Volksoper: Gasparone

Juni 3, 2018 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Inszeniert mit ironischem Augenzwinkern

Sebastian Geyer als „Der Fremde“. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Sehr schwungvoll und sehr Wienerisch geriet der „Gasparone“ an der Volksoper. Da darf die Garde des Bürgermeisters angetan als heimische Polizisten Strafzettel ans Publikum verteilen, ebendieser Nasoni den Spritzwein ordern und ordentlich Dialekt gesprochen werden. Regisseur Olivier Tambosi hat sich für die 1931-Fassung des Millöcker-Werks entschieden, mit allen Hits von „Denk ich an dich, schwarze Ninetta“ über „Er soll dein Herr sein! Wie stolz das klingt!“  bis „Nur Gold will ich haben und Edelgestein“, inklusive des größten Schlagers „Dunkelrote Rosen, bring’ ich, schöne Frau“, der ja ursprünglich aus der „Diana“ stammt.

Tambosi setzt damit auf eine Zeit in der das Singspiel in der Bearbeitung von Ernst Steffan und Paul Knepler schon zur Revueoperette mutiert war. Dem Rechnung tragend zeigt sich das Ensemble tanzfreudig, weder Solisten noch Chor stehen kaum eine Minute still, und das Volksopernorchester unter der musikalischen Leitung von Andreas Schüller, der für ein Lied des Bürgermeisters sogar die Bühne erklimmt, um dort Klavier zu spielen, zeigt dazu, was es kann – von Walzer über Tarantella bis Tango.

Die Inszenierung mit ironischem Augenzwinkern ist ein über weite Strecken würdiger Abschluss einer gelungenen Saison. Der Inhalt: Im beschaulichen Städtchen Trapani hat sich’s jeder gerichtet. Der korrupte Nasoni versucht eine profitable Ehe zwischen der reichen Witwe Carlotta und seinem Nichtsnutzsohn Sindulfo zu stiften. Wirt Benozzo ist gleichzeitig Chef einer Schmugglerbande und nur in Bedrängnis, wenn seine Frau Sora Liebesdienste von ihm erwartet. Benozzo war es auch, der die Legende vom Räuberhauptmann Gasparone in Umlauf gebracht hat, so ein Superschurke kommt ihm gerade recht, um die eigenen Vergehen zu vertuschen. Da steht eines Tages ein Fremder auf dem Hauptplatz. Ist er der böse Geist, den man einmal zu oft beschworen hat? Unruhe macht sich breit. Vor allem, als sich herausstellt, dass der Unbekannte nicht nur die Umtriebe durchschaut, sondern sich auch in Carlotta verliebt hat …

Christian Graf als Luigi, Marco Di Sapia als Benozzo, Gerhard Ernst als Baboleno Nasoni. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Gerhard Ernst mit Mara Mastalir als Carlotta und Johanna Arrouas als Sora. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Bühnenbildner Andreas Wilkens hat dafür eine Hügellandschaft erdacht, die mal mit Teppichen, mal mit Zeitungsschlagzeilen ausgelegt ist. Das erste Bild ist eine Bettenburg, in der die Bewohner Trapanis unsanft aus dem Schlaf gerissen werden, später gibt’s Strand, Mond und ein Motorboot, das in den Himmel entschwebt. In dieser Kulisse begeistert vor allen anderen Gerhard Ernst als Nasoni. Ernst stellt einen Politikerschlingel erster Güte auf die Bühne, weiß im richtigen Moment zu rühren, dann wieder das Publikum zum Lachen zu bringen. Herrlich die Verhörszene mit Carlotta und Sora, in der er – ganz Klischee des hiesigen Beamten – erst einmal die Brotzeit auspackt, bevor’s ans Eingemachte geht.

Ihm in nichts nach stehen Marco Di Sapia als Benozzo und Johanna Arrouas als Sora. Die beiden geben ein temperamentvolles Buffopaar, das nicht nur darstellerisch, sondern auch stimmlich überzeugt. Christian Graf als Luigi ist auf dem besten Wege, ein neuer Publikumsliebling am Haus zu werden. Dass gegen dieses Quartett, das auch den meisten Applaus bekam, schwer anzukommen ist, musste das erste Paar, Mara Mastalir als Carlotta und Volksopern-Debütant Sebastian Geyer als Fremder, erfahren.

