Herz & Hirn II: Gunkl & Walter im Gespräch

November 11, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Mit dem Publikum wie im Wohnzimmer sitzen

Gunkl & Walter. Bild: Robert Peres

Gunkl & Walter sind mit ihrem neuen Programm unterwegs. Das heißt „Herz & Hirn II“ (Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=30094) und handelt von Ziegengöttern, dem Langzeitgedächtnis von Fliegen – und ist ein einziges Verplaudern. Ein Gespräch über eigentlich eh alles:

MM: Mit Ihrem Programm „Herz & Hirn II“ wollen Sie vom Publikum neben aktivem Zuhören auch aktives Mitreden. Ist das schon einmal passiert?

Gunkl: Jaja. Immer wieder stellen Leute Fragen, die wir versuchen im Rahmen unserer Möglichkeiten zu beantworten. Das ist ja Teil zwei unseres Programms, und schon bei Teil eins war es so, Mitreden ist also sozusagen Programm. Ich habe den Eindruck, die Menschen sind froh, mitreden zu können, und das tun sie in einem sehr angenehmen Rahmen. Wir bemühen uns, bei aller Klarheit, die wir zu gewissen Dingen haben, nett zu sein, den Abend nett zu gestalten, und die Menschen genießen das auch, dass wir ein Gärtchen bereitstellen, an dem es möglich ist, sich zu beteiligen. Das ist ein Unterschied zum Rausblöken all dessen, was einem am Oarsch geht, Hass und Galle unters Volk zu bringen, dieses sich Einbringen.

Gerhard Walter: Was ich immer wieder höre, ist, dass die Leute das Gefühl haben, sie würden mit uns im Wohnzimmer sitzen. Das ist schön, wenn wir das vermitteln. Es ist ja für uns auch interessant, dass durch die Beteiligung des Publikums der Abend auch für uns immer wieder neu ist. Wir wissen nie, in welche Richtung sich das Ganze entwickelt. Natürlich gibt es im Hintergrund ein Ding, das man in der geistigen Lade hat, aber das ist nicht zwingend. Einmal ist vom vorbereiteten ersten Teil vor der Pause nichts übriggeblieben …

Gunkl: Da war der Abend freie Gestaltung.

MM: Sie geben auch gleich zu Beginn das Verplaudern als wesentlichen Bestandteil Ihrer Doppelconférence vor. Wie kommen Sie auf Themen, wo schränken Sie ein, und wie rot ist der Faden tatsächlich?

Gunkl: Wir treffen uns im Kaffeehaus und plaudern, und dann sind wir, was die Gespräche so angenehm macht, sehr schnell auf einer Ebene, von der aus wir die Grundlagen betrachten, nicht die Ereignisse selbst. So kann man weiter ausholen und tiefer gehen.

Walter: Obwohl uns einiges trennt, nämlich die Art der Wahrnehmung von Dingen in der Wirklichkeit, sind wir einander in dem, was wir wahrnehmen, ähnlich. Die Tankstellen-Plüschkängurus, über die wir scherzen, die fallen uns beiden auf. Oder das unfreiwillige Mitnehmen einer Fliege im Auto.

MM: Das habe ich mich – mit schlechtem Gewissen – auch schon gefragt: Was denkt sich eine Fliege, wenn sie unfreiwillig mitgenommen wird, und plötzlich in Melk landet? Wartet dann die Fliegenmama daheim umsonst mit den Knödeln?

Gunkl: Diese Anteilnahme des Publikums ist wirklich erfreulich. Uns sind aber auch schon einige Dinge, die wir im Programm hatten, abmontiert worden. Zum Beispiel der altsumerische Ziegengott, auf den man trifft, wenn er die Himmelstür öffnet. Sagt einer aus dem Publikum in Tulln: „Die Sumerer hatten keine Jenseitsvorstellung.“ Das ist gut! Jetzt ist er halt ein altphrygischer Ziegengott. Und mit der Fliege: Unlängst in der Kulisse kam eine junge Dame auf uns zu und meinte, es sei so, dass Fliegen ein Gedächtnis von einer Sekunde haben. Somit kann ich auch Ihr schlechtes Gewissen beruhigen, die Fliege denkt sich genau nichts. Erstaunlich finde ich, dass bei so vielen unserer Themen, die völlig daneben sind, die Leute sich trotzdem geistig einfädeln.

Walter: Das schafft ein Miteinander, „Herz & Hirn“ ist ein gemeinsames Ding, und wenn wir uns manchmal irren, na, dann lassen wir uns gern verbessern.

MM: Im Gegensatz dazu, dass Kabarett mitunter mit dem erhobenen Zeigefinger daherkommen kann, indem der Künstler „von oben herab den Deppen unten“ erklärt, was Sache ist. Dieser Falle entgehen Sie.

