Burgtheater: Die Ratten

März 28, 2019 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Die Versuchstiere irren durchs Lebenslabyrinth

Aug‘ in Aug‘ mit der Ratte: Sylvie Rohrer als Frau Hassenreuter. Bild: Bernd Uhlig

Zurzeit zeigt der Schweizer Fotograf Matthieu Gafsou im Rahmen des Foto-Wien-Festivals in der Otto-Wagner-Postsparkasse seine Bilderserie „H+“ zum Thema Transhumanismus. Darunter ist die Aufnahme einer Laborratte, mittels Gurtenkonstruktion künstlich auf den Hinterbeinen gehalten, in den Kopf eine Elektrode gesteckt, in ihrem Gesicht alles Leid der Welt.

Es ist dieses gequälte Tier, an das einen Andrea Breths Abschiedsinszenierung am Burgtheater von Gerhart Hauptmanns „Die Ratten“ denken lässt. Alles ist grau und Beklemmung und Plage, Breth versetzt des Dramatikers Homo homini rattus in eine Atmosphäre diffuser Angst – und selbst ein, zwei die Zuschauer zum Lachen animierende Momente, etwa, wenn die Gesamtschaft der Theatermenschen zu 1920er-Jahre-Schlagern stolpernd auf die Bühne tänzelt, enttarnen sich als kritischer Kommentar zu deren letzter verzweifelter Selbstbehauptung als bildungsbürgerlicher Kreis. Eine Empfindung von Ausweglosigkeit tut sich auf, unterstrichen vom Bühnenbild Martin Zehetgrubers, dieses ein Labyrinth aus durch Verdreckung opaken Plexiglaswänden, durch das die Figuren mal gehetzt laufen, mal wie somnambul irren.

Getriebene, auf der Flucht vor ihren Lebensumständen. Versuchstiere, deren Verhalten die Breth mit ihrer Arbeit erforschen will. Kein Dachboden, keine John’sche Wohnung mehr, kein oben oder unten, sondern ein sich beinahe beständig drehender Müllfundus aus versifften Matratzen, ausrangierten Kloschüsseln, der Boden bedeckt mit Zeitungsfetzen, später mit gesichtslosem Leichen-Volk, in Winkeln hockende Riesenratten. Durch diesen Schmutz-Filter sind die Szenen zu sehen, die Rotation eröffnet immer wieder neue Räume und Perspektiven, doch kein Durchlass, kein Entkommen nirgendwo. Ein Setting, in dem Breth als Großmeisterin des psychologischen Naturalismus nun die Zustände menschlicher Würde auslotet.

Maurerpolier John freut sich über das Söhnchen: Johanna Wokalek, Oliver Stokowski und Alina Fritsch. Bild: Bernd Uhlig

Doch Pauline Piperkarcka will ihr Kind um jeden Preis zurück: Sarah Viktoria Frick und Johanna Wokalek. Bild: Bernd Uhlig

Und in dessen Mittelpunkt sie bemerkenswerter Weise den oft so genannten und mitunter wenig verstandenen zweiten Handlungsstrang stellt – die Begebenheiten rund um den ehemaligen Theaterdirektor Hassenreuter, dessen Frau und Tochter und Schauspielschüler. Deren groteske Proben zu Schillers „Die Braut von Messina“ auf dem Mietshausspeicher, den daraus entstehenden Streit zwischen Hassenreuter und dem aus dem Theologiestudium ausgeschiedenen Erich Spitta. Hie ein Plädoyer für das Pathos, da die Ablehnung alles gestelzten Bombasts.

Spittas kühne Aussage, eine Putzfrau könne ebenso Protagonistin einer großen Tragödie sein, wie eine Shakespeare’sche Lady Macbeth, leitet Breth direkt über zum Drama der Frau John und des ungewollt schwanger gewordenen Dienstmädchens Pauline Piperkarcka.

Sven-Eric Bechtolf spielt sich als Hassenreuter brillant ins Zentrum der Aufführung. Wie alle Darstellerinnen und Darsteller des Abends beherrscht er die Kunst vielschichtiger Charakterzeichnung, Breth hat mit ihrem Ensemble in feinsten Nuancierungen herausgearbeitet, wann die Figuren vorgeben zu sein und wann sie wirklich sind.

Aus Hauptmanns satirischer Überspitzung macht Bechtolf eine brüchige Gestalt, die im Frack und mit Gehstock Halt in ihrer Großmannshaltung sucht. Er geriert sich als Theatergott, der vom hohen, reinen Parnassos in die Probleme der Zinskaserne gezogen wird, wo er gütig zwischen den Sterblichen zu vermitteln sucht, während tatsächlich sein Familienleben nicht weniger von Lüge und Argwohn umwölkt ist, wie das der Johns.