Doch während Mastalir ihre Partie noch ordentlich erledigte, blieb Geyer, obwohl in mephistophelisches Rot gewandet, in jeder Hinsicht blass. Und ziemlich schwer verständlich. Auch David Sitka als Sindulfo schaffte es nicht wirklich, aus seiner prinzipiell dankbaren Rolle etwas zu machen. Alles in allem aber ist dieser „Gasparone“ ein Gute-Laune-Abend, bei dem man sich zum letzten Mal in dieser Spielzeit gepflegt unterhalten kann. Jetzt heißt es abwarten, was die nächste bringt.

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  1. 6. 2018

Volksoper: Das Programm der Saison 2018/19

April 13, 2018 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Highlights zum 120-Jahr-Jubiläum des Hauses

Keisuke Nejime als Peter Pan, Suzanne Kertész als Tinker Bell. Bild: © Johannes Ifkovits/Volksoper Wien

Unter dem Motto 120 Jahre Volksoper – 120 Jahre Vielfalt steht die Saison 2018/19 des Hauses am Gürtel: Neun Premieren in den Genres Operette, Oper, Musical und Ballett, eine zeitgenössische Oper im Kasino am Schwarzenbergplatz, fünf Wiederaufnahmen und 20 Stücke im Repertoire stehen für den abwechslungsreichen Spielplan in der 12. Saison der Direktion Robert Meyer. Zu Beginn, am 1. September feiert sich das Geburtstagskind mit einem großen Fest unter freiem Himmel im Arne-Carlsson-Park. Höhepunkt ist ein Open-Air-Konzert bei freiem Eintritt mit Stars und Publikumslieblingen und vor allem mit viel Musik von Benatzky bis Gershwin, von Lortzing bis Puccini.

Zu feiern gibt es auch die runden Geburtstage zweier überragender Musiktheatergenies: den 100er von Leonard Bernstein mit dem Musical Wonderful Town und den 200er von Jacques Offenbach mit Orpheus in der Unterwelt, dem eine große Wiederaufnahme gilt. Im Gedenkjahr 2018 blickt die Volksoper auch zurück auf das Jahr 1938.

Die Machtübernahme der Nationalsozialisten im März brachte für das Haus gravierende Veränderungen mit sich. Entlassungen auf allen Ebenen waren die Folge. In dem Buch „Ihre Dienste sind nicht mehr erwünscht…“– Künstlerschicksale an der Volksoper 1938 wendet sich Autorin Marie‐Theres Arnbom diesem dunklen Kapitel zu und beleuchtet exemplarisch die Lebenswege und Schicksale von 20 Künstlerinnen und Künstlern, die dem Naziregime zum Opfer fielen.

Die Premieren:

Los geht es mit Die Csárdásfürstin: Wie kein anderes Werk steht Emmerich Kálmáns Operette für das Ende der Donau-Monarchie und der silbernen Wiener Operettenära mit ihrer Walzertradition. In der Regie von Peter Lund, der sich mit den Raritäten „Frau Luna“ und „Axel an der Himmelstür“ überzeugend vorgestellt hat, präsentiert sich die „Die Csárdásfürstin“ zur Eröffnung der kommenden Spielzeit in frischem Gewand. In der nunmehr dritten Neuproduktion an der Volksoper gibt die deutsche Sopranistin Elissa Huber ihr Volksoperndebüt, Lucian Krasznec kehrt als Edwin ans Haus zurück. Die musikalische Leitung liegt in den bewährten Händen von Alfred Eschwé. Premiere ist am 16. September.

