Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit

April 18, 2019 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Ein Genie, zur falschen Zeit zur Welt gekommen

Das Ohr ist ab: Willem Dafoe als Vincent van Gogh. Bild: © Filmladen Filmverleih

In der Schlüsselszene des Films, es ist auch die mit dem ausführlichsten Dialog, sitzt Vincent van Gogh in der psychiatrischen Klinik Saint-Rémy-de-Provence auf einer Klosterbank einem Priester gegenüber. Dieser, dargestellt von Mads Mikkelsen, wird nach dem Gespräch entscheiden, ob der Maler geistig gesund genug ist, um die Heilanstalt zu verlassen, aber er macht kein Hehl daraus, dass er mit der Kunst des Niederländers nichts anfangen kann.

Ja, dessen Bilder sogar ausgesprochen hässlich findet. Da sagt van Gogh, selber einmal Hilfsprediger unter härtesten Bedingungen im belgischen Kohlerevier Borinage: „Gott hat mir eine Gabe gegeben. Ich kann nur malen, nichts anderes. Doch vielleicht hat Gott für mich die falsche Zeit gewählt, vielleicht bin ich ein Maler für Menschen, die noch nicht geboren sind.“ Ein Genie, irrtümlich früh zur Welt gekommen. Mit diesem Gedanken des als solches Erkannt- und Berühmtwerdens erst nach seinem Tod spielt schon der Titel „Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit“ von Julian Schnabels Film, der am Freitag in den Kinos anläuft. Dass sich ausgerechnet Willem Dafoe die Person des Pastorensohns, der sich stets nur einen „Pilger“ auf Erden nannte, anverwandelt hat, bekommt durch dessen cineastisches Vorleben als Jesus Christus eine besondere Referenz. Denn tatsächlich gibt Schnabel seinem van Gogh etwas verklärt Seherisches, wenn er sich bemüht, einen Seinszustand zu erreichen, in dem er mit den Dingen eins wird, wenn er sich die Natur aneignet, sie mit jeder Faser seines Körpers zu erspüren sucht, sie sich vertraut machen will, bevor er zu arbeiten beginnt.

Die Weizenfelder, die Sonnenblumen, die Äste und Blätter der Bäume, van Gogh wandert, die Staffelei auf den Rücken geschnallt, für seine Skizzen weite Strecken und geht dabei in der Schöpfung auf, das alles fängt Kameramann Benoît Delhomme auf so sinnliche und unmittelbare Weise ein, dass man beinah dem Gefühl erliegt, beim Anblick der Landschaftsbilder so zu empfinden wie der Künstler. Er male das Sonnenlicht, sagt Dafoes van Gogh an einer Stelle, und dasselbe lässt sich auch über Delhomme anmerken. Diese Schönheit wird konterkariert durch Szenen, die wirken, wie per Handkamera gedreht, im Gegenlicht, mit Schlieren quer über die Aufnahme, aus van Goghs Perspektive verschwommen und wie durch einen Filter gesehen.

Mit seinem Bruder Theo van Gogh: Willem Dafoe und Rupert Friend. Bild: © Filmladen Filmverleih

Van Gogh lernt Paul Gauguin kennen: Oscar Isaac und Willem Dafoe. Bild: © Filmladen Filmverleih

Dazwischen immer wieder ein Zoom auf den Pinsel, der Farbe über die Leinwand wischt, der Autonomie erschafft, statt Realität zu kopieren, immer wieder van Goghs laufende Beine, als stecke man als Zuschauer in dessen Schuhen, dann als Kontrast Schwarzweiß-Fotografie oder auch solche in Grün-Gelb – Julian Schnabels Film ist ein impressionistisches Meisterwerk. Es versteht sich, dass der New Image Painter an einem konventionellen Biopic nicht interessiert war, Schnabels gemeinsam mit Lebensgefährtin Louise Kugelberg und Autorenaltmeister Jean-Claude Carrière verfasstes Drehbuch konzentriert sich auf van Goghs letzten beiden Lebensjahre.

