Burgtheater: Glaube Liebe Hoffnung

September 30, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Unwirklicher Totentanz in einer total leeren Unterwelt

Elisabeth am Ende: Andrea Wenzls brillante Darstellung beherrscht Michael Thalheimers Inszenierung. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Ein schwarzes Loch, das auf einen Lichtpunkt zuläuft, als wär‘ der ein Heilsversprechen am Himmel. Dass sich dieses nicht erfüllen wird, versteht sich – bei Ödön von Horváth. Regiegenie Michael Thalheimer hat dessen „Glaube Liebe Hoffnung“ am Burgtheater inszeniert, und beschreitet auch mit dieser Produktion weiter seinen Weg der kühlen, strengen Reduktion. Horváths Definition seines Dramas als „kleinen Totentanz“ nimmt er dabei wörtlich.

Thalheimer hat sich von Olaf Altmann einen in seiner Totalität erschreckend leeren Raum als Bühnenbild anlegen lassen, darin die Sterblichen als aufgescheuchte Schatten, um sie nichts als Einsamkeit und Seelennot. Eine Unterwelt, eine Prosektur, in der Thalheimer gewohnt präzise seine Sektion der menschlichen Abgründe vornimmt. Alle, so scheint es, die Präparatoren, die Schupos als Arm des Gesetzes, die Arbeitsgeberin Prantl, die Frau Amtsgerichtsrat, nicht zuletzt Alfons, operieren hier am lebenden Leichnam Elisabeth. Wollen deren Innerstes bloßlegen, bloßstellen, ausstellen, was sie schließlich selbst besorgt, bedrängt von Gaffern sogar noch beim bekannten Ende im Wasser. Glaube verloren, Liebe verraten, Hoffnung versiegt. Nicht einmal im Hingehen ist Herzensruh.

Dass Horváths im Rezessionsjahr 1932 erschienenes Stück heute so aktuell klingt, ist gesellschaftlich nicht gerade beruhigend. Diesbezügliche Zwischentöne braucht es gar nicht erst zwanghaft in Szene zu setzen. Da hat also eine mitten im Wohlfahrtsstaat die Stellung verloren, benötigt nun Geld für ihre neue Arbeit, heißt: einen kostenpflichtigen Wandergewerbeschein, und die neue Arbeit fürs Geldverdienen. Ein Teufelskreis, dessen Rotieren Elisabeth mit ihrem Mantra „Ich werde den Kopf nicht hängen lassen“ aufhalten will. Andrea Wenzl mit ihrer seltenen Aura verleiht ihr Gesicht und Gestalt, sie dominiert das Geschehen mit ihrer spröd-zerbrechlichen Darstellung dieser am ganzen Körper bebenden, mitunter zu Deep Purple und Led Zeppelin auch headbangenden Elisabeth, mit ihrem Stets-auf-der-Hut-Sein und dem Miederwarenmetier als Sehnsuchtsort.

Die Arbeitgeberin ist unzufrieden: Christiane von Poelnitz als Irene Prantl mit Alexandra Henkel als Frau Amtsgerichtsrat. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Ohnmacht angesichts des Selbstmords: Christoph Radakovits als zweiter Schupo, Marcus Kiepe als Vizepräparator, Stefan Wieland als dritter Schupo, Falk Rockstroh als Präparator und Merlin Sandmeyer als Alfons Klostermeyer. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Um sie die Grausamkeit als Groteske, die Horváth’schen Charaktere als hässliche Fratzen, grelle Karikaturen, ausgestattet mit einer immer wieder höhnischen Heiterkeit. „Entschuldigens, aber jetzt muss ich lachen“, ist noch so eine Spruchformel der Elisabeth, wenn sie sich als Opfer brutaler Begierden dagegen verwehrt, ein „Ding“ zu sein. Die Wenzl lässt sie dabei so tob- wie sehnsüchtig aus einer schmerzlich-schrecklichen Fallhöhe stürzen, wird von einer 60-köpfigen Statisterie immer wieder beinah überrannt, eine „völkische“ Vervielfachung der Figuren, eine Menschenhydra, mal in Polizeiuniform, mal in blutverschmierten Präparatorenkitteln, die den einzelnen als Spielball der Mehrzahl der Mächtigen ausweist.

Der erbarmungslose Ringelreihen rund um Elisabeth ist hochkarätig besetzt, etwa mit Branko Samarovski als an Leib und Seele versehrtem Oberpräparator oder Peter Matić als an den von ihm abgeurteilten Schicksalen desinteressiertem Amtsgerichtsrat. Christiane von Poelnitz und Alexandra Henkel sind als Irene Prantl und Frau Amtsgerichtsrat vulgär-schrille Schreckschrauben, sensationslüstern die eine, immerhin knapp vor Schluss anteilnehmend die andere. Sie alle betonen in ihrem Spiel das Distanziert-Artifizielle, die Unnatur ihrer im Lichtkreis zappelnden Leut‘.

