Womit haben wir das verdient?

Dezember 2, 2018 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Statt Kiffen lieber Kopftuch tragen

Mutter Wanda hilft mäßig begeistert beim Burkini-Kaufen: Caroline Peters, Chantal Zitzenbacher und Duygu Arslan. Bild: © Mona Film

„Geht die Nina als Gespenst?“, fragt unschuldig der kleine Bruder, als er seine Schwester zum ersten Mal mit Hijab sieht. Die 16-Jährige ist nämlich zum Islam konvertiert, nennt sich nun Fatima – und hat das Kiffen zugunsten ihres Kopftuchs aufgegeben. Eltern im Schockzustand. Und während der Vater wenigstens versucht, ein wenig Verständnis aufzubringen, ist die Mutter ausschließlich schäumend vor Wut.

Wofür und wogegen – Frauenrechte/Adventkranz – hatte man in StudentInnentagen nicht alles protestiert, und nun das. „Kannst du nicht einfach katholisch werden?“, herrscht die Mutter die Tochter an: „Das wäre für mich schon schlimm genug!“ Solcherart ist der Humor in Eva Spreitzhofers Komödie „Womit haben wir das verdient?“, die am Freitag in die Kinos kommt – frech und sophisticated und so, dass alle Seiten ihr Fett abkriegen. Im Gespräch mit mottingers-meinung.at nannte die Regisseurin und Drehbuchautorin „Monsieur Claude und seine Töchter“ als Genre-Vorbild, und tatsächlich ist ihr diese Art, gesellschaftspolitisch brisante Themen mit einer verspielten Leichtigkeit zu nehmen, perfekt gelungen. Spreitzhofer stellt Weltanschauungen auf den Prüfstand, eine vermeintliche Weltoffenheit, die beim ersten Windhauch in sich zusammenbricht, ebenso, wie eine vermutete Radikalisierung, ohne jemals einen publikumserzieherischen Zeigefinger zu erheben.

Im Mittelpunkt der Irrungen und Verwirrungen steht Burgtheaterschauspielerin Caroline Peters als Ninas Mutter Wanda, erfolgreiche Chirurgin, Feministin, Atheistin und Matriarchin einer Patchworkfamilie. Chantal Zitzenbacher spielt die Nina, Simon Schwarz Vater Harald. Auch sonst ist der Film mit Hilde Dalik, Alev Irmak, Pia Hierzegger, David Oberkogler, Mehmet Ali Salman oder Johannes Zeiler hochkarätig besetzt. Die Peters überzeugt und unterhält in ihrer Rolle auf ganzer Linie. Wie sie sich auf Erkenntnissuche begibt, ist einfach zu komisch.

Nina/Fatima wird von ihrem Stiefbruder mit einem Würstchen erwischt …: Chantal Zitzenbacher und Angelo Konzett. Bild: © Mona Film

… und wieder rettet Wanda die Situation: Caroline Peters und Chantal Zitzenbacher. Bild: © Mona Film

Ebenso, wie die Meinungen, die sie zu ihrem Problem einzuholen vermag. Vom Schuldirektor, der von Ninas Hijab begeistert ist, Motto: soll doch jeder auf dem Kopf tragen, was er will, Baseballkappen im Klassenzimmer aber verbietet. Über Wandas muslimischen Chirurgenkollegen, der ihr bescheidet: „Der Islam ist voll hipster geworden“. Über ihren Freund, der meint: „Wir schauen uns eine IS-Doku an und dann hat sich das“. Bis zum Imam, der weiß: „Dass Menschen deppert sind, hat mit Allah nichts zu tun“.

Bis zum Burkini lässt Spreitzhofer nichts aus, das irgend für öffentliche Debatten sorgt, doch nichts gerät ihr dabei schwarzweiß, immer stellt sie die auf allen beteiligten Seiten zu findende Bigotterie und Hypokrisie aus. Und während sich Nina/Fatima auf Youtube anschaut, was alles haram ist – Gummibärchen und Fahrradfahren, findet Wanda, um nichts weniger spießig und starrsinnig als ihre „Opponenten“, ausgerechnet in der Mutter von Ninas bester Freundin, Hanife, eine Verbündete.

Auch die ist alles andere als begeistert von der plötzlichen Religiosität der Mädchen. Eva Spreitzhofer ist mit „Womit haben wir das verdient?“ eine feine Satire gelungen, die auf feinfühlige Weise die Bruchstellen, Widersprüche und Grenzen von „Multi-Kulti“ ausleuchtet, und dabei durchaus spaßig ins Schwarze trifft. Großartig, wie eine Figur, die eben noch auf der einen Seite stand, sich gleich darauf argumentativ auf der genau anderen befindet. Dass Spreitzhofer ein, zwei Mal übers Ziel hinausschießt – Wandas Adoptivtochter stammt aus dem Vietnam, und ist somit eine, die sich ihr Andersaussehen nicht ausgesucht hat, der Sohn des Imams muss schwul sein -, dafür entschädigen Einfälle wie dieser:

Die Eltern verkleiden sich für Ninas vermutete Zwangverheiratung: David Oberkogler, Simon Schwarz und Caroline Peters. Bild: © Mona Film

Als Wanda und Harald überzeugt sind, ihre Tochter solle in der Moschee in eine Zwangsehe gedrängt werden, wollen sie das undercover, heißt: mit Tschador verkleidet, verhindern – und geraten prompt in eine Polizeikontrolle. Und weil sie umständlich die Umstände erklären, und der Beamte keine Ahnung hat, wie er mit dem vollverschleierten Ehepaar umgehen soll, ist sein Angebot schließlich: „Wann’s anfoch auf a Gschnas gangerten, tat‘ ma uns alle leichter.“

