Academy Awards Streaming: Ma Rainey’s Black Bottom

April 3, 2021 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Das Afroamerika-Drama ist nominiert für fünf Oscars

Ein Star im Rampenlicht: Viola Davis als Ma Rainey. Bild: David Lee/Netflix – © NETFLIX 2020

Zu den unzähligen Auszeichnungen – 57 Preise und 198 Nominierungen, die das Blues-Drama „Ma Rainey’s Black Bottom“ mit Viola Davis in der Titel- und „Black Panther“ Chadwick Boseman in seiner letzten Rolle bereits erhielt, könnten sich am 25. April auch einige Academy Awards 2021 gesellen. Die Netflix-Produktion ist in den Oscar-Kategorien Bester Hauptdarsteller für Chadwick Boseman, Beste Haupt- darstellerin für Viola Davis,

Karen O’Hara und Team für das Beste Szenenbild, Ann Roth für das Beste Kostümdesign sowie Sergio Lopez-Rivera und Team für Bestes Make-up und beste Frisuren nominiert. Hier noch einmal die Filmrezension vom vergangenen Dezember:

Viola Davis und Chadwick Boseman haben den Blues

Macht ist eine eisgekühlte Coca-Cola, und die „Mutter des Blues“ wird keinen einzigen ihrer urgewaltigen Töne singen, wenn ihr nicht sofort eine Flasche des süßen Softdrinks beschafft wird. Da bleibt sie hart, das meint sie bitterernst. Die Weißen, Manager Irvin und der Studioboss Mel Sturdyvant, können froh sein, dass sie nach beträchtlicher Verspätung überhaupt erschienen ist!

Noch führt sie das Zepter. „All they want is my voice“, weiß sie. Nach der Aufzeichnung, wenn ihre Songs Sturdyvant gehören, ist ihre Herrschaft vorbei. Dann ist selbst Ma Rainey keine glänzende Königin mehr, sondern bloß eine schwitzende Frau in den Wechseljahren. Eine schwarze Frau. Also quasi ein Nichts. Oder wie Ma sagt, „eine Hure, über die sich die Herren drübergerollt haben.“

Schon die erste Szene des Films lässt einem den Atem stocken. Peach State Georgia in den späten 1920er-Jahren: Zwei junge Schwarze hetzen nachts durch einen dunklen Wald, Taschenlampen leuchten, Hunde bellen, ein Lynchmob, der „entlaufenen“ auf den Fersen ist? – nein, gottlob, die beiden wollten nur rechtzeitig zu einer von Ma’s Tent Shows kommen. Dann die Southside von Chicago. Schwarze sind hier im Norden Shoe Shine Boys und Zimmermädchen, die Segregation hat die USA fest im Griff. Und dann ist da der Star: Ma Rainey begeistert das afroamerikanische wie das weiße Publikum.

Zusammen mit ihrer Band will sie eine neue Best-of-Platte aufnehmen, doch schon vor Beginn der Session kommt es zu Spannungen. Nicht nur zwischen Ma, Irvin und Sturdyvant. Sondern auch mit Bandmitglied Levee, einem hochtalentierten, temperamentvollen jungen Mann, der sich mit seinen eigenen Jazzkompositionen einen Namen machen und, da er den sich allmählich ändernden Musikgeschmack wahrnimmt, Ma’s Songs seinen Rhythmus aufzwingen will. Die Battle heißt Kornett vs. Timbre, und das Publikum muss nicht schockiert sein, wenn einer den anderen „Nigga“ nennt. Das nur von Schwarzen zu verwendende N-Wort ist in der Musikszene eine freundschaftliche Anrede, bis heute, bis zum HipHop …

„Ma Rainey’s Black Bottom“ basiert auf dem gleichnamigen, von der echten, 1886 in Georgia geborenen Bluessängerin inspirierten Bühnenstück von Pulitzer-Preisträger August Wilson. Theater- und Filmregisseur George C. Wolfe hat das Kammerspiel für Netflix Originals inszeniert, kein Geringerer als Denzel Washington war der Produzent. Entstanden ist kein Biopic, sondern die in dieser Momentaufnahme festgehaltene Geschichte der Schwarzen in den USA, eine Story über Rassentrennung, Diskriminierung und Schlechterstellung aufgrund der Hautfarbe – die modernen Schlagworte sind „struktureller Rassismus“ und „sozioökonomische Disparität“, also kaum Karrierechancen, weniger Einkommen, weniger Bildung, geringere Lebenserwartung, George Floyd …

Taylour Paige als Ma’s Geliebte Dussie Mae. Bild: David Lee – © NETFLIX 2020

Viola Davis als Ma Rainey. Bild: David Lee/Netflix – © NETFLIX 2020

Chadwick Boseman als Levee Green. Bild: David Lee/Netflix – © NETFLIX 2020

Zwischen Rampenlicht und der Rumpelkammer, die sich Aufnahmeraum schimpft, brilliert Oscar-Preisträgerin Viola Davis als selbstbewusste Musiklegende. Wie sich ihre Ma furchtlos und furios gegen die Vorurteile einer rassistischen Gesellschaft stellt, grandios bei einem von ihr verursachten Autounfall, heißt: eigentlich saß ihr Neffe Slyvester am Steuer, nachdem sie jenem Polizisten, der ernsthaft bezweifelt, dass die Edelkarosse die ihre ist, die Stirn bietet, da kann die Davis famos aufspielen. Und doch zeigt sie die Autorität von Ma Rainey mit einem ständig spürbaren Bewusstsein um deren prekäre Position.

