Terrence Malick: Ein verborgenes Leben

Januar 30, 2020 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

August Diehl brilliert als Franz Jägerstätter

Dorf- und Liebesidyll: August Diehl und Valerie Pachner als Franz und Fani Jägerstätter. Bild: © Filmladen Filmverleih

Masse-und-Macht-Bilder von Leni Riefenstahl überschneiden sich mit Dorf- und Liebesidyll, Gras mähen, Vieh füttern, Küsse geben, gewaltige Choräle mit filigranen Violinklängen, im fernen Berlin jubeln die Menschen jenem Mann zu, der sich zu ihrem „Führer“ aufgeschwungen hat, und auch in St. Radegund heben die Leute zu seinen Ehren den rechten Grußarm. Nur Franz Jägerstätter macht die neuen Sitten nicht mit, ihm ist es statt ums „Sieg Heil!“ um sein Seelenheil zu tun, weshalb der Bauer Begegnungen auf dem Feldweg mit einem „Pfui Hitler!“ beendet.

Das ist 1940 im oberösterreichischen Bezirk Braunau brandgefährlich. Kinomystiker Terrence Malick hat in seinem ab morgen auf den heimischen Leinwänden zu sehenden Film „Ein verborgenes Leben“ das reale des Franz Jägerstätter verfilmt. In Österreich ist die Geschichte des Wehrdienst-, weil Führereid-Verweigerers seit Axel Cortis Film, Erna Putzs Büchern und Felix Mitterers Drama (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=4764, Interview: www.mottingers-meinung.at/?p=4738) bekannt.

Nun wird das Schicksal des stillen Widerstandskämpfers, der 1943 im Zuchthaus Brandenburg von den Nationalsozialisten hingerichtet und 2007 im Linzer Mariä-Empfängnis-Dom seliggesprochen wurde, dies wohl auch international werden. Regisseur und Drehbuchautor Malick nimmt sich für seine Story gute drei Stunden Zeit, um von Jägerstätters Blinde-Kuh-Spiel mit seinen Kindern zur blinden Wut des Volkskörpers zu kommen. Er erzählt weniger Handlung als Stimmungen, Emotionen, erzählt vom Fluss der Zeit, vom Sonnenstand, während sich ein Glaubenssatz im Gehirn festsetzt. Immer wieder verschneidet er Original-Wochenschauen, Tod, Zerstörung, Sinnlosigkeit, mit den grandiosen Aufnahmen von Kameramann Jörg Widmer.

Dessen Kamera lässt die Protagonisten mitunter fast steil ins Bild ragen, so als seien sie fragile Zeugen ihrer selbst. Das hat man so noch nicht gesehen. So wie Widmer an den Originalschauplätzen von der Weite der Landschaft in die Enge der Gefängniszellen, von sattem Grün zu wild und düster zu bleichem Grau-in-Grau wechselt, so schaffen die mal melancholische, mal minimalistische, mal auf Beethoven, mal auf Arvo Pärt zurückgreifende Musik von James Newton Howard, und die Tatsache, dass August Diehl und Valerie Pachner aus dem Off aus dem Briefwechsel zwischen Jägerstätter und seiner Frau Franzis­ka vorlesen, zusätzlich Atmosphäre.

Tobias Moretti als Vikar Fürthauer. Bild: © Filmladen Filmverleih

Inhaftiert im Linzer Ursulinenhof. Bild: © Filmladen Filmverleih

Franz findet Kraft im Gebet. Bild: © Filmladen Filmverleih

Mit Bruno Ganz als Richter Lueben. Bild: © Filmladen Filmverleih

Diehl ist in seiner feinnervigen, von einem inneren Leuchten beseelten Darstellung des Charakters Jägerstätter brillant, und Malick umwebt den Gewissens- auf seinem Weg zum Schmerzensmann sanft und behutsam mit passendem szenischen Panorama, gemeinsam erkunden sie den Kosmos ihrer Schlüsselfigur bis ins Kleinste. „Besser die Hände gefesselt als der Wille!“ Dieser Ruf des Tiefgläubigen ist überliefert, und Malick macht in seiner Umsetzung des Stoffes deutlich, dass diese unpathetisch und elegisch zugleich geht. Der Herrgott ist allüberall, vom Winkel bis zum Marterl, Worte werden wenige gewechselt, doch jeder zweite Satz ist wie ein Bibelzitat, wuchtig, eindringlich, Jeremia 23. Gegen das Böse aufzustehen, heißt dabei der Amboss, nicht der Hammer zu sein. Auch, wenn Malick selbst dies verneint, er hat einen Märtyrerfilm gedreht.