So, wie es Thalheimer als Konzept für seinen Abend vorgegeben hat, agieren auch Michael Masula als Oberinspektor, Christoph Radakovits und Stefan Wieland als Schupos oder Tino Hillebrand als „tollkühner Lebensretter“. Hermann Scheidleder verkörpert mit Hingabe den Invaliden, der sich mit Irina Sulavers ohne Unterlass kopfnickender Maria bitter über die Aussetzer im Sozialsystem beklagt. Als Vizepräparator überzeugt Marcus Kiepe, als Baron mit dem Trauerflor Robert Reinagl, als Vergewaltiger Eltz Daniel Jesch. Falk Rockstroh ist als Präparator derjenige, der zumindest zwei Mal Herz zeigen darf. Der Taubenfütter, der erst das Geld leiht, dann für die Betrugsanzeige sorgt und schließlich ob des mitangesehenen Suizids zusammenbricht.

Liebe mit Ablaufdatum: Merlin Sandmeyer als Alfons Klostermeyer und Andrea Wenzl als Elisabeth. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Bleibt Merlin Sandmeyer, der als Schupo Alfons Klostermeyer eine Glanzleistung hinlegt. Angelogen wegen Elisabeths vierzehntägigem Arrest, versteht er es in Windeseile sich der Verliererin zu entziehen. Seine sogenannte Liebe hält vor seinen Ehrbarer-Bürger-Standesdünkeln nicht stand. Sandmeyer spielt diesen ichbezogenen, unempathischen Unsympath an seinen besten Stellen so nüchtern und bar jeder Gabe zur Selbstreflektion, dass es einen schaudert.

Dass dieser Alfons, in Wahrheit nicht mehr als ein um Autorität ringender Hänfling, mit seinem selbstmitleidig sich wiederholendem Satz „Ich habe kein Glück“ das letzte Wort hat, ist für diese Aufführung symptomatisch. Man weiß um die, die das eigene Schicksal endlos bejammern und blind sind für die Not des Nachbarn. Wer von sich selber glaubt, am Leben zu leiden, kann einen anderen umso leichter zugrunde gehen lassen.

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  1. 9. 2018

Burgtheater: jedermann (stirbt)

Februar 24, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Finanzphilosophisches von Ferdinand Schmalz

Der Homo oeconomicus als ein Hedgefondshamster im Rad: Markus Hering als jedermann. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Zum Ende hin das Bild. jedermann in der schwarz sich drehenden Röhre, die in die goldfleckige Wand eingelassen ist. Er diese zur Menschwerdung abschreitend, doch schneller und schneller dreht sich die Trommel, er muss nun laufen, der Hedgefondshamster im Rad, und strauchelt und stürzt und sagt, der Homo oeconomicus im Burnout-Modus: „Ich kann nicht mehr.“ Am Ende der Satz vom „schema sündenbock“.

Der jedermann, er stirbt, weil er zum Opfer wird, exemplarisch vorgeführt für eine ganze verkommene Schicht, die Gott nicht abträgt. Nur den einen … So ist das. Wenn Ferdinand Schmalz Hugo von Hofmannsthals Spiel vom Sterben des reichen Mannes über- und ergo fortschreibt. Und derart ein Zeitgeistzerrspiegel entsteht, der das Original weder zur Seite schiebt noch unkenntlich macht. Vielmehr aktuelle Verhältnisse zur Kenntlichkeit entstellt. Freitagabend war Uraufführung des Auftragswerks am Burgtheater, ein Abend, der mit großem Applaus und viel Bravo bedacht wurde. Inszeniert hat, Experte für Schwieriges, Stefan Bachmann (die reduzierte Bühne vom kongenialen Olaf Altmann, die mal goldenen, mal schwarzen Trachten-Kostüme von Esther Geremus wohl eine Reverenz an Salzburg).

Bachmann hat verstanden, dass Schmalz das barocküppige Moral-und-Anstand-Stück in eine moderne Moritat verwandelt hat. „jedermann (stirbt)“ befasst sich wie das Vorbild mit den weltwichtigen Fragen zu den allerletzten Dingen. Und gibt es keinen Glauben mehr, so immer noch die Hochmoral vom rechten Leben. Und den Allmächtigen – der hofft, so das Burgmotto für diese Saison, „es kommt ein augenblick, in dem die perspektive dreht“ – und eine Sensenfrau und den Teufel sowieso.