Gunkl: Natürlich muss man etwas zu sagen haben, wenn man auf eine Bühne geht, ohne dem geht’s nicht. Aber grundsätzlich ist die Idee des Austausches etwas sehr Schönes. Ich mag Kabarett nicht sehen, in dem eine ideendichte Wagenburg aufgebaut wird, ein Sitzkreis mit Schulterklopfen, in den von außen nichts eindringen kann, mit der Aussicht, dass der Abend völlig ergebnisfrei ist, außer, dass man sich noch mehr der Gruppe zuwendet, der man ohnedies schon angehört. Dies in der Annahme, außen ist es ungut, aber innen ist die Welt in Ordnung. Wenn man sich dazu aufschwingt, dass einem Leute zuhören sollen, muss man ihnen sagen, schaut’s euch das an, und nicht a priori vermitteln, es ist eh alles schlecht. Der andere ist eben anders, und er hat auch das Recht, anders zu sein.

Walter: Was genau das ist, was uns verbindet.

MM: Wo sind Sie anders? Beim Sport ist mir aufgefallen.

Walter: Wenn man’s auseinanderteilen möchte, ja, in der Betrachtung. Zum aktiven Sport haben wir beide keine Empirie. Ich bin jemand, der gern zwischen Situationen hin- und herwechselt.

Gunkl: Wo ich mir schon denke: Oida …

MM: Sie der Springer, Sie der Turm?

Walter: Das ist vielleicht ein bisschen zu kantig gedacht, es ist ja kein Kampf von Wattebausch gegen Rechenschieber. Aber prinzipiell stimmt’s.

Gunkl: Gerhard hat diese grundsätzliche Bereitschaft, in Situationen hineinzugehen. Für mich ist das möglich, aber nicht das Ziel. Das ist das Andere. Für mich ist die Situation manchmal halt auch, aber ich suche sie nicht, ich schaue eher, dass ich außen entlangkomme.

Walter: Wir beide ärgern uns wenig über Dinge in unserem persönlichen Umfeld; bei Politik und Gesellschaftlichem ist das im Gegenteil nicht so. Wir sind beide Menschen, die mit anderen ganz gut auskommen, und wenn ich aber den Fernseher aufdrehe und sehe, wie da der eine gegen den anderen ausgespielt wird, denke ich mir, wovon reden die und was genau ist das Problem?

Gunkl & Walter. Bild: Robert Peres

MM: Sie waren zuerst Freunde, bevor Sie gemeinsam auf die Bühne gegangen sind. Wie sind Sie aneinander geraten?

Walter: Ich habe damals begonnen, Kabarett zu spielen, und war Zivildiener bei der Caritas. Dort war auch Toni Matosic von Monti Beton, und den habe ich gefragt, ob er jemanden kennt, mit dem ich reden kann – und er hat mir die Nummer vom Gunkl gegeben.

 

Gunkl: Wir haben uns dann zu dritt getroffen, und seither sind wir befreundet. Ich kannte Toni noch, aus der Zeit, als ich Kellner im „Roten Engel“ war …

MM: Und wie ist es für Sie, mit einem zweiten auf der Bühne zu agieren?

Gunkl: Das kommt sehr auf den zweiten an. Mit Gerhard Walter ist es wunderbar, weil keiner von uns gegen den anderen gewinnen will. Wir wollen einen guten Abend gewinnen, das ist das Spielziel, und wer mehr Wuchtln bringt oder sie dem anderen wegschnappt, das gibt es nicht.

MM: Ihre 13 Prozent Asperger halten die Nähe aus.

Gunkl: Wenn es in einer Struktur ist, kann ich mit anderen durchaus. Ich muss nicht Leuchtturmwärter sein, ich bin ja beruflich immer mit Menschen zugange, nämlich mit denen, die jenseits der Bühnenkante sitzen, und da gibt es eine Struktur, und da kenne ich die Abläufe und die Zielsetzungen und die Methoden. Und wenn ich mit jemandem auf der Bühne sitze, der das auch so kennt und versteht und in der Lage ist zu praktizieren, dann ist es wunderbar. Wenn ich mit jemandem auf der Bühne wäre, von dem ich von einem Tag auf den anderen nicht weiß, wie er drauf ist, der plötzlich eine Devotierungsnummer oder eine Flagellantenpartie abhält, das wäre für mich sehr unangenehm. Da würde ich mir denken, ich mach’s lieber allein.

Walter: Gunkl ist sogar ein sehr umgänglicher Mensch innerhalb der Struktur, die er sich geschaffen hat. In 18 Jahren Freundschaft kann ich mich da nicht beklagen. Bei ihm hat das Menschliche eine Ordnung, es hat einen Rahmen innerhalb dessen man mit ihm umgehen kann. Bei ihm erkennt man sofort, woran man ist, das ist mir lieber als die Raunzer …

Gunkl: … die darauf hoffen, dass sie sich irgendwann einmal selber glauben.