Beeindruckend ist auch Johanna Wokalek, die die Frau John früh changierend zwischen depressivem Irresein und kalter Berechnung anlegt. So, wie sich in dieser Inszenierung alles zwischen Wahnsinn und Wahnwitz bewegt, hält sie das Söhnchen der Piperkarcka bald für ihr eigenes, vor drei Jahren verstorbenes, und manipuliert ihren offensichtlich geistig beeinträchtigten Bruder, bis er zum Mörder wird. Nicholas Ofczarek macht aus diesem Bruno einen Psychopathen, der einen schaudern lässt und gleichzeitig doch auch Mitleid erregt. Wie man es hier angesichts dieser Erniedrigten, Ausgestoßenen, Hoffnungslosen eigentlich mit jedem hat. Oliver Stokowski gelingt als Maurerpolier John die imposante Studie eines gutherzigen Kerls, der den latenten Gewalttäter allerdings in sich trägt.

Frau Johns Bruder Bruno ist ein gefährlicher Psychopath: Nicholas Ofczarek und Johanna Wokalek. Bild: Bernd Uhlig

Hassenreuter versucht zu vermitteln: Sylvie Rohrer, Oliver Stokowski, Johanna Wokalek und Sven-Eric Bechtolf. Bild: Bernd Uhlig

Christoph Luser als aufmüpfiger Erich Spitta und Marie-Luise Stockinger als Walburga gehören ebenfalls zu den Erfreulichkeiten des Abends. Und natürlich Sarah Viktoria Frick, die als gekaufte und verratene Piperkarcka im Wortsinn gegen die ihr widerfahrenden Ungerechtigkeiten anrennt. Viel große Schauspielkunst zeigt sich auch in den kleineren Auftritten: Roland Koch als rigoroser Gottesmann Pastor Spitta, Stefan Hunstein, der als Käferstein ein Kabinettstück liefert, Elisabeth Augustin als Frau Kielbacke, Bernd Birkhahn als Schutzmann oder Branko Samarovski als Hausmeister Quaquaro.

Als Königinnen des Dramatischen beweisen sich einmal mehr Sylvie Rohrer als realitätsferne Hassenreuters-Gattin, Andrea Wenzl als Wienerisch parlierendes Hassenreuters-Pantscherl Alice Rütterbusch – und die wunderbare Andrea Eckert.

Bis sie erscheint, hält man die Morphinistin Knobbe in der Haushierarchie für die Geringste, doch dann kommt eine Aristokratin des Elends, die sich von den anwesenden Herren gern umgarnen lässt. Eindrucksvoll, wie die Eckert mit minimalen Mitteln maximale Wirkung erzielt. Das Ende ist ein leises. Alina Fritsch verkündet als Selma den Selbstmord der Frau John.

Darauf kein Aufschrei, kein Ausbruch, keine Anklage, sondern stumm stehen die Figuren auf und setzen ihren Gang durchs Lebenslabyrith fort … Dass Andrea Breth mitten im tosenden Schlussapplaus zum Mikrophon griff, um sich beim Burgtheater-Publikum „für seine Treue“ zu bedanken, kam unerwartet und war schön. Zu hoffen ist, dass dies nur den Abschied vom Haus, aber nicht von Wien bedeutet.

www.burgtheater.at

  1. 3. 2019

Burgtheater: Eines langen Tages Reise in die Nacht

April 15, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Familienzerfleischung vor Felsformation

August Diehl, Alexander Fehling, Corinna Kirchhoff und Sven-Eric Bechtolf. Bild: Bernd Uhlig

Ein Zelebrieren der Langsamkeit ist Andrea Breths Inszenierung von Eugene O’Neills „Eines langen Tages Reise in die Nacht“. Fast vier Stunden dauert der wehmütige, seltsam verwehte Abend, durch den die Darsteller wie somnambul und weißgewandet geistern. Der Breth gelingt damit großes Theater. Präzise seziert sie des Autors Familienzerfleischung – das ist so schmerzhaft wie schön, und entfaltet eine ungeheure Sogwirkung.

Selten zuvor war an dem oft gesehenen Stück spürbar, wie sehr Verletzung durch große Liebe entsteht. Die Morphinistin und ihre beiden Alkoholiker, der Tuberkulosekranke und sein pathologischer Geizhals, die Hysterikerin und die Nicht-mehr-Hinhören-Könner sind hier vier ineinander verzahnte Existenzen. Keiner kann ohne, niemand mit den anderen. Dass sich da unterschwellige Aggressionen an die Oberfläche Bahn brechen, ist klar. Doch kaum hat man sich angepöbelt oder gar gerauft, herrscht wieder eitel Eintracht. Familie ist, sagt Breth, eine lebenslang erdrückende Umarmung, die zum Erstickungstod führen muss.

