Volkstheater: Lost and Found

Dezember 19, 2015 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Wer das nicht sieht, hat was versäumt!

Birgit Stöger, Knut Berger, Sebastian Klein, Anja Herden, Jan Thümer Bild: © www.lupispuma.com / Volkstheater

Birgit Stöger, Knut Berger, Sebastian Klein, Anja Herden, Jan Thümer
Bild: © www.lupispuma.com / Volkstheater

Stell‘ dir vor, es ist Flüchtling, und eine geht hin. Stell‘ dir vor, die „Welle“, den „Syrertsunami“, weil ja Politiker und Medien über Menschen neuerdings wortwörtlich wie über Naturkatastrophen berichten, den’s vor Europas Tore spült, schwemmt es bis an deine persönliche Haustür. Stell‘ dir vor, die „Völkerwanderung“ macht vor deiner Wohnung halt. Und klopfet an. Öffnet uns doch eure Hütten. Willst du da die Herberge versagen?

Yael Ronen hat am Volkstheater den Finger in diese und andere heimische Wunden gelegt. Diesen Finger allerdings mit der Heilkraft des Lachens versehen, statt ihn mahnend zu schütteln. Dem Publikum hat’s gefallen, es bedankte die Uraufführung von „Lost and Found“ mit fröhlichem Hurra. Vielleicht ist der Wiener dem Witz einfach zugänglicher, als der Vermutung einer Belehrung. Ronen beweist einmal mehr, dass etwas von und mit Bedeutung auch federleicht statt tonnenschwer sein kann. „Lost and Found“ ist jedenfalls das beste, was das Volkstheater am Haupthaus an Neuproduktionen zu bieten hat. Das Stück ist, wenn man schon Begriffe bemühen will, modernes Volkstheater in seinem eigentlichen Sinn. Was ebenso an Ronens eigenwilligem Humor liegt, wie an der überbordenden Spielfreude des Ensembles. Wer das nicht sieht, hat was versäumt!

„Lost and Found“ wurde von Yael Ronen und dem Ensemble gemeinsam erarbeitet. Es ist Familienaufstellung und Beziehungskiste, eine scharfzüngige Analyse des Ist-Zustands der Gesellschaft und eine allzu wahre Komödie übers Menschsein. Tal Shacham hat aus Umzugskartons eine Bühnenbildbehausung gebaut – my home is my box -, die Jan Zischka mit wie graphic novels entliehenen Darstellergesichtern und Wüstenbildern bespielt. Dazu spielen Yaniv Fridel und Ofer Shabi Musik, teils dramatisch wie aus dem neuen Star-Wars-Film. Verhandelt werden: wir. Fünf Personen stehen auf der Bühne, allesamt aus „künstlerischen“ Berufen, von Fashion-Bloggerin bis Poetry Slammer, und suchen … sich. Das macht man wohl so hierzulande in selbsternannt intellektuellen Kreisen, diese Dauer-, Hinter- und Selbstbefragung, und aufgezählt wird zunächst, was man auf seinem Lebensweg nicht schon alles verloren hat. Von Sonnenbrille bis Socken, von Akzent bis Wurzeln, von Führerschein bis Figur, von Haltung bis Bewusstsein.

Den Vater. Maryam Sabry (Birgit Stöger) und ihr Bruder Elias (Sebastian Klein) müssen nämlich dessen Begräbnis organisieren. Maryam ist die Macherin, die Sorte sich in Selbstauflösung befindlicher Frau, die tut und immer für die anderen da ist, es aber nicht versäumt, einem mitzuteilen, dass sie leidet, weil sie tut und immer für die anderen da ist. Sorori gratiam debeo. Elias ist übers Nesthäkchenalter nicht hinausgewachsen; das Elend dieser Erde, es ist natürlich weltexklusiv seins. Die Ex-Partner sind auch da – Jan Thümer als von sich selbst besoffener, aufgeblasener Installationskünstler Jochen und Anja Herden als sich in ihrem Außenseiterdasein suhlende Camille. Und plötzlich steht eine irakische Herkunft im Raum, und ein Onkel Osama ruft aus London an, will das Begräbnis bezahlen, wenn sein Bruder muslimisch beerdigt wird. Das ist praktisch, weil kostenfrei, aber will man das? Und noch plötzlicher, gerade als Maryam mit ihrem schwulen Freund Schnute (Knut Berger als alternativer, stets Verständnis vermittelnder Ökofundamentalist, Typ „Retter von eh allen und allem“) versucht, ein Baby via Plastikbecher zu zeugen, kommt noch ein Anruf: Ein bis dato in den Köpfen nicht existenter Cousin Yousef (Osama Zatar) ist in einem Wiener Erstaufnahmezentrum und möchte bitte abgeholt werden.

