Wiener Wortstaetten im Werk X: Gegen die Freiheit

November 28, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Europas hässlichstes Antlitz

Ein Erhängter im Esszimmer überrascht die neue Mieterin: Burak Uzuncimen und Saskia Klar. Bild: © Joachim Kern

„Was hat er denn vor, will er denken?“, fragt der Arzt jene Ehefrau, die zu ihm gekommen ist, ihren Mann des zwanghaften Lesens anzuklagen. Essays, das sei das Schlimmste, konstatiert der Doktor, was Wunder also, dass beim Erkrankten das selbstständige Den-Verstand-Einsetzen ausgebrochen ist. Da dies als unheilbar gilt, bleibt nur eines: einen Scheiterhaufen zu errichten, auf dem kein Buch – sondern der Patient selbst verbrannt wird. Solcherart sind die Pointen, die jede der sieben surrealen Szenen aus Esteve Solers Text „Gegen die Freiheit“ beschließen.

Soler, Jahrgang 1976, derzeit einer der gefragtesten zeitgenössischen Film- und Theaterautoren, bekannt für starke szenische Setzungen und zugespitzte Dialoge, ist Katalane. Das macht seinen Stücktitel umso pikanter. Seit gestern ist „Gegen die Freiheit“, von Soler Teil eins einer „Revolutionstrilogie“ genannt, als deutschsprachige Erstaufführung der Wiener Wortstaetten im Werk X zu sehen. Das Autorentheaterprojekt hat diese Saison in der Meidlinger Spielstätte ein Arbeitsatelier bezogen, nun diese Koproduktion im Rahmen des EU-Projekts „Fabulamundi Playwriting Europe – Beyond Borders?“, bei der Hans Escher die Regie übernommen hat.

Von Luis Buñuel, sagt Soler, wäre sein Schreiben inspiriert, und tatsächlich geht einem dessen „Würgeengel“ im Kopf um, denn in seiner dramatischen Collage zeigt Soler weit mehr als eine dystopisch bibliophobe Gesellschaft. Er zeigt direkt auf Europas hässlichstes Antlitz, zeigt, wie Totalitarismus im Kleinen beginnt, bevor er groß wird, zeigt Machtmissbrauch und Ohnmachtsverhältnisse, und wie die verlorengegangene Fähigkeit zur Kommunikation im Politischen wie im Privaten genau jene Kräfte vorantreibt, die Europas Aufgeschlossenheit gegenüber Andersdenkenden, Andersseienden den Kampf angesagt haben.

Wo eine Waffe ist, wird geschossen: Daniel Wagner, Heinz Weixelbraun und Burak Uzuncimen. Bild: © Joachim Kern

Entnervter Priester tötet Bräutigam: Daniel Wagner und Heinz Weixelbraun. Bild: © Joachim Kern

Solers Themen reichen von Gewalt durch Überwachung und/oder Waffen, Kapitalismuskritik samt einer an der Banken- und Immobilienblase, bis zum schändlichen Umgang mit Flüchtlingen, alles, was sozusagen europäische Abhängigkeitsbeziehungen dieser Tage ausmacht, und immer sind seine Stories unheilvoll, die Gefahr diffus, die Charaktere spooky. Dass sich das Premierenpublikum nichtsdestotrotz blendend amüsierte, liegt an Solers Talent für absurde Komik, doch immer kommt beim ehemaligen Schüler, nunmehr Lehrer an der Sala Beckett in Barcelona der Moment, wo bizarr in bitterböse kippt.

Die Schauspieler Elisabeth Findeis, Saskia Klar, Burak Uzuncimen, Daniel Wagner und Heinz Weixelbraun beweisen sehr viel Gespür für diesen Aberwitz, stellen Solers grelle – fast möchte man sagen – Sketche so griffig dar, wie’s verlangt wird, wechseln mit viel Lust am Obskuren von einer Rolle in die nächste. Von Hans Escher und Ausstatter Renato Uz ist ihnen dazu nur eine Art Tisch auf Rollen zur Hand gegeben, der im Laufe des Abends verschiedene Funktionen übernehmen wird, hinten eine Kleiderstange, auf der die wenigen Stücke hängen, die sie als eine neue Figur ausweisen.

Alex Petkov treibt am Schlagzeug das Spiel an, er gibt ein rasantes Tempo vor, erschafft mit Sticks und Besen ein Hochgeschwindigkeitsensemble, dessen nervös flirrendes Auftreten der perfekte Grundton für Solars Stück ist. Und so gestalten etwa Saskia Klar, Daniel Wagner und Heinz Weixelbraun eine Hochzeitsszene, in der die Braut beim „Bis dass der Tod euch scheidet“ nicht mitmachen will. Vor versammelter Festgesellschaft beginnt sie mit ihrem nun wohl nicht mehr Zukünftigen einen Streit über dessen prinzipiell erniedrigenden Sexpraktiken, bis der entnervte Pfarrer zur Pistole greift. Später wird Klar die verständnisvolle Frau eines Kinderschänders spielen, während Weixelbraun mit Elisabeth Findeis ein Ehepaar gibt, dass unterm Parkettboden im Ankleidezimmer nicht weniger als 700 Textilarbeiter eingeschlossen hält.