Ob Diehls Jägerstätter als Sämann übers Feld stapft. Ob er sich im finsteren Wehrmachtsuntersuchungs- gefängnis des Linzer Ursulinenhofs, während – Schnitt – Jörg Widmer ein Waldmüller-Licht auf die Gesichter seiner drei Töchter fallen lässt, den Hochmut vorwirft, durch seine stolze Entscheidung besser als die anderen Eingezogenen sein zu wollen. Ob er verlegt nach Berlin-Tegel die Demütigungen und Misshandlungen mit Demut und Erinnerungsrückblenden an daheim erträgt. Diehl spielt Verzweiflung, Müdigkeit, Tränen stets nur an, nie aus. Bemerkenswert ist, wie er körperlich mehr und mehr verfällt, seine Überzeugung von den Nazi-Schergen bis zur letzten Sekunde geprüft, Diehls stumm leidendes Gesicht dabei, im Hintergrund Hass und Flehen, Befehls- und Schmerzensschreie, in Großaufnahme. Am Ende wankt er zwischen der Kraft des Gebets und seinem Zweifel am Glauben, soviel zu Matthäus 27 bis Lukas 23.

In seiner Bezugnahme auf das Christentum ist Malick kompromiss- und furchtlos, ohne Berührungsängste, aber, siehe Michael Nyqvist als Bischof Fliesser, der Jägerstätter anordnet dem Vaterland zu dienen, kritisch gegenüber der Institution Kirche. „Ein verborgenes Leben“ ist ein Antikriegsfilm ohne Front und Schlachtfelder und Gemetzel. Heidegger-Übersetzer Malick und mit ihm Widmer machen die Abwesenheit ihres Helden durch Verlassenheit deutlich, im Haus, im Stall, Blicke auf leere Stiegen und Türstaffeln, verwaiste Holzpantoffel, dazu Valerie Pachner, die als Fani Jägerstätter den Volkszorn wegen ihres Verräter-Ehemanns stoisch erträgt. Malick ist nicht der Filmemacher, dem es darum ist, Gegenwart herzustellen, und doch gelingt es ihm hier auf besondere Art – und dank eines hochkarätigen Casts, Ausnahmeschauspieler allesamt, die in noch in kürzesten Szenen eindringlich ihr Können zeigen.

Die Demütigungen und Misshandlungen mit Demut erdulden: August Diehl. Bild: © Filmladen Filmverleih

Allen voran Karl Markovics, der als St. Radegunds regimetreuer Bürgermeister Kraus aktuell anmutende Phrasen wie „Ausländer überfluten unsere Straßen, Immigranten ohne Achtung vor unserer Vergangenheit, wir müssen unser Land verteidigen!“ drischt. Oder Tobias Moretti als Vikar Ferdinand Fürthauer, der Jägerstätter mit beinah denselben Worten vor den existenziellen Konsequenzen seines „Opfers“ warnt. Johannes Krisch als Müller Trakl und Wolfgang Michael als Eckinger sind zumindest im Kopf Widerständler. Ulrich Matthes begleitet als Fanis Vater Lorenz Schwaninger diese bis nach Berlin.

Martin Wuttke hat als Major Kiel eine Epilepsie-Epiphanie, Michael Steinocher ist als Offizier Kersting ein brutaler Gefangenenwärter, Thomas Mraz der windige Staatsanwalt Kleint, Berlinale-Pensionist Dieter Kosslick der Richter Musshoff. Zwei herausragende Szenen gibt es mit Franz Rogowski als ebenfalls zum Tode verurteilten Waldland, der sich in eine gespenstische Enthauptungsfantasie hineinsteigert, und mit Bruno Ganz, der als Richter Werner Lueben kein zweiter Freisler ist.

Sondern versonnen im Verhör, eine Pontius-Pilatus-Figur, deren Frage an Jägerstätter „Verurteilen Sie mich?“ den späteren Suizid des Senatspräsidenten beim Reichskriegsgericht – offiziell: plötzlicher Tod wegen seelischen Erschöpfungszustands, vermutet: Gewissensnot wegen seiner Todesurteile gegen drei Pfarrer, Verstrickung in die Attentatspläne gegen Adolf Hitler – vorwegnimmt. In beiden Begegnungen erkennt Jägerstätter, dass Mitgefühl, nicht Mitleid, denn was nützt es, wenn ein anderer mit einem leidet, den Christenmenschen macht.

Dass Malick zum Schluss seine ruhige Konsequenz mit dem Gang zum Schafott, einem Bild des Fallbeils, dem lapidaren Ruf des Scharfrichters „Der nächste …“ bricht, hätte zwar nicht sein müssen, denn in seiner Gesamtheit ist „Ein verborgenes Leben“ ein kostbares Kinogeschenk, diese Geschichte einer reinen Seele, eines Menschen, der lieber Außenseiter ist, als Teil einer Gemeinschaft potenziell gewalttätiger Mitläufer und ergo Mittäter. Jägerstätter-Tochter Maria hat den Film über ihren Vater bereits gesehen. Im Sonntag-Interview bekräftigt sie, wie wichtig es sei, „dass man nicht alles nachmachen soll, was einem so vorgegeben wird, sondern überlegen, ob das auch gut ist“: „Nicht auf das schauen, was die anderen sagen, sondern sich selbst informieren und nachdenken, was ist richtig und was nicht.“

www.ein-verborgenes-leben.de

  1. 1. 2020

Burgtheater: Eines langen Tages Reise in die Nacht

April 15, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Familienzerfleischung vor Felsformation