Katharina Lorenz als jedermanns frau, Markus Hering als jedermann, Oliver Stokowski als armer nachbar gott. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Barbara Petritsch als buhlschaft tod, Markus Hering als jedermann, Katharina Lorenz als jedermanns frau. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Letzterer tritt als gehörnte Masse auf. Schmalz hat Figuren neu gruppiert. Der Unterweltfürst ist nun eine (teuflisch) gute gesellschaft, die buhlschaft tod, der arme nachbar gott und die guten werke charity. Diese ganz erschöpft von den vielen -veranstaltungen: die füße wund vom walzertanzen / die hände krumm vom vielen schütteln / die nase rau vom vielen pudern / die stimme heiser vom palavern … Ort und Tat verlegt Schmalz jenseits einer Festungsmauer, dahinter will sein jedermann ein Fest geben, er ein nicht näher definierter, es mit der Wirtschaft Treibender, ein Mann, der sich die Erde als Investment Untertan gemacht hat, ausgelaugt vom Schrauben an den Rädchen dieser Welt.

Doch vor den Toren brodelt es. Ein Finanzdebakel bahnt sich an, und Schmalz hat dazu viel Finanzphilosophisches zu sagen. Wie überhaupt seine Arbeit sehr sprachmächtig daherkommt, die überwältigend poetische Prosa und dazwischen die Reimlieder, die das Ensemble gemeinsam singt. Die allegorischen Figuren sind solche geblieben, ihre Handlungen wirken wie ritualisiert. Ein Totentanz und immer wieder eingefrorene Tableaux. Bachmanns Regie schmiegt sich stimmig um die Schmalz’schen Wortkaskaden, löst deren Komplexität zwar nicht auf, aber konkretisiert durch Mehrstimmigkeit gekonnt dort, wo einem das Konstrukt sonst zu entgleiten drohen könnte. Und wie stets bei Bachmann ist das Ganze nicht ohne Humor.

Für diesen sorgen vor allem Markus Meyer und Sebastian Wendelin als dicker und dünner vetter, zwei Politiker, die Schulden für eine Parlamentskampagne angehäuft haben, erst schmeicheln und dann die Kurve kratzen, als es ans Sterben geht. Nicht ohne anzukündigen, dass sie nun wohl jedermanns Konzerne übernehmen werden. Den jedermann gibt Markus Hering als Pragmatiker, ein Kapitalismussieger, der gar nicht anders kann, weil er nichts anderes kann, als Geld anzuhäufen. Katharina Lorenz und Elisabeth Augustin brillieren als dessen frau und mutter. Viel Zeit lässt sich Schmalz, um über Todesverdrängung zu berichten. Da passt es, dass Barbara Petritsch eine intensive buhlschaft tod ist, eine, die sich selbst Gauklerin nennt, wohl weil sie zum letzten Vorhang lädt.

Die (teuflisch) gute gesellschaft: Sebastian Wendelin als dünner vetter, Markus Meyer als dicker vetter, Elisabeth Augustin als jedermanns mutter, Markus Hering als jedermann, Oliver Stokowski als armer nachbar gott, Mavie Hörbiger als mammon/werke. Bild: Georg Soulek/Burgtheater

Oliver Stokowski spielt den armen nachbar gott als zum Fest gebetenen, erschöpften Bettler, Mavie Hörbiger hat ihre starken Momente als mammon, der über die Fortpflanzung des Geldes und über Rendite und Kredite referiert, und als gute werke aka exaltierte charity. Dass die Situation eskaliert ist klar, „den gläubigern fehlt es an glauben“. Schließlich der Aufruf, mit Geborgtem, sei’s Leben, Welt oder Geld, achtsam umzugehen.

Und, ach ja, der jedermann-Rufer ist diesmal seine frau. Absolution gibt es anno 2018 keine. Der Rest freut sich, während jedermann nun nackt aufgebahrt ist, aufs Erben: „der tod kann auch etwas nützliches sein – wenn er nicht einen selber trifft.“ Begeisterung im Publikum für diesen exzeptionell gelungenen Theaterabend!

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  1. 2. 2018

Akademietheater: Die Perser

Mai 21, 2017 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

In der Einfachheit liegt die Kraft

Geht an ihre Grenzen: Christiane von Poelnitz als Königsmutter Atossa. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Der Satz fällt schnell: „Wo, um Himmels Willen, liegt dieses Athen?“ Die Königsmutter Atossa spricht ihn, und in ihm liegt wohl begründet, warum man sich für die älteste überlieferte Tragödie der Theatergeschichte nach wie vor zu interessieren hat. Sinnlos Kriege zu führen, Konflikte zu schüren am anderen Ende von Welt und Vernunft, das wirft einen zurück auf diese Tage, die nicht heutiger sein könnten und dennoch antik-zeitlos sind. Welch ein Stoff, welch ein Autor.

