Annette Hess: Deutsches Haus

Oktober 8, 2018 in Buch

VON MICHAELA MOTTINGER

Die SS-Gräuel unter den Nachkriegsspitzendeckchen

Nervös wartend geht Eva auf dem Gehsteig auf und ab. Gleich wird ihr Verlobter Jürgen vorfahren, denn er soll endlich ihren Eltern vorgestellt werden, der Großbürgerssohn, der Unternehmerspross des reichen Versandhauskönigs Schoormann, der kleinbürgerlichen Gastwirtsfamilie Bruhns, diese stolze Besitzer des „Deutschen Haus“. Es weihnachtet in Frankfurt 1963, die Christkindlmärkte haben schon Hochbetrieb, der Glühwein und die Würstel dampfen, und Eva, ja, die ist ein wenig altbacken-naiv, und wünscht sich von ihrem Zukünftigen nicht mehr, als dass er sie „führt“. Eine Männereigenschaft, die sie mag.

Ein Nachkriegsidyll im Wirtschaftswunderland, das Autorin Annette Hess so schildert, darin die Bruhns, Vater, Mutter, zwei Töchter, als Nachzögling ein Bub, eine liebevoll aufeinander eingeschworene Einheit. Und dann kommt alles ganz anders. Denn 1963 in Frankfurt, da war noch was. Die Vergangenheit – plötzlich wieder. Die Auschwitz-Prozesse. In die Wege geleitet von Generalstaatsanwalt Fritz Bauer. Eva, von Beruf Dolmetscherin für Polnisch, wird als Übersetzerin angefordert, macht aber bei ihrer ersten Arbeit erst einmal schwerwiegende Fehler. „Gäste“, sagt sie, statt „Häftlinge“. Herberge statt Block. Licht statt Gas.

Wie das Unglaubliche, das Unbegreifliche begreifen? Die junge, unbedarfte Frau findet sich wie in eine andere Welt ge- und ihr dort Ignoranz vorgeworfen. Bereits in ihren Drehbüchern für die Fernsehserien „Weissensee“ und „Ku’damm 56/59“ erzählt Hess Geschichte über Geschichten. Diesmal hat sie – inklusive wortwörtlicher Zitate – die Zeugenaussagen der Prozessteilnehmer, der Opfer wie der Täter, zu ihren Romanfiguren verdichtet. Die Schilderungen von Folter und Mord, von gynäkologischen Experimenten und tödlichen Herzspritzen, die Fotos von Menschen, abgemagert bis aufs Skelett, „Röntgenbilder“ nennen sie sich selbst in ihren Berichten, sind für Eva ein Schock. Weit reichte die Verdrängung in den 1960er-Jahren noch. In mehreren parallel geführten Handlungssträngen macht Hess die damalige Realitätsverweigerung deutlich. Große Teile der Gesellschaft, eingebunkert in ihrer mühsam wiederaufgebauten Nachkriegsspießigkeit, sogar etliche Medien, lehnten die Prozesse ab.

„Ab nach Israel!“, wird den KZ-Überlebenden von Prozessbeobachtern zugerufen, dem Gerichtssaal zugewiesene Polizisten, alte Seilschaften, salutieren vor den Angeklagten. „Man möchte das doch gar nicht mehr wissen“, sagt Evas Mutter; von „Gräuelmärchen“ spricht die Schwester. Jürgen wiederum fürchtet, „die Berührung mit dem Bösen“ könnte Evas zarter Seele irreparablen Schaden zufügen. Er empfindet ihre Arbeit bei Gericht als „Ungehorsam“ ihm gegenüber – soweit die seinerzeitige Macht des Mannes über die Frau. Mehr und mehr verschafft Hess dem Leser ein Gefühl der Beklommenheit, man beginnt der Bruhns’schen Harmonie zu misstrauen. Und tatsächlich blättert bald der Putz von deren Fassade ab. Auch die Bruhns verstecken SS-Gräulen unter Mutters Spitzendeckchen. Eva hat seltsame „Erinnerungen“, Déjà-vus, an Menschen und Orte und eine Ohrfeige.

