Armes Theater Wien: Die Frau vom Meer

August 16, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Wie Ebbe und Flut in den Seelen

Krista Pauer und Aris Sas. Bild: Martin Hauser

Es ist das Faktotum Ballested, Schauspieler, Maler, Tanzlehrer, hier nun auch Fremdenführer, der die „Reisegruppe aus Wien“ im kleinen Kurorthotel empfängt, und gleich einmal auf die Fjordcard hinweist, mit der es alles um zehn Prozent preiswerter gibt. Das Hotel ist im Ottakringer Bockkeller des Wiener Volksliedwerks untergebracht, wo Erhard Pauer Ibsens „Die Frau vom Meer“ in einer Bearbeitung von Krista Pauer inszeniert hat.

Dies mit heiter-melancholischem Grundton und in ihrer Bittersüße exakt gearbeiteten Figuren. Bei Pauer wird das Schauspiel um platzende Träume und verschüttgehende Weltbilder beinah zur Tragikomödie, immer wieder darf man auch schmunzeln, wenn die vereinten Frauenmissversteher am Werk sind, wenn sie sich der einzelgängerischen Protagonistin des Stücks ungeschickt nähern, nur, um die nächste Abfuhr zu erhalten. Die Pauers geben dabei dem Feministen Ibsen Raum, wenn sie Männer zeigen, die Frauen nach ihren Wünschen formen und manipulieren wollen, und Frauen, die sich deshalb neue – in der Regel allerdings ungesunde – Wirklichkeitsbilder schaffen. In ihren Händen wird „Die Frau vom Meer“ ein Spiel um Ebbe und Flut in den Seelen.

Krista Pauer spielt die Ellida. Die Tochter eines Leuchtturmwärters, die auf einer Insel mitten im Meer aufwuchs, hat den Arzt Wangel geheiratet, mit dem und seinen beiden Töchtern aus erster Ehe, Bolette und Hilde, sie nun in der Kleinstadt am Ende des Fjords lebt. Nie hat Ellida in Wangels Haus wirklich Wurzeln geschlagen, jeden Tag zieht es sie ans Meer, dessen Unberechenbarkeit sie zugleich abschreckt und anzieht. Um sie aufzuheitern hat Wangel Bolettes ehemaligen Lehrer und in früheren Tagen verschmähten Anbeter Ellidas, Arnholm, eingeladen. Der interpretiert die Geste falsch, als Aufmunterung um Bolette anzuhalten.

Florian Sebastian Fitz. Bild: Martin Hauser

Daniel Ruben Rüb. Bild: Martin Hauser

Und dann ist da noch der junge Kurgast Lyngstrand, der eines Tages die Geschichte vom ertrunkenen Seemann erzählt, der zurückkehrt aus der schwarzen See, eine Geschichte, die Ellida sehr vertraut ist, ist es doch ihre eigene. Erschüttert ist sie nun überzeugt davon, dass der Amerikaner sie holen kommen wird. Und während man sich noch fragt, ob man es mit Albtraum, einer pathologischen Todessehnsucht oder doch der Realität zu tun hat, dreht sich dies Stück ums Ungesagte, nur Angedeutete weiter. Die Hintergrundgeräusche in ihrem Kopf werden lauter, und Ellida trifft eine schwerwiegende Entscheidung …

Krista Pauer legt Ellida als hochgradig bipolar Gestörte an, mit großem Feingefühl bewegt sie die Figur zwischen himmelhoch jauchzend und zu Tode betrübt. Als sei sie in einem Käfig eingesperrt stolpert sie über die Spielfläche, seufzend unter der erdrückenden Last der bevorstehenden Heimsuchung. Sie vollzieht emotionelle Kraftakte, mit denen sie nach Haltung sucht, um gleich wieder zusammenzubrechen unter dem Gewicht ihrer Gefühle. Die Männer rund um sie, wiewohl sie alle um sie buhlen, wissen wenig mit ihr anzufangen. Jeder lebt hier in den anderen verschlossenen Welten.