Am Akademietheater hat Michael Thalheimer Aischylos‘ „Die Perser“ inszeniert. Auf die ihm eigene Art der theatralen Reduziertheit hat er das große Thema auf dessen Essenz verfeinert. Einmal mehr belegt der großartige Regisseur, dass in der Einfachheit die Kraft liegt, einmal mehr überlässt er seinen Schauspielern die Bühne – und deren Kraft ist überwältigend. Der Abend reißt einen hin und her und mit, und am Ende ist man beinah so erschöpft, aber glücklich wie die Darsteller.

Aischylos hat sein Drama 472 v. Chr. verfasst. Es behandelt den Untergang des Perserreiches nach einer unnötigen kriegerischen Auseinandersetzung mit den Griechen.

Nachdem sein Vater Dareios bei Marathon von Athen vernichtend geschlagen wurde, sinnt sein Sohn Xerxes nach Rache. Er bricht mit einer riesigen Flotte und einem Landheer auf, er baut mit seinen Schiffen einen Ponton an die griechische Küste – und wird doch von der widerständigen Minderzahl bei der Seeschlacht von Salamis vernichtend geschlagen. Das Eroberungsvolk ist endgültig liquidiert.

Der große Dramatiker Aischylos nahm als Soldat auf Siegerseite an dem Gemetzel teil. Dass er acht Jahre danach sein Stück verfasste, wird mit zwei Beweggründen erklärt: Zum einen galt es die Geburt des Okzidents, den Beginn eines Europas zu feiern, das sich endlich von der Bedrohung durch den Orient befreit hatte. Zum anderen aber wollte der Dichter anhand des Negativ-Beispiels „sein“ Athen wohl vor Überheblichkeit und Selbstüberschätzung warnen. „Hybris“ ist der Gedanke, um den sich sein Text dreht. Der freilich keine Antikriegsaufforderung ist, konnte sich der antike Mensch ein Dasein ohne diesen vermutlich gar nicht vorstellen.

„Das nackte Elend“: Merlin Sandmeyer ist als Xerxes ein Ereignis. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Der Chor des persischen Ältestenrates, Falk Rockstroh, belehrt die Königinmutter. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Am Akademietheater nun treten einem fünf Darsteller mit der ganzen Wucht ihrer Möglichkeiten entgegen. Christiane von Poelnitz, die Antikengeschulte, tritt erst als goldene Gottesmutter Atossa auf – denn die Perser verehrten ihre Herrscher als solche, als kalkulierende Politikerin, die beim Chor des persischen Ältestenrates Rat sucht und diesen doch zu gängeln weiß. „Und morgen gehört uns Griechenland“, tönt es noch kurz in der angemessen zeitgemäßen Textbearbeitung von Durs Grünbein, dann erscheint der Bote, dann reißt sich Atossa die edlen Kleider vom Leib und steht im schwarzen Hemdchen da.

Wie die Poelnitz diese plötzliche Verlorenheit, dieses Unverständnis über den Verlust der eigenen Größe, wie sie die Sorge um den geliebten Sohn spielt, nervös und zittrig und dennoch stolz erhobenen Hauptes, das ist große Klasse. Im quasi Wortsinn fällt ihr die Decke auf den Kopf, der einzige Bühnenbild-„Trick“ von Olaf Altmann, der Plafond saust wie ein Fallbeil herunter, wieder und wieder, und bringt mit sich den „Aschesturm“ der Gemeuchelten. Der die Darsteller kurz bis zur Unsichtbarkeit einhüllt.

Falk Rockstroh als der Ältestenrat changiert zwischen der Loyalität zum Herrscherhaus und der Anklage, dass hier „für nichts“ persische Männer geopfert wurden. Er ist in seiner Performance ebenso statisch kistallklar, wie Markus Hering, der als Bote die Unglücksbotschaft zu übermitteln hat – und dabei heult wie ein getretener Hund. Einem ganzen Volk, machen die beiden bewusst, ist nicht erklärlich, was da über es gekommen ist – ergo gibt man schnell einem Daimon die Schuld. Rockstroh, mit seinen schwarzen Augen blind (?), lässt Atossa keine Ruhe, er treibt sie vor sich her, jetzt, jetzt, gilt es politische Weichen zu stellen.

Es wird also der Daimon von Dareios aus dem Grab beschworen. Der kommt, Branko Samarovski in Kothurn und mit Teleskopstecken, doch kann er seinem Volk weder mit Rat noch Tat dienen. Auch ihm bleibt nicht mehr, als die Hybris seines Sohnes zu beweinen, bis er wieder in der Ewigkeit verschwindet.

