Raoul Schrott: Euripides. Die großen Stücke

März 11, 2021 in Buch

VON MICHAELA MOTTINGER

Literarischer Brückenschlag von Aktuellem zur Antike

„Ah –  haus des Admetus, diese bühne, die welt bedeutet, alpha und omega – hier fristete ich meine tage, liess mich dazu herab als niederster aller freien am tisch weit unter dem salz zu sitzen, um mit der milch und dem brot  eines gemeinen leibeigenen vorliebzunehmen –  ich, Apollon, ein gott!“

So beginnt Raoul Schrott seine Übertragung von „Euripides. Die großen Stücke – Alkestis, Bakchen, Elektra, Orestes“, die dieser Tage bei dtv erschienen ist. Euripides‘ Dramen zählen bis heute weltweit zu den vielgespielten, Martin Kušej begann 2019 seine Burgtheater-Direktion mit den „Bakchen“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=34408), das TAG zeigte ante Corona eine Version der „Medea“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=36752).

Der dritte der drei großen Griechen – die anderen beiden seine Vorgänger Aischylos und Sophokles – gilt als erster Psychologe der Bühne, der die Ambivalenzen menschlichen Verhaltens meisterhaft darzustellen versteht.

Euripides ist ein brillanter Kritiker jeglicher Form von Macht, ein antiker Ikonoklast und Skeptiker naiver Gottgläubigkeit. Seine Werke sind durch die von Nietzsche noch beklagte Tendenz zum Realismus von verblüffend zeitloser Aktualität, mag man „Alkestis“ als die erste feministische Tragödie zur Unterdrückung der Frau sehen, „Elektra“ und „Orestes“ als treffliche Schauspiele über Terror und Populismus, die „Bakchen“ als glasklare Analyse religiösen Fanatismus. Raoul Schrott, für seine Auffassung des freien Übersetzens immer wieder auch gescholten, tut dies. Virtuos. Mitreißend. Modern.

Agierend zwischen fundierter Sachkenntnis und poetischer Inspiration findet Schrott die sprachlichen Mittel, diese Modernität herauszustreichen. Wäre seine Arbeit Musik, sie wäre Jazz – die Standards und dazu die Improvisation. Der Text wechselt in Windeseile von Pathos zu Alltagssprache. Apollon empfiehlt Thanatos: „Immer mit der ruhe“, der nennt ihn „einfaltspinsel“, dieser erwidert „prinzipienreiter“. Elektras bäuerlicher Ehemann wird von Orests als „gutmensch“ beschimpft, womit sich seine Geisteshaltung mit einem Wort erklärt, Menelaos gar als „schlappschwanz“.

Zu Anachronismen wie „spiesser“ und „fremdenfeindlich“ – wie um das Drama der Migration zu betonen, übersetzt Schrott mítra, die Stirnbinde, als „kopftuch“ – gesellen sich Redensarten wie „ins bockshorn jagen“. Ein Diener an Herakles Tafel verkündet „ich kündige!“, und am schönsten ist die Stelle, an der Pentheus den unerkannten Dionysos mit sophós nicht weise nennt, sondern sagt: „Was für ein klugscheisser“. Dies alles weitgehend in Kleinschreibung, ein Querverweis auf antike Handschriften wie auf digitale Kommunikation. Es ist Raoul Schrotts große Kunst, wie diese Sprache der Gegenwart ihre Brücken zum jenseitigen Ufer schlägt, wie sich Neuzeit und die Alte Welt verbinden: Schrotts Übertragung bleibt stets in Rufweite zum griechischen Text.

Bei den Chören nimmt sich Schrott die größten Freiheiten heraus. Er lässt die Versenden sich reimen – Chor: „Das ist gerecht“ / Elektra: „Und abgrundtief schlecht“ -, eine Form, die die griechische Dichtung nicht kannte. Im Spiel von Block- und Flattersatz sind die Gesänge des Chors auch in der Art einer Sanduhr gesetzt, als weitere Aufladung mit Bedeutung, als Zeichen des prophetischen Potenzials für die Protagonistinnen und Protagonisten.