Der Sohn verhungert am Tisch der Mutter: Elisabeth Findeis und Burak Uzuncimen. Bild: © Joachim Kern

Während die Ausgebeuteten um Frischluft ringen, die von den Stoffen aufsteigenden Dämpfe sind nämlich giftig, klagt sie, sie hätte nichts anzuziehen, lässt er seine Arbeitssklaven auf herablassend-väterliche Art wissen, er habe Verständnis für ihre Herdenkultur, aufgrund der sie ja auf engstem Raum zusammengepfercht sein wollten. Dann gehen Mann und Frau shoppen. Eine nicht näher definierte Miliz ist nicht nur in einem Haus, sondern auch in der Social-Media-Sucht gefangen, eine Mutter lässt ihren Sohn an ihrer reich gedeckten Tafel verhungern.

Jeder hat bei Soler Leichen im Keller, oder wahlweise im Esszimmer, wo Burak Uzuncimen als sich erhängt habender Selbstmörder einer Wohnungsbesichtigung eine neue Dimension verleiht. Esteve Solers groteske Geisterbahnfahrt durch die menschlichen Abgründe ist in Hans Eschers Inszenierung ein unterhaltsamer, überwältigender, erschütternder Abend geworden – mit vielen offen bleibenden Fragen, die, wenn schon nicht der Antworten, so doch der Analyse harren. Ein Europa auf dem Prüfstand zu beschreiben, dazu sind im Rahmen von „Fabulamundi – Playwriting Europe“ aus Österreich unter anderem auch Miroslava Svolikova, Gerhild Steinbuch, Thomas Köck und Bernhard Studlar eingeladen.

www.wortstaetten.at/          werk-x.at

  1. 11. 2018

Vestibül des Burgtheaters: Tropfen auf heiße Steine

November 24, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Zunehmend bizarre Beziehungspersiflage

Alphamann Leopold Bluhm und seine so faszinierte wie eingeschüchterte Herde: Daniel Jesch mit Stefanie Dvorak als Vera, Christoph Radakovits als Franz Meister und Alina Fritsch als Anna Wolf. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Immer wieder ist das Vestibül des Burgtheaters ein Ort, an dem junge Theaterschaffende sich ausprobieren können. Nun tut dies Cornelius Edlefsen, seit 2016 Regieassistent am Haus, mit seiner Inszenierung von Rainer Werner Fassbinders Text „Tropfen auf heiße Steine“. Gerade 19 Jahre alt war das spätere Film-Enfant-Terrible, als er dieses, sein erstes Stück verfasste. Eine gewissermaßen Vorwegnahme seiner Lebens- und Werkthemen, Krisenbeziehungen, Bisexualität, Bürgerlichkeitsklischees.

Von ihm selbst allerdings nie auf die Bühne oder die Leinwand gebracht. Edlefsen entgeht klug der Versuchung, mittels Vorlage der Deutschen Nouvelle Vague nacheifern zu wollen. Wie Fassbinder einer kränkelnden (immer noch Nachkriegs-)Gesellschaft unbarmherzig unter den Nägeln brannte, so zeigt zwar auch Edlefsen die Mechanismen eines überkommenen, letztlich untoten Systems, an denen der einzelne nur scheitern kann. Doch Edlefsen überdreht Fassbinders Liebestragödie zur zunehmend bizarren Beziehungsfarce. Mit ausreichend Sinn für Satire lässt er die Ereignisse in der dem Meister eigenen Exzentrik explodieren, bewegt die Figuren zwischen dessen, von Fassbinder-Freunden so verbrieften, Lebenshunger und Todessehnsucht, macht aber an jeder Stelle seiner Arbeit deutlich, dass es ihm allein darum geht, auszustellen, wie Menschen ringen, geliebt zu werden.

Und so erzählt der einfühlsame Abend vom Versicherungsvertreter Leopold Bluhm, der den knapp 20-jährigen Franz Meister mit in seine Wohnung nimmt. Bald geht der ältere Mann auf Tuchfühlung, wird sexuell anzüglich, und der hübsche Junge, nicht ganz so naiv, wie er sich stellt, ergibt sich ihm. In vier Bildern treibt Fassbinder die Handlung voran. Im nächsten schon ist Franz ein einsamer Hausmann, der die ganze Woche nur auf die Rückkehr seines Geliebten von dessen Geschäftsreisen wartet. Wenn der Alleinverdiener kommt, ist er müde, mürrisch und mit allem unzufrieden. Statt Bettgeflüster gibt es nun Streitereien, Schnippisch-Sein und Kopfschmerzen, und als schließlich auch noch die Ex-Freundinnen Anna und Vera mit von der Partie sind, eskaliert die Situation …

Menschenmanipulator Leopold …: Daniel Jesch mit Stefanie Dvorak und Alina Fritsch. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

… wird für Franz bald zu viel: Christoph Radakovits und Stefanie Dvorak. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Daniel Jesch als Leopold Bluhm und Christoph Radakovits als Franz Meister zeigen eine begnadet gute Performance. Sensibel und zu Beginn der Beziehung so sinnlich, dass das Knistern zwischen den beiden Figuren zum Greifen ist, gestalten sie ihre Rollen. Wie Radakovits vom dem Jäger Jesch ausweichenden Jüngling zum Verliebten, dessen Gefühle Hochschaubahn fahren, zum Verzweifelten wird, das ist großes Kino. Mutmaßlich nie zuvor war Radakovits so eindringlich gut. Jesch wiederum wandelt seinen Leopold vom Verführer zum Manipulierer, zum Spielmacher sobald die Frauen dabei sind.