Man sieht ihr an der Nasenspitze die Genugtuung an, die Aufnahmen sanktionsfrei zu „sabotieren“, also nach ihrem Takt dirigieren zu können, aber unter der verlaufenen Schminke auch die brodelnde Wut – und die Erschöpfung, die es bedeutet, sich immer behaupten und immer kämpfen zu müssen. Davis‘ Ma ist eine hantige Mutter, an Angry Black Woman, eine unangenehme, ungeniert bisexuelle  – herrlich wie sie Arm in Arm mit ihrer Geliebten Dussie Mae und dem für ihren Lover gehaltenen Sylvester zum Schrecken der Tea-Time-Society die Hoteltreppe hinunterstolziert – und unabhängige Frau, und eine solche wird bekanntlich auch anno 2021 als gefährlich erachtet.

Trotz der furiosen Viola Davis aber wird „Ma Rainey’s Black Bottom“ wohl als schauspielerischer Triumph eines anderen erinnert werden. Die Rolle des provokant-lässigen Levee ist die letzte des im August 2020 verstorbenen „Black Panther“ Chadwick Boseman, und mit Wehmut sieht man diese beeindruckende Leistung, Levee, ein Südstaaten-Junge, der hinter seiner hochfahrenden Art einen tief vergrabenen Schmerz aus der Vergangenheit verbirgt. Nicht nur, weil er ihr mit seinen Impro-Solis regelmäßig das Rampenlicht stiehlt, oder weil er ein Auge auf Dussie Mae geworfen hat – welche eine Frage: „Can I introduce my red rooster to your brown hen?“, kann Ma Levee nicht leiden, sondern auch, weil er ihr punkto Arroganz, Talent und Egozentrik ein ebenbürtiger Gegner ist.

Boseman agiert neben Davis ganz anders, denn als besonnener Wakanda-König T’Challa; sein Levee ist drahtig, hippelig, von Ehrgeiz getrieben. Hinter der Blues-Legende Rücken hat er Sturdyvant weniger wehmütige, tanzbare Arrangements ihrer traditionellen Songs und auch ein paar eigene gegeben, jetzt hofft er vom Studioboss als Komponist und Arrangeur anerkannt zu werden. Doch wird er zum Opfer einer Frühform der „Cultural Appropriation“: Sturdyvant kauft ihm seinen „Jelly Roll“-Jazz für fünf Dollar ab, und lässt ihn ohne Levees Kenntnis von einer weißen Combo für ein weißes Publikum auf Platte pressen – Levees rebellischer Subkultur-Sound klingt plötzlich nach gutem, altem Gassenhauer, Sturdyvant wird damit ordentlich Geld scheffeln. Dies der große Unterschied: „Levee has the big mouth, but Ma the big walk!“ Ihm fehlt ihr realistischer Blick auf die Zustände.

Die Enttäuschung darum, Levees Gefühlstonleiter generell, spielt Boseman wie unterm Druck eines explodierenden Wah-Wah-Dämpfers, sein Gesicht in seiner Mimik so beredt wie die pointierten Dialoge im Drehbuch von Ruben Santiago-Hudson. Im Laufe der 90 Minuten enthüllt sich Levees Trauma: Er sah als Kind die Vergewaltigung der Mutter durch mehrere weiße Gutsbesitzer, und wurde dabei selbst schwer verletzt, der Vater auf seinem Rachefeldzug aufgegriffen, aufgehängt und bei lebendigem Leib verbrannt. „Ich kann ,Ja, Sir!‘, Danke, Sir!‘ sagen, im Wissen, dass meine Zeit kommen wird“, bescheidet er dem Rest der Anwesenden.

Levee stiehlt Ma die Show: Chadwick Boseman und Viola Davis. Bild: David Lee/Netflix – © NETFLIX 2020

Viola Davis, Taylour Paige und Dusan Brown als Ma’s Neffe Sylvester. Bild: David Lee/Netflix – © NETFLIX 2020

Leeve’s Antichrist-Pose: Boseman mit Glynn Turman, Michael Potts und Colman Domingo. Bild: David Lee – © NETFLIX 2020

Levee spricht über die Vergewaltigung seiner Mutter: Boseman (re.), Domingo und Turman. Bild: David Lee – © NETFLIX 2020

Als da wären Colman Domingo als tiefreligiöser Cutler, Glynn Turman als Polit-Philosoph Toledo und Michael Potts als schweigsamer Slow Drag, die Kollegen an Posaune, Piano und Bass, die auf Ma angewiesen, ergo gewissenhafte Begleiter sind, doch Ma’s und Levees emotionale Eruptionen mit fortschreitender Stunde nur noch mit Mühe ertragen. Nicht so Ma’s gelangweilte Geliebte, Taylor Paige als laszive Dussie Mae, die sich alsbald mit Levee im Probenkeller vergnügt. Oder Dusan Brown als Ma’s stotternder Neffe Sylvester, den sie unbedingt als Ansager engagiert sehen will. Jonny Coyne ist als ungeduldiger, von Ma’s Sonderprivilegien genervter Sturdyvant zu sehen. Und ein Kabinettstück liefert Jeremy Shamos als um Ma scharwenzelnder Irvin, dem’s mit Bravour gelingt bei eigener devoter Körperhaltung sein Gegenüber zu demütigen.

