durchhaus: Bash! Das Fremde in uns

April 3, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Mörder sind wie du und ich

„Eine Meute von Heiligen“: Eric Lingens und Lilian Jane Gartner bespielen Neil LaButes kontroversielles Figurenkabinett. Bild: © Mirjam Koch

Ein Glück. In der Galerie von Les Tardes Goldscheyder und seinem Künstlerkollektiv, dem „durchhaus“, wird endlich wieder Theater gespielt. Der Raum, einer der spannendsten Wiens, eignet sich ganz hervorragend zum Spielort – und in seiner Zerrissenheit zwischen zwei Abbruchhäusern, einem überdachten Innenhof und einer stehengebliebenen Fensterfassade, vor allem für die zwischenmenschliche Tragödie.

Entsprechend hat Regisseur Peter Gruber hier Neil LaButes „Bash! Das Fremde in uns“ inszeniert. „Bash!“, das sind drei kurze Stücke über das Töten. Ein Versicherungsvertreter beichtet den „plötzlichen Kindstod“ seiner neugeborenen Tochter. Eine Schülerin, mit 14 Jahren von ihrem Lehrer verführt, geschwängert und verlassen, tötet nach einem letzten Wiedersehen mit dem Kindsvater ihren Sohn. Ein Collegepärchen erzählt von einer rauschenden Ballnacht, an deren Rande der junge Mann mit seinen Freunden einen Schwulen zu Tode prügelt. Drei Bestien ohne Grund. LaButes Protagonisten sind Teilhaber am so glänzenden wie düsteren Amerika, und sie bekennen, was für sie gar kein Bekenntnis, sondern nur die nüchterne Feststellung eines Faktums ist: Der Tod von anderen als Nebenprodukt des eigenen tödlich normalen Lebens.

Peter Gruber hat im ersten Teil die beiden Monologe „Iphigenie in orem“ und „Medea redux“ ineinander verschränkt. Lilian Jane Gartner und Eric Lingens spielen die beiden Kindermörder beinhart, sie sind einander Stichwortgeber, sie sind intensiv in ihrer Beiläufigkeit; die Eskalation des Geschehenen haben ihre Figuren längst verschluckt, alle Gefühle schon beiseite geschoben. Das Sterben wird als ein „kalkuliertes Risiko“ gesehen. Der Detroiter Autor LaBute fordert seine Schauspieler maximal heraus, auf dem schmalen Grat zwischen lockerem Plauderton und monströsem Inhalt zu balancieren, und den beiden gelingt die Übung. Sie schaffen es, das Entsetzliche von der Warte der Normalität aus zu berichten, ohne Reue, ohne Zweifel an der Tat, ohne einen Hauch von Selbsterkenntnis.

Antike Mythen jetztzeitlich interpretiert: „Iphigenie in orem“ überschneidet sich mit „Medea redux“. Bild: © Mirjam Koch

Monströse Inhalte in lockerem Plauderton: Die beiden Kindermörder zweifeln nicht an ihren Taten. Bild: © Mirjam Koch

Die Geschichten, die sie erzählen, sind zu wahr, um nicht echt zu sein. Derlei begegnet einem täglich in den Schlagzeilen: Die Mörder sind wie du und ich. In Grubers Inszenierung entschlüsseln sich die Gräueltaten, wiewohl entlarvend gespielt wird, nur langsam. Immer wieder stellen Gartner und Lingens Augenkontakt her. Man sucht Komplizenschaft – miteinander und mit dem Publikum. Dieses soll verstehen, warum …, soll das Unbegreifbare abnicken. Ist er Zyniker, so ist sie Pragmatikerin, dabei hat die Dimension der von ihnen vorgestellten Schrecken, wie die Szenentitel schon sagen, antik-mythologisches Ausmaß.

Nach der Pause übersiedeln Schauspieler und Zuschauer in den oberen Spielraum, es folgt der Dialog „Eine Meute von Heiligen“, und erstmals fällt einem auf, dass es auch darin wieder um die Glaubensgemeinschaft der Mormonen geht. LaBute hat diesbezüglich einiges aufzuarbeiten. Eine Clique studentischer Landeier fährt zum Ball nach Boston – und begegnet einem schwulen Liebespaar. Und weil nicht toleriert werden kann, was irgend „anderes“ ist, folgt die Auslöschung des „Anormalen“.