August Diehl, Alexander Fehling, Corinna Kirchhoff und Sven-Eric Bechtolf. Bild: Bernd Uhlig

Ein Zelebrieren der Langsamkeit ist Andrea Breths Inszenierung von Eugene O’Neills „Eines langen Tages Reise in die Nacht“. Fast vier Stunden dauert der wehmütige, seltsam verwehte Abend, durch den die Darsteller wie somnambul und weißgewandet geistern. Der Breth gelingt damit großes Theater. Präzise seziert sie des Autors Familienzerfleischung – das ist so schmerzhaft wie schön, und entfaltet eine ungeheure Sogwirkung.

Selten zuvor war an dem oft gesehenen Stück spürbar, wie sehr Verletzung durch große Liebe entsteht. Die Morphinistin und ihre beiden Alkoholiker, der Tuberkulosekranke und sein pathologischer Geizhals, die Hysterikerin und die Nicht-mehr-Hinhören-Könner sind hier vier ineinander verzahnte Existenzen. Keiner kann ohne, niemand mit den anderen. Dass sich da unterschwellige Aggressionen an die Oberfläche Bahn brechen, ist klar. Doch kaum hat man sich angepöbelt oder gar gerauft, herrscht wieder eitel Eintracht. Familie ist, sagt Breth, eine lebenslang erdrückende Umarmung, die zum Erstickungstod führen muss.

Dass Edmund am Ende, ein Bild des Friedens, am Meer sitzt, nachdem all die Drogenkonsumenten endlich ins Bett gefunden haben, glaubt man ihm kaum. Aus der Familie Tyrone, wie Breth sie malt, gibt es im Guten wie im Schlechten kein Entkommen. Da hilft kein retrospektiv versöhnlicher Schlussmoment, kein versonnener Blick in die Ferne der Zukunft. O’Neill selbst macht das deutlich, hat er doch seinen autobiografischen Text spät geschrieben und nur zur posthumen Veröffentlichung freigegeben …

Am Burgtheater glänzt ein herausragendes Schauspielerquartett. Sven-Eric Bechtolf gibt den James Tyrone, Corinna Kirchhoff die Mary, Alexander Fehling und August Diehl die Söhne Jamie und Edmund. Andrea Wenzel holt aus ihren wenigen Auftritten als aufmüpfiges Hausmädchen Cathleen alles. Dreh- und Angelpunkt der Aufführung ist Kirchhoffs Mary. Kirchhoff spielt die Süchtige mit enormem Charisma. Mit fahrigen Fingern streicht sie immer wieder ihre Haare zurecht, versichert mit vor vorgegaukelten Emotionen überschnappender Stimme, ihre Sucht im Griff zu haben, bevor sie sich eben wegen dieser wieder in schwatzhaftes Selbstmitleid ergießt.

Sie ist die Manipulative, die größte Egoistin unter den Egozentrikern, und wie sie in ihren Erinnerungen lebt und andere für ihre zerstörten Träume verantwortlich macht, als hätt’s nie gegolten, einen Entscheid selbst zu treffen, das ist großes Kino. Dann, je mehr sie wieder in ihrer Sucht verschwindet, wird diese Mary immer mehr zum jenseitig-empyreischen Wesen. Bis sie schließlich mit hohem Stimmchen und wie abwesend über die Bühne torkelnd ihre Frömmeleien verkündet.

Sven-Eric Bechtolf und August Diehl. Bild: Bernd Uhlig

Corinna Kirchhoff und Sven-Eric Bechtolf. Bild: Bernd Uhlig

Diese hat Martin Zehetgruber als endzeitliche Küste angelegt. Statt in die von O’Neill verlangte Abbildung des elterlichen Sommerhauses, das Monte Christo Cottage in Conneticut, verlegt er die Handlung in eine nebelig düstere Landschaft, in der eine Felsformation einen Wasserlauf säumt, den die Darsteller immer wieder spritzend durchqueren müssen. Im Hintergrund ein Walskelett, das sich endlich nach vorne drehen und Edmunds letzter Begleiter sein wird. So entsteht atmosphärisch dicht eine Situation, die niemandes Zuhause sein kann – wie Mary stets beklagt, in ihrer Ehe kein Heim gehabt zu haben, ein Umstand, den wohl auch die Söhne so empfinden.

Am unbehaust Umherziehen der Familie Tyrone trägt natürlich deren Oberhaupt James die Schuld. Sven-Eric Bechtolf gibt den Ein-Stück-Schauspieler mit Hang zur ausladenden dramatischen Geste. Stets ist an seinem James deutlich, dass er die Vaterrolle auch „spielt“, wenn er zwischen Eigensinn und echter Sorge um seine Frau und seinen Sohn, gefangen in seinen Zwängen und Ängsten, und zwischen Großsprecherei und Kleinmut changiert. Bechtolf brilliert in seinem intensiven Auftreten. Wie Alexander Fehling, der als Jamie die Krankheiten des James‘ geerbt hat und wie er zwischen Selbstverteidigung und -anklage pendelt.