Die erste Opernpremiere der Saison gilt Albert Lortzings komischer Verwechslungsoper Zar und Zimmermann. Nach seinem erfolgreichen Ausflug ins Musicalfach als Billy Bigelow in „Carouselwendet sich Daniel Schmutzhard als Peter I. wieder der Oper zu. In der Paraderolle des aufgeblasenen wie inkompetenten Bürgermeisters van Bett kehrt Lars Woldt an die Volksoper zurück. Für die Neuproduktion zeichnet Hinrich Horstkotte verantwortlich, der hier zuletzt als Regisseur, Bühnen- und Kostümbildner die Strauß-Operette „Eine Nacht in Venedig“ und Leo Falls „Madame Pompadour“ gestaltete. Am Pult des Volksopernorchesters steht Christof Prick. Premiere ist am 13. Oktober.

Zum 100. Geburtstag von Leonard Bernstein bringt die Volksoper mit Wonderful Town ein Stück Broadway nach Wien. Bernstein komponierte das Musical 1953 als beschwingte Hommage an New York. Dabei diente das turbulente Greenwich Village immer wieder als Inspiration für das musikalische Universalgenie. „Wonderful Town“ erzählt die typisch amerikanische Geschichte der Schwestern Eileen und Ruth, die aus dem provinziellen Ohio in die Stadt der unbegrenzten Möglichkeiten kommen, um ihr Glück zu finden. Die Europäische Erstaufführung des Stücks fand 1956 an der Volksoper statt. In der Neuproduktion dirigiert James Holmes das Orchester der Volksoper, Sarah Schütz singt Ruth, Olivia Delauré Eileen und Drew Sarich den scheuen Redakteur Robert Baker. Die Regie liegt in Händen von Matthias Davids. Premiere ist am 9. Dezember.

Seit Jahrhunderten faszinieren Puppen und mechanische Wesen, die menschliche Handlungen imitieren. Mit dem Libretto zum Ballett Coppélia griffen Charles Nuitter und Arthur Saint-Léon, der auch die Originalchoreographie erstellte, diese Thematik auf. Das von E. T. A. Hoffmanns Erzählung „Der Sandmann“ inspirierte Werk gehört seit der Uraufführung 1870 in Paris zu den absoluten Höhepunkten im Standardrepertoire des klassischen Balletts. Pierre Lacotte – gefeierter Spezialist für die Restaurierung großer Klassiker der Choreographie – nahm sich des Werkes an und ergänzte bei dieser Gelegenheit 1973 die turbulente Geschichte rund um den unheimlichen Magier und seine Puppen um das letzte Bild, das 1872 gestrichen worden war. Natascha Mair, Solotänzerin des Wiener Staatsballetts, verwandelt sich in die Puppe Coppélia. Simon Hewett, der zuletzt für das Wiener Staatsballett „Peer Gynt“ an der Staatsoper dirigierte, gibt nun sein Hausdebüt an der Volksoper. Premiere ist am 27. Jänner.

Hits wie „Summertime“ und „I Got Plenty O‘ Nuttin“ sind zu absoluten Klassikern des Jazz geworden. George Gershwin, der in diesem Jahr seinen 120. Geburtstag feiern würde, komponierte die hinreißenden Arien für seine „Folk Opera“ Porgy and Bess. 1935 im New Yorker Alvin Theatre uraufgeführt, wurde die Geschichte des Bettlers aus der Catfish Row und seiner Angebeteten zu einem Meilenstein der Oper des 20. Jahrhunderts. Nun kommt „Porgy and Bess“ in einer konzertanten Aufführung unter der Leitung von Joseph R. Olefirowicz wieder einmal auf die Bühne der Volksoper. In der Rolle der Bess ist Ensemblemitglied Melba Ramos zu hören. Morris Robinson und Lester Lynch geben als Porgy und Crown ihre Volksoperndebüts, Ray M. Wade Jr. ist als Sportin‘ Life zu erleben. Premiere ist am 10. Februar.

