Metro Kinokulturhaus: Wim Wenders. Frühe Photographien. 60er-80er Jahre

Januar 11, 2019 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Die kühne Einmaligkeit des Polaroids

Dennis Hopper, Hamburg 1976. Bild: © Wim Wenders Courtesy of Deutsches Filminstitut, Frankfurt a.M.

Das Filmarchiv Austria zeigt ab 11. Jänner im Metro Kinokulturhaus die Ausstellung „Wim Wenders. Frühe Photographien. 60er-80er Jahre“ mit siebzig Arbeiten des Filmemachers, die seit seiner Jugend und bis Anfang der 1980er-Jahre entstanden sind. Diese zwanzig Jahre beschreiben eine äußerst kreative Zeit, in der Wenders das „Handwerk des Filmemachens“ gelernt und sein „eigenes Erzählland“ gefunden hat.

Von den späten 1960er- bis in die frühen 1980er-Jahre entstanden auf Wenders’ unermüdlichen Reisen durch die USA, Australien und viele andere Orte der Welt größtenteils menschenleere Landschafts- und Stadtansichten sowohl im 35 mm Schwarzweiß-Kleinbildformat als auch Farb- sowie  Panoramaaufnahmen. Sein bevorzugtes Fotomedium aber sollte zehn Jahre lang die Polaroid-Kamera werden. Sie war ideales komplementäres Werkzeug, um das Filme- und Bildermachen zu erforschen, visuelles Notizbuch, alltäglicher Begleiter.

Unabhängig von ihrem fotographischen Medium oder Entstehungsort, sei es in Algier, am Rhein, in New York, Butte, Montana oder Denpasar zeigt Wenders’ Blick einerseits eine deutlich dokumentarische „Einstellung“, durchdringt und überhöht mit seiner präzisen Ästhetik vorgefundene Situationen, gleichzeitig aber eröffnen die Bilder im Detail eine emotionale, narrative Dimension – scheinen jeweils die erste „Einstellung“ einer beginnenden filmischen Erzählung zu sein. Dieses vielschichtige erzählerische Angebot in den Fotografien von Wim Wenders nimmt den Betrachter bei seiner Reise in die Bilder an die Hand und eröffnet eine authentische Teilhabe am Wenders’schen Bildkosmos.

Die Fotografie begleitet Wim Wenders schon seit Kindesbeinen, und sie hat von Anfang an sein künstlerisches Schaffen mitbestimmt. Das erste Bild der Ausstellung ist eine Schwarzweiß-Aufnahme des damals 17- oder 18-Jährigen aus dem Jahr 1963. Es zeigt eine Szenerie auf einem Rummelplatz in Oberhausen. Im Ruhrgebiet der Nachkriegszeit, es regnet, die Buden sind geschlossen, wenige Kinder drehen dem Betrachter den Rücken zu. „Bonjour tristesse“ würde man als Titel vermuten, der allerdings in eine völlig andere Richtung weist und nicht ohne eine gewisse Ironie die Aufschrift eines Kirmeswagens aufnimmt: „Glück“. Dieses erste Bild lässt schon früh charakteristische Stimmungsbilder und Sujets von Wenders’ späterem künstlerischen Schaffen erahnen, wie etwa seine Vorliebe für verlassene Orte und die weitgehende Abwesenheit von Menschen. Auch in diesen frühen Bildern schon Straßen, deren Fluchtpunkte Bewegung ins Assoziationsspiel bringen und die Gedanken in eine ferne Welt schweifen lassen, auch damals schon eine warmherzige Melancholie und ein ausgeprägter Sinn für den Umgang mit Sprache und Schriftbildern.

New York Parade 1972. Bild: © Wim Wenders Courtesy of the artist and Blain|Southern London/Berlin

Abandoned Drive-in Texas, 1983. Bild: © Wim Wenders Courtesy of the artist and Blain|Southern London/Berlin

Wenders Verwendung der Polaroidkameras wohnt eine unbeschwerte und überaus soziale Komponente bei: Die, so Wenders, „kühne Einmaligkeit“ des im Polaroid eingebauten chemischen Prozesses und das daraus resultierenden Unikat eines „Zauberkunststückes“, das sich vor den Augen von Fotograf und Fotografiertem abspielt, ähnelt einer miniaturisierten filmischen Erfahrung, die das Polaroid zum Archetyp eines Sozialen Mediums geraten lässt. Die Polaroids zeigen den jungen Filmemacher und Fotografen in autobiographischen Stationen.