Aris Sas als Wangel, liebevoll, bemüht einfühlsam, doch unfähig sich aus seiner Stasis zu befreien, tut einem als Ellidas Ehemann fast schon leid. Er glaubt an Heilung durch Umzug zurück auf die Inseln, muss aber natürlich an diesem Lebensansatz scheitern. Daniel Ruben Rüb schlüpft in die Rolle des Arnholm. Als solcher trudelt er umher auf der Suche nach immer neuen Möglichkeiten, die ihn umgebenden Frauen zu ergründen, hilfsbereit will er sich zeigen, vor allem gegenüber Bolette, doch scheitert er jedes Mal aufs Neue wegen mangelnder Sehkraft für das Wesen der Dinge.

Klaus Fischer. Bild: Martin Hauser

Cornelia Mooswalder und Celina Dos Santos. Bild: Martin Hauser

Auch das Dreieck Bolette, Lyngstrand, Hilde – Cornelia Mooswalder, Florian Sebastian Fitz und Celina Dos Santos – hat Erhard Pauer mit großer Sensibilität in Szene gesetzt, die ältere Tochter gegenüber der außer sich seienden Stiefmutter einlenkend, dennoch im Wortsinn das Weite suchend, die jüngere eine kindliche Hintertreiberin. Der lungenkranke Lyngstrand ahnt hier nichts von seiner kurzen Lebensdauer, gibt sich als egomanischer Möchtegernkünstler, der erst um das eine Mädchen, dann um das andere tänzelt, jedoch an deren emanzipatorischen Ansätzen scheitert. Bleibt schließlich Klaus Fischer, der einen wunderbar kauzigen Conférencier Ballested spielt, und als solcher quasi durch die Handlung führt. Er ist der einzige Freie unter all den Ibsen-Figuren, die doch nur auch das eine wollen – Freiheit, sich aber von ihren kleinbürgerlichen Ängsten und Zwängen nicht lösen können.

Was Erhard Pauer und seinen Darstellern hier gelungen ist, ist große Kunst, nicht, weil dieser Abend Antworten und Lösungen anbietet, sondern weil er die erschreckende Ahnung von der Einsamkeit der Menschen und deren vergeblichen Mühen um Zusammenleben und Kommunikation mit anderen ins Bewusstsein zerrt. Was einem mitunter den Hals zuschnürt. „Die Frau vom Meer“ des Armen Theater Wien ist zu verstehen als Tauchgang in die eigene Psyche.

www.armestheaterwien.at

  1. 8. 2018

Marina Perezagua: Hiroshima

August 15, 2018 in Buch

VON MICHAELA MOTTINGER

Wir sind die Bombe in uns

Als Bericht einer Ich-Erzählerin an einen Unbekannten hat die spanische Autorin Marina Perezagua ihren Debütroman „Hiroshima“ angelegt. Die Frau, die darauf Wert legt, mit ihrer Aussage weder Geständnis abzulegen noch nach Rechtfertigungen zu suchen, nennt sich H. – wie Hiroshima, doch auch weil dies im Spanischen ein stummer Buchstabe ist. Bald wird klar, dass ein Verbrechen geschehen sein muss, doch bis zum Ende hält Perezagua ihren Roman geheimnisvoll und klärt den Leser nur häppchenweise über die schrecklichen Geschehnisse auf, deren Opfer die Protagonisten des Buches wurden.

H. wurde 1945 von der Atombombe „Little Boy“ entstellt. Für später notwendige Operationen geht sie in die USA, wo sie in New York den Kriegsveteranen Jim trifft. Auch er hat die Hölle auf Erden durchlebt – als Kriegsgefangener der Japaner, der in Birma an der „Eisenbahn des Todes“ mitbauen musste, der größten Tötungsmaschinerie nach Auschwitz. H. und Jim, die beiden versehrten Liebenden, verschreiben sich einer beinah unlösbaren Aufgabe: Jim wurde in Japan ein Säugling überantwortet und diese „Tochter“ beginnen die zwei nun zu suchen. Ihr Weg führt sie rund um den Globus, wo ihnen die Abgründe menschlicher Gewalt bei jeder Station deutlicher vor Augen geführt werden. Bis schließlich aus der Finsternis Afrikas ein Lebenszeichen von Yoro zu ihnen dringt. Doch Jim stirbt einen frühen Tod, und so macht sich H. allein auf nach Namibia …