So, wie ihm alle verfallen, muss man an die einstigen, charismatischen Kommunengründer denken. Mit Verve arbeiten die beiden heraus, wie das Männerpaar in genau jene Beziehungsmuster kippt, denen es eigentlich entkommen wollte, Rituale, wie spießbürgerliches Gläserabwaschen vor dem Sex bestimmen den Alltag, Diskussionen drehen sich ums Rechthaben und Nichtsrechtmachenkönnen, das einander Zuwerfen von Zigarettenpäckchen wird von Mal zu Mal aggressiver. Man steckt plötzlich in einer typisch durchschnittlichen, gutbürgerlichen Ehehölle.

In der verläuft’s bei Fassbinder freilich tragigrotesk, hochkomisch und zutiefst betrübt, und Edlefsen hat dessen Stück texttreu inszeniert, hat mit Blick auf seine Schauspieler, nicht auf etwaigen Schnickschack, dessen Sprache pointiert und verdeutlicht. Von Jenny Schleif stammt dazu ein fulminantes Bühnenbild, eine metallene Gitterplattform, darunter ein Raum, durch den die Darsteller wie in Demutshaltung kriechen müssen und durch verschiedene Durchlässe auftauchen, hinten eine opake Plexiglaswand hinter der die Frauen zuerst wie Schaufensterpuppen stehen. Sie treten ins Geschehen, sobald bei Franz und Leopold Liebe und Leidenschaft schal und ausgelaugt sind, als die zerstörerische (Selbst-)zerfleischung des Franz beginnt. Alina Fritsch ist als seine Ex-Verlobte Anna Wolf zu sehen, die ihn zurückhaben will, und verbissen an etwas festhält, das nicht mehr existiert. Fritsch zurrt und zerrt und verzagt nie an Franz, bis …

Frauen, ausgestellt wie Schaufensterpuppen: Stefanie Dvorak und Alina Fritsch, vorne: Christoph Radakovits. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

… Leopold auftaucht. Im Schlepptau sein gewesenes Love Interest Vera, mit der er rund um Franz nun ein perfides Machtspiel anfängt. Stefanie Dvorak spielt diese Vera mit Intensität, Unterwürfigkeit und dem ihr eigenen Hauch Hysterie. Am Ende wird Leopold die anderen um sich scharen, wie Fassbinder seinen berühmten Clan, wird kreuz und quer gevögelt, und im Werner Schwab’schen Sinne doch nicht geflogen worden sein.

Wird klar werden, dass Leopold seine Menschenopfer auf immer gleiche Weise fordert, und wird es eine Leiche geben. „Tropfen auf heiße Steine“ ist ein von allen Beteiligten mit Fingerspitzengefühl gestalteter, großartig gespielter Abend. Man wünscht ihm, was anderen Inszenierungen aus dem Vestibül schon gelungen ist, nämlich die alsbaldige Übersiedlung in einen größeren Spielraum des Burgtheaters.

www.burgtheater.at

  1. 11. 2019

Verliebt in meine Frau

November 19, 2018 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Erotische Tagträume beim Abendessen

Die Kontrahenten beim ersten Kennenlernen: Daniel Auteuil, Sandrine Kiberlain, Adriana Ugarte und Gérard Depardieu. Bild: © Christine Tamalet

Dem deutschsprachigen Feuilleton hat diese Filmkomödie größtenteils nicht gefallen. Die Urteile sind vernichtend, im höflichsten Fall steht geschrieben, dass das Lustspiel „nur Kopfschütteln hinterlässt“, die gemeinste Kritik nennt es „ekelerregend“. Mag sein, dass diese Bekundungen mit der Sprachbarriere zu begründen sind. Sieht man „Verliebt in meine Frau/Amoureux de ma femme“ nämlich im französischen Original, amüsiert man sich prächtig.

Ab Freitag ist das in den Kinos zu prüfen, und auch in wessen Arme seine Gedankenreise den Antihelden eines desaströsen Abendessens schließlich führen wird. Ein Tipp: Der Filmtitel weist in die richtige Richtung.