Berührend, wie er vom Kraftlackl im ersten Teil zum betrunkenen Häufchen Elend wird. In einer Saufszene mit Edmund legt Breth ihr Konzept deutlich dar, dass hier alles gesagt und getan wird, weil Menschen in übergroßer Zuneigung einander zu viel abverlangen … Bleibt Edmund, des Autors Alter Ego, August Diehl. Der hat sich den zwar ebenso Desillusionierten, aber immer noch Familienfreundlichen wie eine zweite Haut angezogen. Herzerwärmend, wie er, als es schon längst die Diagnose Schwindsucht gibt, den anderen bei ihren Selbstsüchteleien noch zuhört und zusieht. Alles in allem überzeugt Diehl am meisten durch seine Wahrhaftigkeit. „Eines langen Tages Reise in die Nacht“ am Burgtheater ist ein überragend gelungener Theaterabend, streckenweise larger than live, den man nur empfehlen kann.

www.burgtheater.at

  1. 4. 2018

Der junge Karl Marx

März 23, 2017 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

August Diehl brilliert als Erfinder des Kommunismus

Stefan Konarske als Friedrich Engels, August Diehl als Karl Marx: Bild: Filmladen

Es ist eine gute Idee von Regisseur Raoul Peck, seinen Film mit einer Szene anzufangen, in der zerlumpte Gestalten im Wald Äste und Zweige zum Beheizen ihrer Behausungen sammeln. Doch das Holz, natürlich, es hat einen Besitzer – und so wird das ärmliche Volk von Berittenen gejagt, geschlagen, einige getötet. Karl Marx schrieb darüber einen frühen Artikel in der Rheinischen Zeitung von 1842 – „Debatten über das Holzdiebstahlsgesetz“.

Durch die Filmsequenz gewinnt sein Artikel soziale Anschaulichkeit. An dieser Schnittstelle von Biopic, Thesenfilm und Agitationskino bewegt sich Pecks Arbeit „Der junge Karl Marx“, die am 24. März in die heimischen Kinos kommt. Peck zeigt einen widerständigen, vor viriler Kraft strotzenden Karl, der so gar nicht ins bekannte Bild des besonnenen Rauschebartträgers Marx passt. Er zeigt den späteren Vater des Kommunismus als hingebungsvollen Familienvater und liebevollen Freund. Dass der Regisseur und Drehbuchautor bei seiner Darstellung der historischen Figur punkto Sympathiewerte das eine oder andere Auge zugedrückt hat, kann man in der Literatur nachlesen.

Der Film bewegt sich in der Zeitspanne zwischen 1843 und dem Revolutionsjahr 1848. Und er beleuchtet in erster Linie das Zusammenfinden der großen materialistischen Denker Marx und Friedrich Engels. Zeigt, wie sie die Hegel’sche Dialektik vom Kopf auf die Füße stellten, zeigt zwei, die die Welt nicht länger im Stile der Philosophen interpretieren, sondern verändern wollten. Wäre diese Begegnung nicht wahr, man hätte sie nicht besser erfinden können, hie der notorisch bankrotte Gesellschaftstheoretiker, da der dandyhafte Fabrikantensohn, der in den Familienwerken auf das Leid der Arbeiterklasse stößt, hie der „atheistisch-jüdische Sozialist“, wie ihn seine Gegner nannten, der die adelige Jenny von Westphalen heiratet und mit ihr Kind um Kind (insgesamt sieben) zeugt, da der Gutsituierte, der in geheimer Ehe mit der Baumwollspinnerin und frühen Suffragette Mary Burns lebt.

Fabrikantensohn Friedrich liebt die Arbeiterin Mary Burns: Stefan Konarske mit Hannah Steele. Bild: Filmladen

Nicht nur Genossen, sondern auch Freunde: Stefan Konarske und August Diehl. Bild: Filmladen

Bei seinen Hauptdarstellern weiß Peck diese Protagonisten in guten Händen. August Diehl gestaltet einen flamboyanten und arroganten Mann mit Zylinder; er hechtet sozusagen vom Glück des Ehebetts Richtung Schreibtisch, um dort Proudhons Schrift „Philosophie des Elends“ mit seinem Traktat „Elend der Philosophie“ zu vernichten. Er brüskiert die oberen Einhundert, berserkert in Vorträgen vor dem Volk, ist absolut glaubhaft als einer, der „endlich mit Keulen, statt mit Nadelstichen kämpfen“ will. Der Anecker und der Ausgleicher: Stefan Konarskes Engels ist dagegen der Geschmeidigere, Diplomatischere.