Mit unglaublicher sprachlicher Wucht erzählt Perezagua ihre Geschichte. Sie versteht es, den größten Schrecken in poetische Bilder zu packen. „Wir klingen alle gleich, wir sprechen in einem abgehackten, unregelmäßigen und irgendwie gerillten Tonfall, wie das Rascheln eines Toten, der an einem Laken reißt, um wiedergeboren zu werden“, heißt es an einer Stelle über die Überlebenden der Explosion. Mit Jim, sagt H. an einer anderen, spreche sie eine Art „Hybridsprache“, die den Limbus widerspiegle, in dem ihre Seelen gefangen seien. Dabei ist sie überzeugt: „Es gibt ein Recht aufs Frohsein. Nicht die Pflicht dazu.“ Die eindrücklichen Schilderungen der gesellschaftlichen Ächtung atomar Verseuchter in Japan oder Folterszenen im Kriegsgefangenenlager nehmen einem manchmal den Atem. Die Welt, die die Autorin zeigt, ist voll Grausamkeit und Leid. In die neun Schwangerschaftsmonate hat sie ihren Roman gegliedert – von 1942 bis 2014.

Ein wenig hat sie den Text allerdings mit Themen überfrachtet. Es geht darin um Vergewaltigung, Mutterschaft, Einsamkeit, Neurosen, Transsexualität und einiges mehr. An konkreten Beispielen veranschaulicht sie den barbarischen Umgang mit afrikanischen Minenarbeitern. Sie thematisiert medizinische Experimente an Menschen, Genitalverstümmelung und andere Gräueltaten. Die Selbstverbrennung des vietnamesischen Mönchs Quang Duc kommt ebenso vor, wie der berühmteste Hermaphrodit des 19. Jahrhunderts, Abel Barbin. Perezagua prangert Rassismus in den USA und kriminelles Verhalten von UN-Soldaten im Kongo an. „Die Vereinten Nationen, diese Hure mit tausend stets für das Weiße Haus empfangsbereiten Mösen schicken Soldaten in den Kongo, die nur dafür da sind, Tote zu zählen und zuzuschauen. Sie sind die großen Gaffer der Welt, die Voyeure des Todes.“

Trotz dieses Zuviel ist „Hiroshima“ unbedingt lesenswert. Die Perspektive, die der Roman auf die Welt wirft, wird einen bis in die Träume hinein verfolgen. Denn eines macht Perezagua deutlich: Wir alle sind die Bombe in uns.

Über die Autorin: Marina Perezagua wurde 1978 in Sevilla geboren. Sie veröffentlichte Kurzgeschichten in Magazinen und Anthologien sowie Romane. Seit 2001 lebt sie in New York, wo sie an der New York University lehrt. „Hiroshima“ ist ihr erster Roman.

Klett-Cotta, Marina Perezagua: „Hiroshima “, Roman, 374 Seiten. Übersetzt aus dem Spanischen von Silke Kleemann.

www.klett-cotta.de

  1. 8. 2018

Art Carnuntum: The Taming of the Shrew

Juli 2, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Shakespeare’s Globe bezaubert das Publikum

Haben wieder ihre Instrumente ausgepackt: Cynthia Emeagi, Sarah Finigan, Colm Gormley und Steffan Cennydd. Bild: Marc Brenner

Mit fulminanten Vorstellungen von „The Taming of the Shrew“ und „Twelfth Night“ begeisterte das Londoner Shakespeare’s Globe Theatre sein Publikum im Carnuntiner Amphitheater. Wie stets hatten die Schauspieler ihre Musikinstrumente ausgepackt – Gitarre, Saxophon, Akkordeon, Querflöte und mehr -, um dem britischen Barden ihre Reverenz zu erweisen. Jenseits aller Fragen nach Alter, Geschlecht oder Hautfarbe wurde großartiges Theater präsentiert.

Etwa „The Taming of the Shrew“ als mutmaßlich erste Screwball-Comedy der Welt, die es auch an Slapstick nicht vermissen ließ. Mit einer herausragenden Sarah Finigan als Bianca, die eben noch als Shylock zu sehen war. Schwungvoll ging’s von Versprechen zu Versprechern, und den drei mitgiftjägerischen Bianca-Bewerbern; wenn sich eine Klammer in den diesjährigen Produktionen finden lässt, dann zweifellos die um Reichtum und dessen Erhaltung oder Gewinn. Temperamentvoll und sehr männlich gestaltet Colm Gormley seine Rolle als Petruchio, ein Held in Unterhosen und zerrissenem Wamst, dem Rhianna McGreevy als Katherina nichts schuldig bleibt. Dass deren beider Infight mitunter zu tatsächlichen Handgreiflichkeiten führt, versteht sich.

