performative Arbeiten, die seine künstlerische Sprache in Räume außerhalb des Theaters erweitern. Die unabhängig voneinander entwickelten Projekte „Le Metope del Partenone“ und „La vita nuova“ setzen Körper und Maschinen, geheimnisvolle – und manchmal gewalttätige – Bilder und Worte in einen Zusammenhang, um die Rätsel der Gegenwart zu untersuchen.

Das Festival setzt auch seine Zusammenarbeit mit Markus Öhrn fort und produziert das neue Projekt des schwedischen Künstlers: „3 Episodes of Life“. Aus drei Teilen bestehend, die über einen Zeitraum von fünf Wochen regelmäßig zu sehen sein werden, stellt diese Arbeit eine Verbindung der unterschiedlichen Disziplinen Film, Theater und Musik dar. Gewalttaten zwischen Männern und Frauen, die Un/Gleichheit der Geschlechter sowie Missbrauchsfälle im beruflichen Umfeld bilden den Hintergrund für diese Serie, dessen Genre Markus Öhrn als „Silent Movie Theatre“ bezeichnet. Zwei wichtige deutsche Regisseure, die verschiedenen Generationen und Momenten der Berliner Theaterszene angehören, werden 2019 bei den Wiener Festwochen am selben Abend Uraufführung feiern. Der 31-jährige Ersan Mondtag inszeniert „Hass-Triptychon“, ein bisher unveröffentlichtes Stück von Sibylle Berg, mit Benny Claessens und Ensemblemitgliedern des Maxim Gorki-Theaters. Und René Pollesch erarbeitet „Deponie Highfield“, eine neue Produktion für das Burgtheater.

Proces. Bild: © Magda Hueckel

Zweifellos ein, wenn nicht das Highlight: Gleich nach der Premiere in Paris kommt „Mary Said What She Said“, eine neue Zusammenarbeit von Regisseur Robert Wilson, Schauspielerin Isabelle Huppert und Autor Darryl Pinckney nach Wien. Aus Japan kehrt Toshiki Okada, ein bemerkenswerter Theaterregisseur, mit „Five Days in March Re-creation“, einem der wesentlichsten Stücke seiner künstlerischen Laufbahn, nach Wien zurück.

Und, da Slagmuylder verstärkt auf Film setzen will, präsentiert der ungarische Starregisseur Béla Tarr, der sich 2011 eigentlich vom Filmemachen zurückgezogen hatte, mit „Missing People“ sein neues Projekt, ein Format zwischen Film und Installation.

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14. 2. 2019

Festwochen: Christophe Slagmuylder wird Intendant

Oktober 15, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Sein neuer Vertrag läuft nun bis 2024

Christophe Slagmuylder. Bild : Andreas Jakwerth

Christophe Slagmuylder, der derzeit als interimistischer künstlerischer Leiter die Saison 2019 vorbereitet, wird auch künftig als Intendant die Wiener Festwochen verantworten. Sein neuer Vertrag läuft von 2020 bis 2024. Nach öffentlicher Ausschreibung und Eingang von fünf Bewerbungen haben in den vergangenen Tagen Hearings stattgefunden, nach denen Slagmuylder für die Position ausgewählt wurde.

„Ich verstehe die Wiener Festwochen als multidisziplinären Entfaltungsraum, der visionär und zugleich der Tradition verpflichtet ist, der international und ebenso in der Stadt verankert ist, der es schafft, den Dialog zwischen etablierten und aufstrebenden Künstlerinnen und Künstlern zu eröffnen – und natürlich mit und zwischen dem Publikum. Um diese Grundidee weiterhin zu verwirklichen, bedarf es eines langfristigen Engagements, und ich bin sehr glücklich, meine Vision in den kommenden Jahren entwickeln zu dürfen. Ich freue mich darauf, zur Neuorientierung der Wiener Festwochen in ihrer lokalen, nationalen und globalen Pionierrolle beizutragen“, so sein erstes Statement.