Und so ist es kein Wunder, dass er Marx’ Sprachrohr wird. Man hat leere Kassen, aber die mit Stil. Man lebt durchaus bourgeois – Familie Marx sogar mit Kindermädchen. Peck und seine Schauspieler haben die Charaktere fein gezeichnet, der überlebensgroße „Kapital“-ist und seine Mitstreiter sind mehr als menschlich und ergo widersprüchlich und Peck liebt sie sichtlich in all ihren Gegensätzen. Optisch hat er seinen Film an jene dekorativen Historienspektakel angedockt, wie man sie vor allem aus dem britischen Kino kennt. Er stellt die Armut und das Elend opulent aus.

Der Tonfall ist pathetisch, aber er trifft wohl den der ersten Revolutionäre – und auch den späterer Politiker. Dann wieder juxt Peck herum – es gibt komödiantische Verfolgungsjagden mit der Pariser Polizei, Marx und Engels dabei wie zwei erhitzte, übermütige Jünglinge. Eine besondere Rolle in „Der junge Karl Marx“ kommt den beiden Ehefrau zu, und so wandelt sich das dynamische Duo bald zum revolutionsdurchdrungenen, hochintellektuellen Quartett. Vor allem Vicky Krieps als Jenny Marx zeichnet das Bild einer Frau, die sich die Emanzipation nicht auf die Fahnen heften musste, weil ihr Mann sie stets als gleichberechtigte Partnerin im Alltag wie in der gesellschaftstheoretischen Diskussion gesehen hat. Hannah Steele ist als Mary Burns direkter im Angriff und kompromissloser im Ideenaustausch –die beiden werden so zu direkten Gegenparts ihrer jeweiligen Ehemänner.

Mit Marx‘ Ehefrau Jenny: Vicky Krieps mit August Diehl und Stefan Konarske. Bild: Filmladen

Erstaunlich, um nicht zu formulieren erschreckend, ist die Aktualität des Films. Wie wenig hat sich bewegt! Und wenn, dann nur Richtung sogenannter „Dritter Welt“. Peck zeigt eine Zeit, in der sich der Wert des Menschen im Wert seines Besitzes manifestiert – und setzt dagegen das kommunistische Manifest.

Er zeigt, eine Gesellschaft, in der „Das Kapital“ immer an der gleichen Stelle wächst. Er zeigt einen „Markt“, der ja nichts anderes als der Schulterschluss der Wohlhabenden ist, der wie ein Lebenwesen betrachtet wird, das ohne die Verfütterung billiger Arbeitskräfte keinem Profit erbringen kann. Peck zeigt auch, wie Marx und Engels den Bund der Gerechten sprengen, Vordenker wie den Anarchisten Bakunin oder den moderaten Sozialisten Weitling aus ihren Positionen hieven. In einer Schlüsselszene, einer Versammlung, reißen sie das Banner des Bundes von der Wand und heften das ihre an: Proletarier aller Länder, vereinigt euch! Es gibt Graben- und Flügelkämpfe und immer wieder den Wunsch, „nicht eine intolerante Religion durch die nächste zu ersetzen.“ Das ist, lässt sich retrospektiv sagen, nicht geglückt.

Am Ende des Films schreibt Karl Marx die berühmten Zeilen „Ein Gespenst geht um in Europa …“ – wie anders das heute klingt, dies „Gespenst“ des Kommunismus, da man weiß, wie Marx’ hehre Ideen vom Ungeist der ausführenden Apparatschiks zu Tode gebracht wurden. August Diehl jedenfalls brilliert als Karl Marx. Und seine prägnante Darstellung macht eines klar: Menschenwürde ist kein Tauschwert auf dem Finanzmarkt der Eitelkeiten. Die Zweifel am kapitalistischen System nehmen dieser Tage wieder zu – und womit? Mit Recht!

www.der-junge-karl-marx.de

Wien, 23. 3. 2017

Akademietheater: Diese Geschichte von Ihnen

Februar 1, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Frage nach dem Zweck unheiliger Mittel

Nicholas Ofczarek und August Diehl Bild: Bernd Uhlig / Burgtheater

Nicholas Ofczarek und August Diehl
Bild: Bernd Uhlig / Burgtheater

Die dritte Szene ist nichts für schwache Nerven. Da ist mitanzusehen, was man bis dahin nur vernommen hat. Vernommen auch, weil hier alles einem Verhör gleicht. Eine Situation spiegelt sich in der nächsten. Die Eskalation nimmt bis zur endgültigen Entgleisung immer mehr Tempo auf. Runde um Runde. Ein Bühnenboxkampf. In drei Szenen in drei Stunden werden viele Bilder eines Mannes entworfen, die sich lang nicht und dann doch plötzlich zu einem zusammensetzen. Andrea Breth hat am Akademietheater John Hopkins‘ „Diese Geschichte von Ihnen“ inszeniert. Eine ganz außerordentliche Arbeit mit einem ganz außerordentlichen Nicholas Ofczarek.