In Riga, wo Richard Wagner als Musikdirektor angestellt war, lernte er durch Heinrich Heines „Memoiren des Herren von Schnabelewopski“ die Sage vom Fliegenden Holländer kennen und war begeistert von der romantischen Schauergeschichte. Als er seine Anstellung verlor, begab er sich auf die Flucht vor seinen Gläubigern, die er wieder einmal nicht bezahlen konnte. Das Schiff geriet auf seiner mehrwöchigen Fahrt nach England in einen schweren Sturm, und die Reise inspirierte Wagner zum Libretto und der Komposition des „Fliegenden Holländers“. Kommenden Frühling inszeniert Aron Stiehl die romantische Oper, die seit 1908 nicht mehr an der Volksoper aufgeführt wurde, mit Volksoperndebütant Markus Marquardt als Holländer, Stefan Cerny als Daland und Meagan Miller als dessen Tochter Senta. Marc Piollet steht am Dirigentenpult des Volksopernorchesters. Premiere ist am 9. März.

Powder Her Face: Ursula Pfitzner als Herzogin. Bild: © Johannes Ifkovits/Volksoper Wien

Zar und Zimmermann: Daniel Schmutzhard als Peter I. Bild: © Johannes Ifkovits/Volksoper Wien

Meine Schwester und ich: Mara Mastalir als Dolly und Prinzessin Saint-Labiche. Bild: © Johannes Ifkovits/Volksoper Wien

Ein Volksoperndebüt feiert Ralph Benatzkys musikalisches Lustspiel Meine Schwester und ich. Parallel zu seinen großen Revue-Operetten befasste sich der vielseitige Komponist mit der Entwicklung eines „neuen“ Genres, der Kammeroperette. So wurde im März 1930, wenige Monate vor dem spektakulären „Weißen Rössl“ und ebenfalls in Berlin, die charmante Komödie um das Ver- und Entlieben eines ungleichen Paares uraufgeführt. Das Herz des Dichterkomponisten Benatzky gehörte fraglos mehr dem letztgenannten Werk, wie er seinem Tagebuch anvertraute: „… die Premiere, die Presse und die Stimmung über das Stück ein Riesenerfolg, wie ich ihn noch nie in dieser bedingungslosen Anerkennung hatte.“ In der Regie von Direktor Robert Meyer schlüpft Mara Mastalir in die Rolle der hinreißenden Dolly, Lukas Perman spielt ihren Ehemann Dr. Roger Fleuriot. Die musikalische Leitung übernimmt Guido Mancusi. Premiere ist am 6. April.

Das ausschweifende Sexleben von Margaret Campbell, Duchess of Argyll, ihre Verschwendungssucht und Exzentrik sind in England legendär. Nie sah man sie ohne schwarzen Pudel und eine dreifach um ihren Hals gelegte Perlenkette. Vor allem aber war ihr zweiter Scheidungsprozess einer der größten Skandale der britischen Rechtsgeschichte. Hier wurde sie wegen „Promiskuität mit 88 Männern“, teilweise gar auf Polaroid dokumentiert, schuldig gesprochen. Dass ihr Mann von ihrem Geld lebte, seine Frau schlecht behandelte und selbst jede Menge Liebschaften hatte, interessierte hingegen niemanden. Der Londoner Komponist Thomas Adès setzte der skandalumwitterten Duchess of Argyll, am Haus gespielt von Ursula Pfitzner, in seiner ersten Oper Powder Her Face ein musikalisches Denkmal. Die Inszenierung der Volksoper im Kasino am Schwarzenbergplatz übernimmt der junge deutsche Regisseur Martin G. Berger, Lorenz C. Aichner dirigiert das Orchester der Volksoper Wien. In den weiteren Rollen sind Julia Koci, David Sitka und Bart Driessen zu erleben. Premiere ist am 13. April.

Wer kennt sie nicht, die Geschichten von Peter Pan, dem Jungen, der auf der Insel „Nimmerland“ niemals erwachsen wird? Ballettmeisterin Vesna Orlic erweckt ihn, seine drollige Feenfreundin Tinker Bell und seinen Gegenspieler Captain Hook mit ihrem Ballett „Peter Pan“ zu neuem choreografischen Leben und entführt das Publikum in das Reich der Fantasie. Als musikalische Grundlage wählte sie Kompositionen von Erich Wolfgang Korngold, Max Steiner, Guido Mancusi und anderen. Am Pult des Volksopernorchesters steht Wolfram-Maria Märtig. Wie sagte doch Peter Pan in der Kindergeschichte von James Matthew Barrie selbst: „Ich bin die Jugend, ich bin die Freude“ – es könnte kein besseres Motto für das Ballett geben. Die Uraufführung ist am 11. Mai.