Am Ende verschiebt Eva Spreitzhofer bei ihrem Feel-Good-Movie noch einmal Grenzen. Zu viel sei nicht verraten, nur, dass die Filmemacherin die Frauensolidarität über alle Konflikte stellt, ebenso wie gegenseitiges Verständnis und ständige Verständigung. Und auch für Mutter Wanda bietet sich eine Lösung – nämlich einfach dies zu sein: Mutter. Die schönste Szene ist, Wanda findet Nina, wie sie auf dem Boden kauernd verzweifelt Bußgebete spricht. Sie konnte dem Würstl im Eiskasten nicht widerstehen. Da nimmt Caroline Peters Chantal Zitzenbacher einfach in den Arm, und ihr das Stückchen Schweinefleisch ab – und steckt es sich selber in den Mund.

Regisseurin Eva Spreitzhofer im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=30758

www.womithabenwirdasverdient.at

  1. 11. 2018

Hotel Rock’n’Roll

August 24, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein All-Inclusive-Trip in den wilden Wahnsinn

Die Hotelband und die Konkurrenz: Georg Friedrich, Pia Hierzegger, Detlev Buck, Gerald Votava und Michael Ostrowski. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Die Hotelband und die Konkurrenz: Georg Friedrich, Pia Hierzegger, Detlev Buck, Gerald Votava und Michael Ostrowski. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Man weiß in Wahrheit gar nicht wo anfangen. Bei den gewagten Rollstuhlstunts. Oder beim neongrünen Neptundrummer oder überhaupt beim Augenkrebsambiente. Beim mutmaßlichen Chartstürmer-Song „Futschikato Masalani“- wobei hier abzuwarten bleibt, ob die Metal- oder die Reggae-Version Platz eins erobern wird. Wurscht. Weil im pulpfiction-filmigen Vorspann verleihen sich die Macher eh schon selber das Prädikat wertvoll. Schonungslos. Amazing; bzw. fuckin‘ awesome, wie der Steirer sagt.

Ein solcher, nämlich Michael Ostrowski, verantwortet den All-Inclusive-Trip in den wilden Wahnsinn, der sich „Hotel Rock’n’Roll“ nennt und am 26. August in den heimischen Kinos anläuft, als Drehbuchautor, Regisseur und Hauptdarsteller. Der Film ist die Steigerungsform von „Nacktschnecken“ und „Contact High“, heißt: der Abschluss von Michael Glawoggers „Sex & Drugs & Rock’n’Roll“-Trilogie. Als Glawogger 2014 bei Dreharbeiten in Liberia überraschend verstarb, war fürs Team klar, dass das bis dato bereits weit gediehene Projekt zu einem guten Ende zu bringen ist.

Was über weiteste Strecken auch perfekt gelang, samt einer Art Happy End, das es nun endlich für alle Figuren gibt. Ostrowski und Co-Regisseur Helmut Köpping haben Glawoggers filmische Handschrift mit großem Engagement zur eigenen erneuert, und auch wenn dessen surrealistische Sensoren die Untiefen der Handlung an der einen oder anderen Furt vielleicht tiefer ausgelotet hätten, bleibt genug Dada, um zweifelsfrei festzustellen: „Hotel Rock’n’Roll“ ist völlig gaga. Nach Softporno-Paraphrase und Rauschroadmovie ist man nun beim gepflegten Hotelfilm angelangt. Eine Reverenz an ein Nachkriegsgenre, das Größen wie Jerry Lewis oder hierzulande mit einem Hauch Heimat Peter Alexander bestens bedient haben.

Mit einem Wort die Chaosclique rund um Mao, Max und den unvermeidlichen Schorschi wird sesshaft. Dieses aber ausgerechnet in der Provinz, weil Mao irgendwo im Nirgendwo einen abgefahren abgefuckten Schuppen erbt, samt Schulden, wie sich später herausstellen wird. Also will man G‘schertindien keinesfalls seinen Bewohnern über-, sondern dort den richtigen Spirit einziehen lassen. Die Hotelband übt zwecks Tilgung der Rückstande fürs Benefiz, man hat zwar nur einen Song, diesen aber in xen Varianten, da kracht der Schorschi mit seiner Corvette in den Schwimmteich, im Kofferraum die geklaute Kohle von einem Banküberfall.

Die Guten finden das geraubte Geld im Teich: Gerald Votava, Michael Ostrowski. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Die Guten finden das geraubte Geld im Teich: Gerald Votava und Michael Ostrowski. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Doch die Bösen wollen's natürlich zurück: Deltev Buck, Georg Friedrich. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Doch die Bösen wollen’s natürlich zurück: Deltev Buck und Georg Friedrich. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Was folgt, ist wohl klar, samt Harry, der vergisst, dass er eigentlich honoriger Betreiber des Alpengasthofs Alzheimer, ergo die Konkurrenz der Hotel-Rock’n’Roller ist, und sich auf sein kriminelles Genie besinnt. Doch nicht nur, dass sich Komplize und Love Interest Schorschi, nach Beinbruch mit Gipsfuß auf einen Rollstuhl angewiesen, bei Mao und Max als Gärtner verdingt, hat er doch ein ausgewiesenes Händchen fürs Graserl, ist der ganzen Sache auch noch ein höchst aufdringlicher Inspektor auf der Spur …

Beim Finale Furioso sind natürlich alle dabei – und in darstellerischer Hochform: Michael Ostrowski als substanziell lässiger Max und Pia Hierzegger als hantige Mao, die sich sinnlos bemüht, irgendwelche Fäden zusammenzuhalten. Der großartige Georg Friedrich als Schorschi, der sich nicht nur als einwandfreier Stuntman erweist, sondern über sein selbstzerstörerisches Kleinkriminellentum auch die Weltsager hat –  einer der besten: „Illegalität ist immer Ausdruck der Auflehnung gegen die herrschenden Zustände“, Detlev Buck als ebenso skrupulöser wie skrupelloser Harry und selbstverständlich Hilde Dalik als Max‘ Angebetete.