Walter: Ich denke, man lebt besser miteinander, wenn man nicht so viel raunzt. Es ist aber auch schwieriger, weil „fäuln“ ist leicht.

Gunkl: Man darf sich nie auf den selbstbehaupteten Anspruch moralischer Überlegenheit begeben, quasi sagen, man ist besser als die Welt. Das bringt genau überhaupt nichts, außer einem Gefühl der Rechtschaffenheit, das nirgendswo validiert wird, außer in meinem Gefühl. Also renne ich ständig irgendwo an, wodurch ich mich nur bestärkt fühle in meinem Gefühl, und das führt zu Solipsismus, das granuliert zu kleinen Grüppchen, die alles andere, das nicht sie sind, schlecht finden, und sich dadurch gut behaupten.

MM: Von Ihnen stammt der Satz „Wer ohne Aber denkt, ist gefährlich“. Wo setzen Sie bei sich ein Aber an?

Gunkl: Permanent. Man muss wissen, dass das Aber immer wieder akut werden kann. Man muss nur wissen, was man vor und hinter das Aber stellt. Die Situationen, wo man ohne Aber auskommt, sind ganz selten, da muss man wissen, dass das ein Sonderfall von Erlebnis ist.

Walter: Genau. Das betrifft auch die Geschichte von den Toronto Maple Leafs, die ich erzähle, in der die Fans vor einem Spiel die US-Hymne fertiggesungen haben. Da denke ich mir, so wäre es schön, Beistrich: aber, so ist es nicht. Das ist die Peilung, wo wir hin sollten. Natürlich, wenn dir einer den letzten Parkplatz wegschnappt, ist die Peilung wieder weg.

Gunkl: Dazu ist mir als Tip des Tages eingefallen: Der Klügere muss nicht nachgeben, um sich als der Klügere zu erweisen, aber er darf in der Auseinandersetzung dem Dümmeren nicht die Wahl der Waffen überlassen.

MM: Apropos: Wahl der Waffen, warum gibt es in Österreich kein tagespolitisches Kabarett mehr? In Deutschland gibt es „Die Anstalt“, Urban Priol, Bruno Jonas … Warum interessiert das hierzulande niemanden?

Gunkl: Die Tragweite dessen, was österreichische Staatssekretäre gestern gesagt haben und morgen schon wieder wurscht ist, interessiert mich nicht. Ich finde, wie gesagt, Grundlagen viel interessanter als die Ereignisse.

Walter: Das geht mir auch so. Der Inhalt ist bei politischen Geschichten immer wieder auch austauschbar. Im Moment, das muss ich schon zugeben, hat man den Eindruck, die Weltpolitik rutscht wohin, wo mir meine Verständnisinseln abhandenkommen. Man kann unterschiedlicher Meinung sein, nur die Art und Weise, wie respektlos das mittlerweile einander mitgeteilt wird, ist mir unverständlich. Aber ich kann mich nicht eine Woche zurückziehen, darüber nachdenken, und dann auf der Bühne etwas erwidern.

MM: Warum?

Walter: Die Zeit gibt es nicht mehr. Es gibt eine Wahnsinnsmeldung nach der anderen, und eine schlechte Meldung wird durch die nächste ersetzt, da kann man nicht in die Tiefe gehen. Ich habe es ab und zu schon probiert, aber es gelingt mir nicht, das in einen feinen, angenehmen, kabarettistischen Kontext zu stellen, ohne, dass mir der Hut durch die Decke schießt. Die Politik ist so neben die Bock, dass es schwer fällt, das zu toppen. Was soll man da noch drüberlegen?

Gunkl: Die Ereignisse sind so wuchtig, dass die Grundlagen überlagert werden. Wenn man erklärt, wie Trump funktioniert, interessiert das keine Sau, weil das, was er gerade gesagt hat, weil er eben so funktioniert, eine Konfettikanone an Komplettscheißdreck ist. Und als solches viel spannender.

Walter: Und Dinge, die so klar auf dem Tisch liegen, die muss man als Künstler nicht kommentieren. Die weiß ohnedies jeder.

MM: Wenn ich Ihnen so zuhöre, habe ich dennoch den Eindruck, Sie sind immer am Materialsammeln.

Gunkl: Sammeln nicht, es hüpft uns an.

Walter: Genau. Was wir in „Herz & Hirn II“ erzählen, ist nur ein Bruchstück dessen, was wir über Monate erarbeitet haben. Eigentlich ist „Herz & Hirn III“ auch schon fertig. Die Schwierigkeit bei Teil zwei war nur zu entscheiden …

Gunkl: … was spielen wir leider nicht.

MM: Gunkl, Sie bekommen am 26. November den Österreichischen Kabarettpreis überreicht. Ist das was?