Auf Bosemans berührenden Mutter-Monolog folgt ein weiterer grandioser, eine Anklage gegen Gott, der Schwarze hassen muss, da er kein Leid verhindert und jede Ungerechtigkeit unterstützt. Man spürt in diesen Worten, die im Film zu Handgreiflichkeiten mit Cutler führen, beinah Bosemans persönliche Dringlichkeit. Die Figur des Levee ist von Regisseur George C. Wolfe in allerlei endzeitliche Symbole gebettet, sei’s, dass Levee in Antichrist-Pose auf einem Bänkchen an seiner Partitur feilt, sei’s, dass er, endlich von Ma gefeuert, die geheimnisvoll verschlossene Tür im Probenraum aufbricht, um in einem winzigen, ausweglosen Innenhof zu landen. Vier weitere Mauern, in Österreich heißt so etwas Lichthof, doch ein solches will auf Levee nicht scheinen.

Es kommt zur Eskalation, Levee hat ein Messer in der Hand, er wird damit töten. Und schuld dran ist, noch ein Sinnbild und ein immer wiederkehrendes Motiv, Levees vom noch nicht einmal erhaltenen Salär gekauftes Paar gelbe Schuhe. Sein ganzer Stolz und sein Untergang, eine Kennzeichnung seines Charakters von verspielt bis verbittert, die Farbe Gelb im Volksglauben gleichgesetzt mit einem hellen Verstand, aber auch mit Neid, in der frühen Liturgie des Christentums mit Tod und Verderben, von ihrer Bedeutung in Sternform gar nicht erst zu reden.

„Ma Rainey’s Black Bottom“ ist abseits der großartigen Musik ein schmerzliches Zeitdokument über die Situation der afroamerikanischen Bevölkerung in den Vereinigten Staaten – damals wie jetzt, ein Jahrhundert weiter und wenig Verbesserung. Nicht zuletzt dank der enormen Produktivität der Streamingportale gibt es eine stetig steigende Präsenz afroamerikanischer Themen und Schauspieler auf den Bildschirmen, und mit Produktionen wie dieser zeigt sich, dass zumindest in Kunst und Kultur Rassismus oder Xenophobie keine Chance haben.

Im Gedächtnis bleiben wird dieser Film auch als Vermächtnis von – nomen est omen – „Black Panther“ Chadwick Boseman, er durch diese Rolle zur afrofuturistischen Ikone geworden, hier ein zwischen Enthusiasmus und Verzweiflung changierender Mann, der die Kraft der Musik ebenso feiert, wie er sich gegen das von ihr verursachte Leiden stemmt, und der voll Leidenschaft gegen die Fesseln, die bewussten wie die unbewussten, in diesem stickigen, klaustrophobischen Setting kämpft, als gäb’s kein Morgen.

Ob Chadwick Boseman posthum zu Oscar-Ehren kommen wird, wer weiß? Mit ihm sind Favorit Gary Oldman für „Mank“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=45151), Anthony Hopkins für „The Father“, Riz Ahmed für „Sound of Metal“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=45178) und Steven Yeun für „Minari“ nominiert. Verdient hätte den Goldjungen jeder, und wie für die anderen Filme gilt: „Ma Rainey’s Black Bottom“ ist eine Empfehlung. Oder wie Colman „Cutler“ Domingo sagt: A-one, a-two, a-you know what to do …

Trailer/engl.: www.youtube.com/watch?v=ord7gP151vk             www.youtube.com/watch?v=wAY2oAm2rv4           www.netflix.com           Erstveröffentlichung: www.mottingers-meinung.at/?p=43672

3. 4. 2021

Streaming: Sylvie’s Love / Ma Rainey’s Black Bottom

Dezember 31, 2020 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Mitten ins Herz von Hollywoods Golden Age

Tessa Thompson und Nnamdi Asomugha als Sylvie und Robert. Bild: © Amazon Studios

Dass Saxophonspieler gefährlich sind, wusste schon Marilyn in „Manche mögen’s heiß“. Nun kann man sich in „Sylvie’s Love“ ein weiteres Mal von der Macht der Blue Notes überzeugen, der Film der Amazon Studios ein romantisches Melodram wie weiland die großen aus den 1950er-, 1960er-Jahren. Regisseur und Drehbuchautor Eugene Ashe führt einen mitten hinein ins Herz von

Hollywoods Golden Age, wo man zur Liebesgeschichte von Schallplattenverkäuferin Sylvie und Musiker Robert zart dahinschmelzen darf. Der Soundtrack von Fabrice Lecomte, das Schmusen auf der Rückbank eines Chevy, die Managerin selbstverständlich ein blondes Gift – und ein Engagement in Paris, das das Paar trennt … ach … was will man mehr? Es ist New York im Sommer 1957, und der geniale, doch schüchterne Saxophonist Robert, und deshalb stets im Schatten des Posers und Bandleaders Dickie Brewster, nimmt einen Teilzeitjob im Plattenladen von Sylvies Dad an, damit endlich Geld in die Kassa kommt.

Einen „West Side Story“-Besenstieltanz und eine zugeschlagene Kellertür später, sind die beiden bis über beide Ohren verliebt. Doch da sind, wie gesagt, Paris – und ein Verlobter im Kriegsdienst, und so wollen Sylvie und Robert einander nicht im Wege stehen. Schnitt. Fünf Jahre später. Man begegnet sich vor einer Concert Hall wieder, Nancy Wilson singt, Sylvie ist mittlerweile Mrs Lacy Parker und Mutter einer Tochter von eh schon wissen wem. Es folgt eine leidenschaftliche Nacht im Hotelzimmer und, damit’s zum Heulen ist, die neuerliche Trennung. Zum zweiten Mal scheint Sylvies und Roberts Liebe unmöglich.