Als Wiederaufnahmen kehren Puccinis Der Mantel/Gianni Schicchi, der Ballettabend Märchenwelt Ballett, Mozarts Don Giovanni (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=16042) und das Musical Der Mann von La Mancha (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=15433) auf den Spielplan zurück. Und nach neun Jahren Pause steht Orpheus in der Unterwelt, die fulminante Eröffnungsproduktion der Direktion Robert Meyer, mit fast vollkommen neuer Besetzung wieder auf dem Programm. Erneut mit dabei ist der Hausherr als Styx, der einstige „Prinz von Arkadien“. Vincent Schirrmacher, Martin Winkler, Carsten Süss und Rebecca Nelsen geben ihre Rollendebüts als Pluto, Jupiter, Orpheus und Eurydike. Chris Lohner ist die personifizierte Öffentliche Meinung, Guido Mancusi dirigiert. Wiederaufnahme ist am 2. Juni 2019.

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13. 4. 2018

Osterfestival Imago Dei 2018: Das Programm

März 5, 2018 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Musik unter dem Motto „Nacht & Träume“

Klangraum Krems Minoritenkirche. Bild: Sascha Osaka, Osterfestival Imago Dei

In den Wochen vor Ostern und in der Karwoche wird der mittelalterliche Klangraum Krems Minoritenkirche wieder zum Gastgeber eines Frühlingsfestivals, das mit einem vielfältigen Programm Themen dieser besonderen Zeit des Jahreskreislaufes beleuchtet: Das Osterfestival Imago Dei lädt mit Musik aus verschiedenen Epochen und Ethnien, mit Literatur, Film und Diskurs dazu ein, selbst ein wenig innezuhalten und sich auf vielfältige Weise inspirieren zu lassen.

2018 steht das Festival unter dem Thema „Nacht & Träume“. Die Nacht ist als Zeit der Ruhe und Geborgenheit, der Sehnsucht und Liebe, der Geheimnisse, Fantasien und Träume seit jeher eine Inspirationsquelle für Literatur, Kunst und Musik.  Nacht bedeutet aber auch Fremdheit, Einsamkeit, Angst und Gefahr.  Diese Empfindungen versucht das Osterfestival Imago Dei mit Werken von der Antike über die Romantik bis zu den Klängen unserer Zeit einzufangen. Lesungen, Podiumsgespräche und ein Film ergänzen das musikalische Programm, das den Klangraum Krems Minoritenkirche, seine besondere Akustik, seine räumliche Eigenheit und spirituelle Atmosphäre auf vielgestaltige Art erfahrbar macht.

Bild: Chor Ad Libitum

Huelgas Ensemble. Bild: Melle Meivogel

Zur Eröffnung (9.3.) lässt der Grazer Chor Ad Libitum Chorwerke von Heinrich Schütz, Gustav Mahler, Johannes Brahms und Arvo Pärt erklingen, Katharina Stemberger liest dazu Texte von Meister Eckhart, S.M. Coleridge, Christine Lavant und anderen, die den Traum vom Leben und die Sehnsucht nach Frieden thematisieren. Unter dem Titel „Nocturne“ interpretiert das Minetti-Quartett Streichquartette von Joseph Haydn, György Ligeti und Franz Schubert (10.3.). An zwei Abenden führen Okzitanische Lieder aus 1000 Jahren mit dem Ensemble Organum (16.3.) und musikalische Annäherungen an die Musik und Poesie der antiken Dichterin Sappho durch die MusikerInnen von Constantinople und die Sängerin Savina Yannatou (25.3.) in fremde, fast vergessene Kulturen. Das Huelgas Ensemble und das Minguet Quartett verbinden Wolfgang Rihms Komposition „Et Lux“ und Gesualdos Responsorien (24.3.). Das Vokalensemble SoloVoices lädt mit Karlheinz Stockhausens wegweisendem Werk „Stimmung“ zu musikalischen Meditationen ein (16.3.). Marino Formenti und Jorge Sánchez-Chiong lassen sich von Robert Schumanns Fragmenten zu neuen Werken inspirieren (30.3., Uraufführung).