Dass Edmund am Ende, ein Bild des Friedens, am Meer sitzt, nachdem all die Drogenkonsumenten endlich ins Bett gefunden haben, glaubt man ihm kaum. Aus der Familie Tyrone, wie Breth sie malt, gibt es im Guten wie im Schlechten kein Entkommen. Da hilft kein retrospektiv versöhnlicher Schlussmoment, kein versonnener Blick in die Ferne der Zukunft. O’Neill selbst macht das deutlich, hat er doch seinen autobiografischen Text spät geschrieben und nur zur posthumen Veröffentlichung freigegeben …

Am Burgtheater glänzt ein herausragendes Schauspielerquartett. Sven-Eric Bechtolf gibt den James Tyrone, Corinna Kirchhoff die Mary, Alexander Fehling und August Diehl die Söhne Jamie und Edmund. Andrea Wenzel holt aus ihren wenigen Auftritten als aufmüpfiges Hausmädchen Cathleen alles. Dreh- und Angelpunkt der Aufführung ist Kirchhoffs Mary. Kirchhoff spielt die Süchtige mit enormem Charisma. Mit fahrigen Fingern streicht sie immer wieder ihre Haare zurecht, versichert mit vor vorgegaukelten Emotionen überschnappender Stimme, ihre Sucht im Griff zu haben, bevor sie sich eben wegen dieser wieder in schwatzhaftes Selbstmitleid ergießt.

Sie ist die Manipulative, die größte Egoistin unter den Egozentrikern, und wie sie in ihren Erinnerungen lebt und andere für ihre zerstörten Träume verantwortlich macht, als hätt’s nie gegolten, einen Entscheid selbst zu treffen, das ist großes Kino. Dann, je mehr sie wieder in ihrer Sucht verschwindet, wird diese Mary immer mehr zum jenseitig-empyreischen Wesen. Bis sie schließlich mit hohem Stimmchen und wie abwesend über die Bühne torkelnd ihre Frömmeleien verkündet.

Sven-Eric Bechtolf und August Diehl. Bild: Bernd Uhlig

Corinna Kirchhoff und Sven-Eric Bechtolf. Bild: Bernd Uhlig

Diese hat Martin Zehetgruber als endzeitliche Küste angelegt. Statt in die von O’Neill verlangte Abbildung des elterlichen Sommerhauses, das Monte Christo Cottage in Conneticut, verlegt er die Handlung in eine nebelig düstere Landschaft, in der eine Felsformation einen Wasserlauf säumt, den die Darsteller immer wieder spritzend durchqueren müssen. Im Hintergrund ein Walskelett, das sich endlich nach vorne drehen und Edmunds letzter Begleiter sein wird. So entsteht atmosphärisch dicht eine Situation, die niemandes Zuhause sein kann – wie Mary stets beklagt, in ihrer Ehe kein Heim gehabt zu haben, ein Umstand, den wohl auch die Söhne so empfinden.

Am unbehaust Umherziehen der Familie Tyrone trägt natürlich deren Oberhaupt James die Schuld. Sven-Eric Bechtolf gibt den Ein-Stück-Schauspieler mit Hang zur ausladenden dramatischen Geste. Stets ist an seinem James deutlich, dass er die Vaterrolle auch „spielt“, wenn er zwischen Eigensinn und echter Sorge um seine Frau und seinen Sohn, gefangen in seinen Zwängen und Ängsten, und zwischen Großsprecherei und Kleinmut changiert. Bechtolf brilliert in seinem intensiven Auftreten. Wie Alexander Fehling, der als Jamie die Krankheiten des James‘ geerbt hat und wie er zwischen Selbstverteidigung und -anklage pendelt.

Berührend, wie er vom Kraftlackl im ersten Teil zum betrunkenen Häufchen Elend wird. In einer Saufszene mit Edmund legt Breth ihr Konzept deutlich dar, dass hier alles gesagt und getan wird, weil Menschen in übergroßer Zuneigung einander zu viel abverlangen … Bleibt Edmund, des Autors Alter Ego, August Diehl. Der hat sich den zwar ebenso Desillusionierten, aber immer noch Familienfreundlichen wie eine zweite Haut angezogen. Herzerwärmend, wie er, als es schon längst die Diagnose Schwindsucht gibt, den anderen bei ihren Selbstsüchteleien noch zuhört und zusieht. Alles in allem überzeugt Diehl am meisten durch seine Wahrhaftigkeit. „Eines langen Tages Reise in die Nacht“ am Burgtheater ist ein überragend gelungener Theaterabend, streckenweise larger than live, den man nur empfehlen kann.

www.burgtheater.at

  1. 4. 2018

Salzburger Festspiele: Der Ignorant und der Wahnsinnige

August 22, 2016 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Thomas Bernhard, ein Blendwerk

Ein Fest für Bechtolf: Der scheidende Interimsintendant gibt den Doktor. Bild: © Salzburger Festspiele / Ruth Walz

Ein Fest für Bechtolf: Der scheidende Interimsintendant gibt gekonnt den Doktor. Bild: © Salzburger Festspiele / Ruth Walz

Die Sache mit dem Notlicht wurde naturgemäß anders gelöst. Statt Abschaltung ein Lichtgemetzel, unzählige Spots ins Zuschauerauge, das darauf freilich mit dem gewünschten Blackout reagierte. Thomas Bernhard, ein Blendwerk.