Christophe Slagmuylder, geboren 1967 in Brüssel, studierte Kunstgeschichte an der Université Libre de Bruxelles. Seine Laufbahn begann er als Dozent für visuelle Theorie an der Kunst-, Design- und Architekturhochschule La Cambre in Brüssel. Seit 2002 arbeitete er im Programmteam des Brüsseler Kunstfestivals Kunstenfestivaldesarts. 2007 wurde Slagmuylder Leiter und Künstlerischer Direktor des Kunstenfestivaldesarts, das zu den innovativsten Veranstaltungen dieser Art in Europa zählt und sich auf multidisziplinäre und internationale Gegenwartskunst konzentriert. Für seine Arbeit wurde ihm der Titel des Chevalier des Arts et des Lettres der Republik Frankreich verliehen. Im Oktober 2018 erhielt er gemeinsam mit Frie Leysen für die Gründung und Programmierung des Festivals den Prix de la Critique.

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15. 10. 2018

Wiener Festwochen: Trojan Women

Juni 17, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Helena als schöner junger Mann

Kim Kum-mi als Hekuba mit dem Chor: Lee Youn-joo, Kim Mi-jin, Heo Ae-sun, Seo Jung-kum, Min Eun-kyung, Na Yoon-young, Jung Mi-jung und Cho Yu-ah. Bild: National Theater of Korea

Mit einem fulminanten Schlusspunkt beenden die Wiener Festwochen ihre diesjährige Saison: Die National Changgeuk Company of Korea zeigt in der Regie von Ong Keng Sen „Trojan Women“ am Theater an der Wien. Die kühne Produktion erzählt Euripides‘ Drama mit den Mitteln des Pansori – eine traditionelle koreanische Kunstform, bei der ein epischer Gesang von einem Trommler begleitet wird – und mit musicalhaftem K-Pop.

Orientiert haben sich Texter Bae Sam-sik und die Komponisten Jung Jae-il sowie die legendäre Pansori-Sängerin Ahn Sook-sun, die in ihrer Heimat als „lebendiger nationaler Schatz“ gilt, an Sartres Interpretation des Troerinnen-Stoffs. Der französische Existenzialist verfasste sein Werk 1965 als heftige Anklage des Indochinakriegs, seine Landsleute als kolonialisierende, kriegstreibende Griechen, die Vietnamesen aus überfallene Troer, und so ist es nicht schwer, dies als Parabel auf den Imjin-Krieg zu lesen und auf die von den Japanern als „Trostfrauen“ verschleppten Koreanerinnen. Derlei Deutungen lässt Ong Keng Sens Inszenierung zu ohne mit dem Finger darauf zu verweisen, bleiben Bühnenbild und Kostüme doch, wiewohl an Altüberliefertes erinnernd, zeitlos – eine Art Tempel wird mit Videobildern von Meereswellen bis Wolkenhimmel bespielt. Die Musik und die Optik entwickeln jedenfalls einen gemeinsamen Sog, dem es unmöglich ist, sich zu entziehen. Zu Recht wurde die Aufführung am Ende mit Standing Ovations bedacht.

Guttural und ungewohnt heiser klingt das Singen der 15 Darstellerinnen und Darsteller. Allen voran überzeugen Kim Kum-mi als Hekabe, Kim Ji-sook als Andromache und Yi So-yeon als Kassandra. Komponist Jung Jae-il hat sich außerdem für den Chor eine Besonderheit einfallen lassen: Er fungiert neben dem aristokratischen Dreiergespann als deren Sklavinnen, die ihr Schicksal weit weniger beweinen als ihre Herrinnen, ändert sich doch für sie an der Hölle der Knechtschaft nichts.

Kim Kum-mi als Hekuba und Yi So-yeon als Kassandra. Bild: National Theater of Korea

Kim Ji-sook als Andromache und Lee Kwang-bok als Talthybios. Bild: National Theater of Korea

Nur drei Männer sind im Ensemble: Choi Ho-sung als Menelaos, Lee Kwang-bok als Talthybios – und Kim Jun-soo als nur von einem Klavier begleiteter Helena. Der koreanische Popstar, der in Seoul auch schon die Titelrolle im Vereinigte-Bühnen-Musical „Mozart!“ spielte, soll als androgynes Wesen die Fremdheit dieser schönsten Frau verkörpern, eine Übung, die dem jungen Singer/Songwriter makellos gelingt.