So geht’s munter zu um die Verschacherung von Frauen, ohne dass die im deutschsprachigen Raum so verbreitete Emanzipationskarte gezogen werden muss. Das ist auch nicht nötig, man versteht auch so, dass es Bianca faustdick hinter den Ohren hat, und Katherina ihren Frischangetrauten manipuliert, um ihren Willen zu bekommen. Am Ende sind Petruchio und sie ein eingespieltes Team, das eine ganze Gesellschaft bloßstellt, um seinen Wettgewinn einzufahren.

Vollblutkomödiant Russell Layton begeistert das Publikum. Bild: Marc Brenner

Neben den Hauptfiguren begeistern Luke Brady als Lucentio, Steffan Cennydd als Hortensio, Cynthia Emeagi als Baptista und Russel Layton als Tranio mit Jaqueline Phillips als Gremio. Was mehr ist zu sagen? See you hopefully next year, wenn Art-Carnuntum-Mastermind Piero Bordin wieder zum Festival bittet.

www.artcarnuntum.at

  1. 7. 2018

Art Carnuntum: The Merchant of Venice

Juni 30, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Eine Geschichte über Geld machen und Gewinnsucht

Shylock will sein Pfund Fleisch: Sarah Finigan, Russell Layton, Rhianna McGreevy, Jacqueline Phillips, Luke Brady und Steffan Cennydd. Bild: © Barbara Pálffy

Im Programmheft-Interview sagt Regisseur Brendan O’Hea, „Der Kaufmann von Venedig“ sei für ihn kein antisemitisches Stück, sondern ein Stück über Antisemitismus. Das ist spannend anzuschauen, ist Shakespeares Werk im deutschsprachigen Raum doch ein extrem vorbelasteter Text, über den sich Theatermacher höchst selten und wenn mit Samthandschuhen heranwagen.

Nicht so die Londoner. Shakespeare’s Globe ist nach einer Direktorinnenwechsel-bedingten Pause zurück bei Art Carnuntum und zeigt als erste von drei Produktionen, dass man den Shylock auch Ideologie-unbelastet präsentieren kann. Zumal dieser hier von einer Frau gespielt wird. „The Merchant of Venice“ von der Themse entpuppt sich ergo als – wie immer – hochmusikalisches Volkstheater, die Bühne nicht viel mehr als eine „Bretterbude“, und wohl noch nie hat man das Kaufleutegerangel in der Lagunenstadt so humorvoll umgesetzt gesehen. Geschlecht, Alter und Hautfarbe spielen im Ensemble, das in jeweils mehrere Rollen schlüpft, wie man’s kennt, keine Rolle. Sarah Finigan ist als Shylock kein Sympathieträger, auch kein Opfer, aber ein von der Gesellschaft Gedemütigter, der beschließt, seine Rache voll auszuleben. So wird der Schuldschein zur Sache zwischen zwei Männern, Russell Layton brilliert als Antonio, und kaum jemals wurde in einer deutschsprachigen Inszenierung klar, dass er der im Titel angesprochene „Kaufmann von Venedig“ ist.

Jessica und Lorenzo: Cynthia Emeagi und Steffan Cennydd. Bild: © Barbara Pálffy

Wie immer ist die Inszenierung hochmusikalisch: Rhianna McGreevy, Russell Layton, Sarah Finigan, Canthia Emeagi, Colm Gormley und Steffan Cennydd. Bild: © Barbara Pálffy

In O’Heas Regie wird aus dem ernsten Stoff eine Liebeskomödie mit getäuschten Altvorderen, wunderbar etwa wie Steffan Cennydd als Prince of Arragon ein „Ausländer“-Englisch persifliert, wird aus Shylock eine Figur, ein reicher Geizhals, der mehr ums Geld denn um seine – in seinen Augen – entehrte Tochter weint. Das Thema ist Geld machen und Gewinn-/sucht, das passt (noch) zur Finanzstadt London, deren Topographie sich nach dem Brexit wohl drastisch verändern wird. Darüber hinaus setzt O’Hea auf Frauenpower, den Parts von Portia und Nerissa, dargestellt von Jacqueline Phillips und Rhianna McGreevy, und ihrer Intrige als „Advokat“ Balthasar und dessen Gehilfen, wird mehr Platz eingeräumt als hierzulande üblich.