Und wenn es Elektra samt Chor gelüstet, über Helena herzufallen, wirkt der Rhythmus beinah wie ein Track von EsRAP: „Schlachtet sie ab – haut sie in stücke! Schlitzt sie auf – und rächt ihre tücke! Schneidet ihr mit beiden schwerten / den kopf ab – den vielbegehrten – / und schändet ihren leib: / der lust an diesem weib / wurden abertausende geopfert zu Troja. / Für die schönheit der Helena wurden unsere Männer zerhauen / von bronze und eisen: / verwitwet nun sind wir frauen / und unsere kinder waisen.“ (EsRAP zur Erklärung: www.youtube.com/watch?v=Lh2VdX8M8eI)

Bild: pixabay.com

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„Elektra“ und „Orestes“ hat Schrott derart zusammengefügt, dass sie nahtlos aneinander anschließen und als eines les- und aufführbar sind. Eine „Orestie des Euripides“ nennt dies Literaturwissenschaftler Oliver Lubrich in seinem Nachwort, das empfohlenerweise zuerst gelesen werden sollte. Lubrich spricht von „Selbstmordattentätern“ in einer Thriller-Handlung: „Flucht und Geiselnahme, Drohung mit Mord und Zerstörung. Die Königskinder benehmen sich wie zynische Gangster – beziehungsweise wie fundamentalistische Bombenleger. Raoul Schrott fühlte sich an Andreas Baader und Ulrike Meinhof erinnert und an die ,Selbstgerechtigkeit des Terrors‘.“

Über Euripides‘ Alterswerk die „Bakchen“ in Schrotts Händen – allein der Botenbericht über Pentheus Ermordung mutet wie das Skript zu einem Splattermovie an – notiert Lubrich: „Die Gewalt der Bakchen erinnert heute an die von religiösen Fanatikern, politischen Extremisten oder Verschwörungstheoretikern. Man denkt an Charles Manson, Scientologie oder QAnon, die Taliban, al-Qaeda oder den ,Islamischen Staat‘.“

„Euripides. Die großen Stücke“, übertragen von Raoul Schrott, ist eine Leseempfehlung für Liebhaber. „Ich kenne keine besseren Stücke als die des Euripides, mit ihrer perfekten Mechanik im Kreislauf eines Geschehens, bei dem das Tragische ins Komödiantische und wieder zurück kippt, in einem Zirkel, bei dem das Leben ein Theater, das Existentielle ein Drama und das Theater ein Leben ist, bei dem sich jede Figur vom Positiven ins Negative verkehrt und umgekehrt“, sagt Raoul Schrott in einem Interview mit Deutschlandfunk Kultur.

Erstmals in der Kulturgeschichte nahm mit Euripides ein Autor den Menschen als Individuum wahr, in all seiner Brüchigkeit und die Neuheit seiner Rolle ungewohnt, sich aber seiner Identität mehr und mehr bewusst werdend – und sich also vom Mainstream-Kollektiv loslösend. Dass er dafür vor göttliches wie weltliches Gericht gezerrt wurde, der Chor gleichsam als öffentliche Meinung, könnte zeitgenössischer kaum sein. Wer Euripides denkt, denkt Gerhart Hauptmann und Heiner Müller, denkt Eugene O’Neill und Jean-Paul Sartre – und im Kino Michael Roes und Giorgos Lanthimos.

Euripides legt die Verfallserscheinungen einer Gesellschaft in der Krise bloß, deren erste die Demagogie ist. Fragt sich von der attischen bis heute, wie man solchen Bedrohungen der Demokratie begegnen kann, ohne selbst in Autoritarismus zu verfallen …

Über den Autor: Euripides (ca. 480 v.Chr. – 406 v.Chr.) war ein Tragödiendichter im klassischen Griechenland. Er führte auf Salamis, fernab der Metropole Athen, das zurückgezogene Leben eines Gelehrten und Schriftstellers. Man weiß, dass er zweimal verheiratet war, drei Söhne hatte und mit Sokrates befreundet war. In der Geschichte des Dramas gilt er als Avantgardist, der die neuen Ideen seiner Zeit auf die Bühne brachte. So entfaltete sich seine Wirkung auch erst nach seinem Tod. Von seinem Werk überliefert sind 92 Stücke, 55 Fragmente, 17 Tragödien und ein Satyrspiel.