In wunderbarer Nostalgiekulisse fängt Declan Quinn die Bilder dieser feingewobenen Love Story ein. Licht und Ton, alles ist so, als müssten gleich Terry McKay und Nickie Ferrante ums nächste Eck biegen, tatsächlich fehlt eine Szene nicht, in der Sylvie an ebendieser steht, Robert mit einer aufdringlichen Backgroundsängerin sieht, die Situation natürlich falsch interpretiert und wegläuft. Tessa Thompson und der frühere NFL-Football-Star Nnamdi Asomugha, der den Film auch mitproduzierte, sind beim Flirten-Nicht-Flirten ein supersympathisches Paar. Wie der Jazz zwischen den beiden swingt, macht den berührenden Charme von „Sylvie’s Love“ aus.

Thompson und Asomugha. Bild: © Amazon Studios

Aja Naomi King als Mona. Bild: © Amazon Studios

Tone Bell und Jemima Kirke. Bild: © Amazon Studios

Fünf Jahre später. Bild: © Amazon Studios

Tone Bell spielt den selbstsicher gechillten Dickie Brewster, Jemima Kirke die glamouröse „Countess“, deren Verhandlungsgeschick aus dem Local-Heros-Quartett eine internationale Sensation macht. Klar, dass Dickie mit der Countess ins Bett steigt, auf einer Silvesterparty, während Eva Longoria als feurige Ehefrau Carmen einen wilden Mambo aufs Parkett legt. Trotz so viel Musik hat Eugene Ashe nicht auf die zeitgeschichtliche Bassline vergessen. 1957 ist das Jahr von Little Rock, 1963 der Marsch auf Washington, 1965 folgte Selma, und mittendrin entwickelt sich Sylvies flatterhafte Cousine Mona, dargestellt von Aja Naomi King, zur Botschafterin des SNCC- Wählerregistrationsprogramm.

Zu den bezeichnendsten gehört eine Episode, in der Sylvies Mann Lacy, so schuldlos, so verzweifelt – Alano Miller, einen wichtigen, weißen Kunden zum Dinner einlädt, in dessen Verlauf den „netten Leuten“ nicht nur das N-Wort gleich einem Kompliment leicht über die Lippen geht, sondern sich auch herausstellt, der Kunde will Lacy ins Boot holen, weil er laut Kennedys neuem Bürgerrechtsgesetz im Verdacht diskriminierender Geschäftspraktiken steht. So viel zur heilen Doris-Day-Welt. Und weil neben der Hautfarbe das Geschlecht eine wesentliche Rolle spielt, muss auch das biedere Patriarchat sein hässliches Gesicht zeigen – als die durchaus karrierebewusste Sylvie einen langersehnten Produzentenjob bei einer Fernsehkochshow bekommt.

Eine Full-Time-Stelle, die sich schwer mit Lacys Vorstellungen von Haushaltspflichten vereinbaren lässt. Umso schöner, dass das Ende ein emanzipatorisches ist. Was mit dem Siegeszug von Motown und dem Sichern des Familieneinkommens zu tun hat … Freilich kann man „Sylvie’s Love“ vorwerfen, dass hier ausschließlich auf „Bill Cosby Show“-Weise privilegierte Afroamerikaner gezeigt werden. Doch gerade rund ums Fest der Liebe darf man sich dem Genuss einer Märchengeschichte hingeben.

Asomugha, Regé-Jean Page und Ron Funches. Bild: © Amazon Studios

Einer swingenden, klingenden Musik-Geschichte rund ums Suchen und Finden von Glück, deren Moral immerhin ist: Man soll sich kein Opfer abringen, dass der andere gar nicht haben will. Oder wie Audrey Hepburn sagte: „Ich brauche sehr viel Liebe – ich will geliebt werden und Liebe schenken. Liebe ängstigt mich nicht, aber ihr Verlust schon.“

Trailer: www.youtube.com/watch?v=SbjakuJZgww          www.amazon.de

FILMTIPP: Ma Rainey’s Black Bottom

Viola Davis und Chadwick Boseman haben den Blues

Chicago in den späten 1920er-Jahren. Schwarze sind Shoe Shine Boys und Zimmermädchen, die Segregation hat die USA fest im Griff. Und dann ist da ein Star: Ma Rainey begeistert als „Mutter des Blues“ das afroamerikanische wie das weiße Publikum. Zusammen mit ihrer Band will sie in einem Tonstudio eine neue Best-of-Platte aufnehmen, doch schon vor Beginn der Session kommt es zu Spannungen. Nicht nur zwischen Ma, ihrem weißen Manager Irvin und dem Studioboss Sturdyvant.

Sondern auch mit Trompeter Levee, einem hochtalentierten, temperamentvollen jungen Mann, der sich mit seinen eigenen Jazzkompositionen einen Namen machen und, da er den sich allmählich ändernden Musikgeschmack wahrnimmt, Ma’s Songs seinen Rhythmus aufzwingen will. Die Kollegen an Bass, Posaune und Piano sind auf Ma angewiesen, also gewissenhafte Begleiter. Nicht so Ma’s gelangweilte Geliebte Dussie Mae, die sich alsbald mit Levee im Probenkeller vergnügt. Und so kommen im Laufe eines Nachmittags Wahrheiten ans Licht, die das Leben aller Beteiligten erschüttern werden …

Im Rampenlicht: Viola Davis als Ma Rainey. Bild: © David Lee ​/ Netflix

Chadwick Boseman als Trompeter Levee. Bild: © David Lee ​/ Netflix

„Ma Rainey’s Black Bottom“ basiert auf dem gleichnamigen, von der echten, 1886 in Georgia gebornenen Bluessängerin inspirierten Bühnenstück von Pulitzer-Preisträger August Wilson. Theater- und Filmregisseur George C. Wolfe hat das Kammerspiel für Netflix Originals inszeniert, kein Geringerer als Denzel Washington war der Produzent. Zwischen Rampenlicht und der Rumpelkammer, die sich Aufnahmeraum nennt, brilliert Oscar-Preisträgerin Viola Davis als selbstbewusste Musiklegende.