Neu in der Band ist Gerald Votava als Jerry, Raimund Wallisch ist ja aus der Formation ausgestiegen, und Votava ist nicht nur als Mensch und Schauspieler, sein Jerry nicht nur punkto Verwirrt- und Verplantsein ein Gewinn, sondern vor allem auch als Gitarrero – quasi der Schnittling auf dieser supersympathischen Suppn. Johannes Zeiler gibt den ehrgeizig verbissenen Kiberer Walzer, Helmut Köpping himself den wamperten Bankdirektor, die sich gemeinsam auf die Jagd nach dem gestohlenen Geld machen.

Echte Rock'n'Roll-Outlaws haben Groupies: Jayney Klimek und Hilde Dalik. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Echte Rock’n’Roll-Outlaws haben Groupies: Jayney Klimek und Hilde Dalik. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Aber immer auch das Gesetz auf den Fersen: Johannes Zeiler. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Aber immer auch das Gesetz auf den Fersen: Johannes Zeiler. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

In kleineren Rollen machen sich Willi Resetarits als selbst im Sterben sinistrer Erbonkel, Sven Regener als satanischer Pfarrer, Hermann Scheidleder als „Alzheimer“-Gast und die steirische Urmutter Stefanie Werger einen Karl. Letztere betreibt, apropos Mutter, einen Escort Service, bei dem sich Jerry eine Dame bestellt, für die er schließlich die australische Singer/Songwriterin Jayney Klimek hält. Dies nur einer der unzähligen irren Handlungsstränge, die einem in den diversen Durcheinanders auf- und davonlaufen, um zum Schluss wieder zueinander zu finden.

Die Pointen sitzen ergo erst an Stellen, wo man’s gar nicht mehr erwartet hätte, und ihr Witz ist das ewige Missverstehen der Menschen. In diesem Sinne und vor allem in der Figur Schorschi ist „Hotel Rock’n’Roll“ fast ein extremphilosophisches Werk. Ein Unfug auf höchstem Niveau. Und jedenfalls nix für Non-Nihilisten. Oder wie Jerry beim Anblick des Erb-Guts sagt: „Des is weniger Stairway to Heaven als mehr Highway to Hell.“

Trailer: www.youtube.com/watch?v=4PhKKXmQTOM

Michael Ostrowski im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=21535

www.hotel-rocknroll.com

Wien, 24. 8. 2016

Hotel Rock’n’Roll: Michael Ostrowski im Gespräch

August 19, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Weniger stoned, dafür mit mehr Stunts

Gerald Votava, Pia Hierzegger und Michael Ostrowski. Bild: © Wolfgang Thaler / Dor Film

Hotelerbin Mao mit ihren Mitstreitern Max und Jerry: Gerald Votava, Pia Hierzegger und Michael Ostrowski. Bild: © Wolfgang Thaler / Dor Film

Am 26. August startet in den heimischen Kinos der neue Streich der Chaostruppe rund um Mao, Max und Schorsch ist die nächste, die letzte Runde. „Hotel Rock’n’Roll“ heißt der Abschluss der „Sex & Drugs & Rock’n’Roll“-Trilogie von Michael Glawogger. Nach dessen plötzlichem Tod bei Dreharbeiten in Liberia 2014 übernahm Michael Ostrowski die Ausführung des Films. Der Schauspieler und Drehbuchautor führte zum ersten Mal auch Regie.

Der Inhalt: Mao erbt von ihrem Onkel ein abgetakeltes Hotel auf dem Land und gemeinsam mit ihren stets gutgelaunten Freunden Max und Jerry versucht sie, den Spirit des Rock’n’Roll dort wieder aufleben zu lassen. Leider haben sie dabei nicht mit der gierigen Konkurrenz, einem Haufen Schulden und dem unvermeidlichen Schorsch gerechnet, der ihnen nach einem missglückten Bankraub die Polizei ins Haus bringt. Mit dabei sind wieder Pia Hierzeger, Hilde Dalik, Georg Friedrich und Detlev Buck, und neu Gerald Votava. Michael Ostrowski im Gespräch:

MM: Sie sind zur Dreifaltigkeit des Films geworden, Drehbuchautor, Regisseur, Hauptdarsteller, hat das mehr Vorteile oder mehr Nachteile?

Michael Ostrowski: Ich glaube, dass das ein großer Vorteil ist, weil man den Film so sehr gut kennt. Ich hätte bei jedem Dialog mitreden können, ich habe die Bilder im Kopf gehabt, das hilft extrem, anders hätte ich mir die Arbeit gar nicht vorstellen können. Ich glaube, dass es viel schwerer ist, wenn man keinen Überblick hat. Außerdem hatte ich Helmut Köpping als Co-Regisseur, der andere Dinge als ich im Fokus hatte, andere Leut‘, das hat uns als Team gutgetan.

MM: Das Projekt wurde ja noch von und mit Michael Glawogger angedacht. Es stand für euch immer außer Frage, den Film auch ohne ihn zu machen?