Eine wahre Geschichte von Ensemblemitglied Seyneb Saleh, die von den Kollegen mit viel Gefühl fürs Gefühlschaos adaptiert wurde. Denn Ronens Thema sind weniger große Flüchtlings- oder -katastrophen, sondern unsere kleinen und kleinlichen Be- und Empfindlichkeiten. Wobei sie sehr subtil etwa auch die Frage aufwirft, ob diese Sorgen wegen der lebensbedrohenden anderer tatsächlich nicht mehr gelten dürfen. Gibt es ein Maß für Kummer? Beide, Maryam und Camille, wünschen sich ein Kind, und es klappt nicht. Yousef wird später in der Diskussion wie ein Kindersatz zum Totschlagargument werden. Darf, muss, soll er bleiben? „Jetzt ist er unser Problem, weil du ihn reingelassen hast“, sagt eine Figur. Für eine andere ist helfen eine Timingfrage. „Jetzt ist es gerade ungünstig, ich muss nämlich dringend …“ So lange wird rumgeredet, bis Yousef gehen will. Zu Mama Merkel. Zu den Piefkes! Da ist in Wien die Aufregung natürlich groß. Da darf, muss, soll er bleiben. Hier sind doch Leitungswasser und Mehlspeisen viel besser. Ronen kennt die Mentalität ihres Familienherkunftslandes grauslich gut. Herkunft ist wesentlich. Camille muss die ihre hautfarbengemäß rechtfertigen. „Woher kommen Sie? – „Aus Hamburg.“ – „Und Ihre Familie?“ – „Aus Frankfurt.“ – „Und davor?“ – „Aus Bonn.“ – „Waren Ihre Eltern Diplomaten?“ – „Nein, Ihre aber auch nicht.“

So entlarvt man sich. Die Humanismusfloskeln und den Toleranzrassismus, die Moraldiktatur und das Stereotypdenken und die latenten Ressentiments. Sind wir für die Flüchtlinge eigentlich ein Kulturschock? Müssen wir uns in ihrer Gegenwart gesitteter verhalten – also quasi nicht so weltoffen nackt und sexuell befreit vor diesen globalen Hinterwäldlern herumlaufen? Ach, können wir schön reden, ach, sind wir gute Menschen … aus der Ferne betrachtet …, bis es dann passiert und uns konfrontiert. Bis die Theorie praxisnah wird. Und das T-Wort ausgesprochen. T wie Terrorist. Weil, kannte den jemand vor gestern, diesen Fremden? Wir haben uns unser gutes Leben hart erarbeitet. Müssen wir das jetzt teilen? Das Team spielt im geistigen Sandkasten mit allen Klischees, die Opfer und Rollen hergeben. Yousef zählt auf, was er auf seinem Weg verloren hat. Vertrauen und den Glauben, irgendwohin zu gehören. Wünsche an das Leben und Visionen über eine Zukunft.

Dabei ist die gerade damit gesichert worden. Jochen hat ein Auge für preisverdächtiges Kulturschaffen. Denn, wenn es gilt, eine Aussage zur Zeit zu treffen, da darf der Künstler nicht … nicht? Die Biennale kommt und Mitmenschlichkeit dann später. Wie böse ist das denn? Wie bitterböse. Bravo. Yael Ronen hat einen großen Spiegel und der verzerrt einen bis zur Kenntlichkeit. Liebe deinen Nachbarn, reiß‘ aber den Zaun nicht ein. Und wenn du keinen hast, miete einfach einen.