Gunkl: Ja, Preise sind nichts, was man anstrebt, wenn man auf eine Bühne geht, aber man freut sich, wenn man sie bekommt. Ich habe also keinen „Na endlich!“-Gedanken. Meine liebste Preis-Entgegennahme wäre ja – was aber natürlich nicht passiert ist – der Oscar für Dustin Hoffman als „Rain Man“, wie er die Statue nimmt und sagt: „I would like to thank – nobody“.

MM: Wenn also nicht Preise, was streben Sie an?

Gunkl: Jeden Abend eine gute Vorstellung. Wenn man wirklich das große Glück hat, dass man diesen Beruf hat, dass man das, was man denkt und empfindet, vor Menschen, die einem zwei Stunden lang zuhören und dafür auch noch bezahlen, erzählen kann, wenn man das nicht, mit allem, was man ist und hat, macht, dann hat man den Beruf nicht verdient.

www.gunkl.at          www.gerhardwalter.at

11. 11. 2018

Alte Bibliothek – wortwiege wien: Maries Abschied

November 11, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Nie wieder die Stiefelknechtin sein

Das tägliche Leben: Doina Weber. Bild: Christian Mair

Achtlos hingeworfene Knopfstiefel, eine Hutschachtel voller Huldigungsschreiben, ein einzelner Handschuh – später wird man sehen, er ist mit Blut besudelt. Als hätte die Dame des Hauses ihr Boudoir gerade erst verlassen, derart haben Ausstatterin Lydia Hofmann und Kostümbildnerin Antoaneta Stereva für dieses Mal die Alte Bibliothek im Fürstenbergpalais gestaltet. Und tatsächlich ist es auch so. Gertrud ist gegangen. Für immer.

Die wortwiege, für den Winter vom niederösterreichischen Thalhof nach Wien übersiedelt, zeigt als zweite Produktion (nach „Chikago“, Rezension: www.mottingers-meinung.at/?p=30151) unter dem Titel „Maries Abschied“ einen Doppelabend nach Erzählungen von Marie von Ebner-Eschenbach. Regisseurin und Filmemacherin Anna Maria Krassnigg hat sich dafür die Texte „Das tägliche Leben“ und „Die Großmutter“ vorgenommen, auch deren Bühnenfassung ist von Krassnigg. Seit mehr als zwei Jahren beschäftigt sie sich nun schon mit dem Werk dieser ewig falsch, nämlich als gutsituiert-betulich, schubladisierten großen österreichischen Autorin – und dem entgegen ist „Maries Abschied“ eine wunderbare (Wieder-)entdeckung erstaunlich moderner Novellen, in denen die Freifrau ihrem sozialkritischen, gesellschaftspolitischen, emanzipatorischen Denken freien Lauf ließ.

Die Großmutter: Erni Mangold. Filmstill.

Die Großmutter: Roman Blumenschein. Bild: Christian Mair

Die Großmutter: Erni Mangold. Filmstill.

In Krassniggs Bearbeitung zeigt sich „Das tägliche Leben“ als zwar subtile, zwischen den Zeilen dennoch schonungslose Abrechnung mit der vorgeblich heilen Welt einer Großbürgersgattin. Schon der erste Satz ist im Wortsinn ein Pistolenknall: „Am Vorabend der silbernen Hochzeit eines allverehrten Ehepaares, die von einem großen Familien- und Freundeskreise festlich begangen werden sollte, erschießt sich die Frau.“ Doina Weber spielt diesen Monolog von Gertruds namenloser Freundin und Wegbegleiterin im „karitativen“ Engagement, die, die Hinterlassenschaft der Selbstmörderin durchsuchend, hinter den Grund für deren Tat zu kommen sucht.

Wie um die eigenen Gefühle zu schonen, berichtet diese Beobachterin mit einer seltsamen Distanziertheit, die man in der Literatur sonst meist nur von männlichen Protagonisten kennt, einmal schilt sie sich selbst mehr Pein als Mitgefühl zu empfinden, selten wirkt die Weber erschüttert oder erhitzt. Als Backgroundgeräusch ein Stimmengeflüster, ein Weinen und Wimmern aus dem Aufbahrungszimmer, schlüpft Doina Weber in verschiedene Charaktere. Den tumpen Ehemann, die bigotte Mutter, die zwischen Trauer um und Vorwürfe an die Tote wechselnden Töchter, die überheblichen Schwiegersöhne, den heiter polternden Arzt.