Über den Übersetzer: Raoul Schrott, Jahrgang 1964, studierte Literatur- und Sprachwissenschaft in Innsbruck, Norwich, Paris und Berlin, arbeitete 1986/87 als letzter Sekretär für Philippe Soupault in Paris und als Universitätslektor in Neapel. Er lebt heute in Innsbruck und in Seillans in der Provence. Sein lyrisches und erzählerisches Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, „Hotels“ beispielsweise mit dem Leonce-und-Lena-Preis 1995. Große Beachtung erhielt auch seine Lyrikanthologie „Die Erfindung der Poesie. Gedichte aus den ersten viertausend Jahren“. Als Übersetzer ist er insbesondere durch seine Übertragung von Homers „Ilias“, Hesiods „Theogonie“ und des Gilgamesh-Epos‘ bekannt.

dtv Literatur, „Euripides. Die großen Stücke“. Übertragen von Raoul Schrott. Mit einem Nachwort von Oliver Lubrich. 408 Seiten.

www.dtv.de

  1. 3. 2021

Theater zum Fürchten: Elektra

Dezember 7, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Im Gothic-Look wie Game of Thrones

Kim Bormann ist eine inbrünstige, blutrünstige Elektra. Bild: Bettina Frenzel

Die Wände des Bunkers sind blutverschmiert, Agamemnon steht auf einer wie ein Racheschrei, doch nur die Außenseiterin trauert um den abgeschlachteten König: „Elektra“. Der Hofmannsthal’- sche Text dient nun in der Scala, der Wiener Dependance des Theaters zum Fürchten, Regisseur Matti Melchinger als Spielvorlage. Dieser hat die Tragödie in einem Aufzuge zur Essenz verdichtet, schlanke 75 Minuten dauert seine Aufführung, und wiewohl er dem Dichter nichts nimmt, wird

der royale Massenmord in Melchingers rasanter, riskanter Radikalität zum modern anmutenden Mythos. Es scheint, als wolle TzF-Prinzipal Bruno Max den mit „Equus“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=35706) eingeschlagenen Weg mit dieser Arbeit richtungsweisend fortsetzen, und tatsächlich ist Sam Madwar, der für die Peter-Shaffer-Inszenierung verantwortlich zeichnete, nun als Ausstatter am Werk. Gemeinsam mit Kostümbildnerin Katharina Kappert hat er eine „Game of Thrones“-düstere Welt erschaffen, archaisch, eisenhart, Lederoptik und ein Goth-Punk-Look, der Robert Smith neidisch machen könnte. Nur, dass es für Kim Bormanns Elektra, man weiß es, Hofmannsthal schrieb die seine unter dem Eindruck der Seelenerkundungen Sigmund Freuds, keine „Cure“ mehr gibt. Als Soundtrack laufen also auch keine Songs der britischen Kultband, sondern Arcade Fire’s „My Body Is a Cage“.

Bormanns Performance allein lohnt schon den Besuch dieses Abends. Ihre mykenische Revanchistin erweist sich vom ersten Auftritt an als Fall für die Psychoanalyse, ihr pathologisches „Ich kann nicht vergessen“ ist der Satz, der einem schon zu Beginn des Stücks durch Mark und Bein fährt. Bormanns Elektra krankt definitiv am zum Namen gehörenden Komplex, wenn diese Schattenvisionen ihres Vaters imaginiert. Die TzF-Debütantin spielt die Figur inbrünstig blutrünstig, großartig, wie sich bei Begegnungen mit der Mutter der Ekel auf ihrem Gesicht spie- gelt, während sie ihrerseits versucht, Schwester Chrysothemis mit innigen Umarmungen auf ihre Seite zu ziehen.

Angela Ahlheim, Kim Bormann, die Mägde Maja Sikanic, Regina Schebrak und Ivana Stojkovic. Bild: Bettina Frenzel

Klytämnestra und Aegisth verhöhnen Elektra: Kim Bormann, Bettina Soriat und Leonhard Srajer. Bild: Bettina Frenzel

Orest ermordet die Mutter, Elektra triumphiert: Felix Krasser und Kim Bormann. Bild: Bettina Frenzel

Mit dem Hof der Atriden ist bei Melchinger längst kein Staat mehr zu machen. Wie von der Zeit zerfledderte Zombies hangeln sich die Gestalten über die Repräsentationstreppe in den mit Mulch bedeckten, mit Gerümpel zugemüllten Hinterhof, die Kledage ein Abglanz besserer Tage, da und dort die Haut rot verschrammt. Klytämnestra trägt eine groteske barocke Herrenperücke, als wolle sie per Haartracht ausweisen, dass nach dem kriegerischen Haudrauf nun eine aufgeklärte Absolutistin das Zepter schwingt. Wobei Bettina Soriat die aufgesetzte Aufgeklärtheit sofort ab absurdum führt, wenn ihre Gattenmeuchlerin die wehklagende Tochter im Wortsinn, weil: Treppe, von oben herab verhöhnt.