Als er, in Paris gescheitert, auf Anraten seines Freundes Paul Gauguin nach Arles fährt. Gauguin, Vincents Bruder Theo van Gogh und schließlich der Arzt Paul Gachet in Auvers-sur-Oise sind in dieser Zeit seine wichtigsten Beziehungen. Oscar Isaac gibt einen ruppigen, angriffigen Gauguin, der van Gogh im künstlerischen Diskurs in die Enge treibt.

Wenn er dem, der wie im Fieber malt, hastig, „in einer einzigen klaren Geste“, wie er sagt, bescheinigt, seine Oberflächen seien wie Lehm. Rupert Friend spielt als Theo van Gogh dessen unendlich große Bruderliebe aus; sein Theo ist einer, der erkennt, der versteht und wertzuschätzen weiß. In der zartesten Sequenz des Films, da ist Vincent gerade wieder einmal im Irrenhaus gelandet, liegen die beiden gemeinsam auf dem Bett, umarmen und trösten einander. Mathieu Amalric schließlich schlüpft für einen Kurzauftritt in die Rolle des Dr. Gachet, und so, wie man zuvor dabei ist, wenn van Gogh sein durch drei Ölgemälde legendäres „Schlafzimmer in Arles“ einrichtet, so sieht man ihn nun das „Porträt des Dr. Gachet“ anlegen. Das Stereotyp Genie und Wahnsinn zu bedienen, hat sich Julian Schnabel versagt. In seiner Interpretation ist van Gogh ein grüblerischer, in sich versunkener Einzelgänger, der jäh in Aggression ausbrechen kann, und es so seinen Mitmenschen durchaus schwer machte.

Dafoe, und dafür in Venedig als Bester Schauspieler ausgezeichnet, gestaltet die Figur als Schmerzensmann, der sich seines Andersseins, seines Seltsam-Seins sehr bewusst ist. Sein durchlässiges Spiel lässt die künstlerische Besessenheit im bescheidenen Auftreten durchschimmern. Dass Willem Dafoe mit seinen 63 doch deutlich älter ist, als der mit 37 Jahren verstorbene van Gogh, selbst daraus macht Schnabel eine Tugend, lässt er doch in dessen zerfurchtem Gesicht sich gewissermaßen die Entbehrungen von van Goghs Leben spiegeln. (Das Ohr-Abschneiden ist übrigens ein Geräusch aus dem Off.) So viel von Dafoe, so viel Schnabel steckt auch in diesem van Gogh, als benutze der Filmemacher ihn als Folie für die Fragen über das Wesen eigenständiger Kunst und die überhöhte visuelle Wahrnehmung des bildenden Künstlers, die ihn selbst seit Jahren umtreiben.

In Auvers-sur-Oise malt Vincent van Gogh das berühmte Porträt des Doktor Paul Gachet: Willem Dafoe und Mathieu Amalric. Bild: © Filmladen Filmverleih

In den besten Momenten des Films überblenden sich die Identitäten van Gogh, Schnabel, Dafoe wie bei einer Dreifachbelichtung. In Interviews erzählt Schnabel, der Dafoe auch schon porträtiert hat, man habe in Vorbereitung auf die Dreharbeiten gemeinsam gemalt, er seinem Schauspieler gezeigt, wie man Farbe anmischt, den Pinsel führt. Das Schlussbild des Films ist an Symbolkraft nicht zu überbieten. Da liegt Vincent aufgebahrt, seine Bilder rund um den Sarg gestellt.