In diesen Szenen beweisen Krassnigg und Weber Ebner-Eschenbachs verqueren Humor, und wenn sich die Schauspielerin schließlich an eine alte Schreibmaschine setzt, ist klar, die Schriftstellerin selbst schildert hier die Familie. Deren hehres Bild bröckelt bald. Die Suizidentin, erfährt man, war nur in ihrer Außenwirkung stark, ihre wohltätigen Verpflichtungen als in Wirklichkeit feministische angedeutet. Daheim aber wurde sie klein und stumm und dumm gehalten, wurde nie als „Subjekt“ gesehen, sondern war stets nur Objekt für anderer Leute Begehrlichkeiten. Ein Seelenmülleimer für die Sorgen der Verwandten. Ebner-Eschenbach verwendet in ihren psychologischen Parabeln seit „Eine dumme Geschichte“ das Symbol der Frau als Stiefelknecht. Diese hier, so der Schluss der Ich-Erzählerin, wollte keine „Stiefelknechtin“ mehr sein und warf sich weg …

Das tägliche Leben: Doina Weber. Bild: Christian Mair

Im zweiten Teil setzt sich die Aufführung im Foyer fort, und für „Die Großmutter“, eine der prägnantesten, einprägsamsten Geschichten der Ebner-Eschenbach, verwenden Krassnigg und Christian Mair einmal mehr die von der wortwiege neu belebte Kunstform der Kinobühnenschau. Erni Mangold auf der Leinwand und Roman Blumenschein auf der Spielfläche treten mit einander in Dialog. Ihr inneres Erleben mit seiner Bühnenerzählung.

Sie am Donauufer, und dennoch bei ihm, vor dem zur „Pathologie“ umgewandelten Buchlager. Denn die alte Frau sucht ihren Enkel, der von der Arbeit als Flößer nicht nach Hause gekommen ist, und selbstverständlich brilliert die Mangold in der Darstellung dieser von bösen Ahnungen gequälten Resoluten. Welch ein Gesicht. Welch stille, schlichte Größe. Wie sie scheint’s ungern und zögerlich ihr rührendes Schicksal preisgibt. Wie sie den „noch guten“ Mantel ihres Enkels einfordert und an sich presst. Blumenscheins Arzt, der der Großmutter zunächst den Zutritt ins Institut verweigert, muss anerkennen, dass sie sich „dem Elend nicht unterwirft, sondern gegen es kämpft“. Ergo werden seine Gewissheiten über Leben und Tod und Trauer schon bald auf den Kopf gestellt sein …  „Maries Abschied“ ist ein ergreifender, mitreißender, ans Herz und Hirn gehender Theater- und Filmabend – und hoffentlich von der wortwiege und für ihr Publikum kein endgültiges Adieu von der Ebner-Eschenbach.

Nächste Spieltermine: 6. bis 8. Dezember; Trailer: vimeo.com/280377871

www.thalhof-wortwiege.at

  1. 11. 2018

Schauspielhaus Wien: Schlafende Männer

November 10, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Einsauen bis zur Ekelgrenze

Hier wird gekleckert, nicht geklotzt: Anton Widauer, Vera von Gunten, Sebastian Schindegger und Alina Schaller. Bild: © Susanne Einzenberger

Lässig lehnt Maria Lassnig an der Wand. Ihre Selbstporträts „Du oder ich“ und jenes „unter Plastik“, natürlich „Schlafende Männer“. Das Gemälde aus dem Jahr 2006 ist schließlich Namensgeber für Martin Crimps Stück, das Tomas Schweigen nun am Schauspielhaus Wien als österreichische Erstaufführung inszeniert hat. Bühnenbildnerin Giovanna Bolliger hat Zuschauertribüne und Spielfläche vertauscht, all the world’s a stage, und auf diese eine Atelierwohnung gestellt.

Manifeste über den heidnischen Menschen und die ursprüngliche Tragödie an den Wänden; Kunst fließt hier, später noch im Wortsinn, tropft von Gesichtern und Körpern, wenn sich das Darstellerquartett mit Joghurt und Gips, Blutfarbe und griechischem Salat einsaut – bis zur aktionistischen Ekelgrenze; das Leben dagegen stagniert. Dass an die Fensterschräge als Referenz Mike Nichols Geschlechterkampffilm, Liz Taylor und Richard Burton in „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“, projiziert wird, verweist auf die theatrale Zimmerschlacht, die hier gleich anheben wird.

Das Setting ist dasselbe, ein in die Jahre kommendes, gutsituiertes Ehepaar, Paul und Julia, er Musikproduzent, sie Kunsthistorikern, lädt ein junges ein. Josefine ist Julias neue Assistentin, deren Mann Tillman hat mit Möbeln zu tun, und ist ergo der einzige nicht künstlerisch tätige in der Gruppe. Die Vornamen sind die der Schauspieler der Uraufführung am Hamburger Schauspielhaus, Crimp-Intima Katie Mitchell hatte dort die Regie übernommen, und musste sich vom Feuilleton vorwerfen lassen, ihre „kältestmögliche Zurückhaltung“ hätte die Aufführung zur „Fischblütigkeit“ verdammt.