Daniel Auteuil, Charakterdarsteller mit immer wieder Freude am Fröhlichen, hat bei „Verliebt in meine Frau“ die Regie übernommen, und sich selbst als einen der vier Protagonisten besetzt. Von Florian Zeller ist das Drehbuch, der Dramatiker hat dafür sein Theaterstück „L’envers du décor/Die Kehrseite der Medaille“ adaptiert. 2016 war dieses in einer Inszenierung von Alexandra Liedtke mit Sona MacDonald und Michael Dangl an den Kammerspielen der Josefstadt zu sehen. Der Inhalt: Daniel – Auteuil – lädt, als er auf der Straße zufällig seinen Freund Patrick trifft, diesen leichtfertig zum Diner ein. Samt Begleitung, und damit nimmt das Verhängnis seinen Lauf, denn Patrick hat eine „Neue“, Emma, während seine Ex die Busenfreundin von Daniels Frau Isabelle ist.

Auteuil hat sich hochkarätige Unterstützung geholt. Sandrine Kiberlain spielt die Isabelle, Adriana Ugarte die Emma, und der großartige Gérard Depardieu in erster Linie sich selbst, den Feinschmecker, Weinkenner, Frauenliebhaber – den gutgelaunten, aufgeräumten Patrick. Emma, das sieht das Publikum, entpuppt sich als blutjunge, aparte, supersympathische Schönheit. Der Witz des Ganzen entsteht nun, weil jede Figur auf diese Frau seine eigenen Vorstellungen projiziert. Wunderbar, wie Isabelle beim ersten Anblick das Gesicht gefriert, wie sie, weil Emma und Patrick erst nicht sagen wollen, wo sie einander kennengelernt haben, Fantasien von ihr als Prostituierten in einer Bar hat.

Schlimmer noch trifft es Daniel, der sich vor seinen erotischen Tagträumen nicht retten kann. Während am Tisch Smalltalk über Spargel stattfindet, sieht er sich in poetischen Bildern mit Emma in Venedig, am Pool, beim Familienfest, weinend, während sie „Onkel Wanja“ spielt, tatsächlich steckt ganz viel Tschechow in der Szenerie, und am Ende und wegen dieser „Altherrenalbernheit“ der große Aufschrei der Rezensenten – sie sich nackt ausziehen. Ein Augenblick nur, bevor ihn sein Gestammel wieder in die Gegenwart des Esszimmers zurückholt, und Auteil gestaltet ihn anrührend und liebenswert, zwar vom Neid zerfressen, doch ist sein Daniel wahrlich alles andere als der ihm unterstellte triebgesteuerte Macho. Eher ein tragikomisches Opfer seiner Begierden.

Sandrine Kiberlain und Daniel Auteuil. Bild: © Christine Tamalet

Gérard Depardieu und Adriana Ugarte. Bild: © Christine Tamalet

Tatsächlich werden in „Verliebt in meine Frau“ alle Seiten verlacht. Die Männer für ihre Selbstverliebtheiten – Daniel hält sich für den „König der Verhandlungen“, wird aber bei jedem Ehekonflikt von seiner Frau an die Wand argumentiert – und ihre falschen Annahmen über das Wesen der Frau – Depardieu ist als Patrick wie ein selbstzufrieden schnurrender Kater, der in Emma glaubt einen Jungbrunnen gefunden zu haben -, Isabelle wegen ihrer Vorurteile und dem Konkurrenzdenken gegenüber dem eigenen Geschlecht. Florian Zeller verteilt sein ironisches Augenzwinkern gerecht unter seinen Midlife-Crislern, die einzige Unschuld ist Emma.

Noch dazu nimmt er das streng geschützte (Non-)Kommunikationssystem des Bildungsbürgertums aufs Korn, in dem aus Konvention kaum jemand je ausspricht, was er denkt, weshalb es eben zu Irrungen und Wirrungen kommen muss. Die Gastgeber tappen diesbezüglich in jedes Fettnäppchen, und wenn Depardieu mit Blick auf den nächsten Sommer das Dessert mit den Worten „Ich muss auf mein Gewicht achten, der Strand ist erbarmungslos“ ablehnt, dann sage einer, das sei nicht von der Art charmanter Koketterie, wie’s nur die Franzosen können.

Dass es in der zugegeben konventionell erzählten Story an Spannung nicht fehlt, liegt an Regisseur Auteils Kunstkniff, die Erzählebenen mehr und mehr ineinander greifen zu lassen. Immer raffinierter und undurchschaubarer wird, was real und was irreal ist, die Handlung springt zwischen Szenen und Zeiten, so dass man bald nicht mehr weiß, was passiert ist, passieren wird oder sich niemals ereignet. Am Schluss wird sich herausstellen, wer hier wen den ganzen Abend über manipuliert hat. Kein wirklich überraschendes Ende, aber ein beziehungstechnisch betrachtet wunderschönes.

www.facebook.com/VerliebtInMeineFrau

  1. 11. 2018

Was uns nicht umbringt: August Zirner im Gespräch

November 10, 2018 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

„Komödiantische Schwermut entspricht mir sehr“

August Zirner als Therapeut Max in Sandra Nettelbecks berührendem Ensemblefilm „Was uns nicht umbringt“. Bild: © Marion von der Mehden / Alamode Film

Am 16. November startet Sandra Nettelbecks berührender Ensemblefilm „Was uns nicht umbringt“ in den heimischen Kinos. Die Regisseurin und Drehbuchautorin lässt darin den Therapeuten Max aus „Bella Martha“ in seinem Kosmos voller neurotischer Patienten, familiärer und amouröser Verstrickungen wieder aufleben. Nettelbeck erzählt mit melancholischer Heiterkeit von Sinnkrisen und Herzensangelegenheiten in der Mitte des Lebens.