Wie sich ihre Ma furchtlos und furios gegen die Vorurteile einer rassistischen Gesellschaft stellt, grandios bei einem von ihr verursachten Autounfall, da kann die Davis famos aufspielen. Die Rolle des provokant-lässigen Levee ist die letzte des im August verstorbenen „Black Panther“ Chadwick Boseman, und mit Wehmut sieht man diese beeindruckende Leistung, Levee, ein Südstaaten-Junge, der hinter seiner hochfahrenden Art einen tief vergrabenen Schmerz aus der Vergangenheit verbirgt. Was genau, wird die Zuschauerin, der Zuschauer noch erfahren.

Ma’s und Levees emotionale Eruptionen aushalten müssen Colman Domingo, Glynn Turman und Michael Potts als Band, Jeremy Shamos als Irvin und Jonny Coyne als Sturdyvant. Dusan Brown spielt Ma’s stotternden Neffen Sylvester, den sie unbedingt als Ansager engagiert sehen will, Taylor Paige eine laszive Dussie Mae. Eine Empfehlung. Oder wie Colman Domingo sagt: A-one, a-two, a-you know what to do …

Trailer: www.youtube.com/watch?v=ord7gP151vk          www.youtube.com/watch?v=wAY2oAm2rv4           www.netflix.com

  1. 12. 2020

Milla meets Moses

Oktober 28, 2020 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Kurz vor dem Ende kommt die erste Liebe

Eliza Scanlen als Milla. Bild: © Lisa Tomasetti

Doch, die Bahngleise scheinen sie magisch anzuziehen, wenn man vermuten möchte, dass ihr leerer Blick auf diese gerichtet ist. Springt sie? Spricht sie gerade mit sich selbst? Keine Zeit mehr. In doppelter Hinsicht. Denn an ihr vorbei rennt ein junger Mann; der zugedröhnte Junkie rempelt sie an, sie fällt hin, er kann vor dem einfahrenden Zug grad noch stoppen, und breitet die Arme aus. Schützt er sie oder sich? Keine Frage, Moses wird zum Lebensretter – nicht nur für Milla.

Mit ihrem Spielfilmdebüt „Milla meets Moses“, englisch: „Babyteeth“, überraschte die australische Theater- und TV-Regisseurin Shannon Murphy im vergangenen Jahr bei den Filmfestspielen von Venedig Presse und Publikum. Weil ihr hier etwas schier Unmögliches gelingt – nämlich von einem 15-jährigen krebskranken Mädchen zu erzählen, dass seinen bevorstehenden Tod mit einer überbordenden Fülle an Daseinslust wegschiebt.

Der am Freitag anlaufende Film ist an keiner Stelle Betroffenheitskino. Ist keine Tränendrüsentragödie. Ist kein steril-weißes Krankenhausdrama mit Infusionsschläuchen und Chemo-Kotzen, nichts würde Milla weniger dulden als Selbst-/Mitleid, sondern eine sehr besondere Coming-of-Age-Geschichte. Über all die Emotionen, Sehnsüchte und Ängste, die eine erste Liebe so mit sich bringt. Dass das gelingt, ist selbstverständlich der australischen Autorin und Schauspielerin Rita Kalnejais geschuldet, die ihr in Sydney ausverkauftes Theaterstück in ein Drehbuch verwandelte.

Aber auch den beiden jungen Schauspielern Eliza Scanlen und Toby Wallace, sie schon in „Little Women“ an der Seite von Saoirse Ronan und Emma Watson aufgefallen, er wie jeder gute Down-Under-Durchstarter seit weiland Kylie Minogue „Neighbours“-geprüft und für seine Darstellung des Moses am Lido mit dem Marcello-Mastroianni-Preis ausgezeichnet.

Mädchen in properer Schuluniform meets gepiercten, tätowierten, obdachlosen Punk. Da müssen deren Eltern erst einmal schlucken, auch an Millas neuer Fisur, die Moses mit der Pudelschermaschine seiner Mutter zugerichtet hat – dass Eliza Scanlen für ihre Rolle die Haare bis zur Glatze lassen musste, war part of the job -, und Shannon Murphy taucht erstmals in ihre Erforschung dysfunktionaler Familien ab, als Moses‘ Mutter beim Ertappen ihres Sohnes im Eigenheim nach der Polizei ruft.

Toby Wallace als Moses. Bild: © Filmladen Filmverleih

Bild: © Filmladen Filmverleih

Bild: © Filmladen Filmverleih

Bild: © Filmladen Filmverleih

Auch im Hause Finlay sind die Gefühle schockgefrostet. Mit Empathie nähert sich Murphy dem Ehepaar Anna und Henry, Essie Davis und Ben Mendelsohn, denen man erstmals beim Misslingen ihres Therapiesitzungssex‘ begegnet, ist Henry doch Psychiater und die zu überdrehten Übersprungshandlungen neigende Anna von ihm mit ausreichend Psychopharmaka versorgt. Im heimeligen Vorort-Domizil in St. Ives herrscht allgemeine Überforderung in der Übung, auf „normal“ zu machen, was ebendieses nicht ist.