Soriat lässt Klytämnestra zwischen Tyrannenmörderin und Totschlägerin changieren, da diese selbst nicht darüber zu richten vermag, ob sie dem Volk eine Wohl- oder der Familie eine Untat getan hat. Die stärksten Szenen der Produktion sind ergo das Aufeinanderprallen von Mutter und Tochter, auf das die Regie auch fokussiert. Im intellektuellen wie körpergewaltigen Infight schenken einander die beiden Schauspielerinnen nichts, und apropos: verbal brutal, beeindruckend ist, wie die Darsteller allesamt die Sprachgewalt des Fin de Siècle-Schriftstellers stemmen, jedenfalls machen die Konfrontationen Klytämnestras mit Elektra in Melchingers Interpretation klar, dass erstere um nichts weniger als zweitere an einem Agamemnon-Trauma leidet.

Leichter hat’s die Herrscherin da mit ihrem Lover, Leonhard Srajer als blondinnenblöder, proletoid-putzsüchtiger Aegisth, den die an Jahren Ältere zum Sextoy degradiert hat, auch dieser Aspekt der gruseläugigen Dauergeilen so kaltherzig erzählt, dass es einem unter die Haut geht. Auftritt, um alles zu Ende zu bringen, Felix Krasser als nach langer Flucht heimkehrender Orest, dessen einlenkendes „Lass‘ die Toten tot sein“, von Elektra alsbald zur Mordgier umgepolt wird. Selten noch war der manipulative Charakter der „Strahlenden“ so deutlich zu erkennen, Elektra, die sich zur höheren Instanz erhebt, die das „gerechte“ Gemetzel befiehlt, die sich in ihre Rechtsprechung hineinsteigert – ohne Rücksicht auf Verluste, siehe die maliziösen Mägde von Regina Schebrak, Maja Sikanic und Ivana Stojkovic.

Nur die Außenseiterin trauert um Agamemnon: Bormann, Sikanic, Stojkovic, Srajer und Schebrak. Bild: Bettina Frenzel

Die Schwester entdeckt dem Bruder ihren Racheplan: Kim Bormann und Felix Krasser. Bild: Bettina Frenzel

Chrysothemis verabscheut Orests grauenhafte Tat: Felix Krasser und Angela Ahlheim. Bild: Bettina Frenzel

Siegestanz vor vielen Toten: Kim Bormann, hinten die ebenfalls erschlagenen Mägde. Bild: Bettina Frenzel

Mit Hinweis auf sein gottgegebenes Heldentum treibt die Schwester dem Bruder das Zaudern aus, ihr hohlwangiger Hass begleitet von einem heulenden Wind, rote Lichtblitze beleuchten die Selbstjustiz, ein Apfel wird als sozusagen Reichsinsignie zertreten, Heil!-Rufe ertönen, Elektra tanzt vor Leichenhaufen, Orest wirft sich den Purpurmantel über. Bleibt bei diesem Drama, auf die bisher beinah unerwähnte der Dreierkonstellation zu kommen: Angela Ahlheim als Chrysothemis, angewidert von den Geschwistern, von Elektras inzestuösen Annäherungsversuchen, von Orests blutverschmierten Armen.

Für sie, für deren Ausgestaltung allerdings noch Raum wäre, obzwar die gezeigte Kurzfassung wenig Platz dafür bietet, hatte Melchinger eine schöne Idee. Bei ihm darf die jüngste des Hauses zum Schluss einen mit EU-Sternen beklebten Trolley nehmen und das antike Griechenland mutmaßlich für immer verlassen.

www.theaterzumfuerchten.at           www.kimbormann.com

  1. 12. 2019

Schauspielhaus Wien: Elektra – Was ist das für 1 Morgen?

Januar 11, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Biobäuerin richtet das Blutbad an

Königs beim Frühstücksritual: Vassilissa Reznikoff als Ägisth und Sebastian Schindegger als Klytaimnestra. Bild: © Matthias Heschl

Jacob Suske, Komponist und Musiker unter den hauseigenen Dramaturgen, ist für die aktuelle Produktion am Schauspielhaus Wien verantwortlich. Gemeinsam mit Ann Cotten schuf er – nach seinem in Luzern entwickelten Format der elektronischen Kammeroper – die Öko-Farce „Elektra – Was ist das für 1 Morgen?“. Ein Werk, von Regisseur Suske nicht nur geschlechterneutral besetzt, sondern auch höchst p.c. gegendert.