Als Max ist erneut August Zirner zu sehen, der es diesmal mit einem depressiven Piloten, einer trauernden Schriftstellerin – und einem faulen Hund zu tun bekommt. Mit ihm spielen Barbara Auer, Johanna Ter Steege, Christian Berkel, Peter Lohmeyer und David Rott. Ein Gespräch in den Wiener Kammerspielen, wo August Zirner diese Saison in Daniel Glattauers „Vier Stern Stunden“ auf der Bühne steht:

MM: Etwas, das den Episodenfilm „Was uns nicht umbringt“ auszeichnet, ist wohl, dass jeder Zuschauer darin eine Geschichte finden wird, die er so oder so ähnlich persönlich kennt.

August Zirner: Ich hoffe, und ich glaube, das ist etwas, das die Regisseurin Sandra Nettelbeck auszeichnet, dass sie so viele verschiedene Typen erschaffen kann. Das Phänomen Weltschmerz, um das es im Film ja geht, wenn man das so großspurig ausdrücken darf, ist sicher eines, das viele Leute beschäftigt.

MM: Ich habe gelesen, Sandra Nettelbeck hätte Ihnen versprochen, diesen Film zu schreiben?

Zirner: Als wir uns damals bei „Bella Martha“ kennengelernt haben, haben wir festgestellt, dass da eine gewisse geistige Verwandtschaft, ein ähnliches Ticken ist. Ich sollte in „Bella Martha“ den Therapeuten spielen, und sie sagte aber, das sei nur eine kleine Rolle, ob ich das überhaupt machen wolle. Ich sagte natürlich, die Figur interessiert mich. Ich wuchs geradezu in diese Therapeutenrolle hinein, und Sandra sagte, irgendwann rücke ich diesen Max mal in den Mittelpunkt eines Films. Einige Zeit später haben wir wieder miteinander gedreht, beim Kinderfilm „Sergeant Pepper“, da habe ich wieder einen Therapeuten gespielt, und sie wiederholte, das Versprechen für den Max gilt noch. Und jetzt hat sie es wahr gemacht, was ich sehr schön finde, wenn jemand mal Wort hält und seinen Darstellern treu ist.

MM: Als Sie mit dem Max zum zweiten Mal dieselbe Figur übernahmen, sind Sie da schon in eine Vertrautheit geschlüpft? Wie haben Sie den Max weiterentwickelt, und: sind Sie denn der Paradetherapeut?

Zirner: Mir war Max von Beginn an sehr vertraut, auch, was seine Vater-Geschichte betrifft, wenn die unbekannte Halbschwester kommt, und ihn informiert, dass der, den er seit Jahrzehnten für tot hielt, gerade noch lebt. Das könnte eins zu eins aus meinem Leben sein. Die Lücke, die entsteht, wenn ein Vater früh stirbt, und wie man diese Lücke zu füllen versucht, das kenne ich sehr gut. Max hat sich also insofern entwickelt, schon beim Lesen, und dann beim Drehen. Es war ein schönes Arbeiten. Mit jedem neuen Patienten und mit jedem neuen Schicksal hatte ich tolle Kollegen vor mir, an denen ich die Qualität dessen, was es heißt, zuzuhören, noch einmal ganz stark kennengelernt habe. Mir ist das begleitende Zuhören mit zunehmendem Alter immer wichtiger.

MM: Ein Beispiel?

Zirner: Als der Film abgedreht war, habe ich einen Monat später in München wieder „Nathan der Weise“ gespielt, und habe plötzlich gemerkt, ich höre viel intensiver zu, wenn die anderen sprechen, der Tempelherr, die Recha, der Sultan … was brauchen die, was kann ich sagen oder tun, um denen in die Spur zu helfen? Ich wollte mich tatsächlich, bevor ich auf die Schauspielschule ging, mit der menschlichen Psyche befassen. Aber Schauspieler ist der Beruf, der mir diesbezüglich mehr entgegenkommt, weil er auch meinen Spieltrieb bedient.

MM: Max ist die Figur, bei der alle Fäden des Films zusammenlaufen, gleichzeitig ist auch er von seinem Leben überfordert. Er hat diese komödiantische Schwermut. Ist das ein Typus, den zu spielen Ihnen liegt?

Zirner: Komödiantische Schwermut entspricht mir sehr. Ich mag diesen Begriff, das umzusetzen ist das, was ich mir beim Spielen wünsche.