Und allmählich finden sich erste Interessenten, wechseln in Theo van Goghs Händen Gemälde mit Geldscheinen. „An der Schwelle zur Ewigkeit“ heißt eines aus dem Jahr 1890. Darauf sitzt ein alter Mann auf einen Stuhl und hat das Gesicht in den Händen vergraben.

www.ateternitysgate-film.com           dcmworld.com/portfolio/van-gogh

  1. 4. 2019

Hilary Mantels „Wölfe“

Februar 22, 2016 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Europageschichte aus der Sicht eines Außenseiters

81neSrwlY4L._SY445_Die BBC-Miniserie „Wölfe“ ist nun via Polyband auf DVD erhältlich. Die sechs Folgen basieren auf Hilary Mantels historischen Romanen „Wölfe“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=153) und „Falken“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=2951), Mantel selbst verfasste gemeinsam mit Peter Straughan, bekannt etwa für „Männer, die auf Ziegen starren“, die Drehbücher. An Darstellern kann die BBC natürlich alles auffahren, was im Vereinigten Königreich schauspielerisch Rang und Namen hat: „Homeland“-Star Damian Lewis, Globe-Theatre-Schauspieler und -Regisseur Mark Rylance, Jonathan Pryce, ehrenwertes Mitglied der Royal Shakespeare Company, mit Thomas Brodie-Sangster eines der größten Insel-Talente, und als Gast sogar Mathieu Amalric als französischen Botschafter.

Mantel erzählt aus der Zeit des britischen Königs Heinrich VIII. Allerdings aus einer besonderen Perspektive, der Thomas Cromwells. Cromwell kam aus der untersten Gesellschaftsschicht und arbeitete sich bis in den innersten Kreis Heinrichs hoch. Dass ihn das letztlich den Kopf kostete, ist systemimmanent. Immerhin aber ist Cromwell, Vorfahr von Karl-I.-Enthaupter Oliver, der einzige, der vom cholerischen König Posthum ein Pardon erhielt. Heinrich bedauerte bald sehr seinen „treuesten und loyalsten Diener“ hingerichtet zu haben. Und gab die Schuld daran selbstverständlich falschzüngigen Beratern. „Wölfe“ ist very british, eine Ausstattungsoper, ganz BBC ruhig, authentisch, aber freilich weniger sexy als Jonathan Rhys Meyers in „Die Tudors“.

Regisseur Peter Kosminsky erzählt Cromwells Geschichte, die des geprügelten und deshalb geflüchteten Hufschmiedsohns, in Rückblicken. Niederländische Kaufleute lasen den vom Vater schwer Verletzten am Themse-Ufer auf und nahmen ihn mit nach Kontinentaleuropa, wo er das Kriegshandwerk und Sprachen lernte. Und das Finanzwesen. Und schließlich Jus. Er wird in Großbritannien Teil des neuen Bürgertums, auf das Heinrich in Gelddingen lieber setzte als auf seine blaublütigen Jagdfreunde. Und: Er ist ein „Ketzer“, ein Puritaner, der die Bibel nicht länger auf Latein, sondern in Englisch lesen will. Dies das einzige, was ihn mit seiner Todfeindin Anne Boleyn verbindet. Cromwell wird Heinrichs Weg zum Religionsgründer vorbereiten. Der Defender of the Faith macht sich – auch aus heiratstechnischen Gründen – zum Oberhaupt der anglikanischen Kirche. Am Glauben wird Cromwell, dann schon Lord Great Chamberlain, auch zu Grunde gehen. Doch soweit ist Hilary Mantel noch nicht. Der dritte Band ihrer „Wölfe“-Reihe steht noch aus.

Wenig ist über das Politgenie als Privatmensch bekannt. Die Quellenlage ist katastrophal. Mantel recherchierte intensiv, durchforstete jahrelang die königlichen Archive, um Material für ihr Psychogramm dieses außergewöhnlichen Mannes zusammenzutragen. Mark Rylance spielt ihn nun mit berührender Einfachheit. Sein Cromwell ist weder Held noch Hasardeur, sondern ein Analytiker und Pragmatiker. Er ist in Wahrheit ein wahnsinnig langweiliger Charakter, aber in dieser Fadheit irgendwie rätselhaft. Es ist mutig, diese historische Randfigur zum TV-Hauptdarsteller zu machen – und dieser Mut hat sich belohnt. Rylances Cromwell spielt sich durch Intelligenz in die Mitte des Geschehens. Und Mantel füllt die Leerstellen seines Lebens mit Fantasie.