Denn Anmaßung ist tatsächlich die große Sünde des Xerxes, brach er doch auf voll der Zerstörungswut. Nun kehrt er heim, im Wortsinn „das nackte Elend“. Merlin Sandmeyer, dieses eben erst aus der Schauspielschule geschälte Talent, erscheint blutig und bloß, ein von Minderwertigkeitskomplexen geplagtes Rich Kid, ein Neurosenkönig, der gegen die übermächtige Vaterfigur antreten wollte und nun vor der Verfetzung seiner Unternehmung steht. Sandmeyer spielt den Xerxes als vom Wahnsinn Umzingelten, tatsächlich gesteht ihm Thalheimer eine beinah Freud’sche Psychologisierung seiner Figur zu, wo ringsum subtile Stereotypheit herrscht – und Sandmeyer meistert die Aufgabe mit Bravour.

Markus Hering zerbricht als Bote an seiner bösen Nachricht. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Die Stimme aus dem Grab: Branko Samarovski als Dareios‘ Geist. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Endlich ist mit seinem fulminanten Auftritt auch die bis dahin im Halbdunkel gehaltene Bühne hell erleuchtet. Man sieht Blut und Boden, beim frenetischen Schlussapplaus arbeitet sowohl das Ensemble als auch das Leading Team hart daran, auf dem glitschig-ekeligen Untergrund nicht über die Rampe zu rutschen. Michael Thalheimers Aufführung besticht in ihrer Brillanz, er ist einer der wenigen Regisseure, die auf den ersten Blick an ihrer Bühnenhandschrift zu erkennen sind, und sich dennoch nie wiederholen. Wie eine gute Rockband, deren Sound man sofort wahrnimmt, auch wenn jedes neue Album eine Weiterentwicklung auf dem künstlerischen Weg ist.

Und P.S.: Weil dieses on-dit ist, dass man „Richard III.“ nach dem so verehrten wie überlebensgroßen Gert Voss an der Burg nie mehr zu machen bräuchte: Hier täte sich buchstäblich eine blutjunge Möglichkeit auf …

www.burgtheater.at

Christina Rast im Gespräch

April 17, 2014 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Schauspielhaus Graz:

Das Scheißleben meines Vaters, das Scheißleben meiner Mutter und meine eigene Scheißjugend

Bild: Lupi Spuma

Bild: Lupi Spuma

Am 30. April hat am Schauspielhaus Graz Oliver Klucks Stück zur gleichnamigen Autobiografie von Andreas Altmann
Uraufführung. Eine Geschichte aus der beschaulichen Provinz, voller Misshandlungen, Demütigungen, rabiater Pfarrer und verkappter Nazis. Eine Kindheit der Nachkriegszeit im idyllischen Wallfahrtsort Altötting. Doch die Geschichte, die Andreas Altmann erzählt, handelt weder von Gnade noch von Wundern, sondern von brutaler Gewalt und Schrecken ohne Ende. Schonungslos blickt Altmann zurück: auf einen Vater, der als psychisches Wrack aus dem Krieg kommt und den Sohn bis zur Bewusstlosigkeit prügelt, auf eine Mutter, die zu schwach ist, um den Sohn zu schützen, und auf ein Kind, das um sein Überleben kämpft. Erst als Jugendlichem gelingt Altmann die Flucht. Die schreckliche Erfahrung aber kann ihn nicht brechen. Sie wird vielmehr der Schlüssel für ein Leben jenseits des Opferstatus. Ein Leben, in dem er seine Bestimmung als Reporter findet: „Hätte ich eine liebliche Kindheit verbracht, ich hätte nie zu schreiben begonnen, nie die Welt umrundet …“ Andreas Altmann erzählt aus seiner Kindheit und Jugend und davon, wie am Ende aus einem hilflosen Opfer ein freier Mensch wurde. Mit 19 Jahren floh er aus seinem Elternhaus. Arbeitete als Chauffeur, Buchclubvertreter, Parkwächter. Heute gehört Andreas Altmann  zu den bekanntesten deutschen Reiseautoren und wurde unter anderem mit dem Egon-Erwin-Kisch-Preis, dem Säume-Literaturpreis und dem Reisebuch-Preis ausgezeichnet. Altmann lebt in Paris. Seine Autobiographie ist beim Piper Verlag erschienen. Sie war Vorlage für den Text von Oliver Kluck. Er selbst nennt den Text einen Versuch und merkt an, dass es sich bei diesem Versuch weder um ein Stück, noch um eine Bearbeitung handelt, sondern ausschließlich um eine Betrachtung. Es spielen: Thomas Frank, Sebastian Klein, Florian Köhler und Franz Solar.

mottingers-meinung.at sprach mit Regisseurin Christina Rast.

MM: Der Titel des Stücks ist ja schon sehr vielsagend: „Das Scheißleben meines Vaters, das Scheißleben meiner Mutter und meine eigene Scheißjugend“. Wie viel Distanz braucht man, um so viel Leid zu inszenieren?