Vor allem Gartner schafft es, im Sprung von der vordergründig bedauernswerten Teenie-Mutter zur hektisch-überdrehten Fröhlichkeit der Studentin, nun eine gänzlich andere Figur auf die Bühne zu stellen. Lingens bleibt mehr oder minder bei der Rolle seines moralisch bedrängten jungen Mannes, der glaubt, dass zu seinem Seelenheil nur der letzte Ausweg führen kann. Erstaunlich ist, dass diese Abfolge von Einaktern bereits aus dem Jahr 1999 ist. Oft und oft fühlt man sich beim Hören und Sehen an die Trump-USA erinnert, und wie dort rechtskonservative Kräfte in einer Kombination aus schierer Wut und nackter Angst über alles herfallen, das nicht systemkonform ist. Harmlose Durchschnittsmenschen werden zu „Sumpfmonstern“, gerade weil sie eben diesen trocken legen wollen. In Europa kennt man das seit „Tausend“ Jahren, in den Vereinigten Staaten … – wie sich die Bilder gleichen.

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Wien, 3. 4. 2017

Theater zum Fürchten: The Lyons

November 30, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Eine schrecklich nette Familie

Während Ben noch mit dem Krebs kämpft, plant Rita schon ihr Leben nach seinem Tod. Bild: Clemens Aap Lindenberg und Sylvia Eisenberger

Während Ben noch mit dem Krebs kämpft, schildert ihm Rita schon ihr Leben nach seinem Tod: Clemens Aap Lindenberg und Sylvia Eisenberger. Bild: Bettina Frenzel

Das Theater zum Fürchten zeigt an seiner Wiener Spielstätte, der Scala, Nicky Silvers Komödie „The Lyons“. Das Stück hat sich der erfolgreiche New Yorker Dramatiker buchstäblich aus der Seele gerissen, der Sohn einer jüdischen Mittelklassefamilie kennt das Milieu über das er schreibt, und wie er ist der einzige Sympathieträger weit und breit schwul.

So ist die stärkste, die wahrhaftigste Szene des Abends, die, als Curtis Lyons, der weit vom Stamm gefallene Apfel des Chaos-Clans, bei einer Wohnungsbesichtigung den Immobilienmakler Brian kennenlernt. Aus einem wie zufällig begonnen Flirt wird eine beinharte Szene über Selbstverleugung und Sexlügen – bis rohe Gewalt ausbricht. Randolf Destaller als Curtis und Eric Lingens als Brian spielen das überzeugend, und machen so klar, dass „The Lyons“ wohl eine der brutalsten Komödien ist, die es in den vergangenen Jahren vom Broadway hierzulande angeschwemmt hat.

Der Inhalt an sich ist alles andere, als der Stoff, aus dem das Lachen ist. Familienpatriarch Ben Lyons stirbt an Krebs. An seinem Krankenhausbett versammelt sich die Sippschaft, ungeduldig auf den Tod wartend, weil das eigene Leben schließlich weitergeht. Ehefrau Rita ist auf dem Sprung zum Neuanfang, bevor der „Alte“ ein Ende hat, sie sucht ungeniert nach einer eleganten Wohnzimmereinrichtung, und weil Ben das nicht positiv sehen kann, beginnt sie mit ihm die Niederlagen ihrer Ehe durchzuhecheln. Deren zwei größte sind die Kinder.

Rita denkt schon an die Renovierung des Wohnzimmers: Martina Dähne, Clemens Aap Lindenberg, Sylvia Eisenberger. Bild: Bettina Frenzel

Rita plant mit Tochter Lisa die Renovierung des Wohnzimmers: Martina Dähne, Clemens Aap Lindenberg, Sylvia Eisenberger. Bild: Bettina Frenzel

Sohn Curtis muss alle mit seiner Grünpflanze übertrumpfen: Randolf Destaller, Martina Dähne, Clemens Aap Lindenberg, Sylvia Eisenberger. Bild: Bettina Frenzel