Das kann man Tomas Schweigen nicht anlasten, er greift in die Vollen. Mitten im Alsergrunder Boboville geraten ihm die Crimp’schen Figuren wie selbstverständlich zu jener Art von Bourgeoisie, die verzweifelt versucht, ihr letztes bisschen Bohème ins Arriviert-Sein zu retten. Vera von Gunten gibt die Julia mit ausreichend Schnepfigkeit und selbstverliebter Attitüde, die Frau ist schließlich ein Star auf ihrem Gebiet, Sebastian Schindegger spielt Paul in lustvoll-gebückter Demutshaltung, ein passiv-aggressiver Tropf, dessen Geltungsdrang längst erloschen ist. „Die meisten Leute in Pauls Alter, die versagt haben, sind verbittert, aber Paul ist frei von Bitterkeit“, sagt Julia.

Das sitzt. Und Paul ist nicht der einzige unterbutterte, auch der verhuschte, tanzbärig-dumpfe Tillman wird von der Gattin klein gemacht. „Wir haben darüber gesprochen, Kinder zu kriegen, aber das Kind dürfte nicht wie ich sein, es müsste sein wie Josefine, es müsste Josefines Augen haben und Josefines Mund und Hände, und es müsste ihren Verstand und Körper haben und Josefines Lächeln und Josefines gesamte Körpereinstellung, weil, ich bin nur ein Stück Scheiße“, so stellt er sich vor. Plaudertäschchen Josefine ist er unter den Kunstkollegen in erster Linie peinlich.

Von Gunten und Schindegger. Bild: © Susanne Einzenberger

Von Gunten, Schaller und Widauer. Bild: © Susanne Einzenberger

Schaller und Widauer. Bild: © Susanne Einzenberger

Zwischen absurder Komödie und psychologischem Kammerspiel entwickelt Crimp im Weiteren eine Horrornacht mit unklarem Ausgang. Wie Maria Lassnigs Bilder vor expliziter Sexualität strotzen, wie sie Machtstrukturen genussvoll aufbricht und ins Skurril-Surreale dreht, so zugeht’s auch im Stück. Es ist ein Erregungsfeuerwerk, und Schweigen bedient Crimps expressiven Humor aufs beste, etwa, wenn der angesäuerte Paul Rudolf-Schwarzkoglerisch an seinem Salatgurken-Penis herumsäbelt und Paradeiser auf seiner Stirn zertrümmert.

Julia ist nämlich Expertin für Wiener Aktionismus, und knapp vor dem Aus laufen an den Seiten Videos, die Schauspieler in Günter Brus‘ Kopfbemalungs-Pose oder in Otto-Muehl-Aktionen zeigen. „So leben wir nicht“, ist Pauls Selbstversicherung, bevor er eine sexuelle Annäherung an Tillman wagt.

Die Pointen fliegen wie die Fäuste, es gibt Prügel mit der Plastikflasche, die unterschwellige Bereitschaft zu Gewaltakten bricht sich dank zunehmend Alkohol allmählich Bahn, das kennt man so auch von Yasmina Reza, doch Crimp legt keinen Wert aufs Well-Made-Play, er fordert das Publikum heraus mit seinen feministischen Diskurstheaterdialogen übers extrem schwache starke Geschlecht.

Gekonnt wechseln von Gunten, Schindegger, Schaller und Widauer von Exzess zu Konversationston, vor allem von Gunten als obskure Strippenzieherin treibt mit ihrem zwischen Hysterie und Hochmut changierenden Spiel den Abend voran. Bis ein ominöser Marc anruft, er offenbar auch Maler mit gerade Ausstellung in den USA, und von Julia für ihre Karriere eine Auslöschung verlangt.

Zum Schluss – dies ein Spoiler – scheint sich die ganze Inszenierung höchst doppeldeutig als von Marc geschaffene Kunstinstallation zu enttarnen. Deren Ende ist ein Sprung aus dem Fenster. Mit Hausmacher-Aktionismus die eigene Existenz wieder provokant zu machen, hat für Julia und Paul nicht funktioniert. Tomas Schweigens Hommage an ebendiesen funktioniert als irrwitziges Bühnenschüttbild hingegen prächtig.

Trailer: www.youtube.com/watch?time_continue=2&v=Jga-YL95zGo

www.schauspielhaus.at

  1. 11. 2018

Kammerspiele: Acht Frauen

November 9, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Der Tod steht ihnen gut

Die Damen werden handgreiflich: Isabella Gregor, Marianne Nentwich, Susa Meyer, Silvia Meisterle, Swintha Gersthofer und Sandra Cervik. Bild: Sepp Gallauer

Suspense so geschmeidig in Chansons umzusetzen, das muss einem erst einmal gelingen. Franz Wittenbrink führt nun an den Kammerspielen der Josefstadt très français vor, wie’s geht. Er hat für Herbert Föttingers Neuinszenierung der Krimikomödie „Acht Frauen“ die Bühnenmusik komponiert. Mal darf frech gejazzt werden, mal eine zum Tango sinnlich sein, immer psychogrammatisch entlang des jeweiligen Typus und seiner besonderen Charakterzüge.