Kuscheln auf der Therapeutencouch: mit Film-Exfrau Barbara Auer. Bild: © Mathias Bothor / Alamode Film

Max verliebt sich in Patientin Sophie: Johanna Ter Steege. Bild: © Marion von der Mehden / Alamode Film

MM: Um eine Klammer zum Frederic Trömerbusch zu bilden, den Sie an den Kammerspielen in „Vier Stern Stunden“ darstellen (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=29596): zeichnet den dieser Charakterzug auch aus?

Zirner: Ja, aber anders. Er hat sich seit der Premiere Mitte September auch noch entwickelt, ist jetzt weniger sarkastisch übertrieben, sondern hat mehr Kern bekommen.

MM: Max holt sich gegen das Alleinsein einen Hund aus dem Tierheim. Ich würde Sie ja fragen, wie es war, mit dem zu spielen, aber dieser Hund spielt nicht, er liegt nur herum.

Zirner: Mit Hund zu spielen ist nicht sehr schön, weil er natürlich immer im Mittelpunkt steht, und das ist für jeden Schauspieler ganz furchtbar. (Er lacht.) Hier war es besonders schwierig, weil ich den Hund nicht einmal ansprechen durfte, wir durften uns nicht aneinander binden, sondern mussten Distanz zueinander wahren. Ich mag aber Hunde, also fiel mir das schwer.

 

MM: Sie haben vorhin schon gesagt, das ist Ihr dritter Film mit Frau Nettelbeck. Was sind denn die Vorzüge, wenn man einander kennt?

Zirner: Man kann mit Sandra sehr offen und ehrlich arbeiten, man kann ihr vertrauen. Ich vertraue ihrem Geschmack und ihrer Intelligenz. Und sie hat die Begabung, mich zu konzentrieren, mich zu fokussieren. Sie macht konsequent ihr Ding, das ist sicher für manche anstrengend, aber sie weiß, was sie will. Sie hat eine sanfte Insistenz, sie besteht sanft auf dem, was sie richtig findet. Da fühlt man sich aufgefordert, das Wesentliche zu tun, und nicht mehr.

MM: Ihre Kolleginnen und Kollegen im Film hatten ja großteils auch schon Nettelbeck-Erfahrung.

Zirner: Jaja, wir sind viele Wiederholungstäter. Auch Kameramann Michael Bertl. Das ist etwas, das einen guten Film ausmacht, dass Regie und Kamera als eingespieltes Team miteinander arbeiten.

MM: Welche Geschichte von Max‘ Patienten hat Sie am meisten berührt?

Zirner: Eigentlich die von Ben, weil er nicht spricht, weil er nicht mehr sprechen kann. Ich bin ja ein Dauerquassler, deshalb ziehen mich solche Gegensätze an. Ich finde zwar Bjarne Mädel als Tierpfleger hinreißend, auch seine Geschichte mit Jenny Schily, aber Mark Waschke, den ich vorher gar nicht kannte, hat mich sehr berührt. Da habe ich mich ständig gefragt, was kann ich tun, um diesen Ben aus der Reserve zu locken? Soll ich Tee kochen, mich mit dem Hund beschäftigen, wie bringe ich ihn zum Reden?

MM: Das klingt, als hätten Sie Raum gehabt, Ihre eigenen Ideen in den Dreh einzubringen.

Zirner: Viele Dinge entstanden im Moment, bei der szenischen Entwicklung, ich kann wirklich nicht mehr sagen, was Sandras Idee war, und was meine. Es hat sich oft aus dem Spiel so ergeben. Mir ist es halt wichtig, nicht nur auf mein nächstes Stichwort zu warten, sondern genau auf den Bühnen- oder Filmpartner zu achten – aktives Zuhören, wie ich vorhin schon sagte. Das ist in unserem Beruf ein bisschen auf den Hund gekommen, aber es ist wichtig.

MM: Der Film lässt bei den meisten Figuren am Ende die Fragen offen.

Zirner: Das ist das Schöne daran, viel wird angedeutet, nichts zu Ende erklärt. Doch für alle Figuren besteht die Chance, dass …

„Vier Stern Stunden“ an den Kammerspielen: als Frederic Trömerbusch mit Bühnenpartnerin Martina Ebm. Bild: Rita Newman

Spontane Umarmung: bei den Dreharbeiten zur John-Steinbeck-Doku in der Wüste Nevada. Bild: privat

MM: Was anderes, weil wir hier in den Wiener Kammerspielen sitzen: Sie haben in einem Interview einmal gesagt, Wien mache Sie aggressiv. Wie geht es Ihnen jetzt?

Zirner: Ich habe mich inzwischen wieder daran gewöhnt, in Wien zu sein, und habe mit der Stadt meinen Frieden geschlossen. Wien ist eine Stadt des Theaters, der Musik, hat immer tolle Ausstellungen, hat seine Kaffeehäuser. Ich kann Ihnen gestehen, so sehr Wien mich auf die Palme bringen kann, ist es doch die einzige Stadt, in der ich leben kann.

MM: Auf die Palme – warum?