Ostrowski: Das Drehbuch war sehr weit, ich habe den Michi Glawogger vor seiner Abfahrt zur Weltreise sehr oft getroffen, wir haben uns ausgetauscht übers Drehbuch, haben gemeinsam geschrieben. Es war meine Aufgabe, es fertigzustellen, einzureichen, mich um die Finanzierung zu kümmern, damit wir, wenn er zurückkommt, drehen können. Das Projekt war also sehr weit gediehen, und es war für uns, als er gestorben ist, klar, dass ich, wir alle, die beteiligt waren, es auf keinen Fall aufgeben.

MM: Es war als Trilogie angedacht …

Ostrowski: Ab „Contact High“, um genau zu sein. Da wurde uns bewusst, dass es eine „Sex & Drugs & Rock’n’Roll“-Trilogie werden muss. Das war so typisch für den Glawo, ich sag‘ das zu ihm, und nach zwei Sätzen sagt er: Ja, klar, mach‘ ma draus eine Trilogie. Aber „It’s all one song“, sagt Neil Young, ich sage: It’s all one movie.

MM: Nun ist „Nacktschnecken“ ein softporniger Hausfilm, „Contact High“ ein Roadmovie. Was ist „Hotel Rock’n’Roll“?

Ostrowski: Eine Mischung aus Heimat- und Hotelfilm, Boulevard und Rock’n’Roll. Es war immer schon als Genremix geplant, weil wir sehen wollten, wie man dieses Grundthema, jemand erbt ein heruntergekommenes Hotel, wird bedroht durch die Konkurrenz, die Bank …, das ja in zahlreichen Filmen der Nachkriegsära vorkommt, neu machen könnte. Also diese Grundstruktur hernehmen und sie brechen mit einer Rock’n’Roll-Geschichte, in der eine irre Band auftritt, in der laute Musik gespielt wird. An dieser Aufgabe haben wir uns beim Drehbuch schreiben abgearbeitet.

MM: Ein bissl klingt das jetzt nach einem Peter-Alexander-Gunther-Philipp-Film.

Ostrowski: Total. Lustig, dass Sie das sagen, weil der Glawo war ein großer Fan von Gunther Philipps Wackelohren, davon hat er gern gesprochen. Ich war immer ein Fan von Jerry Lewis, dessen erster Film als Drehbuchautor, Regisseur und Darsteller, „The Bellboy“, ein Hotelfilm ist. Er ist aus dem Jahr 1960, ein Schwarzweißfilm, den er gedreht hat, ohne zu sprechen. Jerry Lewis ist damit ein unglaubliches Risiko eingegangen, Hut ab! Ich will damit nur sagen, es gibt ein paar Hotelfilmvorbilder, die uns sehr stark inspiriert haben. Der Glawo hat auch einen Roman geschrieben, „69 Hotelzimmer“, der posthum erschienen ist. Das ist ein ganz tolles Buch, in dem er alle seine Reiseerlebnisse verarbeitet. Wir sind also beide Hotelfans, und die Liebe zu diesem Ort war der Ausgangspunkt für „Hotel Rock’n’Roll“.

Die Hotelband. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Ein Song wird x-mal variiert: Die Hotelband bei ihrem ersten großen Auftritt. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Lukas König. Bild: © Wolfgang Thaler / Dor Film

Unterwasserdrummer und Aushilfsneptun Lukas König. Bild: © Wolfgang Thaler / Dor Film

MM: Und euer Hotel? Wie haben Sie diese verwunschene Villa gefunden? Eingebettet in ihre grüne Hölle?

Ostrowski: Ha, das hat unser Kameramann Wolfgang Thaler zum Drehort auch gesagt: Das ist die grüne Hölle. Die Villa ist am Semmering, ganz versteckt, und gehört zwei Schwestern, die dort die Hälfte der Woche wohnen. Die haben sich auf unsere Zeitungsannonce hin gemeldet, und das war fein, weil man da weiß, dass man willkommen ist. Dieser Drehort war essentiell wichtig, weil ich hin kam und wusste, dass ich da richtig bin. Anders hätte ich den Film nicht drehen können.

MM: Dazu der Teich …

Ostrowski: Ja, der war echt dort, das glaubt man gar nicht. Geschrieben haben wir, der Schorsch, also Georg Friedrich, fährt nach seinem Banküberfall mit seiner Corvette in einen Pool, und das Auto bleibt stecken, mit dem geraubten Geld im Kofferraum. Und dann erst ging mir auf, im durchsichtigen Wasser funktionieren weder die Tauchversuche von Max und Jerry, wenn sie die Geldtasche suchen, weil da steckst den Kopf unter Wasser und hast es, noch der mystische Auftritt unseres Wassermanns und Unterwasserdrummers Lukas König. Da seh‘ ich diesen verwahrlosten Teich und denke mir, das ist es. So einfach war’s dann allerdings doch nicht.

MM: Weil?

Ostrowski: Wir die Wasserschutzrechte beachten mussten. Es gab also eine zweite Corvette, die war völlig ausgebaut, damit nix mehr drin ist, in dem Benzin oder Öl sein könnte, und die haben wir versenkt.

MM: Klingt stressig. Dabei wirkt im Film dank natürlicher Zutaten alles so entschleunigt. Aber wie bei jeder Komödie sind Tempo und Timing wahrscheinlich ein Wahnsinn, oder?