Die Damen des Ensembles beweisen solcherart nicht nur ihr schauspielerisches Können, sondern entpuppen sich als wahre Showtalente. Pauline Knof als ungebetener Gast Pierrette legt eine sexy Einlage hin, von der man nicht ahnte, dass derlei in der Charakterdarstellerin schlummert.

Der Inhalt von Robert Thomas‘ Text ist bekannt: Auf einem französischen Landsitz, abgelegen und eingeschneit, findet die Vorweihnachtsstimmung ein jähes Ende, als der Hausherr mit einem Messer im Rücken tot aufgefunden wird. Den „Acht Frauen“, Verwandten wie Bediensteten, erschließt sich bald, dass die Mörderin unter ihnen zu suchen ist. Jede hatte ein Sträußchen mit dem Verstorbenen auszufechten, Motive gibt es ergo genug, aber keine Alibis. So beginnt ein scheinheiliges Intrigenspiel, in dem scheinbar aufgeschreckte Hühner sich als skrupellose Erbschleicherinnen erweisen, tablettensüchtige Dramaqueens gegen eiskalte Königinnen der Nacht antreten, und mehr dunkle Geheimnisse ans Licht kommen, als der Mischpoche lieb sein kann.

Föttinger dämpft in seiner Arbeit den Schenkelklopfimpuls, der durchaus als Gefahr im Stück lauert. Zu sagen, er hätte daraus eine subtile Satire gemacht, wäre für den amüsanten, doch – nicht zuletzt aufgrund Ece Anisoglus uninspiriertem Grauen-Haus-Bühnenbild und Birgit Hutters elegant gestrigen Kostümen – etwas antiquiert wirkenden Abend wohl etwas viel. Doch der Regisseur kann sich auf seine Komödiantinnen verlassen, die wissen, wie sarkastisch geht, wie man Zwischentöne und Spitzen setzt und so Zwietracht sät. Föttinger gibt ihnen den Raum, sich in allen Facetten schillernd zu entfalten. Dass in seiner Interpretation die Fallhöhe vom vermeintlichen Familienidyll zur lügendurchtränkten Täterinnensuche gering ist, ist eine Entscheidung, die es anzunehmen gilt.

Das Verhältnis der Frauen untereinander ist von Beginn an ein brüchiges, die Worte zwischen ihnen fallen streitsüchtig und gereizt, es kommt nicht nur einmal zu Handgreiflichkeiten. Man ärgert sich über die Hysterie und Hypochondrie der anderen, vor allem aber über Mamys „Wunderheilung“. Als diese glänzt Marianne Nentwich. Die langgediente Josefstädterin ist von der Gaby, die sie in einer Aufführung 2004 noch spielte, zur Gabys-Mutter-Rolle avanciert, und sie macht sich sichtlich einen Spaß daraus, immer dann aus dem Rollstuhl zu hüpfen, wenn es Spannenderes zu tun gibt, als auf den Nerven der anderen spazieren zu fahren. Die Gaby ist nun Susa Meyer, die von gutbürgerlicher Hausherrin blitzschnell auf bitterböse und bissig umzuschalten weiß.

Silvia Meisterle als kesses Kammerkätzchen Louise. Bild: Sepp Gallauer

Susa Meyer, Silvia Meisterle, Sandra Cervik und Swintha Gersthofer. Bild: Sepp Gallauer

Pauline Knof beweist als mondäne Pierrette ihr Showtalent. Bild: Sepp Gallauer

Swintha Gersthofer und Anna Laimanee, sie in ihrem ersten Engagement neu am Haus, gestalten die Töchter Susanne und Catherine zwischen teenageraufsässig und jungdamenhaft. Dass Sandra Cervik in die Figur von Gabys Schwester Augustine schlüpft, ist ein Glück. Cervik macht aus der altjüngferlichen, verbiesterten Giftspritze ein Kabinettstück, mit Hingabe tut sie deren Verdächtigungen und Vermutungen und Vorstellungen von korrektem Verhalten kund, bis sie mit Verve das Entlein in einen Schwan verwandelt. Pauline Knof schließlich als letztes Mitglied der skandalösen Sippe spielt Gabys Schwägerin Pierrette als mondäne Lebefrau.