Christina Rast: Wir beschäftigen uns auf den Proben grade mit der Frage, wie man sich diesem Stoff  –  diesem Leben – annähern kann. Andreas Altmanns Autobiografie wurde von Oliver Kluck sehr klug bearbeitet. Schwerpunktmäßig „trockener“, nordischer, fragmentarischer, während Altmann verschwenderischer in der Sprache ist. Dadurch entsteht automatisch eine gewisse Distanz. Kluck nähert sich dem Stoff, indem er ihn betrachtet, und so begreifen wir auch unsere Arbeit: als schrittweise und respektvolle Annäherung an eine Biographie. Altmanns Buch ist ja auch nicht nur Tragödie und Leid, sondern auch eine Emanzipations- und Erfolgsgeschichte und ein Befreiungsschlag. Es geht um ganz grundsätzliche Themen: Wie jemand sich seinen Platz in der Welt erkämpft, in der er nie willkommen war. Es geht um die Suche und Sehnsucht nach Liebe und Anerkennung. Um Schuldgefühle, Scham, Einsamkeit, Nicht-Kommunikation, Verrat, Ausübung von Macht und die Wut auf dieses Machtsystem, was einem unwiderruflich etwas geraubt hat. Das sind große Themen, an denen wir alle andocken können und die uns alle betreffen.

MM: Altmanns Leben wird nicht nur bestimmt vom Elternhaus, sondern auch von der katholischen Kirche. Das ist in Bayern offenbar eine Allmacht, an der sich viele Künstler abarbeiten müssen. Sie sind Schweizerin. Wie geht’s Ihnen damit?

Rast: Die katholische Kirche steht bei Altmann für ein System der Machtausübung, das den Vater, den „Rosenkranzkönig“, dazu ermächtigt, sein eigenes totalitäres Regime aufzubauen und ihn moralisch dazu legitimiert, Gewalt an der eigenen Familie auszuüben. Die Diskrepanz zwischen gepredigter Nächstenliebe und Ausübung von Gewalt, zwischen vermitteltem Inhalt und angewendeter Praxis ist groß. Mir ist das brachial-barock Katholische nicht fremd, weil ich aus Luzern komme, dem Kernstück der katholischen Innerschweiz. Ich habe als Kind viel Zeit bei meiner Großtante verbracht und mit ihr sonntags die Messe besucht. Ich erinnere mich sehr gut an den Geruch von Weihrauch, das Gruseln beim Betrachten der Folterbilder, das Unheimliche, was in der kindlichen Vorstellung hinter den Vorhängen in den engen, düsteren Beichtstühlen wohl verborgen lauern könnte, die albtraumhafte Beklemmung bei dem Gedanken, sich da mit einem anderen Menschen rein quetschen zu müssen um von seinen Sünden zu erzählen, die donnernden Predigten von der Kanzel, die Gesänge und das Knien – alles sehr dramatisch und merkwürdig unheimlich. Die katholischen Rituale sind ja bildgewaltig, sinnlich und unglaublich theatral. Ich glaube, dass diese Erlebnisse meiner Kindheit jedenfalls zum Teil mein Interesse am Theater geweckt haben und ich sowohl daraus schöpfe als auch was abzuarbeiten habe.

MM: Wie wird die Inszenierung sein? Es gibt im Klucks Text viele „Ichs“, „Mütter“, „Väter“ in der Mehrzahl …

Rast: Ich habe beschlossen, das Stück mit vier Männern zu besetzen, da größtenteils klar aus der männlichen Perspektive eines Ichs erzählt wird. Über die Viererkonstellation kann ich verschiedene Aspekte dieses Ichs beleuchten. Man kann aber auch den Vater über das Chorische multiplizieren und so die Gefühle von Macht und Ohnmacht verstärken. Da es keine ausformulierten Rollen gibt, haben wir die Möglichkeit, schnell in eine Rolle rein und wieder raus zu schlüpfen. Das Ich muss sich seinen Kosmos ganz alleine schaffen – in dem Elternhaus von Altmann gab es ja ebenfalls nie die Möglichkeit für einen wirklichen Dialog. Die Figuren und Situationen entstehen über das Sprechen und ein unglaubliches Redebedürfnis, eine Sprechwut und ein immenses Bedürfnis nach Kommunikation. Diesen Sprachkörper sinnlich anzufüllen und erlebbar zu machen, ist eine interessante Herausforderung.

MM: Sie arbeiten zum vierten Mal mit Oliver Kluck. Was verbindet Sie?