Herzstück der Aufführung ist somit auch die Auseinandersetzung Hekabe – Menelaos – Helena, in dem die gefangene Königin von Troja vom Spartaner-König verlangt, seine untreue Frau zu töten. Der aber, von ihrem Aussehen und ihrem Flehen um Gnade erneut betört, lässt sie unangetastet auf ein Schiff bringen. Für weitere starke Momente sorgt die Anrufung Apolls durch Kassandra, die ihr und aller anderen Sterben bereits voraussieht, und die stolze Trauer der Andromache, deren Säugling Astyanax von den Griechen ermordet wird, damit er nicht dereinst den Tod seines Vaters Hektor räche.

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  1. 6. 2018

Wiener Festwochen: CSSC/DADDA VIENNA EDIT

Juni 13, 2018 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Kunstblut und schlaffe Penisse

Film Still of CSSC/DADDA VIENNA EDIT. Bild: Edmund Barr. Courtesy of Paul McCarthy and Hauser & Wirth

Dass sein Werk von manchen als verstörend bis widerlich klassifiziert wird, damit treibt Paul McCarthy ganz offensichtlich seinen Spaß. Der US-Künstler, dessen Arbeiten Zeichnungen, Skulpturen, Aktionen und Performances, Performance-Videos, Filme und Installationen umfassen, immer aggressiv (selbst-)zerstörerisch und in der Regel sexuell provokativ, zählt zu den einflussreichsten Kunstschaffenden seiner Generation.

Entsprechend begeistert wurde er von Festwochen-Intendant Tomas Zierhofer-Kin begrüßt, als der Dirty Old Man im Gartenbaukino sein jüngstes Projekt „CSSC/DADDA VIENNA EDIT“ vorstellte. Dirty darf man sagen, denn Dreck ist eines von McCarthys Lieblingsworten, er beschreibt damit, wie er Elemente aus Politik bis Popkultur aus ihrem Kontext reißt und zu einem neuen zusammensetzt.

2019 wird McCarthy bei den Festwochen seine neue Schöpfung uraufführen, deshalb präsentierte er nun eine exklusive Montage dieses Projekts, an dem er mit Sohn Damon schon seit mehreren Jahren arbeitet. „Am Ende wird das Ganze 25 Stunden dauern“, feixt McCarthy. „Sie sehen nun vier von 65 Tagen der Geschichte.“ Worum’s geht? Knappe Antwort: „Alle haben Sex und sind irgendwann tot.“ Naja, nicht alle. Und was den Sex betrifft, bleibt’s bei der französischen Spielart. Geboten werden viel schlaffe Penisse und noch mehr Kunstblut. Das männliche Genital hat im Film nämlich keine gute Zeit. Es wird abgeschnitten, abgeschossen, abgebissen. Zwei Mal wird auch gefaked geschissen.

„CSSC/DADDA VIENNA EDIT“ orientiert sich am fundamentalen Mythos der Vereinigten Staaten, der Erschließung des Wilden Westens, weshalb McCarthy auch den Genreklassiker „Stagecoach“ aus dem Jahr 1939, Regie: John Ford, Hauptdarsteller: John Wayne, als Folie hernimmt. Im gezeigten Teil kommen allerhand klischierte Typen im Poodle House Saloon zusammen, übrigens einem Nachbau aus Rainer Werner Fassbinders melodramatischem Western „Whity“, um sich auf einen psychosexuellen Selbsterfahrungstrip zu begeben. Der Bordellbesitzer ist ganz klar ein Donald-Trump-Lookalike, Nancy Reagan tritt auf, Andy Warhol, der aber mehr wie eine männliche Marilyn Monroe wirkt, Minnie Maus und Heidi, John Wayne selbstverständlich, und zur „Bonanza“-Musik auch die gesamte Familie Cartwright.