Hopkins hat das Drama 1968 geschrieben, da hatte er bereits das Drehbuch zum James-Bond-Film „Thunderball“ und 50 Episoden der BBC-Polizeiserie „Z-Cars“ verfasst; das Recherchieren dafür hatte ihn zu seinem Stück inspiriert. 1970 gab’s mit Peter Palitzsch in Stuttgart einen Theaterskandal, alles dachte an die Tötung von Benno Ohnesorg. 2016 denkt man immer noch an den Bankierssohn Jakob von Metzler und die von Wolfgang Daschner angedrohte „Rettungsfolter“. „Held oder Verbrecher?“, fragten die Medien damals. Daschner bekam eine Geldstrafe und eine Verwarnung; der Elfjährige war ermordet, als man ihn fand. Sergeant Johnson also, Hopkins‘ Antiheld, prügelt einen Menschen zu Tode. Er ist völlig überzeugt, den Mann erwischt zu haben, der für eine Serie von Kinderschändungen verantwortlich ist. Doch ist dieser Baxter tatsächlich der Gesuchte gewesen? In Szene eins kehrt Johnson betrunken nach Hause zurück, Szene zwei konfrontiert ihn mit dem internen Ermittler, die dritte Szene schließlich ist die Rückblende auf die Tat.

Ofczarek findet für seine Darstellung die Temperatur herzerfroren. Sein Johnson klammert sich an seine zynische Verzweiflung, als sei sie die Türschnalle zum Notausgang aus dieser Situation. Er schwankt zwischen Cop-Attitüde und den Tränen eines Kindes. Er verbreitet mit seiner Angst Schrecken. Man weiß nicht, ob er nun mehr um seinen Job fürchtet oder um seine Menschlichkeit. Doch wie alle Hopkins’schen Figuren wird auch er sich als Januskopf erweisen, der um die eigene Achse rotiert. Und der Alkohol fließt. Und die Prügel beginnen. Im Zusammentreffen mit Maureen wird die Gewalt gegen Baxter schon vorweggenommen. Sie attackiert ihn, Andrea Clausen als Lockenwicklergattin vor ihrem mit Heile-Welt-Nippes angeramschten 70er-Jahre-Wandverbau. Eine Scheußlichkeit, und wie die spätere Baustelle des Polizeireviers, von Martin Zehetgruber erdacht. Ein hellbrauner Bretterverschlag gegen das Draußen, das sich ganz offensichtlich im gesellschaftlichen Umbau befindet. Europa, es hat sich empathiebefreit, und dies seine größte Sünde, und wer noch welche aufbringt, der … Maureen, das macht Clausen deutlich, hat ihren Mann schon öfter so erlebt. Sie ist verhärmt und ungeliebt; man hat sich ohnedies nichts mehr zu sagen, daher glaubt man der Clausen auch kein Wort. Käme mein Mann nach Hause und sagte, er hätte einen Igel überfahren, ich wäre mehr aus dem Häuschen. Breth lässt ihre Lieblingsschauspielerin eine weitere ihrer spröden, kargen, unnahbaren Frauenfiguren gestalten. Das wirkt im Zusammenhang ein wenig gekünstelt.

Doch gerade das macht Breths Zugang zur Geschichte klar. Hopkins ist ein Meister der Regieanweisungen, und Breth hat sie alle ernst genommen. Sie spielt sein Stück wie eine Partitur. Siedelt es an zwischen Polizeireport und Theatertonfall. Gestaltet Psychothriller und das Psychogramm eines Täters. Eines Opfers. Die Grenzen werden noch ebenso verschwimmen wie die Schuldfrage. Die Er-lösung bleibt aus. Während sich der Irrsinn aus Johnsons Kopf zu Bühnenbildern formt, lässt Breth ihr Ensemble all die Brutalität mit einer gewissen Beiläufigkeit abhandeln. Als gäbe es keine andere Möglichkeit das vorzutragen, es zu ertragen, als in Lakonie. Es geht in „Eine Geschichte von Ihnen“ um Selbstbehauptung und um das Nichtfunktionieren von Kommunikation. Breth lässt die Darsteller die Abarten von Macht durchexerzieren, Hopkins hat deren Verhältnis immer wieder neu geordnet, und Breth lotet es aus.

Und so, wie man das Gefühl nicht los wird, Maureen und Johnson befänden sich in einer Art perversem Ehespielchen, folgt darauf die Katz-und-Maus-Hatz. Mit Roland Koch als distinguiertem Ermittler Cartwright. Auch er ein unklarer Charakter. Kochs Cartwright ist Helfer und Verderber in einem. Ein Aufklärer, aber zu wessen Gunsten? Objektiv, aber zu wessen Vorteil? Er ist der Typ, der Unruhe und Unbehagen verursacht. Wie er da den verständnisvollen Vorgesetzten mimt, führt diese Einvernahme folgerichtig zur nächsten, der letzten. Noch wird der Infight mit Argumenten geführt, doch schon sind die beiden Protagonisten von Hopkins geschickt in einen Nervenkrieg verstrickt. Und dann liegen diese blank und auch Cartwright langt zu. Der emotionale und der pragmatische Bulle sind ja doch artverwandt. Koch überzeugt in dieser Rolle. Naturgemäß. Wie er unterdrückte Wut ahnen lässt, als er sein Gegenüber mit verständnisvoller Miene zermürbt. Cartwrights Chefinspektor-Fassade bröckelt umso mehr, je länger die Szene dauert. Hinter dem Berg aus Professionalität taucht ein monströses Hinterland auf. Die Distanz, die er vom labilen Johnson zu seinem Beruf fordert, ist längst perdu. Hopkins manipuliert mit einem Stück über Manipulation.