Anna flüchtet sich in den Psychorausch, und ist damit um nichts weniger drogensüchtig als Moses, Henry sich ins Phlegma, doch weder mit Mutters hysterischer Fürsorge noch mit Vaters brüchigem Gleichmut ist Milla, Eliza Scanlen grandios als ruppige, dem Krebs gegenüber erfurchtslose, um keinen Preis „leidend sein“, sondern ihren Krebs-Kokon sprengen wollende Jugendliche, geholfen. Dazu braucht’s den mit seinen 23 Jahren laut Elten für Milla „natürlich viel zu alten“ Moses, der ihnen vor Augen führt, dass die Tochter kein Krankheitsfall, sondern auf dem Weg zur Frau ist.

Kalnejais’ scharfkantiger Ton dringt nicht nur durch die Dialoge der Figuren, ihr skurril-subversiver Humor findet sich auch in den Kapitelüberschriften wieder, die die Szenen verbinden. „Dieser Moses hat Probleme!“, schreit die Mutter, „Ich doch auch!“, die Tochter, nachdem dieser erstere mit einer Fleischgabel bedroht hat, ertappt beim Versuch, erst ihren Eiskasten, dann ihren Medikamentenschrank leerzuräumen.

Milla macht klar: Moses bleibt! Dahin führt’s, liberale Eltern zu sein: das Establishment holt sich den Gegner in seine Mitte, fulminant spielen das die Vier, vor allem Toby Wallace. Wann immer er auf den Plan tritt, übernimmt der Film seine mitreißende, durchaus charmante Impulsivität, der Witz und der Schmerz dabei feinfühlig ausbalanciert, der Kampf wohl aller Eltern gegen Töchterchens erste Teenagerliebe in extremo, dann wieder ein „Wie verlassen und allein kann man sein?“ mal vier.

Großartig dazu das erste Familienabendessen, Anna, die depressive Ex-Konzertpianistin hat sich zu Mozarts Requiem dicht gemacht, Henry, mittlerweile zuckt er zusammen, wenn sie seinen Namen nur ruft, sich mit einer Dosis Morphium beruhigt, Milla laboriert an der Wirkung neu verschriebener Tabletten, Moses ist sowieso hinüber – und irgendwann fragt man sich, wer am Tisch von welcher Droge am meisten high ist.

„Familienidyll“: Essie Davis als Mutter Anna, Toby Wallace, Eliza Scanlen und Ben Mendelsohn als Vater Henry. Bild: © Filmladen Filmverleih

„Kein Mann hat seiner Frau zu sagen, wann sie ,durchdrehen‘ darf“, ätzt Anna Richtung Henry, „Ich kann dich nicht leiden, aber Milla hält dich für etwas Besonderes, und ihr sollte die ganze Welt zu Füßen legen“, knurrt der Richtung Moses. Großes Kino, wie Ben Mendelsohn und Essie Davis in der stummen beziehungsweise hypernervösen Verzweiflung ihrer Figuren aufgehen. Wie ein Bewegungsmelder ortet die Kamera von Andrew Commis kleinste Regungen, Blicke, Stimmungen, die hier Kettenreaktionen auslösen. „Wickedly perverse and intensely moving“, nannte die Variety seinen eindringlichen Blick.

Nach dieser heftigen Begegnung lässt sich Milla mit Moses, und plötzlich ist er der ruhende Pol des Ganzen, durch die Nacht treiben. Endlich wieder einmal Party! Und die Kamera zieht mit. Eine Begegnung mit einem Künstlerinnen-Alter-Ego und zu viel Wodka wird für sie zu einer Art Befreiungsschlag, während Moses bei den Finlays eine ungeahnte Geborgenheit, ein endlich Aufgehobensein zu erspüren beginnt.

Wie Milla und Moses lebt der Film von Tag zu Tag, von Situation zu Situation. Zur Überschrift „Romanze“ rangeln die Frischverliebten am Pool. Milla entdeckt ihre Körperlichkeit und, dass Moses‘ von der Sucht ausgemergelter Leib um nichts weniger fragil ist als ihrer. Zu „Die neue Chemo beginnt“ verliert Milla ihre Haare, und wird nun in der Schule eine brave blonde Langhaarperücke tragen, im Club aber einen wilden grünen Bob. Zu „Just Another Diamond Day“ schließlich wird Milla Moses um Sterbehilfe bitten, und, wie schön ist das, der Film lässt offen, ob.

Der Krebs ist im Film, und genau das macht ihn so verheerend berührend, und nicht umsonst nennt ihn Shannon Murphy „eine herzzerreißende Komödie“, der Krebs also ist im Film der Katalysator. Der alle in seinem Umfeld dazu bringt, die Dinge neu und von vorne anzugehen. „Milla meets Moses“, ein Carpe-Diem-Aufruf an uns alle.

Der Filmschluss zeigt folgerichtig kein wie-auch-immer Ende, sondern Millas Geburtstagsfeier. Moses‘ kleiner Bruder Isaak wurde von der Mutter dafür freigegeben, die hochschwangere, alleinstehende Nachbarin Jenny, Millas Violinlehrer Gidon und ihre Schulfreundin Scarlett sind in den unorthodoxen Familienverband aufgenommen. Und plötzlich beginnt Millas letzter, längst überfällig Milchzahn, ihr letzter Babytooth zu wackeln.

www.x-verleih.de/filme/babyteeth           www.babyteeth.movie           www.youtube.com/watch?v=M6E8gPmz7n4

28. 10. 2020

The Phantom of the Opera at the Royal Albert Hall – online auf The Show Must Go On!