Das legendäre New Yorker Ensemble Bang On A Can All-Stars (17.3.) spielt in „Traumsequenzen“ Kompositionen aus klanglichen Feldforschungen von Steve Reich, Christian Marclay u.a. Der Künstler und Komponist Steve Bates und sein Black Seas Ensemble setzten sich mit halluzinatorischen Erfahrungen im musikalischen Zusammenhang und deren Inspirationskraft auseinander (23.3., Uraufführung). Ebenso eine Premiere ist das interdisziplinäre Projekt „My Favorit Nightmare“ von Renald Deppe, das Klänge mit live gemalten Bildern des iranischen Malers Shaahin Norouzi verbindet (29.3.). Das Festival mündet am Ostermontag schließlich in einem lebensfrohen Konzert von Les Musiciens de Saint-Julien mit schottischen Weisen und Tänzen aus dem Barock und Rokoko (2.4.).  Außerdem werden der Philosoph Robert Pfaller (23.3.), der Autor Rüdiger Safranski und der Publizist und Historiker Wolfgang Kos (10.3.) mit Lesungen und Gesprächen das Thema „Nacht & Träume“ näher beleuchten.

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5. 3. 2018

Volksoper: Der Opernball

Februar 18, 2018 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Charmelos statt schamlos

Kristiane Kaiser als Angelika, Sieglinde Feldhofer als Helene, Ursula Pfitzner als Margarete, Helga Papouschek als Palmyra, Kurt Schreibmayer als Theophil, Marco Di Sapia als Paul, Almira Elmadfa als Henri und Carsten Süß als Georg. Bild: © Barbara Pálffy / Volksoper Wien

Gleich zu Beginn wird der running gag via Bühnenansage verkündet: Weil die Staatsoper heuer auslässt, findet „Der Opernball“ in der Volksoper statt. Nun, gar so stolz braucht man auf die Neuerwerbung nicht zu sein. Axel Köhlers Inszenierung, die die ursprünglich in Paris stattfindende Handlung nach Wien verlegt, wirkt eher wie ein ziemlich ordinäres Gschnas.

Vor allem im zweiten Akt nahmen Köhler und seine Ausstatter Timo Dentler und Okarina Peter die Übersiedlung vom Haus am Ring an den Gürtel allzu wörtlich, und zollten der ehemals sündigen Meile mit einem seltsamen Etablissement Tribut. Doch selbst hier geht’s statt schamlos nur charmelos zu. Es ist erstaunlich, das sonst so elegant frivol agierende Volksopern-Ensemble darstellerisch so hilflos zu sehen.

Aber der Reihe nach. Hebt sich der Vorhang, sieht man etwas, dass ein elegantes Wiener Loft sein soll, tatsächlich aber wie die Innenausstattung eines Luxusdampfers anmutet. Durch ein Bullauge ist das Riesenrad – und damit Wien – zu erkennen. In dieser Pappenstiel’schen Wohnung treffen nun neben dem Besitzerehepaar die Wimmers, die Schachtelhubers, deren Neffe Henri und Haushaltshilfe Helene aufeinander. Die Herren haben Amouren im Kopf, die Frauen stellen Fallen in Form von rosa Dominos. Billetten laden zum Ball, das Verwirr- und Verwechslungsspiel beginnt: „Gehen wir ins Chambre séparée“ …

Die musikalische Nummer vom One-Hit-Wonder Richard Heuberger. Mehr als diesmal wär‘ aber allemal drin gewesen, doch mangelt es der Regie völlig an Ideen (außer, dass man E-Mails auf Laptop und Handy liest), sei’s Ironie oder auch die Möglichkeit für Parodie. So holpern man hölzern durch den ersten Akt, der gefühlt viel länger ist, als die Uhr hergibt. Danach Nachtclub mit Pinups und Kojen fürs Tête-à-Tête, die wie weibliche Rundungen aussehen. Aus einem „Erlebniskeller“ strömen SM- und Crossgenderpärchen. Das hat mit Opernball so viel zu tun, wie Schnellimbiss mit Haubenrestaurant. Für den dritten Akt geht es zurück auf den Dampfer. Der nimmt nun zwar etwas Fahrt auf, als sich die Verwicklungen entwirren, doch insgesamt ist kaum mehr was zu retten.