Zirner: Weil ich über die Schatten der immer noch nicht bereinigten Vergangenheit ärgere, über die fehlende Bereitschaft, darüber zu reden. Dieses Denken – „Es war eine schwierige Zeit, das wissen wir eh, aber man muss doch nach vorne schauen. Wir haben jetzt so Leute wie Kickl, die machen das für uns. Wir haben jetzt wieder Grund, Identität zu stiften …“ -, da kann es mir passieren, dass ich grantig werde. Nur, ich bin ja auch Amerikaner, und da ist es um nichts besser.

 

MM: Das wollte ich Sie fragen. Wie geht derzeit ein Leben zwischen den USA, Österreich und Ihrem Hauptwohnsitz Bayern?

Zirner: Indem man pendelt und immer wieder auch anderswo spielt.

MM: „Was uns nicht umbringt“ hat Szenen, in denen Menschen sich vorstellen, wie etwas sein könnte, und im nächsten Bild sieht man die Realität.

Zirner: Diesen „Trick“ habe ich sehr gemocht. Das kennen wir ja alle, Vorstellungen von etwas zu haben, und in der Wirklichkeit wird es dann ein Oh-Gott! Man hat sich getäuscht, oder aber es ist noch schöner. Das finde ich reizvoll, und es ist auch ein Thema von Sandra: diese ganzen Projektionen und Hoffnungen, die wir haben, die Diskrepanz zwischen einem Wunsch und dessen Verwirklichung.

MM: Der Film beginnt für Max mit einer vorgestellten Umarmung und endet mit einer tatsächlichen. Ist es das, was die Welt braucht, mehr Umarmungen?

Zirner: Das ist ein sehr schöner Gedanke. Wenn der Film bei jedem so ankommt, kann ich mir nichts Schöneres wünschen. Wenn man all diese Herren, die uns regieren, betrachtet, deren Namen ich gar nicht nennen will, weil man Narzissten nur damit bestrafen kann, und in dem Wissen, dass es unter den Wählern eine Akzeptanz für deren peinlichen Nationalismus und deren peinliche Ausländerangst gibt, dann ja, dann brauchen wir dringend mehr Umarmungen. Ich frage mich immer, wovor die denn Angst haben. Ich habe mehr Angst vor wild gewordenen Bayern. Oder vor Bankern. Wo ich vor meiner eigenen Türe kehre, ist die Bereitschaft, viel mehr über einen anderen und dessen Nöte und Probleme zu erfahren. Wir müssen viel mehr miteinander sprechen.

MM: Tun Sie das nicht ohnedies?

Zirner: Ich bemühe mich, weil es mich wirklich interessiert, wie es uns allen geht. Ich habe vor zwei Jahren in den USA mit Regisseurin Katharina Cleber eine Fernsehdoku über John Steinbeck gemacht, „Ein Mann, ein Hund, ein Pick up Truck, auf den Spuren von John Steinbeck“, und dazu eine alte Dame in der Wüste Nevadas interviewt. Und plötzlich sagte sie, das Problem im Land sei, dass die Leute nicht mehr miteinander reden, dass Nachbarn einander nicht mehr besuchen und sehen, wie sie helfen können. Und dann sagte sie: „August, can I ask you a favor? Would you just stand up and give me a hug?“ Das Foto davon habe ich noch.

 MM: Bleibt mir die Frage nach weiteren beruflichen Plänen. Sie haben einen Fernsehfilm mit Urs Egger gedreht, „Der Geldmacher“?

Zirner: Da spiele ich den Nationalbankdirektor, eine kleine Rolle, aber ich mochte das Thema, das Phänomen des Schwundgelds, wo also Geldwert mit dem Wert von Arbeit in Balance ist. Ich habe ein musikalisches Programm namens „Frankenstein“ mit dem Spardosen-Terzett, als inneren Monolog des Doktors, der das Monster in seinem Kopf hat. Da sind die Kompositionen alle von uns, von Jazz bis Funk bis Kitsch. Ich mache wieder „Der kleine Prinz“ mit Kai Struwe – und am 25. Jänner trete ich im Radiokulturhaus mit den „Transatlantischen Geschichten“ auf. Der Anteil des Musikalischen wird in meiner Arbeit immer mehr. Ich bin in Gesprächen für zwei Filmprojekte, und an den Kammerspielen spiele ich bis Mai „Vier Stern Stunden“. Was das Danach am Theater betrifft, bin ich offen für Vorschläge.

www.facebook.com/WasUnsNichtUmbringt/

Die Filmkritik: www.mottingers-meinung.at/?p=30441

  1. 11. 2018

Volksoper: Zar und Zimmermann

Oktober 14, 2018 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Blau-weißes Bilderbuch unterm Käsemond

Keine Scheu vor der Knallchargigkeit: Carsten Süss als Peter Iwanow, Daniel Schmutzhard als Peter der Erste, Lars Woldt als Bürgermeister van Bett, Georg Wacks als Ratsdiener und Sulie Girardi als Witwe Browe. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Sobald der Chor der Zimmermannsgesellen mit seinen Holzschuhen Charlie Chaplins berühmten Brötchentanz imitiert, ist klar, in welche Richtung Regisseur Hinrich Horstkotte mit seiner Inszenierung von Albert Lortzings „Zar und Zimmermann“ an der Volksoper zielt. Er nimmt das „Komische“ an der Oper ernst, nimmt dem durchaus vorhandenen schwerdeutschen Pathos die Patina, und nimmt sich ganz den Witz des bühnenwirksamen Verwirrspiels vor.