April 18, 2020 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein viktorianisches Schauerstück wird zur Opernsatire

Der Rote Tod erscheint auf dem Maskenball: Ramin Karimloo als das Phantom auf Bühne und Leinwand. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Musical-Titan Andrew Lloyd Webber bietet dieser Tage seine berühmtesten Werke auf dem Youtube-Channel „The Show Must Go On!“ als kostenlosen Stream an. Zum Wochenende je ein neues, am Karfreitag war das selbstverständlich „Jesus Christ Superstar“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=39238), gestern folgte „The Phantom of the Opera at the Royal Albert Hall“ aus dem Jahr 2011, das bis inklusive Sonntagabend online ausgestrahlt wird.

Weiland war die Bühnenproduktion zum 25-Jahr-Jubiläum des Phantoms live in Kinosäle auf der ganzen Welt übertragen worden. Eine Aufzeichnung davon, die elektrisierende Atmosphäre des großen Ganzen und – als Überblendungen – spezielle Close-Ups der Darsteller gibt es nun zu sehen, die Gemeinschaftsarbeit von Theaterregisseur Laurence Connor und Filmregisseur Nick Morris eben mehr als ein „Mitschnitt“, sondern ein eigenständiges Erlebnis – und als solches eins nicht nur für eingefleischte „Phans“.

Denn tatsächlich, die zuletzt 1988 in der goldenen Peter-Weck-Ära gesehene Musikschmonzette hat an Dramatik nichts eingebüßt. Immer noch spektakulär ist der damalige Aha-Effekt aus Nebel-Wasser-Barke-Kerzenschein, die Hits von „The Music of the Night“ bis „The Point of No Return“ sowieso, und um’s gleich zu sagen: In London’s most iconic venue saust der Kronleuchter nicht mit Karacho Richtung der Zuschauerköpfe, er explodiert in der imperialen Höhe des Konzertsaals – fürs Filmpublikum heißt das natürlich Vogelperspektive und „hautnah“.

Derart sitzt man beim #stayathome auf den besten Plätzen. Was die Magie des Moments, die Emotionen, die leidenschaftliche Stimmung betrifft, und auch den Sound. Das von Anthony Inglis dirigierte 45 Mann und Frau starke Haus-Orchester thront dafür auf einer Plattform oberhalb des Bühnengeschehens, hinter sich eine gigantische Vidiwall für etwaige Groß- und Backstage-Aufnahmen, beispielsweise sieht man das Phantom beim Verfassen seiner „Operngeist“-Anweisungen an die Direktoren, alldieweil die Messieurs Firmin und André diese dreisten Billets bereits lesen. Gelungen auch die Phantom-Verdopplung bei dessen abruptem Erscheinen in der „Masquerade“-Szene, die Schädelmaske des Roten Tods in überlebensgroß besonders schaurig.

Ramin Karimloo und Sierra Boggess als Christine Daaé. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Boggess flüchtet in die Arme von Hadley Frasers Raoul. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Demaskiert: Ramin Karimloo als Phantom. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Der Showdown mit Karimloo, Boggess und Fraser. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Was im aus der Raumnot eine inszenatorische Tugend machenden Setting gezeigt wird, ist very british und wunderbar Vintage. Beginnend mit der holprigen „Hannibal“-Probe und dem poetischen „Think of Me“ zeigen Sierra Boggess und Wendy Ferguson was gesanglich und schauspielerisch in ihnen steckt, Boggess eine Christine Daaé, deren schöner lyrischer Sopran übers Anforderungsprofil „Musicalstimme“ weit hinausragt, Ferguson als Carlotta Giudicelli eine höchst theatralische Primadonna assoluta, die begnadete Komödiantin ein Glanzpunkt des Abends, wenn ihr Operndivenschein beim „Poor Fool He Makes Me Laugh“-Gequake in Schieflage gerät.

Und apropos, „Il Muto“: Ein Auskenner-Auge werfen sollte man auf den 2011-Gerade-noch-Shootingstar Sergei Polunin, der Ballett-Rebell hier mal als Slave Master im „Hannibal“, mal als Shepherd in „Il Muto“ Spitze, mittlerweile erwachsen gewordenes Enfant terrible, der seine bravouröse Technik auf Leinwand zuletzt im Biopic „Nurejew – The White Crow“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=34617) demonstrierte. Ein zweites auf den Umstand, dass Regisseur und Webber-Experte Laurence Connor ins Gewand seines viktorianisch kostümierten Gothic Horror gekonnt eine humorvoll-gfeanzte Satire auf verschmockte Musiktheatermanierismen und ein opernweltliches Starunwesen kleidet. Kitsch meets Kunst.

Das gilt für Aufführung wie Ambiente. Denn selten zuvor war’s so ersichtlich, dass das Phantom, nicht nur mit einer abscheulichen Fratze, sondern auch mit dem absoluten Gehör gestraft, zugleich Zertrümmerer und Erneuerer im Musentempel ist. Einer, der mit der Atonalität der Avantgarde, siehe sein „Don Juan Triumphant“, das allzu Genregewöhnliche ausmerzen will, die Art Spearhead/Queer Head, der für seine Vision alle in den Wahnsinn treibt, ein Wesenszug, der Genies wie Möchtegerns anhaften mag, einer, der dafür Kollateralschäden in Kauf nimmt, ein mörderischer Pygmalion, der die von ihm erschaffene Göttin nicht loslassen kann und will.

Wendy Ferguson als Carlotta Guidicelli. Bild: The Really Useful Group Ltd.

Shootingstar Sergei Polunin. Bild: The Really Useful Group

Maskenball: Sierra Boggess und Hadley Fraser. Bild: The Really Useful Group Ltd.