Anja Herden und Birgit Stöger im Gespräch: www.mottingers-meinung.at/?p=16660

www.volkstheater.at

Wien, 19. 12. 2015

Kammerspiele: Blue Moon. Hommage an Billie Holiday

November 27, 2015 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Mit Sehnsuchtsstimme von Schlägen singen

Sona MacDonald Bild: Moritz Schell

Sona MacDonald
Bild: Moritz Schell

Vorher, das Gespräch mit Sona MacDonald, war die Suche nach einem besseren Ausdruck als Farbe. Aber Stimme hat eine Farbe – eine Klangfarbe. Wenn Sona MacDonald Billie Holiday singt, ist sie dunkler Purpur. Ein Ton zwischen Herzblut und blauer Fleck. An den Kammerspielen wurde „Blue Moon. Eine Hommage an Billie Holiday“ uraufgeführt. Und nicht nur wer die MacDonald jemals als Marlene Dietrich in „Spatz und Engel“ gesehen hat, weiß, wie groß und großartig diese neuerliche Verwandlung ist. Sie wolle nicht kopieren, sagte die Schauspielerin, sondern sich mit tiefer Verehrung annähern. Sona MacDonald ist nicht „in die – von“ geschlüpft, sie geht direkt unter …, ihre Stimme ein subkutaner Schmerz und gleichzeitig dessen Linderung. Wie sie voller Sehnsucht über die Schläge von Männerfäusten singt, wie sie frohlocken kann über menschliche Niedertracht.

Regisseur Torsten Fischer und Autor Herbert Schäfer haben den Abend gestaltet. Er ergibt sich aus Zeitzeugenaussagen und Zeitungsartikeln, aus Liedern und Bildern. Aus Julia Blackburns Gesprächssammlung „Billie Holiday“. Aus Holidays Autobiografie „Lady Sings The Blues“. Jazz ist die Kunst des Ungenauen, und so genau wollte Billie Holiday über ihr Leben wohl gar nichts wissen. Sie hat es immer wieder und immer wieder neu erzählt. Und es zelebriert, es inszeniert wie ihre Auftritte. Das lässt im Ungefähren die Ahnung einer Frau entstehen. Mehr wollten Fischer und Schäfer nicht. Der Abend ist kein Biopic, er erzählt The Essentials und vom Feeling, er setzt Spotlights auf Stationen dieser Schmerzensfrau, mit 20 Songs von „Mean To Me“ über „God Bless The Child“ bis „Lover Man“. Und „Strange Fruit“, vor der Pause dieses Lied gegen Lynchjustiz vom russisch-jüdischen Kommunisten Abel Meeropol. Außenseiter traf Außenseiterin. Billie Holiday war keine Bürgerrechtlerin, sie war die Künstlerin, die dem Protest gegen den Ku-Klux-Klan ihre Stimme lieh. Seit Barack Obama US-Präsident ist kommen die Kabutzen wieder in Mode.

Die Farbe, also. Die Haut. Jede Schattierung wirft einen Schatten auf die Person. MacDonald spielt die Schwärzung des Gesichts. Als Billie Holiday mit der Big Band von Count Basie im von Rassenunruhen getriebenen Detroit auftreten will, ist sie dem Veranstalter nicht „Nigger“ genug. Die Sängerin sehe zu gelb aus, man könne sie für eine Weiße halten. Also drücken sie Lady Day schwarze Creme in die Hand. Sie flucht, sie tobt, dann färbt sie sich dunkel. „Du kannst bis zu den Brüsten in weißer Seide stecken, mit Gardenien im Haar, kein Zuckerrohr weit und breit, und trotzdem immer noch auf einer Plantage arbeiten.“ Als MacDonald die Farbe abwischt bleiben dunkle Augenringe, wie Wimperntusche nach dem Weinen, wie das Eye Black der American-Football-Spieler. Abwehr, Angriff, man darf sich nicht blenden lassen. Doch trotz Bemalung, dieser Krieg gegen Rassismus und Rauschgift ist nicht zu gewinnen. Hope – Dreams – You steht an der Wand (Bühnenbild und Kostüme sind von Schäfer und Vasilis Triantafillopoulos), alle drei durchgestrichen, alle drei zerschmettert. Das Leben ist Himmel und Hölle. So hieß Holidays Lieblingsdrink aus Portwein und Gin.