Mit ihren den 1960-Jahren entliehenen Sprachbildern hat Hess die Rollen von Gut und Schlecht schnell verteilt, doch immer wieder gelingt ihr ein Twist, der das Erwartbare ins Unerwartete dreht. Schillerndster Charakter diesbezüglich ist der aus Kanada gekommene Referendar David Miller – tatsächlich war Schriftsteller Arthur Miller in Frankfurt dabei -, der in Deutschland nicht nur seinen jüdischen Glauben, sondern auch die Liebe mit Prostituierten entdeckt. Dass Hess ihre Figuren mitunter mit Metaphern überfrachtet – Evas kleiner Bruder spielt selbstverständlich am liebsten Krieg, die Schwester „behandelt“ im Krankenhaus Säuglinge mit verseuchten Spritzen, Jürgens Vater muss als ehemaliger Kommunist natürlich Gestapo-Gefangener gewesen sein -, ist diesem Debütroman zu verzeihen.

Gelungen ist Annette Hess nämlich ein eindrücklicher Blick auf eine Geisteshaltung, die bis ins Heute reicht. Sie thematisiert nicht nur einen gerade wieder erstarkenden Antisemitismus, sondern auch den ab den 1960er-Jahren aufkeimenden Hass gegen „die Fremden“, die ersten Gastarbeiter, damals aus Italien. Sie befasst sich mit der Frage nach kollektiver und individueller Schuld, mit den Mechanismen von Verdrängen und Vergessen, und einem späten Wunsch nach Vergebung. Sie schreibt an gegen ein Die-Vergangenheit-endlich-ruhen-Lassen und „Vogelschiss“-Vergleiche. Eva wird schließlich ihre Familie konfrontieren, und sie wird sich auf Spurensuche nach Polen begeben. Sie wird sich emanzipieren, denn der Prozess, der  – mehr als nur – ein Land veränderte, tut dies auch mit Evas Leben.

Über die Autorin: Annette Hess stammt aus Hannover und studierte zunächst Malerei und Innenarchitektur, später Szenisches Schreiben. Sie arbeitete als freie Journalistin, Regieassistentin sowie Drehbuchlektorin. Seit 1998 ist sie ausschließlich als Drehbuchautorin tätig. Bekannt wurde sie durch ihre Fernsehserien „Weissensee“, „Ku’damm 56“ und „Ku’damm 59“. Annette Hess lebt in Niedersachsen und erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Grimme-Preis, den Frankfurter Preis der Autoren sowie den Deutschen Fernsehpreis. „Deutsches Haus“ ist ihr erster Roman.

Ullstein Buchverlage, Annette Hess: „Deutsches Haus“, Roman, 368 Seiten.

www.ullstein-buchverlage.de

Filmtipp zum Thema: „Der Staat gegen Fritz Bauer“, Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=15024

  1. 10. 2018

Wiener Festwochen: Geschichten aus dem Wiener Wald

Mai 11, 2014 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Michael Thalheimer haut total daneben

Katrin Wichmann (Marianne) Bild: Arno Declair

Katrin Wichmann (Marianne)
Bild: Arno Declair

Es kann die beste aller Ideen sein, „Geschichten aus dem Wiener Wald“ vom Deutschen Theater Berlin nach Wien zu bringen. Es kann die schlechteste aller Ideen sein. Bei Michael Thalheimer ist die Idee einfach ideenlos. Nein, es macht keinen Spaß, diese Rezension zu schreiben. Thalheimer, der Geliebte, dem man Sternstunden wie „Medea“ mit Constanze Becker, „Elektra“ mit Christiane von Poelnitz und zuletzt “Maria Magdalena” mit Sarah Viktoria Frick zu danken hat. Und jetzt das. Mit zwei Stunden ist Thalheimers „Geschichten aus dem Wiener Wald“-Inszenierung die längste, die man je gesehen hat.