Isabella Gregor und Silvia Meisterle sind als Köchin Madame Chanel und Dienstmädchen Louise zu sehen, nach außen hin resigniert-ergeben, aber durchaus mysteriös die eine, verführerisch kess und nur widerwillig gehorchend die andere. Insgesamt lässt sich über die Darstellerinnen sagen: Der Tod steht ihnen gut. Nach Drehungen und Wendungen, Manipulationen und unsauberen Machenschaften, und dem wahren Satzfragment „Wenn wir Frauen doch nur besser zusammenhielten“, wird die Tat zweieinhalb Stunden später enttarnt. Sollte es jemanden geben, der tatsächlich keine Ahnung hat, wie’s geschehen ist – anschauen …

Video: www.youtube.com/watch?time_continue=1&v=2A9t_C2x54s

www.josefstadt.org

  1. 11. 2018

Vestibül des Burgtheaters: Girls & Boys

November 8, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Im Stakkato-Stil durch Eheszenen

Alexandra Henkel. Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Wie sie tänzelt, tobt und für ihren Sohn den Todesstern spielt. Wie sie mit ihm und seiner Schwester Zwiesprache hält, während sie die Kinder mit Kreide an die Wand zeichnet. Wie sie immer wieder im Wortsinn gegen die dann rennt. Das alles ist Alexandra Henkel in Hochform. Dietmar König hat im Vestibül des Burgtheaters Dennis Kellys Monolog „Girls & Boys“ als österreichische Erstaufführung inszeniert, und dabei seine Ehefrau ganz fabelhaft in Szene gesetzt.

Henkel fährt im Stakkato-Stil durch die Ehemomente, von denen Kellys Protagonistin zu berichten hat, sie gibt sich dem drastischen Text, der um Four-Letter Words nie verlegen ist, mit vollem Einsatz hin, ihr intensives Spiel changiert dabei zwischen humorvoll-hysterisch-hintersinnig. Bald bricht die Abgebrühtheit von der sorgsam aufgebauten Fassade dieser Frauenfigur, und Henkel macht dahinter eine Verletztheit sichtbar, die deutlich erkennen lässt, dass diese Geschichte auf eine Katastrophe zusteuert. Das ist schon so Dennis Kellys Art, seine Allerweltsstories ins Allerschlimmste kippen zu lassen.

Erzählt wird tatsächlich etwas erschreckend Alltägliches. „Was passiert ist, geschieht alle zehn Tage“, erfährt man. Ein weiblich-toughes Ich lernt – nach ebenso destruktiver wie verstörend belebender Saufen-Drogen-Ficken-Phase – beim Selbstfindungstrip durch Europa in der Warteschlange vor einem Billigflug-Check-In-Schalter ein „Deppengesicht“ kennen. Das sich jedoch auf den zweiten Blick als „Genie im Körper eines griechischen Gottes“ entpuppt. Also, erst Heirat, dann Lina und Benni, dann macht sie Karriere als Dokumentarfilmproduzentin, während seine Möbelfirma in Konkurs geht. Es folgt die Scheidung mit dem Scheidungsgrund: Eifersucht auf den Erfolg der Frau. Es fällt der Satz „Es wird nie passieren, dass du meine Kinder hast, und ich nicht“.

Henkel setzt beim Sprechen ihre Pointen, mit Augenzwinkern bezieht sie auch das Publikum mit ein, das Vestibül als Spielort dafür ideal – um auf Tuchfühlung zueinander zu gehen. Die Gedankengänge durch die Beziehungsprobleme unterbricht sie mit ihrem Spiel mit den Kindern, Benni, der bevorzugt ganze Planeten zerstört, und die Bastelarbeiten seiner Schwester, Lina, ganz besonnene Jung-Architektin, die bei der Mutter um „Baugenehmigung“ ansucht. Wenn die sich in ihrer Überforderung ertappt sieht, kann einem auffallen, dass die renitenten Antworten und ausgefeilten Argumente der Dreikäsehochs viel zu erwachsen sind. Einmal prasselt nackte Angst auf die „perfekte Kleinfamilie“, als Lina ihrer Mutter in einem Menschengewühl abhanden kommt.

Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Bild: Reinhard Werner/Burgtheater

Im Subtext zeigt sich Dennis Kellys Ein-Personen-Stück als messerscharfe Analyse übers Kontrolle-Haben, über Kontrollverweigerung und Kontrollverlust. Die Frau hat, das sagt sie am Ende, um dem zu entgehen, ihre Erinnerungen ganz bewusst manipuliert. Eine Strategie der Seele, um den Mann aus ihrem Leben auszuradieren. Da lässt Henkel nicht nur die Schutzhülle ihrer Figur reißen, da platzt auch die des Publikums. „Girls & Boys“ ist ein Abend, der einen in jeder Hinsicht mitnimmt. Klug entgeht Dietmar König der Gefahr, aus Kellys kämpferischem Text ein Debattiertheater über Geschlechterrollen zu machen – „Wir haben die Gesellschaft nicht für Männer erschaffen. Sondern um ihnen Einhalt zu gebieten“, heißt es etwa an einer Stelle -, fein verschafft sich Alexandra Henkel das angemessene Nähe-Distanz-Verhältnis zu dieser Figur. Zu Recht gab’s viel Applaus.

www.burgtheater.at

  1. 11. 2018