Sohn Curtis kommt mit der denkbar größten Topfpflanze: Randolf Destaller, Martina Dähne, Clemens Aap Lindenberg, Sylvia Eisenberger. Bild: Bettina Frenzel

Curtis, der homosexuelle Sohn, ein erfolgloser Kurzgeschichtenautor und Mamas finanziell unterstützter Liebling, und Lisa, alleinerziehende, alkoholkranke Tochter des Hauses, Daddys schwer verstörter Darling, deren Dasein so durcheinander ist wie der Inhalt ihrer Handtasche. Die Gräben brechen auf, auf rücksichtslos folgt respektlos, immer wieder werden neue Allianzen gebildet. Alte Wunden werden aufgerissen, neue zugefügt, dazwischen ergeht man sich in den typischen Krankenhausthemen: das Essen, die Schwester, der Tropf.

Der Tonfall ist drastisch, das F-Wort im Deutschen halt nicht so universell gebräuchlich wie im Englischen, überhaupt hatscht die Übersetzung dem Original ein wenig hinterher. Dennoch ist jeder Satz ein Zynismus, die Dialoge schnell und die Luft schneidend wie ein Ping-Pong-Match. Inszeniert hat Hermann Molzer, es ist seine erste Arbeit für das Theater zum Fürchten, und er lässt das Ensemble von Anfang an Vollgas fahren. Sylvia Eisenberger ist eine exaltierte, überkandidelte Rita, Martina Dähne eine weinerlich hysterische Lisa. Zu geht es wie in „Eine schrecklich nette Familie“, und ja, sie geht einem allmählich auf die Nerven, diese große Aufgeregtheit auf der Bühne, die es unmöglich macht, den Text mit Lakonie und einem gewissen Understatement, einer gespielten Beiläufigkeit im Sprechen zu brechen.

Curtis trifft den Immobilienmakler Brian und fühlt sich zu ihm hingezogen: Randolf Destaller und Eric Lingens. Bild: Bettina Frenzel

Curtis trifft den Immobilienmakler Brian und fühlt sich zu ihm hingezogen: Randolf Destaller und Eric Lingens. Bild: Bettina Frenzel

Clemens Aap Lindenberg versteht es zum Glück, den sterbenden Ben mit mehr Nuancen auszustatten. Hinter seiner Unflätigkeit erkennt man die Angst vor dem Sterben, seine ordinären Schimpftiraden enttarnen sich als sein Bewältigungsmechanismus für das unvermeidlich Kommende. Und auch Eisenberger hat noch ihren Moment als jüdische Mame, wenn eine wutentbrannte Fürsorge-Attacke, die sie gegen ihre Kinder reitet, von diesen abgeschmettert, zu einem Akt der Emanzipation wird.

Am besten gelingt es Randolf Destaller seinen Charakter zu gestalten; sein Curtis ist genau so viel karikierte Komödienfigur, dass dahinter ein Mensch aufblitzt. Das mag auch daran liegen, dass Silver an ihm seine ganze Empathie austobt. Wie Curtis in der Krankenschwester, gespielt von Angelika Auer, schließlich eine Ersatzmutter findet, das geht doch unter die Haut. Aber so wird’s nicht bleiben. Familie, das bedeutet lebenslänglich, mit höchstens ein paar Stunden Freigang.

www.theaterzumfuerchten.at/

Wien, 30. 11. 2016

Theater zum Fürchten: Sippschaft

Februar 7, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Gespielt wird teils mit Gebärdensprache

Thomas Marchart und Melanie Flicker Bild: Bettina Frenzel

Für hörendes Publikum gab es Wanditel: Thomas Marchart und Melanie Flicker spielen in Gebärdensprache. Bild: Bettina Frenzel

Der Idealfall wäre, man könnte die Ohren wie die Augen auf- und zumachen. Manches ließe sich so nicht hören. Wenn aber der Idealfall normal ist, fragt sich, als wie normal die Gesellschaft das empfindet … Das Theater zum Fürchten zeigt in der Wiener Scala Nina Raines „Sippschaft“. Babett Arens hat die Familienaufstellung inszeniert. Das besondere an dieser Arbeit ist, dass sie teilweise in Gebärdensprache gespielt wird. Gebärdentrainerin Magdalena Schramek hat zwei der Darsteller auf diese Aufgabe vorbereitet, die mit ganz erstaunlichem Können gemeistert wird. Für hörendes wie gehörloses Publikum gibt es Über- beziehungsweise Wandtitel, um die jeweils andere Sprache zu verstehen. Die Aufführung hat, so zeigen die Reaktionen, beim Publikum den Nerv getroffen. Mehr von dieser eigentlich einfach umzusetzenden Art wäre wünschenswert.