Andrea Breth hat daraus die Fragen zur Zeit destilliert. Zeigt auf, wie es ist, wenn die Rechtsstaatlichkeit an ihre Grenzen stößt. Was passiert, wenn sie überschritten werden. Und wohin es führt, wenn Terror mit Terror beantwortet wird. Welcher Zweck heiligt welche Mittel? „Diese Geschichte von Ihnen“ ist eine über nicht verhandelbare gesellschaftliche Grundsätze. Bei gleichzeitiger Relativierung des Begriffs Wahrheit. Das ist so klug, dass eine einzige Antwort unmöglich ist. Breth lässt Fantasien offen. Ihr ultimatives Spiel ist das mit den Gedanken der Zuschauer. Einer davon ist: Wer ist hier eigentlich der Lustmörder?

Am Ende der Anfang. Nicholas Ofczarek trifft auf August Diehl, Johnson endlich auf Baxter. Der merkt schnell, dass er der intellektuell, in dem Sinne auch der moralisch überlegene ist, als er keine Gegenwehr leistet; er gibt sich provokant überheblich, ist nervös-blasiert, hochreflektiert – und bösartig. Zu ähnlich ist die Vergangenheit dieser beiden, als dass sie sich in dieser Gegenwart nicht zeigen müsste. Diehl wimmert, schreit und flüstert. Knochen brechen, Blut fließt, und Baxter analysiert kühl Johnsons Seelenzustände. Einer ist des anderen in die Enge getriebenes Tier. Baxter schafft es, Defensive mit Sadismus zu kombinieren, Johnson schlägt genussvoll zu. Ofczareks explodierende Gewaltbereitschaft, seine Weinerlichkeit und schmierige Jovialität treffen auf Diehls brillante Verkörperung von einem, der leidet – und es genießt? Ofczarek bricht über die Szene herein wie ein rasender Rachegott. Er fordert sie jetzt ein. Für die Demütigungen einer kaputten Ehe, einer missglückten Karriere, eines aus der Bahn geworfenen Lebens. Für all die vergewaltigten Kinder. Breths Abend ist in seiner extremen Körperlichkeit wie geschaffen für seine intensive Bühnenpräsenz, sein Spiel kennt keine Sekunde Pause, er führt und prägt diese Aufführung. Doch der feinnervige Diehl schenkt dem Berseker nichts. Und schließlich hat dieser sich selbst entlarvt.

All das, weil Sprache doch nur im Ungenauen bleiben kann, interpretiert schon mehr, als die Breth es tut. Die Grande Dame des deutschsprachigen Theaters ist nicht zur allumfassenden Enträtselung angetreten. Eine, die den Menschen so klar sieht, weiß freilich, dass dessen Wesen im Unklaren bleiben muss. Und so entlässt sie einmal mehr aus dem Theater, ihrer moralischen Anstalt, ohne den mahnenden Zeigefinger bemüht zu haben. Was sie aufwirft, sind Fragen. Welche Bedingungen muss eine gerechte Gesellschaft erfüllen? Gibt es für Menschenrechte Grenzen? Wo überschreitet Toleranz ihren Wert? John Hopkins erhielt 1996 den Humanitas-Preis, für seine Arbeiten, in denen er die Menschenwürde und das Recht auf Freiheit hervorhob.

www.burgtheater.at

Wien, 1. 2. 2016

Akademietheater: Das Geisterhaus

Februar 3, 2014 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Mehr Schein als Sein

Sabine Haupt, Aenne Schwarz, August Diehl, Adina Vetter, Caroline Peters Bild: Georg Soulek, Burgtheater

Sabine Haupt, Aenne Schwarz, August Diehl, Adina Vetter, Caroline Peters
Bild: Georg Soulek, Burgtheater