Schön etwa der Erzählstrang, wie Cromwell nach dem Tod seiner Frau deren Schwester heiratet. Das ist zunächst eine Vernunfthandlung: Er braucht eine weibliche Hand für den Haushalt und will Gerede wegen eines „schlampigen Verhältnisses“ vermeiden. Doch nach und nach wird aus dieser Altersehe zarte Zuneigung und schließlich eine späte Liebe. Cromwell nimmt den verwaisten Rafe Sadler, ihn spielt Thomas Brodie-Sangster, als Mündel an. Er erkennt in dem jungen Mann nicht nur seine eigene Geschichte, sondern auch Potenzial, und das will er fördern, wie er einst gefördert worden ist. Und dann ist da Cromwells Liebe zu Hunden. Immer umgibt ihn einer. Sein Vater hatte seine vierbeinige Jugendspielgefährtin totgeschlagen, nur um das Kind Thomas zu peinigen. Nun sucht er lebenslang Ersatz für diesen Verlust. In diesen Szenen geht Mark Rylance trotz oder gerade wegen seines stoischen Gesichtsausdrucks ans Herz.

Auf Action hat Peter Kosminsky verzichtet. Er taucht sein Kammerspiel um die Macht in Licht wie von einem Vermeer-Gemälde. An historischen Drehorten herrschte kein Mangel, und so kann er der Welt der Höflinge eine gediegene, gemütliche Bürgerlichkeit gegenüberstellen, die zwar weniger Prunk, aber mehr Charme hat. Auch das zerstörte Castle Cawood, es existieren nur noch Pförtnerhaus und Banketthalle, wurde als Verbannungsort für den von Jonathan Pryce dargestellten Erzbischof Wolsey herangezogen.

Damian Lewis ist Heinrich VIII. optisch durchaus ähnlich. Und auch die Kostüme von Joanna Eatwell sind weitestgehend korrekt. Lewis gibt den in den Zwängen seines Amtes gefangenen Machtmenschen. Er belauert seine Opfer wie ein Löwe vor dem Sprung, er lächelt schelmisch, doch seine Augen sprechen eine andere Sprache. Wie er Stirn an Stirn mit Cromwell steht, weil dieser als einziger in seinem Umfeld nicht bereit ist, einen Meter von seinen Überzeugungen zurückzuweichen, dieses Zusammentreffen von Lewis und Rylance macht die Serie sehenswert. Fans des rothaarigen Londoner können sich freuen: In der Verfilmung tritt Heinrich wesentlich öfter auf als im Roman. Das ist logisch. Part braucht Gegenpart. Der wahre Cromwell hat seinen König mutmaßlich nicht so oft zu Gesicht bekommen.

Trailer, englisch: www.youtube.com/watch?v=5kT2lMkhldc

polyband.de

Wien, 22. 2. 2016

Berlinale: Grand Budapest Hotel

Februar 3, 2014 in Film

VON MICHAELA MOTTINGER

Wes Andersons Komödie ist der Eröffnungsfilm

Gustave H. (Ralph Fiennes), Zero Moustafa (Tony Revolori), Madame D. (Tilda Swinton) Bild: © 2013 Fox Searchlight

Gustave H. (Ralph Fiennes), Zero Moustafa (Tony Revolori), Madame D. (Tilda Swinton)
Bild: © 2013 Fox Searchlight