Raine, Shootingstar des Londoner Westend, Kind von Craig Raine, Patenkind von Julian Barnes, hat für ihr Stück das eigene Nest porträtiert. Einer ihrer jüngeren Brüder ist Legastheniker, unter lauter Literaten ein schweres Los, und so macht die Dramatikerin aus ihrem Protagonisten Billy einen Gehörlosen. Billys Familie ist speziell. In diesem Haushalt, in dem Sprache und Stimme das Thema sind, Vater, Mutter, Bruder schreiben, die Schwester singt, gibt es kein Verstehen. Man gibt sich als alternativ-intellektueller Bobo-Kreis, doch hinter der Toleranz-Fassade schwelt die Mehrheitstyrannei. Um deftige Sprüche ist man nicht verlegen, die „Sippschaft“ ist voller Misstöne.

Clemens Aap Lindenberg spielt einen herrlich zynischen, grantelnden Vater Christopher. Es fragt sich ernsthaft, was diesem Mann das Leben so versauert hat, Marion Rottenhofer ist als Beth ganz „Hotel Mama“, sie ist die Meisterin der übergriffigen Liebe. Anna Sagaischek und Eric Lingens leiden als Billys Geschwister Ruth und Daniel am innerfamiliären Aufmerksamkeitsdefizitsyndrom. Sie schwanken zwischen Eifersucht und Erfolgsdruck, werden an sie doch Anforderungen gestellt wie an den kleinen Bruder nicht. Dass Daniel auch noch Stimmen im Kopf hört, ist ein wenig too much. Raine schießt, eine Jugendsünde, mit dem einen oder anderen Handlungsstrang übers Ziel hinaus; und auch Arens führt auf so manche unverständlich falsche Fährte, Stichwort: warum eine Waffe zeigen, wenn mit dieser dann nichts angefangen wird? Insgesamt präsentiert man sich elitär-überheblich. Wer nicht weiß, wer Schostakowitsch ist, dieser Vorwurf wird später erhoben werden, hat in diesem Kreis nichts zu suchen. Die größte gegenseitige Schmach ist die Frage: „Geht’s noch konventioneller?“

Für Billy allerdings wurde eine heile Welt kreiert. Da er die Lautstärke des ständigen Krachs sowieso nicht mitkriegt, wird seine Frage „Worüber redet ihr?“ geflissentlich übergangen. Billy spricht nämlich und liest von den Lippen. Man wollte ihn auf ein „normales“ Leben vorbereiten. Vor allem der Vater steht auf dem Standpunkt, dass nicht taub ist, wer nicht wie ein Gehörloser erzogen wird. Und dann lernt Billy Sylvia kennen, die sich mit Gebärdensprache unterhält. Und plötzlich sieht er sich als Außenseiter hier wie da, und plötzlich hat die ach so aufgeklärte Familie Berührungsängste. Die Sprech-Fundis finden sich in einer für sie fremden Welt wieder. Das muss natürlich zu Konflikten führen.

Marcus Ganser hat für diese Geschichte eine ganze Wohnung auf die Bühne gestellt. Eine Anti-Puppenstube von Küchendurchreiche, Essplatz und Wohnzimmer bis Wintergarten. In diesem Biotop gefällt Thomas Marchart als Billy. Wie er scheinbar in sich ruhend glücklich ist, doch sein ferner Blick nicht mehr darstellt als sein Ausgeschlossensein, ist klasse. Seine Angepasstheit ist letztlich Selbstaufgabe. Das erkennt er im Zusammentreffen mit Sylvia, gut gespielt von Melanie Flicker. Wie sie über Gehörlosen-Hierarchien in Selbsthilfevereinen und verständnisvoll vorgetragene Vorurteile spricht, das kam bei den Zuschauern bestens an. Da wussten etliche, wovon auf der Bühne die Rede war. Jedenfalls muss Billys Familie auch erst einmal ihren seltsamen Humor runterschlucken und eine peinliche Befangenheit überwinden, damit sie sich der neuen Situation nähern kann. Denn Sylvia hilft Billy auf eigenen Beinen zu stehen. Das Nesthäkchen sucht sich Job und Wohnung und an seiner neuen Selbstständigkeit drohen die anderen Familienmitglieder zu zerbrechen. Seltsame Abhängigkeitsverhältnisse treten zu Tage … So geht’s in „Sippschaft“ um die allgemeingültigen Themen Verlust und Verlassenwerden und wie dieses ausgleichen.