Wenn das Burgtheater verlautbart, künftig eine Produktion einsparen zu wollen, möchte man eine Liste abgeben, welche das bereits gewesen sein könnte. Etwa „Das Geisterhaus“, in Szene gesetzt von Antú Romero Nunes. Wenn das Burgtheater weiter ausführt, es werde die Jahresverträge von fünf Schauspielern (Therese Affolter, Corinna Kirchhoff, Liliane Amuat, Udo Samel und Michael Masula) nicht verlängern, fühlt man sich als Rufer in einer Theaterwüste: Herr Hartmann, Sie geben hin, was Sie noch haben: Fabelhafte Schauspieler, die sogar aus Stroh Gold spinnen. Etwa bei „Das Geisterhaus“, in Szene gesetzt von Antú Romero Nunes. Allen, die den Verursacher der Misere noch nicht kennen, sei gesagt: Ex-Burgtheater-Direktor Nikolaus Bachler wien.orf.at/news/stories/2625550/ war’s. Eh klar, wer sonst? Der Kanonendonner, der zwischen Wien und München tobt, ist seit Jahren legendär. Kein Wunder: Mit Köpplinger, Kušej und Bachler sitzen drei der brillantesten österreichischen Bühnenköpfe in der bayerischen Metropole. In Wien hat sich die Kulturpolitik auf den kleinsten gemeinsamen Nenner geeinigt – eine Ahnungslosigkeit, sah man die Ex-Kulturministerin doch kaum jemals im Theater und den Wiener Kulturstadtrat zunehmend seltener. Der Direktor eines ebenfalls renommierten Wiener Hauses jenseits des Rings sagte im Vier-Augen-Gespräch mit mottingers-meinung.at: „Dem Hartmann seine Stromrechnung möcht‘ ich nicht haben.“ Ein Burg-Gastregisseur erzählte sinngemäß: Hier zu arbeiten ist super. Wenn ich mir am einen Tag etwas wünsche, steht es am nächsten Tag da. Und wenn ich am dritten Tag dahinter komme, dass ich es doch nicht brauche, räumen sie‘ s wieder weg. Die Wahrheit ist ein Mittelweg.

Was das alles mit Nunes‘ Geisterhaus-Inszenierung am Akademietheater zu tun hat? Auch sie ist ein Mittelweg. Befahren von einem Luxusliner mit schwerer Schlagseite zum Schein statt zum Sein. Als wäre Isabel Allendes Familienepos nicht schon desolat genug, verschlimmbessert der deutsch-portugiesisch-chilenische Regisseur die Misere noch. Das Positive an der Chose sind einmal mehr die Darsteller. Ignaz Kirchner und August Diehl sind, oft gemeinsam auf der Bühne, als der alte und der junge Feudalherr Esteban Trueba zu sehen. Diehl spielt voll viriler Brutalität, endlich kein Elegiebürscherl wie Andrea Breths „Prinz von Humbug“ oder Hamlet mehr, sondern einen Jähzornigen, der die Vergewaltigung der ihm untergebenen Bauerntöchter wie zum Beweis seiner Männlichkeit braucht; doch immer mehr riechen Gestik und Mimik nach  Verbitterung, Enttäuschung und Alter. Kirchner nimmt das auf, verkörpert ebenso die Körperlichkeit des Greises wie auch die Eleganz und das Feuer eines jungen Mannes. Eine tadellose Leistung. Der die des Damensextetts Caroline Peters, Dörte Lyssewski, Aenne Schwarz, Adina Vetter, Sabine Haupt und Jasna Fritzi Bauer in nichts nachsteht. In hohem Tempo durch unzählige Kostüm- und Perückenwechsel hastend, stehen sie für alle anderen Figuren. Männer, Frauen, Kinder, Alte. Peters brilliert  als hellseherische Clara, Lyssewski als Estebans unglückliche Schwester Férula. Makellos geben Adina Vetter die Prostituierte Tránsito, Jasna Fritzi Bauer den Revolutionär Pedro Tercero und Aenne Schwarz Hund Barrabas.

Was dem Abend fehlt ist Konkretheit, Konzentration, Konzept. Wie so oft unter Hartmanns Leitung. Es ist – nicht nur an der Burg – die Crux selbst inszenierender Intendanten ihren Kollegen nicht beizeiten in die Suppe spucken zu wollen und dann den Salat zu haben. Noble Zurückhaltung können sich die für die Auslastung ihrer Häuser den Schädel Hinhaltenden aber eigentlich nicht leisten. Der Gastregisseur wird nämlich längst über alle Berge sein, wenn sie die Zahlen, Daten, Fakten anspringen. Nunes nun, der sich in Interviews gern als Handwerker bezeichnet, liefert Kunstgewerbliches. Einen handkolorierten Bilderbogen, der die im Roman festgeschriebene Uneindeutigkeit politischer Ideologien, die Zerrissenheit eines Landes und seiner Bewohner außen vor lässt. Ästethik ist alles, Esprit  weg. Slapstick siegt über Sinnlichkeit, Effekt über Emotion. Dreieinhalb Stunden lang verrennt, verliert, verspielt Nunes sich in abertausenden Details. Paradox, aber er lässt erstaunlich wenig Fleisch an den Figuren dieser Kitschorgie. Erst der zweite Teil des Abends gelingt ihm dicht und beklemmend: Estebans Kinder stehen auf der Seite der heraufdämmernden Sozialrevolution, wofür einige in Pinochets Folterkammern büßen werden müssen. Die ersten beiden Stunden werden zu brav, zu enervierend nacherzählt. Das Happy End, das Wiedersehen der letzten Überlebenden, verweigert Nunes. Das ist die größte Überraschung an dieser Buch-Coverversion.

www.burgtheater.at

Wien, 3. 2. 2014