In privater Umgebung, in alltäglichen Momenten, oder an Orten, an denen Filme wie „Alice in den Städten“ und „Der amerikanische Freund“ entstanden sind – Wuppertal, die Straßen von Queens oder Surf City. Mit Polaroids „schießt“ Wenders aber auch, im Gegensatz zu seinem Umgang mit anderen Fotomedien, Porträts seiner Freunde oder berühmter Persönlichkeiten wie Annie Leibovitz, Robby Müller, Dennis Hopper oder Peter Handke.

Das Oeuvre von Wim Wenders ist stark durch die Malerei geprägt. Sein Wunsch, Filmemacher zu werden kam erst in Paris auf, wohin er ursprünglich aufgebrochen war, um Malerei zu studieren.

Stattdessen war er vom Programm der Cinémathèque Française derart gefesselt, dass er in wenigen Monaten einen Crash-Kurs der Filmgeschichte durchlief. Er begann fortan über Film als „Fortführung der Malerei mit anderen Mitteln“ nachzudenken: „Als ich anfing zu filmen, verstand ich mich eher als Maler des Raums auf der Suche nach der Zeit.“ Besonders Stadtbilder wie „Liquor Store , San Francisco“, 1973, oder „Paris, Brasserie“, 1980, aber auch die weiten Landschaften in Südaustralien und Montana zeigen deutlich den Einfluss, den amerikanische Realisten wie eben Edward Hopper oder Andrew Wyeth auf den jungen Wenders ausübten.

Self Portrait with Mickey Mouse T-shirt, 1973. Bild: © Wim Wenders Courtesy of the artist and Blain|Southern London/Berlin

Die drei Fotografien „Twin-graves“ and „Drive-in Cinema, Drive-in“ und „Abandoned Drive-in“, alle aus dem Jahr 1983, die den Rundgang durch die Ausstellung schließen, zeigen ein wiederkehrendes Thema, dem der Filmemacher und Fotograf besonders in seinem Frühwerk vielschichtig nachspürt: dem Kinosterben der Nachkriegszeit: „… so wie es jetzt ist, ist es besser, es gibt kein Kino mehr, als dass es ein Kino gibt, wie es jetzt ist …“, lässt der Filmemacher eine alte Kinobesitzerin am Ende des Filmes „Im Lauf der Zeit“ sagen.

Die weißen, leeren Leinwände der Drive-in Kinos, die Wim Wenders immer wieder fotografiert, kennzeichnen nicht nur eine symbolische Leerstelle im kulturhistorischen Kontext der Nachkriegszeit. Einst Wallfahrtstätten populärer Kultur, scheinen diese dem Verfall anheim gegebenen Orte in einer zunehmend aus Funktionalität und Zweckorientierung geprägten Gegenwart ihre Daseinsberechtigung eingebüßt zu haben.

Begleitend zur Ausstellung findet im Metro Kinokulturhaus bis 28. Februar die Retrospektive „Wim Wenders. Weltreisender“ statt, in deren Rahmen unter anderem „Die Angst des Tormanns beim Elfmeter“, „Paris, Texas“, „Der Himmel über Berlin“ oder „Buena Vista Social Club“ gezeigt werden.

www.filmarchiv.at

11. 1. 2019

mumok: Kunst ins Leben! Der Sammler Wolfgang Hahn und die 60er Jahre

November 7, 2017 in Ausstellung

VON MICHAELA MOTTINGER

Objekte vom Wohnzimmer bis zum Gäste-WC

George Segal: Woman in a Restaurant Booth, 1961. mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, ehemals Sammlung Hahn, Köln. Bild: mumok
© Bildrecht Wien, 2017

Das Rheinland war in den 1960er-Jahren ein wichtiger Schauplatz für die Umwälzungen in der zeitgenössischen Kunst. Damals brach eine neue, international vernetzte Generation von Künstlerinnen und Künstlern mit dem traditionellen Kunstverständnis. Inspiration lieferte der Alltag. Alltagsgegenstände bildeten das Material. Diese Künstler arbeiteten zudem im städtischen Umfeld. Sie durchbrachen die Grenzen der Disziplinen und kollaborierten mit Musikern, Literaten, Filmemachern und Tänzern.