„Blue Moon“ erzählt davon, was Menschen sich und einander antun. Der Abend ist in diesem Sinne ein Plädoyer für Respekt. Er ist mehr Konzert als Drama, es reden zwischen den Songs manche Popstars mehr auf der Bühne, doch mehr Dialog war im Leben dieser Vereinsamenden nicht drin. Nikolaus Okonkwo ist dessen Chronist, ein sich unbeteiligt-lässig gebender Beteiligter an diesem Schicksal. Er ist alle Liebhaber, drei Ehemänner, die Drogendealer, Joe Guy, John Levy, Jimmy Monroe, Louis McKay … Billie Holiday hatte einen fatalen Hang zu den bösen Buben; den einzig guten, ihren Soul Mate, verkörpert folgerichtig der Mann mit dem Sax: Herbert Berger als Lester Young; er nennt sie Lady Day, sie nennt ihn Pres, von President. Sein Tod wird ihr Ende sein. Christian Frank hat die Lieder für Sona MacDonald arrangiert; ihn, am Klavier, unterstützen außerdem Andy Mayerl am Kontrabass und Klaus Pérez-Salado am Schlagzeug.

Die Kammerspiele können Swing und Blues. MacDonald singt Synkopen und Sarkasmus, spielt Eskalation und Eskapismus. Spielt Kumpelhaftigkeit als Attitüde einer Diva und das Gossenkind, das sich in Eleganz kleidet. Sie weiß, wie es ist, wenn’s so weh tut, dass man es nicht mehr spürt. Selbst auf dem Häusl herrscht Segregation. Keine weißen Klobrillen für Sklavenhintern. „Wenn ich keine Toilette finde, die ich benutzen darf, na dann gehe ich eben in die Büsche“, sagt Billie Holiday. Sona MacDonald verschleift die Worte, slangt die Sätze, nur beim Singen betont sie präzise. Sie gestaltet den Verfall dieser einzigartigen Stimme und die Ironie, dass sie im Verblühen an Ausdruckskraft zunimmt. 2015 wäre Billie Holiday hundert Jahre alt geworden, mit 40 Jahren hatte sie gerechnet, 44 sind es geworden. Dann war die Nadel in der Auslaufrille angelangt. Als sie stirbt, umringen Polizisten ihr Krankenhausbett, man will sie nicht gehen lassen, sondern wegen Drogenbesitzes inhaftieren.

Die Kammerspiele beschwören für Billy Holiday, die Ausnahmeerscheinung, noch einmal den blauen Mond. Die blaue Stunde. Torsten Fischer ist eine fabelhafte Hommage an diese Interpretin des Great American Songbook gelungen. Doch er zeigt auch eine Welt, die sich zwar weiter gedreht hat, aber wenig vorwärts gekommen ist. „Blue Moon“ sollte langen Nachhall haben. Zwei Tage ist es her, da sah man Aufnahmen, wie Laquan McDonald in Chicago getötet wurde. Ein Messer gegen sechzehn Schüsse aus einer Polizeiwaffe. So set ‚em‘ up, Joe, I got a little story I think you should know … Timbre ist das bessere Wort.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=SzbqmDUTEu8#t=13

www.josefstadt.org

Wien, 27. 11. 2015

Helmut Berger spielt Ödön von Horváth

September 3, 2014 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

„Zur schönen Aussicht“ im Schauspielhaus Wien

Helmut Berger, Elfriede Schüsseleder Bild: THEATER.punkt

Helmut Berger, Elfriede Schüsseleder
Bild: THEATER.punkt

Noch bis 9. September ist im Schauspielhaus Wien die Inszenierung von Horváths „Zur schönen Aussicht“ der zweifachen Nestroy-Preisträgerin Sabine Mitterecker zu sehen. Das Stück spielt in einem heruntergekommenen Hotel, das kurz vor dem Bankrott steht. Hier sind mehrere Personen mit zweifelhafter Vergangenheit als Personal untergekommen, aber bis auf einen Dauergast gibt es schon lange keine zahlenden Hotelgäste mehr. In dieser Situation taucht Christine auf, die bereits im vorherigen Sommer die Geliebte des Hoteldirektors Strasser gewesen ist und von ihm ein Kind bekommen hat und ihn in vielen Briefen um Hilfe und Unterhalt bat. Von dem Hoteldirektor, den Gästen und dem Personal wird sie verächtlich behandelt und als Hure beschimpft. Zusammen hecken sie einen Plan aus, um Strasser von seiner Unterhaltspflicht zu befreien, indem alle Männer jeweils behaupten, auch sie hätten mit Christine letzten Sommer geschlafen. Als diese gegen Ende des Stückes der Hotelgesellschaft eröffnet, dass sie inzwischen zu Geld gekommen ist, wird sie in der Folge von den anwesenden Männern umworben. Sie entschließt sich aber, das Hotel wieder zu verlassen und zwar alleine.