Rast:  Dass wir total verschieden sind. Ich mag seine Sprachbehandlung und seine Musikalität. Dass ich dazu aufgefordert und gefordert bin, assoziative Bildwelten und Übersetzungen zu erfinden. Er ist genau, schreibt direkt, ehrlich, hat einen klugen Blick auf die Welt, ein Sensorium für Ungerechtigkeiten, die Selbstgerechten und die Zu-kurz-Gekommenen – er selber hat einmal gesagt, dass er über das Verfassen von Beschwerdebriefen zum Schreiben gekommen ist. Ich mag seinen Humor. Mit Andreas Altmann verbindet ihn die Sprach- und Kommunikationswut. Und das Bezugnehmen auf, und Schöpfen aus der eigenen Biographie. Und vielleicht das Anliegen: Wehrt Euch. Befreit euch. Selber denken!

MM: Die Mutter kommt nicht vor. Wie beurteilen Sie deren Part? Eine Gepeinigte, die sich ein eigenes Verließ baut, um dem Vater zu entgehen, die ihre Freiheit aber gleichzeitig aus ihrer Lustlosigkeit am Sex bezieht …

Rast: Da die Mutter schon früh vom Vater aus dem Haus vertrieben worden ist, ist sie bei uns weniger eine reale Figur als eine Projektionsfläche für die Sehnsucht nach Liebe, Zärtlichkeit, Verständnis und Anerkennung. Dadurch wird sie idealisiert, stilisiert. Das Ich muss sich die Mutter selber erschaffen, da sie abwesend ist. Das Bild der Mutter ähnelt der klassischen Opferrolle und ist durch Asexualität, Passivität und Depression gezeichnet – eine unberührte und unberührbare ewig jungfräuliche Braut, die auf Erlösung wartet und selber nicht retten, sondern nur dulden kann – ihre Passionsgeschichte kann durchaus mit der Madonna assoziiert werden. Seltsam und fast schon grotesk ist es, dass der Sohn ausgerechnet mit ihr Gespräche über Sexualität sucht im wiederholten Versuch, sie zu verstehen.

MM: Altmanns Geschichte ist natürlich ein Extrem. Aber wird nicht jeder durchs Elternhaus, durch die Erziehung deformiert?

Rast: Wir sind alle die Kinder unserer Eltern. Und man muss irgendwann seine Eltern vom Sockel stürzen, um sich seine eigene Identität zu schaffen. Und sich im besten Fall als erwachsener Mensch auf Augenhöhe wieder annähern zu können.

MM: Kennen Sie Andreas Altmann?

Rast:  Er las am 8. April in Graz aus seinem neuen Buch „Dies beschissen schöne Leben. Geschichten eines Davongekommenen.“, was die Fortsetzung seiner Autobiographie ist und da ansetzt, wo die „Scheißjugend“ aufhört. Ich war gespannt und freute mich darauf, ihn persönlich kennen zu lernen.

MM: Herr Altmann hat ja noch versucht, seine Mutter zu einem Prozess gegen seinen Vater zu bewegen. Kann man mit Eltern reden? Ist dann nicht eh immer alles ganz anders, nicht wahr gewesen?

Rast: Ich persönlich habe die umgekehrte Erfahrung gemacht. Ich habe vor allem als Erwachsene und mit mehr Distanz mit meinen Eltern sehr direkte Gespräche führen und ehrlich kommunizieren können.

www.schauspielhaus-graz.com

Leseproben: www.andreas-altmann.com/buecher/das-scheissleben-meines-vaters

Wien, 17. 4. 2014

Burgtheater: Maria Magdalena

Februar 25, 2014 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Michael Thalheimer macht aus Hebbels Drama

Uromas besten Eintopf

Sarah Viktoria Frick (Klara), Tilo Nest (Meister Anton), Lucas Gregorowicz (Leonhard), Regina Fritsch (Mutter) Bild: Georg Soulek / Burgtheater

Sarah Viktoria Frick (Klara), Tilo Nest (Meister Anton), Lucas Gregorowicz (Leonhard), Regina Fritsch (Mutter)
Bild: Georg Soulek / Burgtheater

Die Zutaten sind bekannt. Aber das macht nichts. Gulasch schmeckt auch aufgewärmt am besten; und: niemand in der Familie würde es wagen, das Originalrezept der ungarischen Urgroßmutter zu verfälschen. So bestimmt auch diesmal – wo Olaf draufsteht, ist Altmann drin – die Würzmischung des Bühnenbildners den Geschmack. Schwärzestschwarzer schräger Kasten (das kennt man von „Elektra“), weißes Kreuz wie beim „Faust“, dazu Bert Wredes düster wummernde Musik. Michael Thalheimer inszeniert am Burgtheater Friedrich Hebbels kleinbürgerliches Trauerspiel „Maria Magdalena“. Und er tut es auf die ihm eigene Art, dampft das Drama zur Essenz ein, schneidet weg, was unnötig ist, und schlägt sich – wie immer, von seiner „Medea“ bis zu seiner „Jungfrau von Orleans“ – auf die Seite der Frau. „Maria Magdalena“ ist ein Opfertier. Von dem er Sehnen, Knorpel, Fett entfernt, nur das beste Fleisch, seine Schauspieler, in den Topf wirft. Das Skelett, die bloßen Knochen, sind das Gerüst, das er von der Handlung übrig lässt. So macht man Uromas besten Eintopf.