Cynthia Emeagi gibt eine ziemlich emanzipierte, keinesfalls entführte, sondern aus freien Stücken gegangene Jessica, Steffan Cennydd in seiner „Hauptrolle“ einen liebestrunkenen Lorenzo. Luke Brady ist ein ehrenwerter Bassanio, Colm Gormley ein unter dem Pantoffel seiner frischangetrauten Nerissa stehender Gratiano. Am Ende geht’s um Gnade, die „vom Himmel tropft wie Regen“ und „in den Herzen von Königen wohnt“. Einem Kind Österreichs fällt auf, dass Shylock die Szene mit einem wie bei den NS-Deportationen genehmigten kleinen Koffer verlässt.

Offenbar nehmen die Briten das also doch wahr.

www.artcarnuntum.at

  1. 6. 2018

Sommernachtskomödie Rosenburg: Monsieur Claude und seine Töchter

Juni 29, 2018 in Bühne

VON MICHAELA MOTTINGER

Gute-Laune-Abend nach dem gleichnamigen Kinohit

Die Töchter Verneuil: Constanze Passin, Adriana Zartl, Tanja Raunig und Angelika Niedetzky. Bild: Sommernachtskomödie Rosenburg

Und wieder hat Marcus Ganser einen Komödienhit gelandet. Bei der Sommernachts- komödie Rosenburg zeigt der Regisseur und Bühnenbildner nach seiner großartigen Vorjahrsinszenierung von „Schlafzimmergäste“ die Bühnenadaption von „Monsieur Claude und seine Töchter“ und beweist sich damit einmal mehr als Meister des Boulevards. Er hat die französische Filmvorlage aus dem Jahr 2014 in einen Gute-Laune-Abend verwandelt.

Der allerdings bei hohem Funfaktor nicht aus den Augen verliert, dass hier durchaus die brisanten Themen zur Zeit verhandelt werden. Dass diese Übung so glänzend gelingen konnte, ist Ganser, der diesmal auf ein Bühnenbild aus Puzzlesteinen, die sich ineinander fügen, setzt, vor allem zu danken, indem er die Untiefen des Original-Drehbuchs geschickt umschifft, auf allzu arge Schenkelklopfmomente verzichtet und stattdessen lieber einen Finger in gesellschaftliche Wunden legt. Mitunter fallen Sätze, da stockt einem der Atem, heißt: die Welt hat sich in den vergangenen Jahren gedreht und dreht sich immer noch, hat Menschen näher aneinander gerückt, eine Not, für die manche nicht im Entferntesten bereits sind, Verständnis aufzubringen. Ganser nimmt diese Entwicklungen aufs Korn, und nimmt sie so ernst, dass einem gar nichts anderes übrigbleibt, als darüber ein Lachen zu legen.

Xenophobie, die Angst vor dem „anderen“, ist bei ihm überall zu Hause, quasi „Ausländer raus aus dem Ausland!“, wie Lukas Resetarits seinen Protagonisten im berühmten „Tschusch-Tschusch“-Sketch rufen lässt. Ganser hat die gängigen Klischees bis zur Selbstentlarvung zugespitzt und lässt sie vom Ensemble nun lustvoll ausspielen. Wie ein Atout nach dem anderen fallen die gegenseitigen Vorurteile über Herkunft, Hautfarbe und Religion, auch Essgewohnheiten, und wenn hier ein Asiate als „Glückskeks“ verunglimpft wird, ist das fast noch ein Kosename. Alltagsrassismus light, sozusagen, und Gansers Arbeit bringt das alles pointiert auf den Punkt. Dem Filmischen ist er insofern verbunden geblieben, als er seine kurzen Szenen mit Blackouts trennt – was dem Ganzen tatsächlich etwas Sketchhaftes verleiht. Und für Tempo auf der Bühne und Kurzweil im Publikum sorgt.