Mit Helmut Berger, Hannes Granzer, Sophie Hutter, Jon Kiriac, Elfriede Schüsseleder, Germain Wagner und Heinz Weixelbraun. Nach Wien übersiedelt die Produktion von THEATER.punkt an die  Théâtres de la Ville de Luxembourg.

www.theaterpunkt.com

Wien, 3. 9. 2014

TAG: Where are we now?

Mai 5, 2014 in Tipps

VON MICHAELA MOTTINGER

Beihilfe zur Panik des 21. Jahrhunderts

Bild: Tania Pilz

Bild: Tania Pilz

Am 5. Mai lädt das TAG zur letzten Premiere vor der Sommerpause: Die Compagnie Luna gastiert mit ihrer Stückentwicklung „Where are we now?“ Ausgehend von René Magrittes Gemälde „Lovers“ entwickelt das Team rund um Regisseur Josef Maria Krasanovsky in sechswöchiger Probenzeit ein surreales Theater-Spektakel: beißende Pointen, greller Kitsch, verhüllte Köpfe, Sprachakrobatik … Mit im 5-köpfigen Ensemble: Schauspielerin Karin Lischka, die in Karl Markovics Film „Atmen“ die weibliche Hauptrolle spielte.

Das Bild „Lovers“ des Surrealisten René Magritte zählt zu den bekanntesten Gemälden des 20. Jahrhunderts. Bis heute haben die Werke des Belgiers nichts an Sprengkraft verloren: „Die alte Frage: ‚Wer sind wir?‘ findet in der Welt, in der wir leben müssen, eine enttäuschende Antwort.“ (René Magritte). Ausgehend von René Magrittes Werk entwickelt das Team rund um Regisseur Josef Maria Krasanovsky einen schrägen Trip durch die verdächtige Welt des belgischen Surrealisten: beißende Pointen, greller Kitsch, verhüllte Köpfe, Sprachakrobatik, verformte Körper … In szenischen Bildern und mit treibenden Beats stellen sie Magrittes Fragen erneut: Wer sind wir? Wo sind wir? Und vor allem – was sollen wir tun? Compagnie Luna wagt damit eine theatralische – manchmal durchaus unernste – Gegenwartsbestandsaufnahme.

Mit Where are we now? meldet sich Compagnie Luna nach fast zweijähriger Schaffenspause zurück. Nach „Vielen guten Menschen fliegt der Hut vom Kopf“ im Theater Drachengasse schließt die Compagnie Luna mit ihrer neuen Produktion an ihre groß produzierten Stücke „Wir hüpfen nur aus Höflichkeit“ und „Der Tag an dem Dada in seinen Kopf stieg“ an. Nachdem Regisseur Josef Maria Krasanovsky zuletzt auf Solopfaden in Graz mit „Jugend ohne Gott“ und „Tschick“ erfolgreich zugange war, steht mit der aktuellen Produktion wieder eine Stückentwicklung für seine Compagnie auf dem Programm.

Es spielen: Ambra Berger, Patrick Jurowski, Karin Lischka, Herwig Ofner und Lisa Schrammel.

www.dastag.at

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=temadLNtjaA&feature=youtu.be

Wien, 5. 5. 2014

Volksbühne Berlin: Kill your Darlings!