Am Ende lautet das Fazit, denn auch Sylvia ist nicht uneingeschränkt einverstanden mit dem Dogma ihrer Eltern, nicht sprechen zu wollen, man nehme the best of both worlds. Wie bei allem im Leben. Nina Raines Coming-of-Age-Tragikomödie überzeugt mit dieser Message, das Theater zum Fürchten mit seiner Unternehmung, Stücke auch für Gehörlose zu spielen, und Babett Arens‘ Abend mit sympathischen Schauspielern.

www.theaterzumfuerchten.at

Wien, 7. 2. 2016

Scala: Café zur Barrikade

Februar 18, 2015 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Mit Kaffee und Guglhupf zur Revolution 1848

Bild: © Bettina Frenzel

Bild: © Bettina Frenzel

Da war doch so ein kleiner Riss in der Biedermeieridylle. Das Jahr 1848. März ist es – und die Wiener marschieren. Gegen den Kaiser und gegen das Metternichregime. „Café zur Barrikade“ heißt die jüngste Dinnerproduktion, die Theater-zum-Fürchten-Chef Bruno Max in seiner Wien-Dependance, der Scala, zeigt. Man sitzt im Griensteidl bei Kaffee, pikant gefüllten Hörnchen und Guglhupf. Mittendrin, denn der Nachbar entpuppt sich plötzlich als Revolutionär, singt das Hungerlied von Georg Weerth oder das Robert-Blum-Lied www.liederlexikon.de/lieder/leute_hoeret_die_geschichte_Robert_Blum, und fordert einen auf mitzusingen. Unzähliges an Proklamationen, Dekreten, Flugblättern und Manifesten, Schul- und Tagebucheinträgen, Gedichten und Spott und Parodien darauf, Liedern und Zeitungsmeldungen hat Bruno Max wieder  akribisch zu einem Stück zusammengestellt.

Es wirken mit: Revoluzzer und Reaktionäre, die Publikumslieblinge Nestroy und Scholz, tote Helden und überlebensfähige Feiglinge, Habenichtse und Hausherren und natürlich Nandel, der Depp. Eine Zeit, in der Burschenschafter noch deutschnational UND politisch links sein konnten. Doch im 360-Grad-Bühnenbild (eine Seite: das Griensteidl, andere Seite: die Barrikade, verbunden durch einen Spielsteg, an dem entlang das Publikum an Marmortischchen Platz genommen hat) ist man sich uneins. Da kämpfen die Arbeiter gegen den Hunger, die Studenten für die Freiheit. Die Bürger schauen auf beide herab. Die einen wollen bitten, die anderen fordern. Und der Hof von „Gütinand dem Fertigan“ flüchtet nach Innsbruck.