Ostrowski: Dank natürlicher Zutaten und solcher als dem Labor (er lacht). Nein, kein Stress, tatsächlich ist bei unserem Team das Wichtigste, dass man die Akteure einfach machen lässt; die kennen ihre Figuren und wissen schon, wie sich was anfühlen muss. Es war mir vor allem ein Anliegen Gerald Votava als Jerry in die Familie zu bringen, weil die anderen kennen einander ja schon ewig, er ist neu dazugekommen, er musste erst sehen, wie unser Timing ist, wie wir spielen, welche Sprache wir sprechen … Georg Friedrich wiederum ist ein Mensch, der nicht gerne probt. Er hat echt früh seinen Text gelernt, eine alte Version vom Drehbuch, das weiß er, aber das tut er halt. Ich hab‘ aber in der Zwischenzeit einige Sager wieder rausgestrichen, und er sagt (Ostrowski spricht in täuschend echtem Georg-Friedrich-Tonfall): Des is oba schod, weu des is lustig. Dann haben wir’s natürlich wieder reingenommen, weil er ein Feeling hat, was ihm gefällt, und ich nehme ihn damit sehr ernst.

MM: Also was jetzt, war’s harte Arbeit oder lustig?

Ostrowski: Ich finde nicht, dass es harte Arbeit war. Harte Arbeit ist das Rundherum, diese Scheißproduktionsmaschine, die funktionieren muss, aber Spielen ist immer ein freudvolles, lustiges Tun.

MM: Nun sagten Sie vorhin „Familie“, das Team ist über die Jahre ein Freundeskreis geworden. Sagt man sich da leichter oder schwerer was ins Gesicht?

Ostrowski: Leichter, finde ich, viel leichter. Ich habe nicht das Bedürfnis mit Menschen zu arbeiten, mit denen ich ein Spannungsverhältnis habe. Ich brauche keinen Psychoterror am Set oder auf einer Theaterbühne, damit ich was Gutes zusammenbringe. Ich hab’s lieber in einer Gemeinschaft und im Guten. Man muss halt lernen, wie man Kritiken formuliert. Das ist ein großer Punkt. Ich bin da auch sehr sensibel als Schauspieler, ich will auch nicht, dass mir jemand sagt, es war Scheiße, was ich gemacht habe. Das finde ich abwerten, das motiviert mich nicht, da bin ich blockiert fürs nächste Mal.

MM: Was sagen Sie dann? Da war schon sehr viel Schönes dabei?

Ostrowski: Ich bin kein Pädak-Regisseur, aber ich sag‘ einmal grundsätzlich, ja okay, weil oft weiß ich’s gar nicht besser. Ich würde mir gar nicht anmaßen zu sagen, ich weiß es besser. Der eine macht’s auf die Art, der andere auf eine andere, das muss man sich anschauen und ausprobieren. Als Schauspieler habe ich das Bedürfnis jeden Take zu variieren, weil es keinen Sinn macht, immer gleich zu spielen. Ich schaue, dass der Rhythmus stimmt und dass man die Pointen richtig setzt, und es freut mich auch an den Kollegen, wenn sie mir Varianz anbieten. Die kriege ich aber nur, wenn ich ihnen die Freiheit dafür gebe.

MM: Haben sich die Filmfiguren entwickelt? Oder sind sie Typen wie bei Volkstheater, wie beim Kasperltheater, die immer gleich bleiben sollen?

Ostrowski: In gewisser Weise sind sie Archetypen und sollen bleiben, was sie sind. Der Schorschi wird immer ein kleinkrimineller Gangster mit Hang zu Vandalismus und Selbstzerstörung sein. Aber trotzdem entwickeln sie sich, weil sich die Menschen, die sie darstellen, entwickeln. Man muss sich ja nur die Fotos aus den beiden früheren Filmen anschauen, da sieht man, wie wir uns alle verändert haben, älter geworden sind, aber im positiven Sinn. Das ist das Geheimnis der Schauspielerei, wie du dich wandelst, so wandelt sich deine Figur.

MM: Und die Figur von Raimund Wallisch war auserzählt?

Ostrowski: Der Raimund hat mir vor Jahren gesagt, er will nicht mehr dabei sein. Ich bemühe da eine Bandmetapher: Er ist ausgestiegen und hat sein Soloprojekt gestartet. Da kann man nicht diskutieren, das war seine Entscheidung und die ist zu respektieren. Im Endeffekt aber, wie bei vielem, wo man am Anfang denkt: Was mach‘ ich jetzt?, hat auch das eine positive Wende genommen. Weil Gerald Votava nicht nur als Schauspieler, sondern auch als Musiker dazugekommen ist, und ich weiß nicht, ob ich den Film so hätte machen können, wenn er nicht so ein exzellenter Gitarrist wäre.

MM: Womit wir bei der Musik sind: Die neuen Hotelbesitzer sind eine Rock’n’Roll-Band mit genau einem Song. Spielt ihr wirklich alle selber?

Ostrowski: Wirklich. Gerald die Gitarre, Pia den Bass, Schorsch das Schlagzeug. Georg Friedrich hat’s von Lukas König gelernt, und zwar so, dass er Rock, Punk und Reggae live gespielt hat. Ich habe früher einmal in einer Band Bass gespielt und gesungen, jetzt hab‘ ich mir den leichtesten Job ausgesucht, ich bin der Sänger.

MM: Und der Komponist. Denn das einzige Lied der Band, der Futschikato-Song, stammt aus Ihrer Feder. Da sind einige Vokabel drinnen, die waren sogar mir neu.

Ostrowski: Nämlich?

MM: Kann ich jetzt nicht sagen, vor allen Dingen später nicht schreiben, F**knecht zum Beispiel. Oder Nudelwalker in diesem Zusammenhang.