Hebbel schrieb seine Tragödie 1843. Als Beweis dafür, dass große Katastrophen nicht nur den Reichen und Schönen, sondern auch dem „vierten Stand“, der in Zeiten zunehmender Industrialisierung immer präsenter wurde, passieren können. Niemand so gering, dass ihn das Schicksal nicht im Gnack treffen wird. Hebbel läutete mit diesem Untotentanz den Realismus auf deutschen Bühnen ein. Die Handlung ist blutig: Klara, Tochter von Tischlermeister Anton, ist dem Leonhard verlobt, liebt diesen aber nicht. Aus einer Art Pflichterfüllungsgefühl gibt sie sich ihm hin und wird schwanger. Ihr Vater – er wird der letzte Überlebende sein – droht, sich mit dem Rasiermesser die Kehle durchzuschneiden, sollte Klara Schande über die Familie bringen. Ihre Mutter liegt im Sterben und stirbt schließlich. Schande über die Familie bringt derweil Klaras Bruder Karl, der eines Juwelenraubes bezichtigt wird, den er nicht begangen hat. Ein Sekretär liebt Klara und fordert Leonhard zum Duell. Beide werden tödlich verwundet. Klara wirft sich in den Brunnen. Der Vater sagt: „Ich verstehe die Welt nicht mehr.“

Maria Magdalena, die biblische, ist Programm. Thalheimer folgt Hebbel auf dieser Spur. Im Interview mit mottingers-meinung.at sagte er einmal, er lese ein Stück so oft, bis er gefunden habe, was ihn interessiere – hier war es offensichtlich die Frau, die durch eine bornierte, bigotte Männergesellschaft zugrunde gerichtet wird. Sarah Viktoria Frick im steifen weißen Kleidchen wie eine Puppe angetan, rotbäckig, rotzig, ist eine formidable Klara.  Sie „spielt“ die Marionette der über sie Macht Habenden, doch ihre Augen blitzen etwas anderes. Zum Freitod gehört auch das Wort frei. Regina Fritsch, ebenfalls im Brautkleid und zur Leiche geschminkt, ist die Mutter. Angeblich geht es ihr wieder gut, aber allein an der Stimme erkennt man die Zersetzung. Wie sie flötet, dann wieder das Monster rauslässt. Eine frömmlerisch gespaltene Persönlichkeit, die mit ihrem Tod ihre Tonlage an die Tochter vererbt, wenn die brüllt, kreischt, winselt, hechelt: Heirate mich! Um Gottes Willen, heirate mich! Ein Exorzist hätte seine Freude daran. Anton ist Tilo Nest, ein rechthaberischer, aggressiv um Würde bemühter, selbstgefälliger, auch selbstmitleidiger Charakter, der Hinrichtungsdekrete für seine Familie ausfüllt. Das ganze Tischlermeistershaus zum Grab macht. Man gönnt ihm, dass er am Ende alleine bleibt. Den Leonhard gibt Lucas Gregorowicz als geckenhaften, pomadigen Karrieregeilisten, der sich lieber der „buckligen Nichte“ des Bürgermeisters zuwendet als Holzfacharbeiters Schwiegersohn zu werden. In den übrigen Rollen ausgezeichnet: Tino Hillebrand als Karl, Albrecht Abraham Schuch als Sekretär und der luxuriöse Johann Adam Oest als bestohlener Kaufmann.

Die Welt ist in Schieflage geraten, macht Thalheimer klar. Seine karge Arbeit zeigt Menschen, die aneinander vorbeireden, sich nichts zu sagen haben, sondern schweigend auf Standpunkten beharren. Stillstand ist so garantiert. Thalheimer legt offen, warum die Welt ist, wie sie nicht sein sollte. Doch die Tugendterroristen haben am Ende das Nachsehen. Es siegt der Tod. Und das Mädchen.

www.burgtheater.at

www.mottingers-meinung.at/interview-michael-thalheimer-inszeniert-elektra/

www.mottingers-meinung.at/berliner-theatertreffen-thalheimers-medea/

www.mottingers-meinung.at/salzburger-festspiele-die-jungfrau-von-orleans/

Wien,25. 2. 2014