Ralph Fiennes, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Adrien Brody, Willem Dafoe,  Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton, Tilda Swinton, Owen Wilson. Das ist eine Auswahl der Stars, die sich in Wes Andersons jüngstem Streich „Grand Budapest Hotel“ tummeln. Die Komödie wird am 6.  Februar als Weltpremiere  die  64.  Internationalen Filmfestspiele Berlin im Wettbewerb eröffnen und Mitte März in die Kinos kommen. Die Produktion  erzählt  im  typischen  Wes-Anderson-Stil  von Gustave H. (Fiennes), dem legendären Concierge  eines  berühmten europäischen Hotels, und seinem Hotelpagen und Protegé  Zero  Moustafa. Zur Zeit zwischen den beiden Weltkriegen, als  Europa sich im Umbruch befindet, schweißen  die  Turbulenzen  und  Abenteuer rund um den Diebstahl eines wertvollen  Renaissance-Gemäldes  und  der Streit  um  ein  großes  Familienvermögen die beiden zusammen. Angesiedelt in einem fiktiv-nostalgischen (osteuropäischen) Kurort der Republik Zubrowka schuf Anderson eine märchenhafte Post-Belle Epoque-Welt in satten Farben. Unter denen Nationalsozialismus-Braun und Kommunismus-Rot nicht fehlen. Er habe sich, sagt der Regisseur im Interview, von den Screwball-Comedies der 1930-Jahre ebenso inspirieren lassen wie natürlich von Stefan Zweig. So entstand Andersons ureigene Welt von gestern.“Ich habe in der Vorbereitung aber auch Hannah Arendts ‚Eichmann in Jerusalem‘ und ‚Suite Française‘ von Irène Némirovsky gelesen. Obwohl beide Bücher nicht unmittelbar mit meinem Film zu tun haben, lieferten sie mit ihren scharfen Politanalysen den historischen Subtext.“

Als Anderson die Figur des Gustave H. schuf, hatte er als Darsteller bereits Ralph Fiennes im Hinterkopf. Der zeigt sich nun als konfus-chaotischer Concierge nicht nur von seiner besten schauspielerischen Seite, sondern auch äußerst angetan von der Zusammenarbeit: „Ich liebe den bittersüßen Unterton des Films. Er ist so distinguiert. Wes gelingt ein ungewöhnlicher Mix aus Leichtigkeit, schweren Themen und heftigen Emotionen. Sein Sinn für Humor, sein Blick auf die Welt sind einzigartig“, sagt er. Und über seine Rolle: „Gustave ist wie ein Fleisch gewordener Schlüssellochblick auf die ,gute, alte Zeit‘ während sich diese gerade verabschiedet.“ Für Action im Film sorgt das Ableben der 84-jährigen Komtesse Madame Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis, genannt Madame D., gespielt von der fabelhaften Tilda Swinton. Damit nämlich beginnt das Hauen und Stechens um angeblich immense Erbe. Es treten auf Adrien Brody als sinistrer Bösewicht-Sohn der Verblichenen, dessen Gefolgsmann Willem Dafoe – der sich „wie in einen Lubitsch- oder Billy-Wilder-Film zurückversetzt“ fühlte – und Militärpolizeichef Albert Henckels, gespielt von Edward Norton. Letzterer lobt nicht nur die Arbeit vor der Kamera, sondern auch die Stimmung dahinter: „Wes schafft es am Set eine familiäre Atmosphäre zu schaffen. Wir kamen uns vor, als wären wir tatsächlich Mitglieder der von ihm erfundenen Gesellschaft der gekreuzten Schlüssel, in der Concierges aus den besten Hotel in aller Welt versammelt sind, die dem des Mordes an der Komtesse verdächtigten Gustave zu Hilfe eilt.“ Norton lacht. Das wird bald auch das Publikum. Denn Wes Anderson gelang einmal mehr ein Film für Herz und Hirn, zum Nach-Denken und Er-Spüren, ein Nachweis dafür, dass der tiefste Ernst in der luftigsten Komödie steckt.

www.berlinale.de

www.grandbudapesthotel.com

Trailer: www.youtube.com/watch?v=1Fg5iWmQjwk

Wien, 3. 2. 2014