April 29, 2014 in Bühne, Film

VON MICHAELA MOTTINGER

René Polleschs Meistermonolog auf DVD

Bild: Volksbühne/Thomas Aurin www.theateredition.com

Bild: Volksbühne/Thomas Aurin
www.theateredition.com

„Achtung, wir springen jetzt!“, schreien sie am Anfang. Und dann lassen sie sich am Seilen herunter, Fabian Hinrichs und sein Turnerchor. Dazu Bruce Springsteen. Doch hier sind es die Streets of Berladelphia, die besungen werden. Fernsehregisseur Hannes Rossacher folgt den Darstellern, holt sie mit der Kamera nahe heran, zeigt sie in der Totalen des großen Bühnenraums, läuft mit dem singenden Hinrichs und begibt sich bei Regen in die Vogelperspektive. „Es fehlt etwas, es reicht uns nicht“, schreit der Protagonist. Nicht bei dieser Inszenierung. Auch, wenn das Motto von René Pollesch lautet: „Die besten Szenen werden wir heute Abend nicht zeigen, denn die könnten wir alle nicht ertragen.“ Fabian Hinrichs erhielt soeben von „Theater heute“ den Ulrich-Wildgruber-Preis 2014. Der Preis fördert „eigenwillige Begabungen“, die „auf besondere Weise in den Medien Film und Theater auf sich aufmerksam gemacht haben“, so die Laudatio von Thomas Oberender. Nun ist die Inszenierung der Volksbühne Berlin auf DVD erhältlich.

Worum’s geht? Äh, ja … Um das hinreißend spitzbübische Lächeln Hinrichs‘. Um die Art, wie er das Publikum liebt und es ihn. Ja, um Liebe geht es tatsächlich. Pollesch wird weich auf seine mittelalterlichen Tage 😉 Das Projekt – eine Koproduktion mit dem Turiner Teatro Stabile – bezieht sich auf das Lehrstück von Bertold Brecht „Der Untergang des Egoisten Fatzer“. In der Inszenierung von Pollesch wird aus dem Deserteur Fatzer, der seine Kameraden verrät, ein kapitalismusversierter Monologisierer (75 Minuten lang, furios), den ein ganz anderes Kollektiv in die Bredouille bringt. Da gibt’s nämlich diesen Kapitalismuschor, diese Turner, diese Netzwerker, die Hinrichs auf den Leib rücken, Menschen-Pyramiden, Menschen-Sofas, Menschen-Treppen, Beziehungsskupturen bilden. Und er will und will mit ihnen nicht in die Kiste steigen. Mit einem Kollektiv ja, mit einem Netzwerk NEIN! Keine Ahnung, liegt es am funkensprühenden, in eine regenbogenbunte Glitzerturnhose gekleideten Hinrichs – oder warum macht einen diese Inszenierung so gut gelaunt? Man ist selbst via DVD (heißt: nicht live) nach drei Minuten im reinsten Theaterglück. Glitzer-Fabian flirtet, schmust, schimpft, lässt sich auf Händen tragen, ringt mit den Akrobatinnen und Akrobaten. Ein Individuum auf der Suche nach Nähe, dem letztlich einsame Exklusivität aber lieber ist als Uniformität – sehr schön illustriert durch ein Michael-Jackson-mit-Tänzern-Video; diese Performances hatten ja oft etwas Pseudomilitantes. Dazu kann Pollesch gut seine Missionspredigten gegen das Kapital ablassen. Und selten seit Langem tat er es so poetisch.

Der kongeniale Bert Neumann schuf dazu zwei Brecht-Vorhänge, einen Mutter-Courage-Wagen und einen niedlichen Bagger, mit dem die Assoziationsbausteine zusammengesetzt werden können. Oder auch nicht. Denn Hinrichs‘ Faxenmacherei, kühn, verrückt, selbstbewusst, zerstört den Diskurs sowieso. Also setzt Regen ein, in dem die stumme Turnfraumannschaft zur Rutschpirouette ansetzt. Der charismatische Schauspieler selbst wirft sich ins hautenge Krakenkostüm. Da weiß man: Das hat Mehrwert. Auf der DVD etwa durch ein Interview mit Fabian Hinrichs. Ganz nah, ganz herzlich.

PS.: Eine Antwort auf alle Fragen, die der Abend aufwirft, hätte es auch gegeben. Aber, eh schon wissen: Sie musste rausgeschnitten werden. Wir hätten sie nicht ertragen.

www.theateredition.com

Regie: René Pollesch, Bühne und Kostüme: Bert Neumann.
Mit: Fabian Hinrichs und Chor (Eduard Anselm, Johanna Berger, Christin Fust, Hannes Hirsch, Emma Laule, Ronny Lorenz, Martina Marti, Fynn Neb, Rudolph Perry, Simone Riccio, Nicola Rietmann, Paula Schöne, Anna Smith, Lukas Vernaldi und Claudia Vila Peremiquel).

www.volksbuehne-berlin.de

Wien, 29. 4. 2014