Ostrowski: Letzteres ist eh klar, ersteres ein Mann, der sich gern Frauen unterwirft. (Er singt leise): Genderbender, Riesenständer, Frauenbauer, Maunerhauer, hauma uns in die Mischmaschin, die MaunerWeibaMischmaschin … Ich habe diesen Text schon sehr früh geschrieben, ihn dem Michi Glawogger geschickt, und durch alle Drehbuchfassungen blieb er erstaunlicherweise immer drin. Hab‘ ich mir gedacht, so schlecht kann er nicht sein.

MM: Euer Humor ist sehr eigen. Sind Sie damit auch schon auf Ablehnung und Unverständnis gestoßen? Gab’s negative Reaktionen?

Ostrowski: Klar gibt’s Leute, die finden uns geschmacklos. Bei „Contact High“ war aber eher das Problem, dass Zuschauer es nicht gepackt haben, dass sich der Film aus seinem vordergründigen Realismus löst. Dass da Dinge passieren, die nicht realistisch, sondern auf einer anderen, einer surrealen Ebene erzählt werden. Da kannst nur sagen: Aha, okay. Glawo und ich haben Film immer als ein Medium gesehen, das sich fantasievoll über die Realität erhebt. Dass man dabei mit Sehgewohnheiten bricht, da muss man drüber stehen. Manche Leute konnten mit dem Drogenerfahrungsding aus „Contact High“ wenig anfangen, deshalb war der Film einerseits limitierter, andererseits haben wir eine unfassbare Fangemeinde, die ganze Passagen auswendig zitieren kann. „Hotel Rock’n’Roll“ ist ein anderes Thema, familienfreundlicher, weniger stoned. (Er lacht.)

Georg Friedrich. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Schorsch und seine Corvette landen im Teich: Georg Friedrich macht seine Stunts selber. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Georg Friedrich, Detelv Buck und Pia Hierzegger. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

Schorsch mit Gipsfuß, von „Harry“ Detlev Buck liebevoll geschultert. Bild: © Toni Muhr / Dor Film

MM: Dafür mit mehr Stunts! Autostunts und Rollstuhlstunts.

Ostrowski: Georg Friedrich hat sich nicht geschont, er lässt es sich ja nicht nehmen, alle Stunts selbst zu machen. Er ist eine Naturgewalt, eine schauspielerische Kraft, die für mich spitze ist. Wie er da aber aus dem Rollstuhl fällt, der Schorsch bricht sich nämlich das Bein, wenn Sie das meinen, das war nicht geplant. Wir haben einfach gefilmt, wie er damit herum fährt, er hat einen Wheelie gemacht und auf einmal hat’s ihn rausg’haut. Natürlich hält man da die Kamera drauf.

MM: Wenn man Ihnen so zuhört, hat man den Eindruck, Regie führen hat Sie schon angefixt. Möchten Sie weitermachen? Alles in Ihrer Hand haben?

Ostrowski: Es hat was, aber ich muss es nicht regelmäßig machen. Es hat mich an meine Grenzen geführt. Im Guten und im weniger Guten. Ich mein‘, es war alles easy, und ich mag‘ das schon sehr gern, aber alles mit Maß und Ziel. Sehr gern bin ich mit Alarich Lenz im Schneideraum gesessen, das ist zwar eine unbezahlte, aber eine sehr schöne Arbeit, das würde ich gern wieder machen, dieses Zusammenbasteln eines Films.

MM: Die Trilogie ist nun beendet. Wie geht’s mit der Neigungsgruppe weiter? Ihr könntet ja eine österreichische „Carry On“-Truppe werden?

Ostrowski: Ich weiß es ehrlich noch nicht. Ich muss erst einmal schauen, was aus diesem Film wird. Ich plane weniger als ich Dinge auf mich zukommen lasse und dann Bauchentscheidungen treffe. Ich schau‘, dass ich das machen kann, was mir am meisten Spaß macht, ich will mich nicht zwingen lassen, das ist mein einziges Ziel. Ich drehe gerade einen „Bibi und Tina“-Film, Detlev Buck führt Regie, und er stellte mich am Set vor mit den Worten: He’s a free man. Wahrscheinlich ist es das. Aber ich glaube nicht, dass die, wie haben Sie gesagt?, Neigungsgruppe nichts mehr miteinander zu tun haben wird.

www.hotel-rocknroll.com

Wien, 19. 8. 2016

Landestheater NÖ: Romeo und Julia Freestyle

April 13, 2016 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

Hilde Dalik macht Shakespeare mit Flüchtlingen

Romeo und Julia Freestyle. Bild: chong * – verein für theater & performance

Romeo und Julia Freestyle. Bild: chong * – verein für theater & performance

Jugendliche Flüchtlinge im Alter von 16 bis 21 Jahren interpretieren am 20. April am Landestheater Niederösterreich Shakespeares „Romeo und Julia“ neu. Die Produktion ist ein Projekt von „chong * – verein für theater & performance“, den Hilde Dalik, Melika Ramic, Michael Ostrowski, Julia Schranz und Silke Ofner gemeinsam gegründet haben.

Zusammen mit Regisseurin Dalik und dem Schauspieler und Improvisations-Coach Ostrowski nähern sich die Darsteller „Romeo und Julia“ an: Sie untersuchen spielerisch die Themen Herkunft, Familie, erste Liebe, Feindschaft, Gewalt und Krieg. Entstanden ist ein multikulturelles TanzTheaterstück mit Bezug zu den persönlichen Geschichten. Neben der Musik von Wolfgang Schlögl und Kyrre Kvam sind afghanische Lieder zu hören. In Videoeinspielungen agieren unter anderem Michael Ostrowski und Alexander Pschill, auf der Bühne unterstützt die Schauspielerin Sophie Aujesky das 12-köpfige Ensemble.