Regiealtmeister Gerd Heinz debütierte bei den Salzburger Festspielen mit dessen Text „Der Ignorant und der Wahnsinnige“. Er legt eine schlichte, schnörkellose, überraschungsfreie Arbeit vor, die sich, so weit, so schön, aufs Wort konzentriert. Dieses riss als Doktor Sven-Eric Bechtolf an sich. Gleichsam als Fleisch gewordener Superlativ performt er seinen Seziersermon, kauzig, hochkomödiantisch, grimassenschneidend, grotesk, ohne Strich und Komma – und dabei mit präzisester Betonung der Bernhard’schen Partitur.

„Zeitlebens habe ich mir eine Aufgabe gewünscht im Hintergrund, aber meine Natur ist eine andere“, sagt der Doktor. Und das Publikum dankt dies dem scheidenden Interimsintendanten mit jubelndem Applaus, als wolle es sagen, hurra!, zurück zur Kernkompetenz, weg von nicht ausführbaren Ideen, wie jährlich wechselnden Festspielschreibern oder internationalsprachigen Aufführungen auf der Perner-Insel.

Welch ein grandioser Schauspieler, ein Fest für Bechtolf. Der hier augenscheinlich allzu neckisch den Verzweiflungskomiker mimt. Dem aber mit Christian Grashof als blindem Vater und Annett Renneberg als Königin der Nacht zwei ebenbürtige Partner auf die Bühne gefolgt sind. Zu dritt scharmützelt man sich durch die von Martin Zehetgruber als opulentes Blumenmeer gestaltete Künstlergarderobe; den zweiten Akt in den Drei Husaren gestaltet der Raumschöpfer für Connaisseurs als Hommage an den Schinkel-Sternenhimmel aus dem Jahr 1816. Zweihundert Jahre, dieses Jubiläum betrifft ja auch Salzburg als Teil von Österreich.

Darin nun also die Non-Dialoge des Intellekts mit dem Instinkt, das Buhlen des Über-Ichs und des Es um ihr angekränkeltes Ich, das angekratzte Ego, ein Reden, als hätte man das Objekt der Begierde schon in der Prosektur, dazu ein profaner Streit über den Spezialzwirn. Grashof gibt das Grundleiden mit überbordend unbeholfenen Gesten und hilfeheischender Mimik; wie einem Kind, das die Sätze der Erwachsenen wiederholt und memoriert, wird ihm gut zugeredet. Renneberg gestaltet die Koloraturmaschine, das Kunstgeschöpf nicht nur überraschend gut bei „Singstimme“, sondern auch erstaunlich mitmenschlich; die Diva ist zwar eine Tyrannin, die berechnende, manipulative Grausamkeit von Mozarts Operndespotin fehlt ihr jedoch weitgehend.

Annett Renneberg als Königin der Nacht mit Sven-Eric Bechtolf, Barbara de Koy und Christian Grashof. Bild: © Salzburger Festspiele / Ruth Walz

Annett Renneberg mit Sven-Eric Bechtolf und Christian Grashof. Bild: © Salzburger Festspiele / Ruth Walz

Die Drei Husaren unter Schinkels Sternenhimmel: Renneberg, Bechtolf und Grashof. Bild: © Salzburger Festspiele / Ruth Walz

Drei Husaren unter Schinkels Sternenhimmel: Renneberg, Bechtolf, Grashof. Bild: © Salzburger Festspiele / Ruth Walz

So überspannt sind auch von ihrem Ruhm überforderte Rihannas, überhaupt sind alle sehr einnehmend und charmant, und eigentlich – war da nicht noch was? Eine Abhängigkeitskette, die auf das Grausamste die menschlichen Marionetten im Stück bloßstellt. Ein sich unbarmherzig ankündigendes Sterben von „Kultur“. Eine heraufdräuende Seelenverfinsterung. Gerd Heinz hat Bernhard brav, nicht aber dessen Pausen inszeniert, und damit die Komödie ihrer Tragödie beraubt. Er hat ihre Abgründe zu Untiefen aufgeschüttet und die Figuren um ihre Doppelbödigkeit gebracht. Ohne böswillige Hinterfotzigkeit aber verkommt „Der Ignorant und der Wahnsinnige“ zum harmlosen Haha. Als könne ein zu viel des Guten nichts Besseres bewirken. „Wer die Kunst mit Absolutheitsanspruch auszuüben wünscht, darf keinesfalls auf ein gelingendes Leben hoffen“, lässt Bernhard den Doktor schließlich sagen.