Cotten orientiert sich für ihren Text am euripideischen, doch verfängt sie sich keine Sekunde in altgriechischem Wehklagen, im Gegenteil: zwei Stunden lang herrscht auf der Bühne überdrehte, ironische Distanz, das kothurn’sche Pathos sieht sich zum gummistiefeligen Nonsense erhöht, die Sprache schwankt zwischen Alltagssprech und absurder Abgehobenheit – dazu eine Art Minimal Music, mal sperrig, mal schmissig, und vier Darsteller, die, obwohl klassisch auf die Rollen verteilt, wirken, als hätte sich ein Haufen Spielverliebter zum Revuespaß versammelt.

Vassilissa Reznikoff und Sebastian Schindegger geben ein aufgeklärtes Herrscherpaar Ägisth und Klytaimnestra. Sie ist er und er ist sie, der große Mann im Damenhosenanzug, der apart die Drehbühne zum Weiterkommen für sich selbst und für die Heimat nutzt, die zarte Frau mit Herrenkoteletten, Hochprozentiges süffelnd und die Frückstücksrituale hochhaltend. Gemeinsam haben die beiden nach der Ermordung Agamemnons einen modernen, prosperierenden Staat aufgebaut. Aber ach, sie setzen ganz auf die Töpfer und deren Erzeugnisse, die Landwirtschaft ist ihnen weniger Anliegen.

Das muss der mit einem Landwirt zwangsverheirateten und früh verwitweten Tochter Elektra sauer aufstoßen. Die Biobäuerin sieht ihren Lebensstil bedroht, durch den Regierungsstil ihrer Mutter, die ein ganzes Volk zu „KulturschmarotzerInnen“ umerzieht. Sophia Löffler singt die Partie bis in die höchsten Töne. Als Orest taucht schließlich Jesse Inman auf, als in Havard geschulter neoliberaler Unternehmer aus dem US-Exil, ein Überdrüber-Ami, der Kapitalismus-Ikone Ayn Rand gelesen hat und der Family Konzepte zur effizienteren Hühnerhaltung erläutert. Als Chor und DJane fungiert Mirella Kassowitz, die eine luftige Loge in der Hinterwand bezogen hat.

Als endlich alle Charaktere in ihren neuüberschriebenen Positionen eingeführt und der Konnex zum antiken Fluch der Tantaliden, zur Opferung der Iphigenie, dem Töten Agamemnons etc. etc. gezogen ist, entfaltet sich auch noch so etwas wie Handlung: Das Geschwisterpaar will die Mutter töten, doch weil Orests Vorhaben misslingt, muss sich Elektra schließlich selbst bewaffnen und reinen Tisch machen. Sie erschießt Klytaimnestra und Orest in der Badewanne, in der mythologisch betrachtet der Vater ums Leben gebracht wurde – und errichtet einen reaktionären Ökostaat.

Jesse Inman als Orest mit Schindegger und Reznikoff. Bild: © Matthias Heschl

Die Biobäuerin bewaffnet sich und richtet endlich das Blutbad an: Sophia Löffler als Elektra. Bild: © Matthias Heschl

Auf den Jubel des Volkes folgt die Ernüchterung – Ägisth berichtet dies aus der Zukunft -, dass sie alle Sozialstaatlichkeit zugunsten der Landwirtschaft abgeschafft hat. Spätestens nun wird klar, dass das Schauspielhaus-Team wie immer klug im Klamauk eine Aussage zur Lage der Nation getroffen hat. „Elektra – Was ist das für 1 Morgen?“ ist ein Spiel um Ideologien, um Rechts- und Staatsutopien; Ann Cotten legt den Finger in die Wunde ökonomischer Mechaniken und analysiert deren Werden, Wirken und Wert.

Wer im Tauziehen um Neoliberalismus und Traditionsverbundenheit Parallelen zur derzeitigen Regierungskoalition sehen will, scheint auf der richtigen Fährte zu sein. Aus alt mach‘ neue Trends, heißt es im Stück sinngemäß, „Wobei sich herausstellt, dass schon die Ebene des ,gesunden Menschenverstandes‘ eine offene Frage darstellt“ im Programmheft.

Video: www.youtube.com/watch?v=HovH5bzmT20

www.schauspielhaus.at

  1. 1. 2018

Interview: Michael Thalheimer inszeniert „Elektra“

Februar 8, 2013 in Bühne

 „Elektra“: Ein großer düsterer Pinselstrich
„Ver-Dichter“ Michael Thalheimer inszeniert am Burgtheater Hugo von Hofmannsthals „Elektra“. Der Regisseur im Gespräch.