Hilde Dalik. Bild: chong * – verein für theater & performance

Die Initiatorin des Projekts und Regisseurin Hilde Dalik. Bild: chong *

Michael Ostrowski. Bild: chong * – verein für theater & performance

Impro-Coach Michael Ostrowski. Bild: chong *

„Ich hatte mich für unbegleitete minderjährige Flüchtlinge aus dem niederösterreichischen Laura-Gatner-Haus engagiert und einen bestehenden Theaterpädagogik-Workshop unterstützt, Theater- und Kinobesuche organisiert. Nachdem ich immer wieder von diesen jungen Männern den Wunsch vernommen hatte, einmal auf einer richtigen Bühne stehen zu können, kam ich auf die Idee, eine feste Theatergruppe zu gründen“, sagt Hilde Dalik. „Es war mir wichtig, diese Produktion unter möglichst professionellen Rahmenbedingungen zu führen. Ziel für mich ist es, diesen Jugendlichen das Erfolgserlebnis einer Aufführung bieten zu können.“

Mit Hagar Ashiba, Esra Altuntas, Regina Atia, Chadischat Suleimanova, Borhan Hassanzadeh, Zarif Hoseini, Ezatullah Jami, Mujtaba Sam Karimi, Dost Kugiani, Memo Ciftci, Sakhi Rezai, Sharif Rahimi und anderen Jugendlichen mit Fluchterfahrung.

www.landestheater.net

www.chong.at

Wien, 13. 3. 2016

„Maikäfer flieg“ ist der Eröffnungsfilm der Diagonale

März 1, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Nöstlinger-Autobiografie als Antikriegsfilm

Zita Gaier als Christine. Bild: © Oliver Oppitz

Zita Gaier als Christine. Bild: © Oliver Oppitz

Die Urgroßmutter hatte einst das Wesen der Menschheit in zwei Sätzen zusammengefasst. „Ma kann ned alle über an Kampl scheren“, hieß der für bessere Tage. „Depperte gibt’s überall“ der für schlechtere.

Miriam Unger hat Christine Nöstlingers großteils autobiografischen Roman „Maikäfer, flieg! Mein Vater, das Kriegsende, Cohn und ich“ aus dem Jahr 1973 verfilmt.

Was der Regisseurin gelungen ist, ist weit mehr als die Geschichte einer Kindheit im Jahr 1945. „Maikäfer flieg“ – am 8. März Eröffnungsfilm der Diagonale, ab 11. März in den Kinos – ist ein starker Antikriegsfilm. Er ist ein Plädoyer für Mitmenschlichkeit, eine Aufforderung zur Zivilcourage und dieser Tage eine Erinnerung daran, dass jeder, egal woher er kommt, welcher Hautfarbe oder Religion er ist, das Recht auf ein Leben in Frieden hat. Er ist eine Liebeserklärung an die Heldin unserer frühsten Leseabenteuer, eine Erfahrung, die wir, erwachsen geworden, mit mehr Sinn für die Gerechtigkeitssätze dieser in dieser Frage unnachgiebig sturen und streitbaren Autorin wiederholen. Und er ist Erinnerung und Liebeserklärung an die eigene Urgroßmutter, die zwei Weltkriege gesehen hat. Sie war eine von denen, über die die Nöstlinger schreibt, ausgebombte Mutter von fünf Kindern, Mutterkreuzverweigerin, weder jüdisch noch nationalsozialistisch, daher weder den Tätern noch den Opfern zugerechnet, eine einfache Überlebende des Wahnsinns.

Zita Gaier spielt die neunjährige Christine. Es ist April, bald 8. Mai, die Rote Armee kündigt sich schon als Siegermacht in Wien an, und die Christl geht mit ihrer Mutter und ihrer Schwester nach Neuwaldegg, wo es sicher sein soll. In eine Villa, in der die Mutter geputzt hat, und deren Besitzerin samt Sohn auch bald vor der Tür steht, wie der aus dem deutschen Lazarett desertierte Vater – und die Russen. Einquartierung. Versorgung der Truppen. Doch die Befreier sind auch Zerstörer. Und die Konflikte mit einigen „angehauchten“ Neuwaldeggern vorprogrammiert. Das alles wird erzählt aus Christls Perspektive, und Zita Gaier ist ein Glücksfall für die Rolle. Sie verkörpert die perfekte Mischung aus nervig altklug und für ihre jungen Jahre überraschend weise. Die trotzige Naivität ihrer Christl, ihr Widerspruchsgeist und ihr Aufbegehren gegen alles, was ihr dumm und sinnlos erscheint, lässt schon die Nöstlinger dahinter erahnen. Sie ist unbeirrbar in ihrer Überzeugung, nein: dem Wissen, dass alle Leut‘ gleich sind. Also geht sie zum Schrecken der Mutter auch offen und ehrlich auf die sowjetischen Soldaten zu und freundet sich mit ihnen an. Vor allem mit dem vom russischen Filmstar Konstantin Khabensky gespielten jüdischen und daher sekkierten Koch Cohn. Auch in der Sowjetunion war der Antisemitismus Alltag.