Auf dem Weg vom Bahnhof zum Landestheater. Ein Sandler steigt in den Obus Nr. eins, eine junge Passagierin springt auf und denunziert den ihr Ekelerregenden beim Fahrer. Der bleibt tatsächlich mitten auf der Strecke, auf Höhe Mirabellgarten stehen. Vollbremsung und Verweis aus dem Fahrzeug. Weil, der Mann hat keinen Fahrschein. Als man anbietet, ihm einen zu kaufen, ein Nein. Und ein herrisches: Und du waaßt a genau warum! zu dem Mann. Sandler dürfen nicht in Salzburgs Innenstadt. Beim Makartplatz dann endlich wieder Brillant und Perlketten. In Salzburg angekommen, ein Blendwerk.

www.salzburgerfestspiele.at

Salzburg, 22. 8. 2016

Salzburger Festspiele 2016: Das Programm

November 5, 2015 in Bühne, Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Eröffnung mit „The Exterminating Angel“

Florian Wiegand, Helga Rabl-Stadler und Sven-Eric Bechtolf Bild: Anne Zeuner

Florian Wiegand, Helga Rabl-Stadler und Sven-Eric Bechtolf
Bild: Anne Zeuner

Drei Neuinszenierungen im Bereich Oper, drei beim Schauspiel, eine Ouverture spirituelle, die sich mit der Musik der ostkirchlichen Christen befasst, und von Ensembles aus Russland, Armenien, Griechenland, aus dem Libanon, Ägypten und Äthiopien zum Klingen gebracht wird, das ist kurz umfasst das Programm der Salzburger Festspiele 2016.

Eröffnet werden die Festspiele am 28. Juli mit einer Opern-Uraufführung im Haus für Mozart. Diese ist jedoch immer noch nicht „Endspiel“ von György Kurtag, auf das man weiter warten muss, sondern The Exterminating Angel von Thomas Adès nach dem Buñuel-Film „Der Würgeengel“. Regie führt der Librettist Tom Cairns, der Komponist selbst dirigiert das ORF Radio-Symphonieorchester. Endspiel steht dennoch auf dem Spielplan – als Start des Schauspiel-Programms am 30. Juli im Salzburger Landestheater, mit Nicholas Ofczarek als Hamm und Michael Maertens als Clov. Regie bei dieser Koproduktion mit dem Burgtheater führt Dieter Dorn, hieß es bei der Programm-Pressekonferenz am 5. November in Salzburg, die zum letzten Mal von der „direktorialen Doppelspitze“, Präsidentin Helga Rabl-Stadler und künstlerischem Leiter Sven-Eric Bechtolf, gegeben wurde. Träume seien „kein Motto, aber eine geheime Überschrift“ des Gesamtprogramms, sagte Bechtolf, der außerdem das Auftragswerk „The Exterminating Angel“ als „ein Riesenprojekt“ und ein „großes Ensemblestück mit 21 Rollen“ ankündigte.

Die beiden weiteren Opern-Premieren sind die Liebe der Danae von Richard Strauss im Großen Festspielhaus. Alvis Hermanis inszeniert, Franz Welser-Möst dirigiert die Wiener Philharmoniker, Krassimira Stoyanova singt die Danae. Premiere ist am 31. Juli.  Sowie – erstmals bei den Festspielen – Faust von Charles Gounod. Reinhard von der Thannen übernimmt im Großen Festspielhaus Regie und Ausstattung, Alejo Pérez dirigiert die Wiener Philharmoniker, Piotr Beczala singt den Faust, Premiere ist am 10. August. Bechtolfs Da-Ponte-Zyklus wird 2016 „zu mancher Freude und zu manchem Ärger“, so Bechtolf markig, komplett gezeigt, davon die „Così“ aus dem Jahr 2013 als szenische Neueinstudierung in der Felsenreitschule. Sicher ein Highlight wird die von den Pfingstfestspielen übernommene West Side Story mit Cecilia Bartoli als Maria und Norman Reinhardt als Tony.

Auch im Schauspiel sind für 2016 zwei weitere Premieren angekündigt: Deborah Warner inszeniert Shakespeares Der Sturm auf der Perner-Insel mit Hans-Michael Rehberg als Prospero, offenbar ein Salzburger Evergreen, war doch dort erst bei Bechtolfs Amtsantritt  2012 eine Version von Irina Brook zu sehen (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=870). Die Warner-Fassung  gibt’s ab 2. August. Gerd Heinz zeigt im Landestheater Thomas Bernhards Der Ignorant und der Wahnsinnige, das 1972er-Uraufführungsskandalstück, das mit der Salzburger Notlicht-Affäre für Aufsehen sorgte. Premiere ist am 14. August, es spielen Johanna Wokalek die Königin der Nacht, Christian Grashof den Vater und Bechtolf höchstselbst den Doktor. Außerdem stehen das szenische Melodram Requiem für Ernst Jandl von Friederike Mayröcker und zwei Thomas-Bernhard-Lesungen von Hermann Beil und Tobias Moretti auf dem Programm. Wer neue Jedermann-Buhlschaft wird, wurde naturgemäß noch nicht verraten, aber immerhin, dass Eva Herzig die Rolle der Frau des Schuldknechts übernimmt. Nikolaus Rucker spielt nun Gott. Bisher war die Produktion von Brian Mertes und Julian Crouch immer sehenswert (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=5043), das wird sie wohl auch bleiben.