Vor dem „Chambre séparée“: Ursula Pfitzner als Margarete, Sieglinde Feldhofer als Helene und Carsten Süß als Georg: Bild: © Barbara Pálffy / Volksoper Wien

Das gilt auf fürs Musikalische. Dirigent Alfred Eschwé beginnt zwar fröhlich-schmissig, doch irgendwann hat er beschlossen, es nur noch krachen zu lassen. Lyrische Momente gehen ihm komplett unter. Unter den Solistinnen und Solisten erfreuen Amira Elmadfa als Henri mit ihrem schönen Mezzo und ihrer Spielfreude, Sieglinde Feldhofers silbrig glänzender Sopran als quicksilbrige Helene und Marco Di Sapia, der als Paul Wimmer auch für Komödiantik sorgt.

Der übrige Cast (Kristiane Kaiser, Carsten Süss, Ursula Pfitzner, Martina Dorak) bleibt blass, Boris Eder, als Oberkellner Philipp ein aufgelegtes Gustostückerl, lässt man erst gar nicht ins Spiel kommen. Erfreulich ist ein Wiedersehen mit den Volksopern-Urgesteinen Helga Papouschek und Kurt Schreibmayer als Palmyra und Theophil Schachtelhuber. Am Ende gab es freundlichen Applaus ohne große Bravo-Rufe, für die Regie ein paar kräftige Buhs.

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  1. 2. 2018

Volksoper: Die Räuber

Oktober 15, 2017 in Klassik

VON MICHAELA MOTTINGER

Zurücklehnen und genießen

Die dunkle Seite der Macht – Karl inmitten seiner Räuber: Vincent Schirrmacher mit dem Chor. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

An der Volksoper gibt es zum zweiten Mal seit 1963 eine Inszenierung von Verdis „Die Räuber“ zu erleben – und die Inszenierung krankt vornehmlich an zwei Dingen: An der immer noch verwendeten deutschen Fassung von Hans Hartleb, die so hanebüchen Reim‘-dich-oder-ich-fress‘-dich daherkommt, dass es einem ein Graus ist. Und an dem vollkommen fehlenden Willen zur szenischen Gestaltung des Abends.

Regisseur Alexander Schulin dachte sich offenbar „Zurücklehnen und genießen“, denn dieses kann man mit Dirigent Jac van Steen wunderbar tun. Augen zu und durch! Verdi komponierte „Die Räuber“ 1847 nach Friedrich Schillers gleichnamigen Sturm-und-Drang-Drama für das Haymarket Theatre in London. Bei einem Kuraufenthalt im Veneto fasste er den Entschluss, sich des Stoffes anzunehmen; die Idee dazu entstand wohl in Gesprächen mit seinem Freund Andrea Maffei, der sein Kurgenosse war und Schillers Stück ins Italienische übersetzt hatte. Verdi, der eine Vorliebe für explosive Vater-Kind-Beziehungen hatte, fand Gefallen an der Geschichte rund um den Konflikt des ungleichen Brüderpaars Karl und Franz Moor. Bei der Uraufführung am 22. Juli des Jahres stand der Komponist selbst am Dirigentenpult, die Aufführung wurde zum Triumph.

Das „Melodramma tragico“ des Meisters ist noch ganz dem Belcanto verpflichtet, dies der ausdrückliche Wunsch der britischen Auftraggeber, lässt aber bereits seine späteren Werke erahnen. Entsprechend verbreitet das Orchester der Volksoper unter van Steen keinerlei Italianitá. Man setzt auf Heftigkeit und Kraft, und beides tut der Theatralik der Oper gut. Van Steen versteht Verdis Theaterinstinkt und dessen Abzielen auf größtmögliche Wirkung. Er spannt die Rezitative wie eine Feder für den folgenden Gefühlsausbruch.