„Maikäfer flieg“ wird von Frauen gemacht. Neben Miriam Unger waren Co-Drehbuchautorin Sandra Bohle, Kamerafrau Eva Testor, Ausstatterin Katharina Wöppermann, Kostümbildnerin Caterina Czepek, Musikerin Eva „Gustav“ Jantschitsch und für den Schnitt Niki Mossböck verantwortlich. Produziert hat Gabriele Kranzelbinder, der die Diagonale in der gleichnamigen neuen Programmreihe ein „Zur Person“ widmet. Punkto Budget habe man eine „für Frauen“ bis dahin gläserne Decke durchbrochen, sagt Regisseurin Unger. Doch nicht nur hinter, sondern auch vor der Kamera führen die Frauen. Bettina Mittendorfer ist als Villenbesitzerin Frau von Braun die Witwe eines Fliegerasses – „Ich hätte meinen Gatten auch gern versteckt, aber er hat das nicht gewollt“, kommentiert sie erschütternd schlicht die Anwesenheit von Christls Vater. Sie wird sich dem russischen Major ins Bett werfen, um ihren blonden Sohn, und blonde Buben sind bei den Russen ohne Ausnahme Hitlerjungen, zu schützen. Hilde Dalik spielt eine führerverehrende Nachbarin, Krista Stadler Christls Großmutter, der die Schrecken rund um sie allmählich den Verstand rauben, Paula Brunner die große Schwester, Lissy Pernthaler die Soldatin Ludmilla. Als sie erzählt, wie die Wehrmacht in ihrer Heimat gehaust hat, reicht’s der Mutter. „Na, des kann i ma nimmer anhören“, schreit sie und rennt aus dem Zimmer. Die Menschen brauchen Zeit, um zu begreifen, wie sehr die jahrelange Lüge ihr Denken bestimmt hat.

Ursula Strauss überzeugt als diese Mutter. Sie hat sich der Mentalität der Trümmerfrauen mit Sensibilität und viel Gespür für ihre Rolle angenähert und gibt nun eine von ihnen mit großer Wahrhaftigkeit wieder. Christls Mutter ist eine harte, eine vom Leben hart gemachte Frau, eine Resolte mit reschem Charme, und wenn sie mit den Russen schimpft, einer was retourmurmelt und sie sagt: „Ned deppert z’ruckreden“, dann muss man schon schmunzeln. In Miriam Ungers Film liegt die Tragi- ganz nah bei der -komödie, und es ist vor allem Ursula Strauss, die zeigt, was der Krieg für die Menschen dieser Generation irgendwann war: ein stechendes Hungerloch im Bauch, das man gelernt hatte zur Kenntnis zu nehmen. Der Strauss gehört auch einer der schönsten, berührenden Momente im Film. Die Kinder fladern im Haus des geflüchteten Forstrats eine Vorratsportion Rehragout. Und die unbeugsame Mutter bricht plötzlich in Tränen aus. Aus Freude und ob der Tatsache, dass der Nazi so eine Köstlichkeit überhaupt noch besaß. Später wird man dann beim Esstisch sitzen, der Vater ausnahmsweise im Sakko, die Frauen mit Blumen im Haar, das Grammophon spielt, die Kinder tanzen – und da springt die Mutter auf und räumt den Tisch ab. Nur nicht zu viel Freude, wer weiß, was noch alles kommen mag …

Eine bestechende Darstellung zeigt auch Gerald Votava als Christls Vater. Er spielt den Kriegsversehrten mit einer Reduziertheit, die ans Herz geht. Er ist ein stiller Beobachter der Szenerie, einer, der ja gehört hat, wohin Geplärre und große Worte führen. Trotz dieser Zurückgenommenheit ist Votavas Vater aber nicht resignativ, eher abwartend. Und er wird es auch sein, der im Moment größter Gefahr – beim betrunkenen Amoklauf des sadistischen russischen Feldwebels – die Wogen glätten wird. Christine Nöstlingers Vater muss ein bemerkenswerter Mann gewesen sein, von der Tochter im Romantitel ja auch geehrt, und Gerald Votava gelingt der schauspielerische Versuch, dem gerecht zu werden. Einmal ein Temperamentsausbruch: „Ihr wisst’s ja gar nicht, wie des war“, herrscht er die Frauen im Haushalt an, als ihm vorgeworfen wird, auch nur eines dieser kriegerischen Mannsbilder zu sein. Er säuft zum Wohle seiner Familie Wodka bis zum Umfallen, repariert Uhren und enttarnt sich als Russlandfeldzugteilnehmer, als er den Feldwebel in dessen Muttersprache besänftigt. „Kochentuberulose, ja?“, lacht der Major wegen der Rettung der Situation und der Lüge übers von Granatsplittern aufgerissene Bein und hält dem Vater die Flasche hin. Votava grinst, trinkt, schweigt und sein beredtes Schweigen ist glänzend.

Christine Nöstlinger wird im Oktober 80 Jahre alt. Und angesichts der frischen Fernsehbilder fällt es nicht schwer, sich eine Kindheit in Kriegstrümmern vorzustellen. Die Nöstlinger schreibt von den Träumen einer Kinderseele und vom Familientrauma und wie möglich ein Miteinander wird, wenn man an das Gute in den Menschen glaubt. Sie schreibt, dass man nicht alle über einen Kamm scheren kann, weil es überall Depperte und Nichtdepperte gibt. Miriam Ungers Film hat das perfekt eingefangen. „Maikäfer flieg“ ist zum Lachen und zum Weinen und vor allem zum Weiterdenken. 2016 wenn möglich weiter, als bis vor die eigene Haustür.

maikaeferflieg.derfilm.at

Trailer: www.youtube.com/watch?v=ED0tLOZeGBk

Gerald Votava im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=18019

Mehr zur Diagonale 2016: www.mottingers-meinung.at/?p=17827

Wien, 1. 3. 2016