Am Puls dieser ungewöhnlichen Zeit begann der Kölner Restaurator Wolfgang Hahn die neue Kunst zu erwerben. Über die Jahre trug er eine der heute bedeutendsten Sammlungen zeitgenössischer Kunst mit Werken des Nouveau Réalisme, Fluxus, Happening, der Pop Art und Konzeptkunst zusammen. Nach einer erfolgreichen ersten Station der Ausstellung im Kölner Museum Ludwig wird die Sammlung des passionierten Kunstliebhabers ab 10. November auf zwei Ebenen im mumok zu sehen sein.

Yayoi Kusama: Silver Dress, 1966. mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, ehemals Sammlung Hahn, Köln. Bild: mumok

Daniel Spoerri: Hahns Abendmahl, 1964. mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, ehemals Sammlung Hahn, Köln. Bild: mumok © Daniel Spoerri/ Bildrecht Wien 2017

Hahn war Chefrestaurator am Wallraf-Richartz-Museum und später am Museum Ludwig in Köln. Doch bekannt wurde er vor allem durch seine Tätigkeit als Sammler, Vermittler und insbesondere Gastgeber. Hahn lebte nach der Forderung der Avantgarden: Kunst und Leben bildeten für ihn eine Einheit. Seine Beschäftigung mit der Kunst endete nicht mit getaner Arbeit. Sie wurde bei Galerienrundgängen und bis zu später Stunde im eigenen Haus weitergeführt. Künstler gingen dort ein und aus. „Das war unser Alltag, unsere Normalität. Derartige Abende waren zahlreich; interessant und belebend waren sie alle“, erinnert sich die Witwe Hildegard Helga Hahn an das Leben mit der Kunst.

Und so füllte sich die Doppelhaushälfte der Hahns nach und nach mit Arbeiten der heute wichtigsten Künstlerinnen und Künstler der 1960er-Jahre. Treppenhaus, Wohn- und Schlafzimmer, selbst Keller und Garten bis hin zum eineinhalb Quadratmeter großen Gäste- WC wurden zu Ausstellungsräumen für die von ihnen erworbenen Werke, darunter Arbeiten von Arman, Joseph Beuys, George Brecht, John Cage, Christo, Jim Dine, Robert Filliou, Allan Kaprow, Yayoi Kusama, Gordon Matta-Clark, Claes Oldenburg, Yoko Ono, Nam June Paik, Niki de Saint Phalle, Daniel Spoerri, Paul Thek, Jean Tinguely, Franz Erhard Walther, Andy Warhol, Lawrence Weiner, Wolf Vostell und vielen mehr.

Wolfgang Hahn im Wohnzimmer umgeben von Objekten aus seiner Sammlung, Köln, um 1970. © ZADIK – Zentralarchiv für deutsche und internationale Kunstmarktforschung, Köln. FotografIn unbekannt

Hahn war ein entscheidender Impulsgeber. Der blendend aussehende junge Mann, immer korrekt gekleidet im meist blauen Anzug, war stets der Erste und besuchte die Schauen oft noch vor der Ausstellungseröffnung. Gefielen ihm die Arbeiten, erwarb er sie. Als Daniel Spoerri Anfang der 1960er-Jahre mit seinem „Koffer“ unterwegs war und ihn unter anderem in Köln präsentierte, war Hahn vor Ort.

Seinem chronistischen Gespür folgend, kaufte er das Objekt später an. Ihm ging es jedoch nicht darum, seinen Geschmack oder einen Status Quo zu zementieren.

Hahn war beim Ein- und Verkauf risikofreudig. Seine Sammlung wurde beständig erweitert und ergänzt. Immer wieder verkaufte er Stücke, um Platz für neue Arbeiten zu schaffen. 1978 konnte ein Großteil der Sammlung vom mumok angekauft und 2003 durch einen weiteren Ankauf vervollständigt werden. Dazu kam 2005 die Schenkung der Bibliothek Hahn durch Hildegard Hahn. In der Gesamtheit bildet sie die ganze Komplexität der Kunst der 1960er-Jahre ab. Nun kann die Sammlung erstmals in vollem Umfang der Öffentlichkeit präsentiert werden.

www.mumok.at

7. 11. 2017