Verbrieft ist Horstkottes Proben-Sager „Vergesst Stanislawski – begrüßt Laurel und Hardy!“, eins von deren Fingerspielen wird zum running gag zwischen Bürgermeister van Bett und seinen Stadtbewohnern, und tatsächlich macht der Regisseur aus Lortzings Figuren Typen und verzichtet zugunsten Spaßfaktor auf psychologische Feinziselierung. Keine Scheu vor Knallchargigkeit dürfen demgemäß die Solistinnen und Solisten haben, Outrieren ist Programm, das gefällt, ist in den beiden Pausen zu hören, nicht jedem, aber wer sich in Horstkottes Werkinterpretation akklimatisiert hat, erfreut sich an einem überaus vergnüglichen Abend.

Saardam ist in diesem Setting mehr als nur ein Zitat. Horstkotte, auch Ausstatter, hebt halb Holland auf die Volksopern-Bühne, er erschafft ein blau-weißes Bilderbuch, von Delfter Kacheln bis zu den typischen Windmühlen, von Fahr- bis Käserädern, selbst der goldgelbe Mond ist eines. Kein Wunder also, dass der Zar sein „Sollte ich entdeckt sein?“ mit gouda-vollem Mund murmelt, bevor im zweiten Bild – der Schauwert dieser Arbeit ist hoch – eine perfekte Kopie des Czaar Peter Huisje angerollt kommt.

Sogar eine Kopie des holländischen Czaar Peter Huisje steht auf der Bühne: Gregor Loebel und Daniel Schmutzhard. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

A-Cappella-Sextett: Carsten Süss, Stefan Cerny, Lars Woldt, Daniel Schmutzhard, Gregor Loebel und Ilker Arcayürek. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Des Zaren erste Arie „Verraten! Von euch verraten!“, oft genug gestrichen, haben Horstkotte und Dirigent Christof Prick – er führt das Orchester des Hauses mit wohlklingendem Humor und versteht es, die Sänger unterstützende Akzente zu setzen – belassen. Daniel Schmutzhard als Peter der Erste nützt die Gelegenheit zum Temperamentsausbruch, um den cholerischen Charakter seiner Rolle zu unterstreichen, um ein grimmiges Gesicht, ein aufbrausendes Gefühl ist er nie verlegen, in manch lyrischen Momenten allerdings gelingt es ihm nicht ausreichend, seine Stimme zum Klingen zu bringen.

Horstkotte hat noch kleinste Gesten zur Musik getaktet, das setzt ein sehr spielfreudiges Ensemble voraus, und über ein solches verfügt er glücklicherweise auch. Die Aufführung trägt absolut Lars Woldt als Bürgermeister van Bett, gesanglich wie darstellerisch. Er gibt im Wortsinn, dafür sorgt Georg Wacks als hinreißend tollpatschiger Ratsdiener mit entsprechender Pumpe, den mit heißer Luft aufgeblasenen, selbstverliebten Politiker, und ist in der dankbaren Partie auch für das eine oder andere Kabinettstück gut – Dideldum! Der Chor, und wie immer ist er eine Freude, begleitet dessen Gehabe mit ironisch-spöttischen Kommentaren.

Die Einstudierung von van Betts Kantate hat Horstkotte in ein Altersheim verlegt, das Warum erschließt sich nur dem, der sein Programmheft-Interview liest …

Regisseur Hinrich Horstkotte holt die Niederlande in die Volksoper. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Für den Holzschuhtanz der Kinder gab’s den größten Applaus. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Ein bezauberndes Liebespaar sind Carsten Süss und Mara Mastalir als teuflisch eifersüchtiger Deserteur Peter Iwanow und trotzköpfig-kecke Bürgermeistersnichte Marie. Beide überzeugen mit großer Komödiantik, wissen aber auch leise, anrührende Töne anzuschlagen. Mit aller Kraft auf Klischee getrimmt sind Gregor Loebel, als russischer Gesandter Admiral Lefort optisch eine Art Rasputin, Stefan Cerny als spleeniger englischer Gesandter Lord Syndham und – mit Loebel der zweite Volksopern-Debütant in dieser Produktion – Ilker Arcayürek als frauenverführender französischer Gesandter Marquis von Chateauneuf.

Der in Istanbul geborene Tenor bringt nicht nur das Herren-A-Cappella-Sextett zum Flirren, sondern auch Chateauneufs wunderbare Romanze „Lebe wohl, mein flandrisch Mädchen“. Den größten Jubel schon während der Vorstellung gab’s für die Kinder, die das Publikum mit dem Holzschuhtanz begeisterten. Danach teilten sich Darsteller und Leading Team den Applaus gerecht auf. Und so endet Hinrich Horstkottes „Zar und Zimmermann“-Interpretation mit Happy End fürs ganze Haus.

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14. 10. 2018