Er hätte, rechnet man die Orestie des Aischylos dazu, aus neun Elektren wählen können. Von Sophokles bis Ezra Pound, von Gerhart Hauptmann bis Eugene O`Neill. Michael Thalheimer hat sich für Hugo von Hofmannsthal entschieden. Dessen „Tragödie in einem Aufzug“ inszeniert er nun an der Burg. Und diese Betitelung macht auch klar, warum.

Regisseur Thalheimer, vom deutschen Feuilleton durchaus liebevoll „der Ver-Dichter“ genannt, findet diesen Teil der Arbeit hier schon vom Dichter erledigt: Das Entfernen von Abschweifigem und Überflüssigem, das Destillieren, das zur Quintessenz Eindampfen, das zum Kern eines Textes Vordringen. Kaum ein „Thalheimer“ dauert länger als 90 Minuten. Auch sein fabelhafter „Faust“ – an der Burg als Gastspiel – war ein konzentriertes Vier-Personen-Drama.

Klaustrophobisch

Hofmannsthal, sagt er, habe er gewählt, „weil er den Moment der Rache der Elektra fokussiert und das Ganze dadurch wie ein großes klaustrophobisches Gedicht wirkt.“ Nur die Familie, fünf Personen, sind da. Elektra, Tochter des mykenischen Königs Agamemnon, die ansehen musste, wie ihre Mutter Klytämnestra mit ihrem Liebhaber Ägisth den Vater tötete. Elektras Gegenbild in Gestalt ihrer Schwester Chrysothemis, „ein Weib, das ein Weiberschicksal (heißt: Mann und Kinder statt Tod und Verderben) will.“

Und beider Bruder Orest.

Am Ende der Metzler.

Ein Familientraumadrama, diesen „Riss in der Zeit“, entstanden durch Agamemnons Tod, das will Thalheimer zeigen. „Das Stück ist ein großer düsterer Pinselstrich von Hugo von Hofmannsthal. Er gibt das Format vor und ich folge ihm.“

Auf das Publikum wartet, um einen Kinotitel zu bemühen, ein Kampf der Titaninnen: Christiane von Poelnitz spielt die Elektra, Catrin Striebeck die Klytämnestra. Vor allem für Erstere wird der Abend zum Kraftakt. Elektra ist die ganze Zeit auf der Bühne. Thalheimer, früher selber Schauspieler, gelegentlich noch Schlagzeuger, weiß, was das heißt.

Tour de Force.

Die Antike hat’s ihm angetan. Zu zeitgenössischen Dramatikern, sagt er höflich, fehle ihm, wiewohl er sie für das Theater für absolut unverzichtbar halte, im Moment der Zugang:

„Es ist so: Mich führt es derzeit zu anderen Stoffen.“

Mensch bleibt Mensch

Die Orestie, Medea, Ödipus, Antigone hat er in Szene gesetzt. Von Interviewern gefragt, „was einem diese alten Texte noch zu sagen hätten“, ist er auch schon aufgestanden und gegangen. Der Mensch bleibt der Mensch bleibt der Mensch. „In der Orestie heißt es: Tun – Leiden – Lernen“, erklärt Thalheimer. „Das mit dem Tun und Leiden haben wir heraußen, aber Lernen ist das Schwierigste. Deshalb fällt man immer wieder zurück zum Tun-Leiden, Tun-Leiden, Tun-Leiden … Und hofft auf das Lernen. In der Mitte läge die Zufriedenheit des Menschen. Das Extrem fällt uns leicht: Wut, Trauer, Glück. Was uns schwerfällt, ist Zufriedenheit.“

Und zwar seit 2500 Jahren.

Thalheimer: Preise von Wien bis Moskau

Zur Person: Michael Thalheimer wurde 1965 bei Frankfurt am Main geboren. Arbeitete zunächst als Schauspieler an verschiedenen deutschen Stadttheatern, seit 1997 Regisseur. Von 2005 bis 2008 leitender Regisseur und Mitglied der Künstlerischen Leitung am Deutschen Theater Berlin. Thalheimers Inszenierungen erhielten viele Auszeichnungen, u.a. den 3sat -Innovationspreis, den Wiener Theaterpreis „Nestroy“ und die Moskauer „Goldene Maske“.

Zur Inszenierung: In „Elektra“ spielen neben Christiane von Poelnitz und Catrin Striebeck Adina Vetter (Chrysothemis), Falk Rockstroh (Ägisth) und Tilo Nest (Orest).