Konzertchef Florian Wiegand lässt anlässlich der 200-jährigen Zugehörigkeit Salzburgs zu Österreich die Missa Salisburgensis von Heinrich Ignaz Franz Biber im Dom aufführen. Daniel Harding dirigiert zur Uraufführung des Auftragswerks Halleluja – Oratorium Balbulum von Peter Eötvös die Wiener Philharmoniker. Zu Gast in Salzburg sind außerdem das Concertgebouworkest Amsterdam, die Filarmonica della Scala, das Cleveland Orchestra und das Gewandhausorchester Leipzig. Den Komponisten Friedrich Cerha und György Kurtag, die 2016 ihren 90. Geburtstag feiern, sind Schwerpunkte gewidmet.

Insgesamt bieten die Salzburger Festspiele 2016 192 Aufführungen an 41 Tagen an 14 Spielstätten. Das Gesamtbudget liegt bei 60,54 Millionen Euro, die Kartenpreise liegen zwischen 5 und 430 Euro. Ab 2017 ist Markus Hinterhäuser als Intendant und Bettina Hering als Schauspielchefin für das künstlerische Programm verantwortlich. Rabl-Stadlers derzeitiger Vertrag endet nach den Festspielen 2017. Ob Kurtags ursprünglich schon für 2013 angekündigtes Werk bis dahin aufgeführt werden wird, steht nach wie vor in den Sternen. „Es geht ihm gut, er komponiert“, war alles, was Bechtolf weiß oder wissen ließ.

www.salzburgerfestspiele.at

Salzburg, 5. 11. 2015

Salzburger Festspiele: Young Directors Projekt

Juli 1, 2013 in Bühne

Montblanc stiftet dieses Jahr den Mozart Pen

 Bild: Montblanc Mozart Pen

Bild: Montblanc Mozart Pen

Seit dem Jahr 2002 bereichert das YDP – das Young Directors Project – das Programm der Salzburger Festspiele. Unterstützt von Montblanc International ist dieser erfolgreicheWettbewerb, der jährlich vier junge Regisseure/Innen und ihre Ensemble präsentiert, zu einem unverzichtbaren Bestandteil der Sommerfestspiele geworden. Montblanc unterstützt und ermöglicht mit seinem Sponsoring die Produktion neuer Inszenierungenund die Einladungen bestehender Arbeiten nach Salzburg. Zusätzlich stiftet Montblanc den Preis für die beste Regiearbeit in der Höhe von Euro 10.000,– – eine Summe, die den jungen Künstlerndie erfolgreiche Fortsetzung ihrer Arbeit erleichtert. Als Symbol der ideellen Auszeichnung erhältder Gewinner des YDP noch dazu den eigens und exklusiv für dieses Projekt von Montblanc entworfenen Mozart Pen; er soll über den Tag hinaus die Gewinner begleiten und sie später glückhaft. Außerdem hilft Montblanc, über das festgeschriebene Sponsoring hinaus, spontan bei zum Beispiel bei der Realisierung der vier internationalen Produktionen. Sven-Eric Bechtolf, Leiter des Schauspiels der Salzburger Festspiele, hat 2013 eine Regisseurin. Wie schon letztes Jahr wird auch 2013 das Magazin „Close Up“, die Programmzeitschrift des YDP, auf vielfältige Weise die jungen KünstlerInnen und ihre Inszenierungen vorstellen. Bechtolf: „Die Salzburger Festspiele sind ein traditionsreiches Festival, dafür mussten und müssen sie sich immer neu der Gegenwart verpflichten. Mit dem YDP wollen wir auch einen Blick in die Zukunft des Theaters ermöglichen. Unser Dank geht an Montblanc, einem Partner, der uns in diesem Vorhaben zum 12. Mal engagiert, verlässlich und großzügig begleitet. Suzanne Andrade aus England, Bastian Kraft aus Deutschland, Mokhallad Rasem aus demIrak (bzw. aus Belgien) und Jan Mikulášek aus Tschechien sind die diesjährigen Teilnehmer desWettbewerbs.“

Die Jury des Young Directors Projects
Die prominente und fachkundige Jury besteht dieses Jahr wieder aus Dr. Helga Rabl-Stadler(Präsidentin der Salzburger Festspiele) und Thaddaeus Ropac (Galerie Ropac), die das Projekt seit Beginn begleiten. 2013 erstmalig dabei: die Schauspielerin und diesjährige „Buhlschaft“ Brigitte Hobmeier, der Autor Michael Köhlmeier sowie Intendant Ulrich Khuon (Deutsches Theater Berlin).