In den Reihen raunt’s, die Deutschen sollen gefälligst die Finger von „unserem“ Horváth lassen. So ein Blödsinn („Geschichten aus dem Wiener Wald“ wurde 1931 in Berlin uraufgeführt). Im Gegenteil. Thalheimer wäre genau der Regisseur gewesen, dem Wiener Wald endlich den Wiener runterzureißen. Ein gefallenes Mädchen. Ein uneinsichtiger Vater. Ein Säugling, den man erfrieren lässt, weil ihn keiner will. Eine Spielernatur, kein schlechter Mensch, aber einer, der halt nicht aus seiner Haut kann. Und ein sitzengelassener Bräutigam, der sein Opferlamm am Schluss zum Altar wie zur Schlachtbank führt. Was könnte universeller sein? Ein Stoff, geschaffen für Abchasien bis Zypern. Und wer, wenn nicht Thalheimer, der Frauenstückeversteher, könnte diese Existenzen aufs Existenzielle reduzieren? Kurz, bündig, schmuslos. Wer anderer als der Meister antiker Angelegenheiten könnte die „kleinen“ menschlichen Dramen zur griechisch-großen Tragödie gestalten? Schicht für Schicht die Bestie Mensch freilegen?

Er hat’s nicht gepackt. Er hat’s nicht angepackt. Er war in seinem Zugriff nicht radikal genug.

Das Ganze beginnt auf leerer Bühne mit großer Tafel, an der die Darsteller Platz nehmen (dafür ist gleich gar kein Bühnenbildner angegeben); dem Donauwalzer – Dreivierteltakt um Dreivierteltakt um Dreivierteltakt; einem Havlitschek (Henning Vogt) mit blutiger Schürze und blutigen Händen. Die Sau – man weiß es. What a life, what a cliché. Wer was zu sagen hat, kommt nach vorne und macht’s als Rampenstehtheater. In einem Horváth-Dialekt, den sich der Autor schon zu Lebzeiten verbeten hat. So werden Waserl und Madal (Maderl) und Muatal (Muaterl) germanisiert. An der Bodhur‘ (Badehure) muss man naturgemäß scheitern. Ja, der achte Hieb und der Donaustrand und die Wachau können ein Hund sein.

Einige gab’s ja, die hielten das Scheitern an der unaufgefordert dargebotenen Mund-Art für eine Persiflage aufs goldene Wienerherz. Eine Möglichkeit. Die aber nicht darüber hinweg tröstet, dass es keinerlei Personenführung gab. Nie, wagt man hier zu behaupten, blieben der Zauberkönig (Michael Gerber), die Großmutter (Simone von Zglinicki) oder die Mutter (Katrin Klein) so konturlos. Fast wie der Karton-Mummenschanz, den sich die Darsteller immer wieder unvermittelt vors Gesicht schnallten. Ja, ja, die breite Masse. Marianne kriegt noch eine dieser Masken verpasst. Der Kothurn dazu fällt aus, auch wenn Vieles stelzenhaft daherkam. So saftige Rollen so blutleer runterspielen zu lassen, ist andererseits schon wieder eine Kunst. Dazu Andreas Döhler als Alfred, der „Geschichten aus dem Spreewald“ gab, wo er, glaub‘ ike, unbedingt irgendwem eine auf die oder in die Fresse geben wollte. Schon von Gang und Gehabe her ist dieser Alfred eine Karikatur.

Wären nicht Almut Zilcher als Valerie und Peter Moltzen als Oskar auf der Bühne gestanden, man hätte das Volkstheater gar nicht erst aufsperren müssen. Zilcher bringt alles mit, was Horváth braucht. Ist genau die leicht überwuzelte Trafikantin, immer noch sexy, die’s immer noch braucht, aber nicht mehr so kriegt, die Bissgurn mit dem Herz am richtigen Fleck. Peter Moltzen legt den Oskar in Mimik und Gestik von Anfang an als Perversen fest. Man ist überzeugt, dass ihm in der Ehe „die Hand ausrutschen“ wird. Die Sau- man weiß es. Beide Rolleninterpretationen sind nicht neu, aber immer noch gut und gültig. Moltzen hat eine wunderbar clowneske Einlage, einen Kampf mit der Konfektschachtel, die er der Marianne verehren will. Katrin Wichmann als diese bemüht sich um Wahrhaftigkeit zwischen den Pappgesichtkameraden. Um so etwas wie echte Verzweiflung über ein verpfuschtes Leben. Ihr Schrei „Ich will nicht mehr geschlagen werden!“ – von der Gesellschaft, von Gott und der Welt eben – ist der einzige Augenblick des Abends, der zu Herzen geht.