Im Mittelpunkt des Multikulti-Spaßes steht Claude Verneuil, der mit seiner Frau Marie ein beschauliches Leben auf dem Lande führen könnte, wenn seine vier Töchter nicht ein Faible für Männer „exotischer“ Abstammung hätten. Einen Moslem, einen Juden und einen Chinesen hat er sich als Schwiegersöhne schon mit der gleichen Freude zugezogen wie andere einen Schnupfen. Nun endlich die jüngste bringt einen echten Franzosen und Katholiken ins Haus, Charles heißt er noch dazu, welch Freude, ist Monsieur doch Gaullist. Mais quel malheur, der junge Mann ist Sch … auspieler, das auch, vor allem aber ein Schwarzer! Ein „illegaler Familieneinwanderer“, wie er sich selbst nennt.

Die Schwiegersöhne: Morteza Tavakoli, Vincent Bueno und Alexander El Dib. Bild: Sommernachtskomödie Rosenburg

Die Väter kommen einander näher: Félix Kama und Florentin Groll. Bild: Sommernachtskomödie Rosenburg

Florentin Groll ist als Monsieur Claude einer der Dreh- und Angelpunkte des Abends, ein Kleinbürger, der auf seiner Kleinkariertheit herumkaut, und fabelhaft in seiner Verstörtheit ob der neu angebrochenen Zeiten, die ihm da ins Haus stehen. Der Wind der Globalisierung weht ihm hart ins Gesicht, und wenn seine Floskeln auch verletzend sind, ist er doch ein guter Vater, der sich um den Familienfrieden fast mehr sorgt als um seine Seelenruhe. Niemand ist hier schwarz oder weiß, heiß oder kalt, gut oder böse, das Verhängnis heißt vielmehr Stolz und Vorurteil, und über beides muss man erst einmal hinwegkommen. Den Höhepunkt erreicht die Sache, als Charles‘ Eltern von der Elfenbeinküste anreisen, und sich André Koffi als der ärgste Chauvinist von allen entpuppt. Félix Kama verleiht der Figur seine imposante Statur und Profil, und wenn sich die beiden Väter beim Angeln und unter Einfluss von ausreichend Rotwein in ihren konservativen Ansichten näherkommen, so sind das mit die schönsten Momente der Inszenierung.

Babett Arens ist als Marie Verneuil mit dem mütterlichen Talent gesegnet, durch das Unangenehme hindurchzuhören, Adisat Semenitsch als Madeleine Koffi hört zwar noch, lässt sich dadurch aber nicht aus der Ruhe bringen. Die vier Liebespaare gestalten Constanze Passin, Angelika Niedetzky, Tanja Raunig, Adriana Zartl, Alexander El Dib, Vincent Bueno, Morteza Tavakoli und Tino Führer. Die Schwiegersöhne ergehen sich in gegenseitigen Ressentiments, bringen im Ringen um die Gunst des Schwiegervaters aber auch sehr viel Selbstironie mit in die Situation. Der Humor beißt mitunter fest zu, Wortwitz trifft auf französischen Esprit, wenn’s um Israel gegen Palästina, aber vereint gegen China geht.

Als Tausendsassa zeigt sich Wolfgang Lesky. Er ist nicht nur zuständig für die Vertreter aller Religionen, sondern auch für peinliche Nachbarn und beinharte Polizisten. Immer hart an der Karikatur tanzt er seinen Figurenreigen, ganz wunderbar als der eine oder andere Geistliche, der als Antworten auf die Glaubenszweifel seiner Schäfchen nur ein Bartgemurmel hat. Oder als Ordnungshüter, dessen Blick, als Abderazak und Abraham auf der Suche nach den im Alkohol abgesoffenen Familienoberhäuptern in sein Wachzimmer einfallen, ungläubig auf die Multikulti-Situation fällt. Mit solcherart gaghaften Andeutungen lädt Marcus Ganser freilich auch zur satirischen Selbstbefragung ein. Seine Unterhaltung hat Haltung. Und während sich’s auf der Bühne tummelt, muss man sich selbst befragen: Mal ehrlich, sind Sie ein Rassist?

www.sommernachtskomoedie-rosenburg.at

  1. 6. 2018