DIE PRODUKTIONEN
YOUNG DIRECTORS PROJECT I
1927 – Suzanne Andrade – Großbritannien
THE ANIMALS AND CHILDREN TOOK TO THE STREETS
Gastspiel, koproduziert von BAC London, Malthouse TheatreMelbourne & The Showroom (University of Chichester)
In englischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Regie und Stücktext: Suzanne Andrade
Premiere: 30. Juli 2013, 20.00 Uhr
Aufführungsort: republic

Video-Animation kulminieren in einem ungewöhnlichen, überbordenden Theaterereignis, das die Atmosphäre des Kabaretts mit der des Live-Kinos in sich vereint. Unterschiedliche theatralische Elemente, Genres und historische Perioden werden übereinanderprojiziert und ergeben ein kunst volles Mosaik. Ungeachtet ihres liebenswürdigen, sepiagetönten Retro-Charmes und der visuellen Verweise auf den russischen Konstruktivismus, liegt der Produktion eine klar umrissene zeitgenössische Haltung zugrunde. Im Jahre 1927 begeisterte der Film The Jazz Singer die Welt mit den ersten „sprechenden“ Bildern. Das Ensemble 1927 versucht Ähnliches mit seiner eigenen Version von sprechenden Bildern fürSuzanne Andrades Talent für die szenische Darstellung von Lyrik in Kombination mit Paul Barritts The Animals and Children Took to the Streets spielt in Bayou, einem Armeleuteviertel, wo sich„jeder Morgen so anfühlt, als erwachte man in einem fremden Alptraum“. An diesem Ort haben die Tiere bessere Tischmanieren als so mancher menschliche Einwohner. Agnes Eaves, eine Frau aus dem Mittelstand, versucht, die ortsansässigen Kinder mit Hilfe der alles heilenden Kraft der Kunst zu retten. Ein Volksaufstand formiert sich und zunächst sieht es so aus, als wäre alles ein einziger großer Spaß – aber man wird den Verdacht nicht los, dass die Geschichte womöglich schlechtausgehen wird.

YOUNG DIRECTORS PROJECT II
Bastian Kraft – Deutschland
JEDERMANN
Nach Hugo von Hofmannsthal, Neuinszenierung. Koproduktion mit dem Thalia Theater Hamburg. Mit englischen Übertiteln.
Premiere: 6. August 2013, 20.00 Uhr
Aufführungsort: ARGEkultur

Wenn ich jetzt, in diesem Augenblick, die Bilanz meines Lebens ziehen müsste – wie fiele sie aus? Wenn ich heute sterben würde, was bliebe unterm Strich übrig? Da wir den Tod weitgehend ausunserem Alltag verdrängt haben, stellt sich die Frage nur selten. Doch sie trifft den wunden Punkt unseres Daseins in Reichtum und grenzenloser Freiheit: Es fehlt das Bezugssystem, wonach wir unser Leben ausrichten sollen. Denn wer kann mir sagen, wofür es sich letztendlich zu leben lohnt? Für Geld und Beruf? Für Familie, Freunde, Liebe? Für das Glück im Hier und Jetzt?  Der Jedermann als literarisches Mysterienspiel antwortet mit christlicher Überzeugung: Es sind unsere Werke, die am Ende zählen. Doch welche Gültigkeit hat diese Antwort für den, der vom Glauben abgefallen ist? Heute erkennen wir Gott und Teufel klarer denn je als Theaterfiguren, dievom Mensch erfunden wurden, um sich selbst eine sinnstiftende Geschichte zu erzählen. Dass
jedoch der Tod mehr ist als eine Theaterfigur, daran kommt auch der weltlichste Zweifler nichtvorbei. Wie also füllen wir die Lücke, die das Wegbrechen der Religion in unserem Leben hinterlassen  hat? Dass der Kapitalismus ein unbefriedigender Ersatz sei, wird bereits von Hofmannsthal deutlich. Es bleibt Jedermann (und jeder Frau) heute nichts anderes übrig, als die Antwort in sich selbst zu suchen. Unsere Skepsis gegenüber allen von außen vorgegebenen Heilslehren führt zum kaum erfüllbaren Anspruch an das Selbst, aus sich heraus, ohne fremde Hilfe, den richtigen Weg zu finden. Und so ist der moderne Mensch auf die eigene Person zurückgeworfen: Er muss das Göttliche, wenn er es sucht, in sich suchen, und alle Figuren seines persönlichenMysterienspiels aus sich selbst erwachsen lassen. Ausgerüstet mit Hofmannsthals Text und weltlichem Theaterzauber tritt der Schauspieler Philipp Hochmair für diese Solo-Version des Jedermann in einen vielstimmigen Dialog mit sich selbst.