Max gelingt es großartig „hohe“ Politik durch Menschenschicksale, durch Familiengeschichten zu erzählen. Nur der Aufstand der Erdarbeiterinnen geht ab http://zwanzigtausendfrauen.at/2011/01/1848-schmolzer-hilde-der-erste-arbeiterinnenaufstand-in-wien/ Jeder Schauspieler übernimmt mehrere Rollen. Franz Grillparzer (Jörg Stelling) duelliert sich mittels Dichterfeder mit Ferdinand Freiligrath. „In deinem Lager ist Österreich“ vs „Das ist noch lang die Freiheit nicht!“. Richard Wagner (Bruno Max) schickt einen Gruß aus Sachsen an die Wiener; Karl Marx (Randolf Destaller) liest in den Sträuselsälen des Theaters in der Josefstadt das Manifest der kommunistischen Partei. Johann Nestroy (Eric Lingens) und Wenzel Scholz (Tom Jost) pa­t­rouil­lie­ren im Freiwilligenkommando des Theaterdirektor Carl als Nationalgardisten. Natürlich folgen darauf „Das Zopfensystem aus ,Freiheit in Krähwinkel'“ und „Die Reaktion ist ein Gespenst“. Marion Rottenhofer hat als Erzherzogin Sophie am Hof als einzige die Hosen an; Irene Marie Weimann macht Arbeiterrevolution in Schürzenkleid. Paul Basongo gibt alles – vom Arbeiter bis zum Hofdiener. Und er ist auch ein entzückender Ober, der einem Sonderwünsche erfüllt.

Die Familiengeschichte des Johann Griensteidl ist frei erfunden. Der wunderbare Georg Kusztrich gibt den Kaffeesieder über Generationen hinweg. Thomas Marchart spielt seinen Sohn August. Christina Saginth wird im Laufe der Handlung von der Ehefrau zur Oma. Der Star des Abends ist aber Michael Reiter als k.k. Oberfeuerwerker Johann Pollet. Max hält sich bei der Gestaltung der Figur an Thomas Pluchs Drehbuch „Feuer!“, Reiter ist ein famoser Zerrissener, der einen Schießbefehl verweigert, zum Volkshelden wird, sich verstecken muss, und schließlich doch wieder in die Arme der Armee zurückkehrt https://www.wien.gv.at/wiki/index.php/Johann_Pollet  Gedenktafel: www.viennatouristguide.at/Gedenktafeln/Stadtgeschichte/1848_pollet_1.htm.

Am Ende ist die Schlacht verloren. Der 18-jährige Franz Joseph wird Kaiser. Die Franzosen haben’s 1870 noch einmal probiert. Die Österreicher sind zum Guglhupf zurückgekehrt.

 So hab‘ ich es nach langen Jahren
Zu diesem Posten noch gebracht,
Und leider nur zu oft erfahren
Wer hier im Land das Wetter macht.
Du sollst, verdammte Freiheit! mir
Die Ruhe fürder nicht gefährden:
Lisette, noch ein Gläschen Bier!
Ich will ein guter Bürger werden.

Georg Herwegh

Eine Produktion, die man gesehen haben muss!

www.theaterzumfuerchten.at

Wien, 18. 2. 2015

The Timekeepers

März 25, 2014 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

Dan Clancys KZ-Drama in österreichischer Erstaufführung

Eric Lomas, James Sbano Bild: Hannah Neuhuber

Eric Lomas, James Sbano
Bild: Hannah Neuhuber

Ein jüdischer Häftling hat die Aufgabe im KZ Sachsenhausen Uhren zu reparieren. Als ihm ein homosexueller Mithäftling als Assistent zugeteilt wird, entwickelt sich eine angespannte Situation. Die beiden Gefangenen Benjamin (einst der beste Uhrmacher Berlins) und Hans (ein redseliger Homosexueller) scheinen am Beginn wenig gemeinsam zu haben. Im Laufe des Geschehens überwinden die beiden Häftlinge ihre Vorurteile aber durch ihre Liebe zur Oper und aus der anfänglichen gegenseitigen Abhängigkeit entwickeln sich Verständnis, Vertrauen und schließlich Freundschaft …

Das Stück wurde im Zuge des Open Minds Projekts 2013 der Open House Theatre Company vom Publikum ausgewählt. Premiere: 25. März im KIP – Theater im Cafè Prückel. In englischer Sprache.

In der Hauptrolle ist Broadway Star James Sbano (Nr. 1793) zu erleben, der seine Laufbahn in der Uraufführung von „Jesus Christ Superstar“ am Broadway begann und unter anderem auch schon in Wien als Chagal in der Welt-Uraufführung von Roman Polanskis „Tanz der Vampire“ zu sehen war. Mit ihm spielen Eric Lomas (als Nr. 9355) und Alan Burgon (Capo). Regie & Bühne: Robert G. Neumayr.

www.openhousetheatre.at

www.kip.co.at

Wien, 25. 3. 2014