Maximilian, Graf von Moor, ist erschüttert über die Intrigen seines Sohnes Franz: Kurt Rydl und Boaz Daniel mit David Sitka als Herrmann. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Amalia leidet unter dem Treiben im Schloss: Sofia Soloviy und Boaz Daniel mit dem Chor. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Er versteht die Vaterfigur des Maximilian, Graf von Moor, gleich wie in „Rigoletto“ oder „Don Carlo“ als den Kern der Melodieschöpfung, und ergo das Duett Amalia/Franz als erotisch und leidenschaftlich, das von Amalia und Karl aber als keusch und bereits himmelwärts gewandt. Verdis Oper endet lapidar mit Amalias Tod von Karls Hand und mit dessen Ausruf: „Und nun zum Schafott!“ Der Chor, Einstudierung: Holger Kristen, ist van Steen die dunkle Seite der Macht – und wie immer an der Volksoper grandios. Das Brüderpaar verkörpern Vincent Schirrmacher als Karl und Boaz Daniel als Franz.

Schirrmacher ist ein Sänger und Schauspieler, wie ihn sich jedes Opernhaus nur wünschen kann. Der Tenor, dessen Stimme sich früher für das italienische Fach als bedingt geeignet erwies, „dreht voll auf“, wenn man’s so flapsig sagen darf, setzt ganz auf die dramatische Verzweiflung seiner Partie – und überzeugt kraftvoll und verwegen gesanglich auf ganzer Linie. Boaz Daniel, seinerseits in der Staatsoper so was wie der „Mann für alle Fälle“, liefert einen korrekten Franz ab. Sein Bösewicht besticht durch seine Trockenheit; Gefühle sind diesem Teufel fremd. Kurt Rydl hat als Maximilian einen „dunklen Abend“.

Er fokussiert seine Stimme auf das Leid seiner Figur, und mit rauem Timbre und merklichem Vibrato gestaltete er einen Vater, der einsehen muss, mehr als eine falsche Lebensentscheidung getroffen zu haben. Die beste Leistung bietet die ukrainische Sopranistin und Hausdebütantin Sofia Soloviy als Amalia, der gefürchteten Jenny-Lind-Partie, von Verdi der „schwedischen Nachtigall“ auf den Leib geschrieben – und angeblich der Grund für die seltene Aufführung der Oper. Soloviy geht durch diesen Mythos ohne Schaden zu nehmen. Sie hat italienisches Timbre, versteht es, klar zu phrasieren und kann ihre Stimme in höchste Höhen schrauben. Als Hermann und Roller ergänzten David Sitka und Christian Drescher achtbar die Riege der Solistin und der Solisten.

Karl will seinen von Franz in den Tod getriebenen Vater rächen: Kurt Rydl und Vincent Schirrmacher. Bild: © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Was nun die Optik betrifft, hatte Alexander Schulin wenig Einfälle. Nichts ist hier so effektvoll wie die Musik. Das Vorspiel wird ihm zum Celloabend von Roland Lindenthal im Hause Moor. Danach bestimmt ein schwarzer Kubus von Bettina Meyer die Bühne. Er kann sich um die eigene Achse drehen und stellt – siehe Interview im Programmheft – die Innenwelten dar. Die im Schloss und die seelischen. So viel zum Raumkonzept, ah ja, die Bäume im Wald sind Neonröhren. Dazu passen die historisierenden Kostüme von Bettina Walter nicht.

Personenführung gibt es de facto keine. Sämtliche Bewegungen der Solisten und des sonst so spiel- und rollengestaltungsfreudigen Chores sind vorhersehbar (furchtbar, wie Franz mit in der Luft zappelnden Beinchen stirbt); dass Rydls alter Moor auch der Pfarrer Moser ist, fällt nicht weiter auf, man denkt, ein Greis im Nachtgewand … Alle Gesten wirken wie aus den anno-anno-Jahren, als man Opernsängern vorwarf, gerade mal drei Handbewegungen zu beherrschen. Wie Stewardessen beim Erklären des Befindens der Notausgänge.

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  1. 10. 2017