Der in Teheran geborene Ramin Karimloo (www.raminkarimloo.com), mit seinen Eltern als Kleinkind vor dem Khomeini-Regime nach Kanada geflüchtet, spielt davon jede Facette. Der Phantom-Profi, seit er Anfang der 2000er erst in die Rolle des Raoul, dann in die des Phantoms schlüpfte, bietet in der Royal Albert Hall eine andere, eine unerwartete Interpretation der Figur. Selbstverständlich kann Karimloo Schmerz und Schreck und spooky sein, doch seine Augen hinter der Maske, mal funkensprühend böse, mal vor Tränen funkelnd, die Sehnsucht in seiner Körpersprache, dann wieder seine Hybris, die das Bemitleidenswerte übertüncht, diese subtilen Signale werden auf dem Bildschirm erst so richtig ersichtlich. Karimloo macht in düsteren Nuancen die gefährliche seelische Instabilität des Phantoms deutlich, und macht, was eindimensional sein könnte, so zum schillernden Main Charakter.

Dass zwischen Karimloo und Boggess die Chemie stimmt, weiß, wer die beiden bereits im Phantom-Sequel „Love Never Dies“ gesehen hat, sie tut’s auch zwischen Boggess und Hadley Fraser, der mit seinem angenehm sanften Bariton den Vicomte Raoul de Chagny gleich einem Fels in der Brandung singt. Man glaubt Fraser bis in jede Faser, dass er der ganze Mann ist, der sich gegen das Monster stellen wird, je hypnotischer das Phantom, desto wutentbrannter er, der Realist im irrationalen Treiben. Raouls beschützende Kraft ist dabei die gegen- sätzliche zur besitzergreifenden, obsessiven des Phantoms, mit dem Ergebnis, dass die beiden samt der zwischen zwei Lieben hin- und hergerissenen Christine der Sierra Boggess die perfekte Ménage à trois ergeben.

Ihr Highlight auch hier die „The Point of No Return“-Reprise, „The Final Lair“, das Grande Finale dargeboten mit vollem Schmelz, die Schraube, die das Phantom zweifelsohne locker hat, von Laurence Connor bis zum Abschlag angezogen, das Ende für Christine beinah ein emanzipatorisches, ihr „One Love, One Lifetime“ definitiv ans Phantom gerichtet. „Love conquers all“ heißt’s, also auch das Phantom, und bezüglich „Love Never Dies“, wer weiß, vielleicht wird das ja in einer der kommenden Wochen noch gestreamt.

Unterirdische Bootsfahrt mit Boggess und Karimloo. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Wynne Evans, Wendy Ferguson, Daisy Maywood, Barry James, Gareth Snook und Hadley Fraser. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

„Il Muto“-Satire mit Stephen John Davis (re.) als Don Attilio. Bild mit freundl. Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

Zwölftongeorgel: Ramin Karimloo und Sierra Boggess. Bild mit freundlicher Genehmigung von The Really Useful Group Ltd.

„The Phantom of the Opera“ ist in seinem 35. Jahr immer noch phänomenal, das beweist diese Show aus der Royal Albert Hall. Die mit Barry James und Gareth Snook als amüsant-überhebliche Operndirektoren Monsieur Firmin und Monsieur André, Liz Robertson als gouvernantenhafte Unheilkünderin Madame Giry, Daisy Maywood als töchterliche Ballettmaus Meg Giry, Wynne Evans als Pavarotti-Lookalike Ubaldo Piangi und Nick Holder als finstere Späße treibenden Bühnenmeister Joseph Buquet auch in den weiteren Rollen tadellos besetzt ist.

Ein Tipp: Nach dem Schlussapplaus noch zwanzig Minuten dranbleiben. Es gibt eine Überraschung, Andrew Lloyd Webber tritt auf, und was dann folgt, hat sehr viel mit ihm und seinem persönlichen „Angel of Music“ Sarah Brightman zu tun. Gänsehaut garantiert! Die Royal Albert Hall jedenfalls tobte …

Trailer: www.youtube.com/watch?v=C90eHuBPhS8

Die ganze Show: www.youtube.com/watch?v=nINQjT7Zr9w

www.youtube.com/channel/UCdmPjhKMaXNNeCr1FjuMvag     www.thephantomoftheopera.com         www.andrewlloydwebber.com            www.royalalberthall.com                    www.reallyuseful.com

18. 4. 2020

Rohnefeld und Steppan: „Mr. & Mrs. Swing“

August 14, 2013 in Tipps

Von „Mack The Knife“ bis „Candy Man“

Bild: © A. C. Schiffleitner

Bild: © A. C. Schiffleitner

Am 19. August 2013 (19.30 Uhr) haben Claudia Rohnefeld und Andreas Steppan mit ihrem Konzertprogramm mit Big Band „Mr. & Mrs. Swing“ Premiere in der Tschauner Bühne.

Gemeinsam führen sie durch einen Big Band Abend und präsentieren dem Publikum Claudia Rohnefeld und Andreas Steppan  Songs von Frank Sinatra, Dean Martin und Sammy Davis jr.Berühmte Tanzeinlagen, swingende Dialoge und mitreißende Musiknummern u.a. mit den Songs „Bad Leroy Brown“, „For Once In My Life“, „Candy Man“, „Mack The Knife“ und natürlich „New York, New York“. Dass „Selfman“ Steppan – mittlerweile honoriger Indendant der „Mödlinger Komödienspiele“ – das kann, stellte er schon früh unter Beweis: In der ORF-Talenteshow „Die große Chance“ hatte er seinen ersten Auftritt mit einer Parodie auf Sammy Davis jr.
Von Michaela Mottinger
Wien, 14. 8. 2013