So beginnt ein Spiel mit Realitäten und Möglichkeiten, mit dem Un- und dem Unterbewussten, mit Hoch- und Subkultur, Szenen wiederholen sich bis zum Geht-nicht-mehr – und nehmen doch immer denselben Ausgang. McCarthys Kunst seltsam subversiv zu nennen, trifft’s wohl so ziemlich. Die 90 Minuten zerren an den (Magen-)Nerven, auch durch den überlauten Ton, der sich Stoß für Stoß ins Gehirn hämmert. Mit den Mitteln der Satire und der Karikatur, mit seinen absurden Charakteren und deren anarchistischen Handlungen, verwandelt McCarthy seinen Film in eine Farce auf den American Way of Life. Und der ist bei ihm weder so sauber glatt noch so scheinbar politisch korrekt, wie es die offiziellen USA gern hätten. Der Film „Stagecoach“ trug in der deutschsprachigen Fassung den Titel „Höllenfahrt nach Santa Fe“. Dem kann man sich, was den ersten Akt der Vienna Edit betrifft, nur anschließen. Man ist gespannt, was Paul McCarthy im kommenden Jahr zeigen wird.

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  1. 6. 2018

Wiener Festwochen: The 2nd Season

Juni 10, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Kapitalismuskritik mit Klappmaulpuppen

Die Bären werden mit Honig süchtig gemacht. Bild: Anja Beutler

Da steppt der Biber. Und das tatsächlich. Einmal als Klappmaulpuppe, einmal als menschlicher Tänzer mit Bibermaske. Socalled & Friends zeigen bei den Wiener Festwochen im Museumsquartier ihr Anarcho-Puppen-Musical „The 2nd Season“ – und das ist mit Abstand der heiterste Abend, den die Festwochen dieses Jahr zu bieten haben. Wobei Heiterkeit längst nicht alles ist.

Der Montrealer Mastermind Josh „Socalled“ Dolgin und seine internationale Truppe packen ins verspielte Spektakel eine ordentliche Portion Kapitalismus- und Konsumkritik. Es geht um die Ausbeutung von Arbeitskraft ebenso wie um die der Natur, um Kaufrausch und andere Drogensucht. Die englischsprachige Aufführung – es dolmetscht die Ente – erzählt davon, wie die Tiere den abgeholzten Wald verlassen müssen. Bär fristet längst in der Stadt als Fließbandarbeiter in einer Posaunenfabrik sein tristes Dasein, Biber folgt ihm nach. Bärs Tochter Tammy ist nämlich im Wald aufgetaucht, um ihren Vater zu suchen, und Biber will ihr helfen, ihn zu finden. In der Posaunenfabrik indes herrschen raue Sitten, die Bären werden von einem präparierten Honig abhängig gemacht, damit sich die Produktion steigern und steigern lässt …

Das alles kommt mit klugem Witz und viel großartiger Musik von der Pappendeckelbühne. Für zweitere ist Funklegende Fred Wesley zuständig, der nicht nur die Posaune spielt, sondern auch den Fabrikbesitzer Mr. Embouchure, der von den Vorgängen in seiner Firma nichts ahnt, weil er von seinen eigenen Vorarbeitern hinters Licht geführt wird. Neben Wesley, der schon mit James Brown, Count Basie und Ray Charles auftrat, spielt Socalled selbst am Klavier und das Hamburger Kaiser Quartett. Unter den Sängern, die den Puppen ihre Stimmen verleihen, ist unter anderem der New Yorker Hiphopper C-Rayz Walz.

In der Posaunenfabrik mit Funklegende Fred Wesley. Bild: Anja Beutler

Die skurril-flauschigen Protagonisten gehen mit dem Publikum auch auf Tuchfühlung. Da muss einer helfen, zwei Fakefellohren unter seinem Sitz hervorzuziehen, eine andere ihr Halstuch nicht nur herborgen, sondern auch binden. Biber muss sich nämlich als Bär verkleiden, um in die Fabrik vorgelassen zu werden. Es gibt singende Baumstümpfe und menschlichen Modern Dance.

Auf der Leinwand, die das Orchester vom Bühnengeschehen trennt, laufen Videos, die das Gesehene auf einer vertiefenden Ebene illustrieren. Flüssiger Stahl rinnt, Geld fließt wie der/als der süchtig machende Honig. Dass die bösen Bären am Ende bekehrt sind, versteht sich. Auch, dass man sich an die Wiederaufforstung des Waldes macht. Tammy findet ihren Vater und dem Happy End steht nichts im Wege. Welch schönes Märchen – liebenswert, sehenswert. Josh Dolgin bastelt zum Glück schon an einer Fortsetzung.

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  1. 6. 2018