Alfred Polgar bezeichnete die „Geschichten aus dem Wiener Wald“ als „ein Volksstück und die Parodie dazu“. Erich Kästner schrieb vom zerstörten Wiener Figuren-Panoptikum. Irgendwo dazwischen hätte Thalheimers Weg sein können. Aber er hat offenbar die Wanderkarte verloren. Zu den Burgruinen geht’s in der Regel eben sehr steil bergauf.

Die Bravos und Buhs aus dem Publikum hielten sich die Waage.

www.festwochen.at

www.mottingers-meinung.at/wiener-festwochen-2014

www.mottingers-meinung.at/interview-michael-thalheimer-inszeniert-elektra

Wien, 11. 5. 2014

Salzburger Festspiele: „Die Jungfrau von Orleans“

August 6, 2013 in Bühne

Finster war’s, nur die Jungfrau helle

Keine Honorarpflicht bei aktueller Berichterstattung über die Salzburger Festspiele und Nennung des Fotocredits.

Alexander Khuon (Lionel/Montgomery), Kathleen Morgeneyer (Johanna)
Bild: © Arno Declair

Am Anfang war das Wort. Und Finsternis auf der Bühne. Am Ende … war das immer noch so. Nur eine war in gleißendes Licht getaucht. Sie. Die Gotteskriegerin. Die Dschihadistin, die den großen und den kleinen Kampf führt – gegen die Engländer und für ihre persönliche Annäherung an Gott. Weshalb sie bei Schiller auch entrückt wird, in der Realität als Ketzerin auf dem Scheiterhaufen endete. Jeanne d’Arc. Bei den Salzburger Festspielen (in Zusammenarbeit mit dem Deutschen Theater Berlin) hat sich Regisseur Michael Thalheimer des Mythos angenommen; die schwarze Halbkugel, das dustere Erdenrund stammt von Bühnenbildner Olaf Altmann. Thalheimer ist Meister im Verdichten, konzentriert auf die Essenz. Mit sparsamsten Mitteln „kocht“ er das Drama und sein Publikum ein. Bei dieser Johanna ist ihm der Fond allerdings verdampft. Thalheimer zeigt Deklamationstheater. Pathos pur. Ein Standbild statt eines Schauspiels. Die grausame Logik seiner Heldin, die selbst noch zum Schwert greift, als es die Männer schon müde sind, hat  ihn offenbar nicht inspiriert. Es scheint – pardon! – als wüsste er mit der Figur nichts anzufangen. So steht Kathleen Morgeneyer zweieinviertel Stunden, das Schwert in der Rechten, Tarnfarbe im Gesicht, regungslos herum. Nur Grimasssen darf diese sonst so großartige, vielseitige Schauspielerin schneiden. Ach ja: Und als einfaches Schäfermädchen gar artig sprechen, während sie gehorsam schreit, sobald die Heiligen in sie fahren. Da wird sie Nemesis persönlich. Knallhart. Vor allem, wenn ihr die Heilige Maria das blutrünstige Morden anschafft, brüllt Morgeneyer wie am Spieß. Huch, eine gespaltene Persönlichkeit, wie psychologisch aufregend! Und das so lange vor Sigmund Freud …

Der Rest der Mannschaft umrundet das Denkmal wie Schattengestalten. Idee: Statt Schlachtenszenen, die ja pfui Action auf die Bühne gebracht hätten, spucken die Sterbenden Johanna einfach das Blut aufs weiße Kleidchen. Unter den Herren stellt einzig Christoph Franken als Karl der Siebente (von Johanna ja zum König von Frankreich gemacht) so etwas wie eine Figur dar. Er darf in langen Unterhosen und Pelzmantel und Krönchen über die Bühne tippeln. Ein Schwächling, der den in seiner Familie herrschenden Wahnsinn in kleinen Details gelungen andeutet. Meike Droste gibt seine Geliebte, Agnes, mit mehr Mumm unterm bunten Kleidchen als er – und darf sogar menschliche Züge zeigen. DIE beiden Auftritte des Abends gehören aber Almut Zilcher als Königin Isabeau, die ihren eigenen Sohn um den Thron gebracht und den Feind ins Land geholt hat. Wenn die Grande Dame auf die Bühne stöckelt, gehört der Raum ihr. Ein böses, hinterfotziges Weib. Eine Hexe wie aus dem Märchen. Eine faszinierende Erscheinung.