YOUNG DIRECTORS PROJECT III
Mokhallad Rasem – Irak
ROMEO UND JULIA
William Shakespeare und andere Gastspiel des Toneelhuis Antwerpen. In niederländischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Premiere: 11. August 2013, 20.00 Uhr
Aufführungsort: republic

Mokhallad Rasem stammt aus dem Irak; sein Theater zeichnet sich durch einen ausgesprochenkörperbetonten und visuellen Stil aus. Seine Stücke sind oft in mehreren Sprachen geschriebenund wir – leben. 1982 in Bagdad geboren, arbeitete erzunächst als Regisseur am irakischen Nationaltheater, bevor er sich 2006 in Antwerpen niederließ. Für die erste Produktion, die er in seiner neuen Heimat herausbrachte, engagierte er Schauspieler, die er zufällig auf der Straße traf – die einzigen Mitarbeiter, die er finden konnte. Infolge des großen  Erfolges von Produktionen wie Monde.com und Iraqi Ghosts wurde ihm eine feste Position alsRegisseur am renommierten Theater der Stadt, dem Toneelhuis, angeboten – einem Haus, an demauch international erfolgreiche Künstler wie Guy Cassiers und Sidi Larbi Cherkaoui tätig sind. Romeo und Julia ist seine Debüt-Produktion mit dem Ensemble des Toneelhuis; mit von der Partie
sind namhafte belgische Schauspieler wie Gilda De Bal und Vic De Wachter sowie Tänzer vonP.A.R.T.S. – Performing Arts Research and Training Studios, gegründet von Rosas und De Munt/La Monnaie in Brüssel. Sie zeigt Liebespaare aus drei unterschiedlichen Generationen und wird Liebesgedichte aus der europäischen wie der arabischen Tradition mit einbeziehen. Auf die Frage, was ihn an Romeo und Julia speziell interessiert, antwortet Mokhallad Rasem: „Jede Kultur ist ein Spiegelbild seiner Welt, jedes Zeitalter hat seine Romeo-und-Julia-Geschichte. Es gibt überall Parallelen. Für mich ist das Thema deshalb von besonderem Interesse, weil es so universell ist. Jede Kultur hat ihre eigenen Unterdrückungsmechanismen in Bezug auf die Liebe.“

YOUNG DIRECTORS PROJECT IV
Jan Mikulášek – Tschechien
DER DISKRETE CHARME DER BOURGEOISIE
Hommage à Buñuel et Carrière
Gastspiel des Národní Divadlo Brno und des Divadlo Reduta. In tschechischer Sprache mit deutschen Übertiteln.
Premiere: 19. August 2013,20.00 Uhr
ARGEkultur

Der diskrete Charme der Bourgeoisie, Luis Buñuels mit einem Oscar ausgezeichneter Film ausden Siebzigerjahren (des vorigen Jahrhunderts) bildet den Ausgangspunkt für diese satirische Gesellschaftskomödie, die soziale Umgangsformen und zeitgenössische Sitten und Gebräuche. Eine Gruppe betuchter Individuen trifft sich, um gemeinsam ein luxuriöses Mahl einzunehmen – ein Vorhaben, das von einer Serie von banalen bis hin zu bizarren Vorfällen wiederholt durchkreuzt wird. Regisseur Jan Mikulášek, der Anleihen sowohl beim Slapstick als auch beim Surrealismus nimmt, versammelt hier eine Reihe erstaunlicher Szenen der Begierde wie der Verzweiflung, die sich durch kraftvolle Bilder sowie durch kompromissloses Ensemblespiel auszeichnen. Jan Mikulášek entstammt einer Theaterfamilie aus Zlín; er studierte an der Janácek-Akademie für Musik und Darstellende Kunst in Brünn und übernahm bereits knapp zwanzigjährig die künstlerische Verantwortung für sein erstes Ensemble. In den letzten Jahren hat er zahlreiche erfolgreiche  Produktionen an den Theatern von Ostrau und Prag herausgebracht. Heimat jedoch ist das Reduta Theater in Brünn, wo er mit seinen langjährigen Mitarbeitern, dem Bühnenbildner Marek Cpin und der Dramaturgin Dora Viceníková tätig ist. Gemeinsam haben sie eine Reihe von Ensemblearbeiten geschaffen, die – unter Einbeziehung einer beeindruckendenBandbreite von sowohl fiktionalen als auch Sachtexten – die Erfahrung radikaler Veränderung inder tschechischen Gesellschaft der letzten Dekaden untersucht.

MONTBLANC
Der für dieses Jahr entworfene Siegerpen ist Wolfgang Amadeus Mozart gewidmet.  Kostbar sind allein schon die Materialien: massives 750er Weißgold, komplettiert mit roten Lackintarsien in historischem Muster auf der Kappe und schwarzem Lack auf dem Behälter.
Strahlend dazu die beiden Kappenringe mit feinen Perlenschnüren und 60 funkelnden Diamantensowie der Montblanc-Stern auf dem abgeflachten Kappenkopf aus schimmerndem Perlmutt. Die platinierte 18-Kt.-Goldfeder ziert in feiner Gravur das Porträt des großen Komponisten. Montblanc präsentiert  die „W. A. Mozart Limited Edition 250“ zusammen mit einer bibliophilen Kostbarkeit aus dem Bärenreiter Verlag in Kassel: ein Faksimile seiner 1788 verfassten „Jupiter-Symphonie“, gebunden in feinstes Leder mit Golddruck.
www.salzburgerfestspiele.at

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Von Michaela Mottinger

Wien, 1. 7. 2013