Das Moral in Dichtung und Wahrheit: Vor nichts haben Männer mehr Angst und Ehrfurcht als vor einer starken Frau. Und weil sie die Machtmittel (immer noch) in der Hand haben, folgt deren Ausrottung mit Stumpf und Stiel. Mit der Dummheit kämpfen Götter selbst vergebens, lehrt uns Thalheimer. Nur ein bissl mehr gesehen hätten wir gern. Mehr Licht! Um schnell noch Schillers Kumpel Goethe zu zitieren.

Premiere am Deutschen Theater Berlin: 27. September.

www.salzburgerfestspiele.at

www.deutschestheater.de

www.mottingers-meinung.at/salzburger-festspiele-2013/ :Domplatz: Die Sommerresidenz der Familie Hörbiger

www.mottingers-meinung.at/die-neue-buhlschaft/

www.mottingers-meinung.at/salzburger-festspiele-young-directors-projekt/

Von Michaela Mottinger

Salzburg, 29. 7. 2013

Stephan Kimmigs „Kinder der Sonne“

März 14, 2013 in Tipps

Gastspiel am Burgtheater

Mit einer “ Sternstunde nicht allein des Berliner Theaters“ habe man es hier zu tun. Nie habe Stephan Kimmig „Besseres, in sich Stimmigeres gemacht“, schrieb die Welt. Der Regisseur führe uns „in seiner brillanten Inszenierung“ die Folge des „Weltabhandengekommenseins“ bei Gorki „mit größtmöglicher Ironie“ vor, jubelte die Frankfurter Rundschau. Und über die Darsteller berichtet die Berliner Zeitung: „Sie sind allesamt hinreißend!“ Ein Schauspielhochglanzabend.

 

Kinder der Sonne

Ulrich Matthes (Pawel Fjodorowitsch Protassow), Nina Hoss (Jelena Nikolajewna, seine Frau)
Bild: Arno Declair
Eine Produktion des Deutschen Theaters Berlin

Kimmigs vielgelobte Inszenierung – er bekam dafür den deutschen Theaterpreis „Faust“ in der Kategorie Beste Regie – von Maxim Gorkis „Kinder der Sonne“ ist am 16. und 17. März  als Gastspiel des Deutschen Theaters Berlin am Burgtheater zu sehen. Inhalt: Im Haus des Wissenschaftlers Protassow und seiner Ehefrau Jelena gehen ein und aus: der Künstler Wagin, der in Jelena verliebt ist, die reiche Witwe Melanija, die ihrerseits Protassow liebt, sowie der Tierarzt Tschepurnoj, der seit langem Protassows Schwester Lisa zugetan ist. Schließlich der Hausmeister Jegor, der seinen Beruf versteht, aber trinkt und seine Frau schlägt. Alle sind auf der Suche nach einem erfüllten, einem besseren, einem wertvollen Leben. Wie muss man arbeiten, wie miteinander leben, um so etwas wie Sinn zu verspüren? Sie verstehen einander nicht – neurotisch, unglücklich, egoistisch und zutiefst komisch hat sich jeder in seinem Kokon eingerichtet. Draußen auf der Straße, „unten“, findet eine wirkliche Revolte nicht statt. Eine Utopie ist nicht in Sicht.

Maxim Gorki schrieb ‚Kinder der Sonne‘ 1905 in der Peter-Paul-Festung, wo er wegen seiner Teilnahme an Protesten gegen die Militäraktion des so genannten „Blutsonntags“ in Arrest gehalten wurde. Die Schüsse auf die Demonstration von Arbeitern leiteten die erste russische Revolution ein. In seinem Stück nimmt Gorki die Cholera-Unruhen von 1890 zum Vorwand und erzählt von der Vorausahnung einer politischen wie gesellschaftlichen Katastrophe. Er zeichnet das düsterkomische Bild einer Gesellschaft, die, von sozialen wie kulturellen Konflikten zerrissen, unfähig ist zur Schaffung einer besseren Welt.

Es spielen u. a. Ulrich Matthes, Nina Hoss, Sven Lehmann und Alexander Khuon.

www.burgtheater.at

Von Michaela Mottinger

Wien, 14. 3. 2013